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"Carne de tu carne" es una película colombiana dirigida por Carlos Mayolo, lanzada en 1983. La historia sigue a Andrés, un joven ambicioso que llega a la ciudad de Cali en busca de oportunidades económicas.

Andrés se instala en una pensión donde se encuentra con una serie de personajes que representan diferentes estratos sociales y experiencias. A medida que se adentra en la vida en la ciudad, Andrés se enfrenta a la cruda realidad de la desigualdad social, la corrupción y la violencia que impera en la sociedad.

La película utiliza la sátira y la crítica social para revelar cómo la pobreza y la opresión son explotadas y comercializadas en diversos ámbitos, como la industria cinematográfica, la publicidad y el turismo. A lo largo de la trama, Andrés se ve influenciado por figuras emblemáticas de la cultura popular, como "El Pirata Morgan", personaje televisivo que representa la manipulación de la realidad y la influencia de los medios de comunicación en la construcción de la identidad y la percepción social.

La narrativa de la película se caracteriza por elementos del género del terror y el realismo mágico. Los sueños y las visiones de Andrés se entrelazan con la realidad, llevando al espectador a un mundo simbólico y surrealista donde los límites entre la fantasía y la realidad se desdibujan.

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"Burning" es una película surcoreana estrenada en 2018 y dirigida por Lee Chang-dong. Está basada en el cuento corto "Quemar graneros" del autor japonés Haruki Murakami. La película fue aclamada por la crítica y recibió numerosos premios en festivales internacionales, incluyendo elogios en el Festival de Cine de Cannes.

La trama de "Burning" sigue a Jong-su, un joven que trabaja en una tienda de entregas a domicilio en Seúl. Un día, Jong-su se encuentra con su antigua vecina de la infancia, Hae-mi, quien le pide que cuide de su gato mientras ella está de viaje. A medida que Jong-su se hace cargo del gato, se desarrolla una relación entre los dos.

Cuando Hae-mi regresa de su viaje, presenta a Jong-su a Ben, un hombre misterioso y adinerado que conoció durante su tiempo fuera. A medida que Jong-su pasa más tiempo con Hae-mi y Ben, comienza a sospechar que hay algo extraño en la relación entre ellos. La película se sumerge en la psicología de los personajes y explora temas como la soledad, la envidia y la obsesión.

"Burning" se destaca por su narrativa lenta y atmosférica, que permite a los espectadores sumergirse en el mundo de los personajes y capturar la sensación de alienación que experimentan. La película también aborda cuestiones sociales y económicas, retratando la desigualdad y la brecha entre las clases en la sociedad surcoreana.

La dirección de Lee Chang-dong es elogiada por su habilidad para crear una tensión sutil y mantener al espectador en vilo durante toda la película. El trabajo de cámara es meticuloso y captura paisajes y escenarios urbanos con una belleza visual notable.

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La película colombiana La mansión de Araucaíma (1986) es una adaptación hecha por el mítico cineasta caleño Carlos Mayolo de la novela homónima del escritor Álvaro Mutis.

El término "gótico tropical" hace referencia al tipo de historias góticas propias de la literatura europea del siglo XIX, pero adaptadas al contexto tropical colombiano. En este caso, en las cálidas tierras del Valle del Cauca.

Según Marc Berdet, antropólogo y doctor de la Universidad París 1 Panthéon-Sorbonne, autor del texto Gótico tropical y surrealismo. La novela negra de Caliwood, el "gótico tropical" son historias con elementos místicos y oscuros como vampiros, zombis, incesto, canibalismo social y antropológico entre clases, sobre un fondo de antiguo esclavismo y colonialismo moderno propio de América Latina.
La mansión de Araucaíma es una casona ubicada en medio del Valle del Cauca donde vive un grupo de personajes pintorescos y un poco siniestros. La Machiche, el guardián, el fraile, el piloto, el propietario y su sirviente.

La historia de este lugar da un giro con la llegada de Ángela, la modelo, una joven que llega a romper el delicado equilibrio que reinaba en el lugar y desencadena una serie de eventos extraños, eróticos y fantasmagóricos.

Esta película envuelve al espectador en una atmósfera tétrica e intrigante, mientras los personajes que viven en esta mansión desnudan sus pasiones escondidas y dan rienda suelta a un festín surrealista.

By Laura Rangel

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Esta adaptación cinematográfica del famoso drama de Georg Büchner es una obra maestra en todos los sentidos. Klaus Kinski ofrece una actuación muy buena (con respecto a todos sus gestos desde el comienzo) como Franz Woyzeck, un soldado atormentado y desesperado que lucha por sobrevivir en una sociedad cruel. Su interpretación es intensa y conmovedora, capturando la vulnerabilidad y angustia emocional del personaje.

La visión de Herzog es audaz y única, creando una atmósfera sombría y opresiva que refleja perfectamente la desesperación de Woyzeck. La cinematografía es impresionante y la música evocadora, sumergiendo al espectador en la mente perturbada del protagonista. La película aborda temas universales como la opresión social y la lucha por la supervivencia, manteniéndose relevante incluso en la actualidad.

Te dejará reflexionando sobre la condición humana y la lucha contra las fuerzas opresivas de la sociedad.

