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En esta ocasión, Murillo representa a los dos muchachos concentrados en su comida. No están mirando al espectador; en realidad, apenas se dan cuenta de nuestra presencia. Mientras devoran el melón y las uvas (quizá uno de los pocos alimentos a los que tendrán acceso en muchos días), conversan tranquilamente, tal y como atestiguan sus miradas cruzadas.

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Niños comiendo uvas y melón, de Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Munich)

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Niños comiendo uvas y melón, de Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Munich)

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Niños comiendo uvas y melón, de Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Munich)

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La obra representa a las tres Gracias, personajes de la mitología griega que simbolizan el encanto, la belleza y la fertilidad: Aglaia, Eufrosina y Talía. Rubens las pinta de pie, entrelazadas en un círculo armonioso y sensual, en un ambiente natural que enfatiza la suavidad de sus formas. Las tres figuras femeninas están desnudas, lo que refleja el ideal de belleza femenina barroca, caracterizado por cuerpos voluptuosos y robustos, una representación que destaca el goce por la sensualidad y la vida.

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Las tres gracias, de Rubens (Museo del Prado, Madrid)

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Las tres gracias, de Rubens (Museo del Prado, Madrid)

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La pintura muestra a María Magdalena sentada junto a una mesa, en un ambiente oscuro e íntimo, iluminado únicamente por una pequeña lámpara de aceite (la lamparilla) que proyecta una luz suave y envolvente. Magdalena, con una expresión serena y meditabunda, está contemplando un cráneo humano que sostiene en su regazo, símbolo de la vanitas, recordatorio de la mortalidad y el arrepentimiento por los pecados. Su cuerpo y rostro están bañados en una luz tenue que resalta la calma de la escena y la profundidad espiritual del momento.

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Magdalena penitente de la lamparilla, de Georges de La Tour (Museo del Louvre, París)

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Magdalena penitente de la lamparilla, de Georges de La Tour (Museo del Louvre, París)

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La obra representa un momento dramático de la tradición cristiana, donde San Pedro se encuentra con Cristo mientras huye de Roma, donde se enfrentaba a la persecución. El título de la pintura se traduce como "Señor, ¿adónde vas?", lo que captura la esencia de la escena y el dilema emocional de San Pedro. En la composición, Jesús aparece en una postura digna y serena, mientras que San Pedro se muestra sorprendido y angustiado.

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Annibale Carracci, Domine, quo vadis?, 1602

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Annibale Carracci, Domine, quo vadis?, 1602

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La obra representa a David sosteniendo la cabeza decapitada de Goliat, un momento crucial de la historia bíblica. La figura de David es joven y vulnerable, contrastando con la brutalidad de la cabeza de Goliat que sostiene. El fondo oscuro resalta la figura de David y la sangre que gotea de la cabeza, intensificando el drama de la escena.

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Caravaggio, David con la cabeza de Goliat, 1609–1610

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Caravaggio, David con la cabeza de Goliat, 1609–1610

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La obra representa el momento dramático en el que Judit, una heroína bíblica, decapita a Holofernes, un general asirio. La escena está llena de acción y tensión, con Judit sosteniendo una espada mientras se prepara para dar el golpe final. A su lado, su sirvienta, Abra, sostiene la cabeza de Holofernes, ayudando en la tarea. La composición es intensa y dinámica, capturando la brutalidad del acto.

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Artemisia Gentileschi, Judit decapitando a Holofernes, c. 1612–1613

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Artemisia Gentileschi, Judit decapitando a Holofernes, c. 1612–1613

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La obra retrata a San Serapio, un santo y mártir que es venerado en la tradición católica. En la pintura, San Serapio aparece en un estado de contemplación, vestido con un hábito monástico blanco y con una expresión serena y tranquila en su rostro. Su postura es de calma y devoción, con las manos cruzadas sobre el pecho, mientras que su mirada está dirigida hacia arriba, sugiriendo una conexión espiritual con lo divino.

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Francisco de Zurbarán, San Serapio, 1628

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Francisco de Zurbarán, San Serapio, 1628

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La obra representa el momento de la lamentación de Cristo, tras su crucifixión, en el que la Virgen María, junto con otros personajes, llora la muerte de su hijo. La escena está llena de dolor y tristeza, capturando la emoción intensa del momento. Cristo es representado en el centro, su cuerpo inerte es sostenido por María y San Juan, quienes muestran expresiones de profundo pesar.

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Annibale Carracci, La lamentación de Cristo, c. 1604

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Annibale Carracci, La lamentación de Cristo, c. 1604