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Esta pelicula trata de dos amigos, Marko y Blacky, a medida que se ven envueltos en situaciones turbulentas y cambiantes a lo largo de varias décadas. Se ubica en Yugoslavia desde la Segunda Guerra Mundial hasta el conflicto en los años 90.

El largometraje se adentra en la compleja relación entre los personajes, marcada por la amistad, la traición y el amor. A medida que la historia avanza, se exploran temas como la política, la resistencia, la corrupción y las consecuencias de la guerra. "Underground" también hace uso de la sátira para criticar el liderazgo político y los conflictos étnicos que plagaron a Yugoslavia en ese período.

Uno de los elementos distintivos de la película es su enfoque surrealista y la presencia de simbolismo visual. Emir Kusturica utiliza metáforas y situaciones extravagantes para representar la complejidad de la historia y las tensiones sociales y políticas. La música también desempeña un papel importante, con una banda sonora ecléctica que refleja los diferentes momentos históricos y emocionales de la trama.

A través de la amistad y las experiencias de los personajes, la película ofrece una mirada crítica y a veces surrealista a los eventos históricos y las consecuencias humanas de la política y la guerra.

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Faustrecht de Freiheit (La ley del mas fuerte). Sofía Uzcátegui

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Faustrecht de Freiheit (La ley del mas fuerte). Sofía Uzcátegui

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La ley del mas fuerte es una película de 1975 dirigida y protagonizada por Rainer Werner Fassbinder, quien hace el papel de Franz Biberkopf, un hombre homosexual, pobre e ingenuo.
Franz trabaja en una feria haciendo el número de "Fox, la cabeza parlante", hasta que un día se gana la lotería. Con tanto dinero, Franz obtiene la atención de Eugen, el hijo de un empresario al borde de la bancarrota. Ellos comienzan una relación en la que Franz está muy enamorado de Eugen y Eugen del dinero. Franz gasta su fortuna sin mayor preocupación siguiendo los consejos su novio, quien se avergüenza de Franz, y sus comportamientos, "poco refinados", por lo que intenta cambiarlo completamente, y lo hace financiar el negocio de su padre.
Así como suena la premisa, la película termina mal, Eugen le quita todo a Franz. Y Franz se suicida.

Lo que me gustó de la película es que está protagonizada por personajes homosexuales, pero la película no trata de eso, el conflicto de la historia no radica en el hecho de que sean homosexuales, como sucede en muchas historias con personajes LGBT+.  La ley del mas fuerte es una película sobre la traición, con personajes gays, y me gusta que la representación LGBT se aborde de esta forma tan natural.

Por otro lado, lo que no me gustó de la película es que llega a ser predecible. Después de que las intenciones de Eugen son claras, vemos lentamente a Franz aproximarse a su perdición.

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“Tan lejos, tan cerca” Victoria Esquivel 

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“Tan lejos, tan cerca” Victoria Esquivel 

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“Tan lejos tan cerca” de 1993 es un largometraje dirigida por por el realizador alemán Win Wenders.

La película va de un Angel llamado Cassie que va de un lado a otro escuchando y acompañando a los humanos, con frecuencia no entiende su comportamiento, y le gustaría poder intervenir para remediar tantos males. Un día salva la vida de una niña, y gracias a esto llega a convertirse en un ser humano descubriendo que actuar bien no es tan fácil, esto se ve reflejado en cómo empieza a emborracharse y a usar una pistola que se robó para atracar y amenazar a las personas que lo cuestionaban.

La estructura narrativa de la película es decididamente complicada, pues cambia muchas veces el estilo. Tiene una primera parte en blanco y negro, en la que vemos como Cassie percibe a las personas de Berlín, y en la que abunda la voz en off para mostrar el pensamiento de los humanos. Cuando Cassiel se convierte en hombre el film pasa a color, retornando al blanco y negro en los momentos en que muestra la visión de otros ángeles como su amiga Raphaela o el Angel amargado.

Puedo decir que el final aunque era muy heroico no me terminó de convencer ya que la escena final tuvo un clímax muy corto y el secuestrador de sus amigos simplemente lo mató y después lo atrapan, se llega a sentir como si su muerte hubiera sido innecesaria o forzada.

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Padlet de gato negro, gato blancoLa película trata sobre Makta, quien le pide dinero prestado a Grga, un amigo de su padre Zarjie, para iniciar un negocio de petróleo en el mercado negro con Dadan. Cuando Makta recibe los vagones de petróleo, los guardias de la estación de tren lo drogan, lo engañan y le roban los vagones, lo que lo deja con una gran deuda con Dadan. Dadan lo amenaza de muerte si no le devuelve los vagones que compró, así que Makta hace un trato con él. Como no tiene suficiente dinero para saldar su deuda, el trato consiste en que su hijo se case con la única hermana soltera de Dadan.La película muestra varias características que se observaron durante la guerra de Yugoslavia, aunque a pesar de ser una comedia romántica, se puede apreciar que todos los personajes son erráticos y agresivos, llegando al punto de amenazar a las personas con armas de fuego. Aunque se justifica en cierta medida el comportamiento de Grga, quien le presta dinero a Makta para evitar que lo estafe, hay momentos en los que no se justifica, como cuando la nieta de la abuela del restaurante usa una escopeta para molestar al jardinero y a otras personas.Otra característica que se puede observar en la película es la presencia de figuras de poder tiránicas y otras que predominan a pesar del tiempo. En el caso de las primeras, Dadan y Makta ejemplifican esto, ya que a pesar de que Makta es víctima de Dadan en el trato que tienen, esto no le impide aprovecharse de Dadan y Grga cuando la situación cambia a su favor, como cuando Grga Junior le pide matrimonio a Afrodita. Dadan también se aprovecha de la situación, tanto cuando tiene el control como cuando las cosas no salen como planea para tratar de saldar las deudas con Grga.Sin embargo, a pesar de sus intentos por aprovecharse de todo y de deshacerse de las figuras predominantes, Dadan y Makta son ridiculizados por aquellos a los que afectan debido a su propio comportamiento. En el caso de Dadan, su hermana se escapa y se casa con Grga Junior, lo que hace que Dadan se someta a las demandas de Grga para salvar su vida, y es humillado y abandonado por sus subordinados y sus hermanas. En el caso de Makta, lo engañan y se queda sin dinero para pagar sus deudas.En cuanto a las figuras de poder predominantes como Grga y Zarije, eran dos ancianos que solo buscaban vivir tranquilamente sus vidas. Sin embargo, tuvieron que dar una lección a Makta y Dadan cuando intentaron hacerse ricos sin importar a quiénes afectaban. A pesar de que Makta era víctima de Dadan en el trato que tenían, Grga y Zarije intervinieron a su manera. Grga permitió que su nieto se casara con Afrodita sin problemas debido a las deudas que Dadan tenía con él, mientras que Zarije le dio todo su dinero a su nieto a espaldas de su hijo.La narrativa de la película es espectacular de principio a fin, con una trama en la que la comedia surge de forma orgánica a partir del contraste de clases económicas y sociales. Se ven personajes que tienen el control y creen que pueden pisotear a los demás, aquellos que se aprovechan de la situación sin importar las consecuencias, así como aquellos que tienen que enfrentarse a estas figuras de manera directa o indirecta, buscando beneficios a costa del bienestar de los demás. Los planos están construidos de manera que siempre se muestren estas actitudes, que se contrastan con la metáfora de los dos gatos blancos y negros que representan el equilibrio de las actitudes.Este equilibrio no se nota con la imagen de los dos gatos al inicio; sin embargo, a medida que avanza la obra, se percibe con más claridad cómo se juega con las cargas de las actitudes buenas o malas de los personajes, desde el tirano hasta la víctima que busca aprovechar la situación, las víctimas reales de la situación y las figuras que intervienen al ver que los afecta porque querían aprovecharse de ellos y causar daño a sus seres queridos.La película también cuenta con una excelente dirección de arte que refleja de manera precisa y auténtica el ambiente y la cultura de la región de los Balcanes, así como la música que complementa muy bien la trama y los sentimientos de los personajes.En conclusión, la película es una obra maestra del cine que logra combinar de manera magistral la comedia con la crítica social y política de una época, además de contar con actuaciones destacables de los actores. La narrativa es excelente, y la dirección de arte y la música contribuyen a crear una atmósfera única. Sin duda, una película que merece ser vista y analizada en profundidad.

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Padlet de gato negro, gato blancoLa película trata sobre Makta, quien le pide dinero prestado a Grga, un amigo de su padre Zarjie, para iniciar un negocio de petróleo en el mercado negro con Dadan. Cuando Makta recibe los vagones de petróleo, los guardias de la estación de tren lo drogan, lo engañan y le roban los vagones, lo que lo deja con una gran deuda con Dadan. Dadan lo amenaza de muerte si no le devuelve los vagones que compró, así que Makta hace un trato con él. Como no tiene suficiente dinero para saldar su deuda, el trato consiste en que su hijo se case con la única hermana soltera de Dadan.La película muestra varias características que se observaron durante la guerra de Yugoslavia, aunque a pesar de ser una comedia romántica, se puede apreciar que todos los personajes son erráticos y agresivos, llegando al punto de amenazar a las personas con armas de fuego. Aunque se justifica en cierta medida el comportamiento de Grga, quien le presta dinero a Makta para evitar que lo estafe, hay momentos en los que no se justifica, como cuando la nieta de la abuela del restaurante usa una escopeta para molestar al jardinero y a otras personas.Otra característica que se puede observar en la película es la presencia de figuras de poder tiránicas y otras que predominan a pesar del tiempo. En el caso de las primeras, Dadan y Makta ejemplifican esto, ya que a pesar de que Makta es víctima de Dadan en el trato que tienen, esto no le impide aprovecharse de Dadan y Grga cuando la situación cambia a su favor, como cuando Grga Junior le pide matrimonio a Afrodita. Dadan también se aprovecha de la situación, tanto cuando tiene el control como cuando las cosas no salen como planea para tratar de saldar las deudas con Grga.Sin embargo, a pesar de sus intentos por aprovecharse de todo y de deshacerse de las figuras predominantes, Dadan y Makta son ridiculizados por aquellos a los que afectan debido a su propio comportamiento. En el caso de Dadan, su hermana se escapa y se casa con Grga Junior, lo que hace que Dadan se someta a las demandas de Grga para salvar su vida, y es humillado y abandonado por sus subordinados y sus hermanas. En el caso de Makta, lo engañan y se queda sin dinero para pagar sus deudas.En cuanto a las figuras de poder predominantes como Grga y Zarije, eran dos ancianos que solo buscaban vivir tranquilamente sus vidas. Sin embargo, tuvieron que dar una lección a Makta y Dadan cuando intentaron hacerse ricos sin importar a quiénes afectaban. A pesar de que Makta era víctima de Dadan en el trato que tenían, Grga y Zarije intervinieron a su manera. Grga permitió que su nieto se casara con Afrodita sin problemas debido a las deudas que Dadan tenía con él, mientras que Zarije le dio todo su dinero a su nieto a espaldas de su hijo.La narrativa de la película es espectacular de principio a fin, con una trama en la que la comedia surge de forma orgánica a partir del contraste de clases económicas y sociales. Se ven personajes que tienen el control y creen que pueden pisotear a los demás, aquellos que se aprovechan de la situación sin importar las consecuencias, así como aquellos que tienen que enfrentarse a estas figuras de manera directa o indirecta, buscando beneficios a costa del bienestar de los demás. Los planos están construidos de manera que siempre se muestren estas actitudes, que se contrastan con la metáfora de los dos gatos blancos y negros que representan el equilibrio de las actitudes.Este equilibrio no se nota con la imagen de los dos gatos al inicio; sin embargo, a medida que avanza la obra, se percibe con más claridad cómo se juega con las cargas de las actitudes buenas o malas de los personajes, desde el tirano hasta la víctima que busca aprovechar la situación, las víctimas reales de la situación y las figuras que intervienen al ver que los afecta porque querían aprovecharse de ellos y causar daño a sus seres queridos.La película también cuenta con una excelente dirección de arte que refleja de manera precisa y auténtica el ambiente y la cultura de la región de los Balcanes, así como la música que complementa muy bien la trama y los sentimientos de los personajes.En conclusión, la película es una obra maestra del cine que logra combinar de manera magistral la comedia con la crítica social y política de una época, además de contar con actuaciones destacables de los actores. La narrativa es excelente, y la dirección de arte y la música contribuyen a crear una atmósfera única. Sin duda, una película que merece ser vista y analizada en profundidad.

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"Los idiotas" es una Película danesa de 1998 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por actores no profesionales. La película forma parte del movimiento Dogma 95, que promueve el uso de técnicas cinematográficas sencillas y naturales.

La trama se centra en un grupo de amigos que deciden vivir como "tontos" para escapar de las normas sociales y encontrar su verdadera identidad. Los personajes se encuentran en una casa de campo y se involucran en una variedad de actividades que desafían la moralidad convencional y las expectativas sociales.

La protagonista es Karen (interpretada por Bodil Jørgensen), una joven inquietante que se une al grupo después de conocer a uno de sus miembros, Stoffer (interpretado por Jens Albinus). Karen se siente atraída por la libertad y la despreocupación del grupo y comienza a explorar su propia sexualidad y deseos.

A medida que la película avanza, los personajes se enfrentan a situaciones cada vez más extremas, como fingir discapacidades mentales en público y tener relaciones sexuales en medio de un restaurante lleno de gente. Sin embargo, su experimento se ve amenazado cuando uno de los miembros del grupo, Jeppe (interpretado por Henrik Prip), comienza a cuestionar la autenticidad de su estilo de vida y se aleja del grupo.

La película explora temas de identidad, libertad, moralidad y conformidad social a través del lente de un grupo de personas que se rebelan contra las expectativas sociales y las convenciones culturales. Con su estilo naturalista y su enfoque en la improvisación, "Los Idiotas" ofrece una visión cruda y provocadora de la sociedad moderna y los límites que impone a la individualidad y la libertad personal.

Algunas de las escenas más interesantes y auténticas de "Los Idiotas":

1. Una escena en la que  los personajes actúan como un discapacitados mentales en un restaurante. Esta escena establece un tono provocativo y desafiante para toda la película.

2. Una escena en la que el personaje de Stoffer, el líder del grupo, convence a un vagabundo para que actúe como si fuera uno de los "idiotas". Esta escena muestra cómo el grupo está dispuesto a manipular a otros para lograr sus objetivos.

3. Karen teniendo sexo con un extraño en un parque público mientras los otros personajes observan desde lejos. La escena es inquietante y cuestiona la naturaleza de la sexualidad y la privacidad.

4. Una escena donde uno de los personajes, Jeppe, cuenta su historia y explica por qué se unió al grupo. La escena es emocional y muestra la vulnerabilidad del personaje y la exploración de la identidad.

5. La escena final donde los protagonistas deciden abandonar la casa en la que vivían y volver a su vida cotidiana. El escenario está abierto a la interpretación y pone en entredicho la eficacia del grupo y su capacidad para transformar la sociedad.

Como tal, Los Idiotas es una película que explora temas como la rebeldía, la identidad y la conformidad social. Hay varias escenas interesantes y controvertidas en la película que hacen pensar a los espectadores sobre el papel de las normas sociales en la vida cotidiana.

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La celebración, una película de Thomas Vinterberg y su mejor trabajo hasta la fecha. Está película inaugura el cine dogma que el propio Vinterberg había cofundado junto a Lars vontrier. La celebración o el Festín se trata sobre la hipocresía y la distorsión imperantes en las relaciones sociales en el entorno de la clase alta. En esta película durante una cena familiar salen a relucir los secretos más oscuros de la familia. Esta es una película cruda que toca temas fuertes como la violación y el suicidio, es chever porque poco a poco vemos como se va derrumbado la fachada de familia perfecta, nuestros personajes están llenos de matices. Al principio es un poco cansona de ver porque no estamos acostumbrados a que la cámara siempre este en mano, la ausencia de luz en algunos planos, es algo complicada al inicio pero una vez te adaptas a la dinámica se vuelve interesante el tratamiento audiovisual. El hecho de encerrar a los personajes para una confrontación le aporta más tensión a la escena y se siente incómoda. Está película no termina con un final feliz, al final el victimario recibe lo que merece por ser el que destruyó la vida de sus hijos.

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NOUVELLE VAGUE. Les Demoiselles de Rochefort 

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NOUVELLE VAGUE. Les Demoiselles de Rochefort 

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Las señoritas de Rochefort , es una pelicula músical  muy carácterística del estilo del director,  Jacques Demy. Quien se inclinaba por hacer peliculas basadas en cuentos de hadas y musicales que homenajearan a la época dorada de Hollywood. Esta narra la historia de dos hermanas mellizas Delphine y Solange, ambas tienen el sueño de irse a Paris y dejar su pueblo Rochefort, y también anhelan un gran amor. Todas las acciones de al pelicula son como una gran coreografía dirigida por el destino. Los personajes se encuentran justo en los momentos oportunos, o son inevitablemente separados. La persecución de ese amor ideal es lo que lleva la trama acompañada de la música y el baile.
Visualmente la pelicula crea una atmosfera como de un cuento, todo es perfecto y colorido, en este mundo solo existe la felicidad.

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“Al final de la escapada” de 1960 es una película dirigida por Jean-Luc Godard que nos relata Un ladrón llamado Michel que roba un coche y mientras esta huyendo mata a un policía, se escapa y se reencuentra con una amante americana, que le confiesa que está embarazada y aunque nunca le dice que la quiere, queda claro que por ella daba hasta su libertad (esto se comprueba cuando estaba listo para entregarse a la policía después de que Patricia lo denunciara) Esta película se destacó mucho gracias al lenguaje cinematográfico que no era usual en el cine convencional; el uso de la cámara en mano, los saltos de plano y el rompimiento de la cuarta pared (que se ve más reflejado cuando el protagonista  ve a la cámara y nos habla haciéndonos cómplices) Al final de la escapada es uno de los tres títulos que en 1959 hicieron historia en Francia y en todo el mundo. En esta nueva ola francesa se veía el rechazo al cine tradicional francés de la época, falto de personalidad y muy encartonado al que se tenía acostumbrado al espectador. En mi opinión esta película aunque termina con un final algo nostálgico y trágico, es sin duda una de las mejores obras que he visto de la época, se siente muy diferente, demostrándonos un claro despertar y una mayor libertad narrativa.

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"Taste of Honey" es una película británica de 1961 dirigida por Tony Richardson y basada en la obra de teatro del mismo nombre de Shelagh Delaney. La trama se centra en Jo, una joven de 17 años que vive en Manchester con su madre Helen, una mujer promiscua y alcohólica. Cuando Helen se enamora y se casa con un hombre más joven, Jo se siente abandonada y se muda a un piso barato con un amigo gay, Geof.

Jo se queda embarazada después de tener una aventura con un marinero negro y debe lidiar con los desafíos de ser una madre soltera en la Inglaterra de la década de 1960. La película aborda temas como el racismo, la pobreza, la sexualidad y el papel de la mujer en la sociedad.
La película también presenta un estilo naturalista, con escenas que se sienten improvisadas y diálogos que parecen auténticos. Los personajes son presentados como personas reales y complejas, con virtudes y defectos, en lugar de los estereotipos que se presentaban en las películas convencionales de la época.

En resumen, "Taste of Honey" es una película que presenta muchas de las características distintivas del movimiento del Free Cinema, incluyendo un enfoque en la vida cotidiana de la clase trabajadora, el uso de actores no profesionales y un estilo naturalista y documental. Estas características hicieron que la película fuera innovadora y relevante para su época aparte de su ausencia de un final feliz y siguen siendo influyentes en el cine británico y mundial hasta el día de hoy.

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“Roma, ciudad abierta” es una película Italiana dirigida por Roberto Rosellini en el año 1945. Este largometraje se desarrolla en Roma  en plena segunda guerra mundial durante la ocupación de los nazis, considero que no se trata de la historia de un solo protagonista , si no, varías historias de personajes que se van conectando y todas tienen en común la resistencia a la ocupación a lo largo de la película; Pina saquea tiendas por el hambre y deja en claro su odio a los soldados, el hijo de Pina y su grupo de amigos  ponen bombas contra los nazis, El ingeniero que no cede ante las torturas de los militares para que confiese y el padre Pietro que ayudaba a los partisanos y a los alemanes que querían alejarse de la guerra y esconderse.

Esta película refleja esa necesidad que había en la época, que hasta los curas pedían perdón por participar en los saqueos por el hambre, las injusticias, los abusos de los nazis  y la pobreza de los italianos. Por lo tanto, el objetivo de la película es mostrar el panorama histórico que se aleja del cine italiano anterior, de ese estilo propagandístico  de comedias románticas con final feliz (aunque note muchos momentos humorísticos pero sin dejar de lado la triste realidad y el sufrimiento de la época)

Al final casi todos los personajes mueren de maneras muy trágicas, como Pina que corre tras su prometido secuestrado el día de su boda y es asesinada frente a su hijo o la muerte del ingeniero que fue traicionado por su ex novia drogadicta, pero siendo sincera, la muerte que más me molestó fue la del padre Pietro porque fue uno de mis personajes favoritos, lo ejecutaron en un campo abierto frente a los niños (incluido el hijo de Pina) que silbaban para el, un final muy impactante y a la vez triste, que encaja con el objetivo de querer retratar las historias miserables de los italianos en esa época a causa de la Segunda Guerra Mundial.

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Umberto D es una película de 1952 de Vittorio de Sica. Tiene un argumento muy sencillo que se centra en el personaje principal y lo que siente, acompañado de una fotografía cuidadosa que usa los puntos de fuga y las leyes de tercio para narrar la cotidianidad.

La historia es acerca de Umberto Ferrari, un solitario pensionado que lucha por saldar sus deudas y pagar el arriendo del cuarto en donde vive. Sus únicos amigos son María (la muchacha que trabaja en la casa) y su perro Flike. La película arranca con el problema general de los pensionados a quienes no les alcanza el dinero, en el contexto de Europa tras la guerra y con la incertidumbre de la situación general del mundo, cada persona tiene sus propias dificultades y Umberto no tiene a nadie a quien recurrir. Sin saber que hacer, Umberto va al hospital y ahí conoce a otro personaje que finge estar enfermo para tener comida y un techo. Al salir del hospital Umberto se entera de que su perro Filke, a quien había dejado al cuidado de Maria, ha escapado. Entonces Umberto va a buscarlo a la perrera, esta secuencia maneja un nivel de tensión e incertidumbre muy grande. Por suerte, Umberto encuentra vivo a Flike.

Al inicio de la película pensé que se trataría de cómo Umberto encuentra la solución a sus problemas y sería una historia esperanzadora, sin embargo, Umberto entra en desesperación, piensa en suicidarse pero es Flike el que lo impide. Ninguno de los problemas de Umberto se resuelve. El final es agridulce y abierto, Flike no abandonará a Umberto, y eso es todo. El realismo de la película está en el argumento, la construcción de las escenas y su duración y también el final tan inconcluso.
Sofía Uzcátegui

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Cine noir o neo noir

El cine noir nace en los años 40 durante la segunda guerra mundial en Estados Unidos como un género cinematográfico que se distingue por su atmósfera oscura y pesimista, historias complejas y temas de crimen, corrupción y ambigüedad moral. Los protagonistas del cine negro suelen ser defectuosos y moralmente ambiguos, y hay un aire general de fatalismo y cinismo en el género. Los criminales sobre sus cabezas, las Femme fatale s y los detectives empedernidos son tropos comunes en el género. Las narraciones son frecuentemente no lineales y están llenas de complejos giros argumentales y flashbacks.

Algo representativo de su protagonista según Robert Mckgee es que es más débil de lo que cree y es capaz de cometer los males más terribles sin que los sospechen.

Los elementos que son característicos de este tipo de cine negro son: Juego de luces, iluminación expresionista y mucho juego con el clarooscuro, cigarrillos, Femme fatal y un ambiente urbano.

Algo interesante de este tipo de género es que evoluciona con la época, de hecho se ha llegado a decir que más que un género es un tono en el caso de Taxi driver.

Laura (nombre de la película): Es una película clásica que contribuyo a sedimentar las bases del cine noir. Esta película gira en torno al asesinato de Laura, en esta película se reemplazan los callejones oscuros, asesinos a sueldo por restaurantes ostentosos y personas de clase alta de la ciudad de Nueva York, que a su manera sigue mostrando la putrefacción, un vividor, un psicopata obsesionado serán los principales sospechosos de la muerte de Laura. Además que el detective al indagar en este asesinato termina enamorándose de ella.   Mediante la utilización de flashbacks vamos conociendo a Laura y su círculo social. Esta película utiliza elementos del cine noir clásico tales como el desarrollo del misterio en una noche lluviosa, cumple los canones de la época, cigarrillos, iluminación expresionista, claroscuros, femme fatal y un final no feliz.

The Big Sleep es una película clásica de cine negro de 1946 dirigida por Howard Hawks. La película se considera una de las mejores peliculas del cine negro la cual está basada por la novela de Raymond Chandler la cual posee el mismo nombre. La película cuenta la historia del detective privado Philip Marlowe (Bogart), que es contratado por una familia adinerada para investigar la extorsión de su hija Carmen Sternwood (Martha Vickers). Mientras Marlowe investiga más el caso, se enreda en una red de mentiras, traiciones y asesinatos que involucran a su familia y amigos. Muchos de los personajes tienen agendas y planes ocultos, y la trama de la película es complicada y difícil de seguir. La película, con su uso de sombras, iluminación intensa y un tono oscuro y cínico, se enfoca menos en los detalles intrincados de la trama y más en el estilo y la atmósfera del cine negro.

( Tiene aires al género policiaco)

Taxi Driver: Taxi Driver es uno de los films más reconocidos de Martin Scorsese que relata la historia de un ex marine solitario con problemas mentales llamado Travis Bickle quien por su insomnio comienza a trabajar como taxista en el bajo mundo de Nueva York. Esta película se centra en la visión del protagonista frente a su entorno y conflictos sociales que se vivían a finales de los 70s y cómo estos influyen en sus acciones, evidenciando así un tono frío, oscuro y pesimista acompañado de una atmósfera hostil que refleja una sociedad marginada llena de conflictos que solo se deja ver en la oscuridad de la noche .El estilo visual y el crudo realismo de la película son un reflejo del mundo sombrío e implacable en el que viven los personajes. El uso de primeros planos, tomas en cámara lenta y una paleta de colores apagados, crea una sensación de tensión e inquietud que destacan los temas de la película.

Edgerunners: Nuestro protagonista David Martinez es un estudiante de una prestigiosa academia donde es acosado por ser de bajos recursos. Un día lo golpea una tragedia y este para buscar sustento económico se implanta una pieza cibernética, que le permite realizar proezas físicas inigualables. Aquellos que abusan de los implantes pueden convertirse en máquina de destrucción o mejor conocidos como cyberpsicopatas.
Esta Serie cuenta con los elementos característicos del noir, nuestro protagonista siendo el antihéroe y terminando con un final trágico, a lo largo de los  capítulos observamos como nuestros personajes buscan salir de las sombras de la sociedad tildados como escorias.
La figura de la femme fatale que claramente no puede faltar, ya que esta es quien lo impulsa a incursionar en el mundo de los narcos cyberneticos.
Los colores vibrantes están presentes en todo momento junto con el claroscuro.
Una característica de este mundo es que ocurre en una monstruosa ciudad dando a enter que son estas ciudades monumentales las que consumen el alma de sus habitantes para perpetuar su existencia.

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"El Muelle de las Nieblas" del director Marcel Carné es una obra que encarna algunas de las características del realismo poético francés, movimiento que se desarrolló en Francia en la década de 1930. La película se caracteriza por la representación cruda y realista de la sociedad y de la vida cotidiana de la época, así como por el retrato detallado y profundo de los personajes y sus sentimientos.

La película también se enfoca en los aspectos más oscuros y problemáticos de la vida, mostrando las dificultades y las tragedias a las que se enfrentan los personajes, en lugar de enfocarse en finales felices y soluciones fáciles. Esto se evidencia en el trágico final de Zabel, quien es un personaje incomprendido que se ve arrastrado por sus impulsos, y en el desenlace de la trama, que no ofrece una resolución satisfactoria y feliz para los protagonistas. Además, la película utiliza una puesta en escena detallada y atmosférica, que crea una sensación de realismo y profundidad emocional. Los decorados, la iluminación y la música contribuyen a crear una atmósfera de melancolía y nostalgia, características del realismo poético francés.

Valentina Orejarena Sarmiento
Analisis de la pelicula Le Quai des brumes de Marcel Carné.

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A lo largo de la historia hemos visto cómo las peliculas han hecho una marcada sátira hacia la vida de los más privilegiados de la sociedad, pero jean reanoir y sus peliculas, La regla del juego (1930) ha sido gran precursora para grandes clásicos como 'El discreto encanto de la burguesía' de Buñuel.
Renoir, en uno de sus films más emblemáticos mezcla la sátira, el drama, personajes muy contrastados y una puesta en escena de ensueño. La película se desarrola después del crack del 29, y vemos que a pesar de las circunstancias globales, el aristócrata no se da ni cuenta de lo que acontece a su alrededor, mostrandonos su gran vestimenta e impecable estilo, vemos sus máscaras de oro caerse con el paso de la película, exhibiendo lo más bajo de los instintos de estos, representado en actos como el adulterio y la ira desenfrenada. Además, muestra una gran diferencia entre clases como mecanismos visuales como el piso de abajony el piso de arriba, pero al final, sin importar a qué clase pertenezcas, la naturaleza humana los expone a comportamientos totalmente iguales.
Caracteristicas del realismo poético están presentes pero de formas que solo Renoir podría implementar, ya que, en vez de usar personajes melancolicos y escenarios pauperrimos, nos muestra una estética elevada, contrastandola al mismo tiempo, con el constante degenero de sus elegantes personajes. Una obra donde nos muestra que cuando se juega a ser aristócrata, la única regla, al final, siempre se rompe.

Julián Andrés Contreras Bernal.
Análisis a la pelicula de Jean Renoir 'La regla del juego' (1930)

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Análisis de la soledad del corredor de fondo: La película trata de Colin Smith un joven adulto que es enviado a un reformatorio por robar en una panadería, allí es tratado con privilegios cuando el director descubre que tiene habilidades atléticas para ganar la carrera, así que Smith acepta ser el consentido del reformatorio y va mejorando como persona más o menos, hasta que llega el día de la carrera donde reflexiona toda su vida mientras toma la delantera en la carrera para luego dejar que alguien más la gane al recapacitar que no debe someterse a los ideales de alguien más solo porque le ofrece mejores condiciones de vida.A lo largo de la obra se puede apreciar varios temas que reflejan la realidad británica post guerra y elementos típicos del free cinema como la rebeldía de la juventud, la situación socioeconómica de la clase media, baja y proletariado que si al caso tenía algo para subsistir aunque se sometiera a los ideales de sus superiores para tener mejores condiciones, pero al final no eran tan buenas como aparentaban sino que era una vil mentira para el beneficio de ellos a costa de la libertad del individuo, la necesidad de sobrevivir en un sistema injusto, la falta de compresión y entendimiento en un mundo que solo apoya quien está dispuesto a trabajar  sin importar las implicaciones morales de la explotación laboral a costa del bienestar del trabajador.En la parte del lenguaje audiovisual la cámara es un ojo observador de todo el entorno desde que Smith y los demás chicos llegan al reformatorio, se aprecia las instalaciones, el sistema de poder y trato de que se da en la institución, el cual es rígido con el fin de crear ciudadanos respetuosos, pero llega a pasarse de la línea como si quisieran acabar la rebeldía juvenil, para influir positivamente en el individuo con  el fin de conseguir algo que los pueda beneficiar, esto se puede ver el interrogatorio entre el director y Smith.Aunque en el reformatorio se dé un trato tenaz a los jóvenes eso no quita el hecho de que pueden ganarse ciertos privilegios si demuestran un alto compromiso y responsabilidad al director como en el caso de Smith que se le dio algo de confianza creyendo tener el control del lugar.La rebeldía no surge de la nada y en el caso de la obra se da a consecuencia de que nadie hace nada por la salud del padre de Smith al no dejarse ayudar, por lo que lo dejan morir haciendo que Smith se sienta resentido por ello, además de llevarse mal con su mama al casarse con otro hombre para tratar de mantener la economía del hogar, aunque eso no quita la oportunidad de mostrar la rebeldía del personaje como algo inofensivo en las partes donde sale a pasear con Mike, él hace trabajo en el reformatorio y cuando afirma que ahora manda en la casa ante su padrastro. Aun así, toda esta rebeldía va a escalar a algo peor en las escenas de la pelea de comida,  las transiciones del concierto, la destrucción de la mesada de Smith por él mismo, el robo de la panadería y el robo del dinero de la mama de Smith .La película en varios momentos parece los flashbacks de Smith antes de llegar al reformatorio debido a la forma en como se cuenta la obra con la intercalación de eventos del presente y del pasado que sirven para entender mejor al protagonista, su vida y de donde viene su naturaleza rebelde que se convierte en una independiente y autosuficiente en las partes del entrenamiento de la carrera.

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Análisis de la soledad del corredor de fondo: La película trata de Colin Smith un joven adulto que es enviado a un reformatorio por robar en una panadería, allí es tratado con privilegios cuando el director descubre que tiene habilidades atléticas para ganar la carrera, así que Smith acepta ser el consentido del reformatorio y va mejorando como persona más o menos, hasta que llega el día de la carrera donde reflexiona toda su vida mientras toma la delantera en la carrera para luego dejar que alguien más la gane al recapacitar que no debe someterse a los ideales de alguien más solo porque le ofrece mejores condiciones de vida.A lo largo de la obra se puede apreciar varios temas que reflejan la realidad británica post guerra y elementos típicos del free cinema como la rebeldía de la juventud, la situación socioeconómica de la clase media, baja y proletariado que si al caso tenía algo para subsistir aunque se sometiera a los ideales de sus superiores para tener mejores condiciones, pero al final no eran tan buenas como aparentaban sino que era una vil mentira para el beneficio de ellos a costa de la libertad del individuo, la necesidad de sobrevivir en un sistema injusto, la falta de compresión y entendimiento en un mundo que solo apoya quien está dispuesto a trabajar  sin importar las implicaciones morales de la explotación laboral a costa del bienestar del trabajador.En la parte del lenguaje audiovisual la cámara es un ojo observador de todo el entorno desde que Smith y los demás chicos llegan al reformatorio, se aprecia las instalaciones, el sistema de poder y trato de que se da en la institución, el cual es rígido con el fin de crear ciudadanos respetuosos, pero llega a pasarse de la línea como si quisieran acabar la rebeldía juvenil, para influir positivamente en el individuo con  el fin de conseguir algo que los pueda beneficiar, esto se puede ver el interrogatorio entre el director y Smith.Aunque en el reformatorio se dé un trato tenaz a los jóvenes eso no quita el hecho de que pueden ganarse ciertos privilegios si demuestran un alto compromiso y responsabilidad al director como en el caso de Smith que se le dio algo de confianza creyendo tener el control del lugar.La rebeldía no surge de la nada y en el caso de la obra se da a consecuencia de que nadie hace nada por la salud del padre de Smith al no dejarse ayudar, por lo que lo dejan morir haciendo que Smith se sienta resentido por ello, además de llevarse mal con su mama al casarse con otro hombre para tratar de mantener la economía del hogar, aunque eso no quita la oportunidad de mostrar la rebeldía del personaje como algo inofensivo en las partes donde sale a pasear con Mike, él hace trabajo en el reformatorio y cuando afirma que ahora manda en la casa ante su padrastro. Aun así, toda esta rebeldía va a escalar a algo peor en las escenas de la pelea de comida,  las transiciones del concierto, la destrucción de la mesada de Smith por él mismo, el robo de la panadería y el robo del dinero de la mama de Smith .La película en varios momentos parece los flashbacks de Smith antes de llegar al reformatorio debido a la forma en como se cuenta la obra con la intercalación de eventos del presente y del pasado que sirven para entender mejor al protagonista, su vida y de donde viene su naturaleza rebelde que se convierte en una independiente y autosuficiente en las partes del entrenamiento de la carrera.