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Mary Beard - La Civilización en la mirada

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Mary Beard - La Civilización en la mirada

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Desde el principio, las manifestaciones artisticas han sido por humanos y sobre humanos

Los antiguos interpretaban el arte de seres humanos no como obras pasivas, si no como participantes activos que desempeñaban un rol en las vidas de quienes los contemplaban.

La historia del arte no es solo de las obras y quienes las hicieron si no tambien de quienes las contemplaron y lo que vieron en ellas.

El arte puede darnos información sobre como personas diferentes desempeñaban roles en la sociedad, como se esperaba que actuaran, o lo que deberian hacer, y podemos entender la ídea de lo que era un ser humano civilizado para la sociedad que produjo esa pieza.

Los romanos veian a los retratos no solo para recordar o memorizar una persona, si no como un modo de mantener su presencia en este mundo

Como se puede observar en el caso de la tumba de Qin Shihuang, las imagenes tienen poder, ya que no solo su gran ejercito de guerreros terracota podrian haber sido una muestra de poder, una busqueda de protección en la siguiente vida, o protección simbolica a su tumba, si no que cuando se alzaron los rebeldes, estos destruyeron a estas estatuas, de esta manera mostrando que a pesar de objetivamente ser solo esculturas, representaban algo para ellos, y lo querian destruir.

La gente en poder, concientemente o no, debe ser recordada de su poder, por lo que es común que las mejores estatuas o pinturas de estos se encuentren en espacios donde ellos los verían. Las grandes estatuas de Ramses en las puertas del palacio serian vistas por la gente común y les recordaria de su poder, pero las multiples estatuas gigantes dentro del palacio serian vistas más que todo por el mismo.

Las estatuas más realistas de los griegos mejoraron el realismo y dinamismo, pero la forma de interactuar con los espectadores cambio radicalmente, ya que la estatua no estaba diseñada para ver al espectador y comunicar algo, si no para existir en su propio merito, y observarlas genera un sentimiento voyerista.

El realismo griego parece ser el comienzo de la mirada masculina en el arte que prevale hasta ahora, y la pregunta de si el realismo en el arte puede ser peligrosa al confundir o llevar a locura a aquel que ven el marmol la carne realmente viva de un ser humano (en el caso de la estatua de Afrodita, quien ve a una mujer a ser utilizada)

En su libro, Historia del arte de la Antiguedad, Winckelmann eleva a la estatua Apolo a ser más que una obra de arte y a ser el máximo exponente de la civilización, como el cénit del arte clásico, a pesar de no conocer su fecha exacta de creación, postrando asi la idea de que el ague y declive de una civilización se puede medir por cuan bien representan el cuerpo humano.

Cuando se encontro la estatua del Luchador Olmeca, de forma que no se había visto antes en arte olmeca, se le elevo al tener elementos parecidos a las estatuas grecoromanas clásicas que eran consideradas el cénit del arte. A pesar de esto, es probable que haya sido una falsificación, pero el hecho de que la consideramos "superior" a las otras estatuas olmecas refleja nuestros prejuicios a lo que hace una buena imagen del cuerpo humano, y como difiere de la manera en la que la gente del pasado lo consideraba.

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1. ¿Por qué se afirma que el arte conceptual/contemporáneo parte de ideas? ¿Qué papel juega Marcel Duchamp en esto?

El arte conceptual o contemporáneo parte de ideas porque es, para mí, una idea o mensaje hecho físico. La razón por la que a primera vista muchas de estas obras no tienen sentido como "arte", es porque la pieza requiere de nuestra atención y nuestras ganas de dialogar con la pieza para poder verdaderamente entenderla- entender su idea, y entonces poder apreciarla. De la misma manera que es difícil hacer una pintura que se vea bonita, es difícil crear una obra que pueda comunicar ideas o conceptos a una audiencia que la observa.

Duchamp juega un grán papel en esto al ser de los artistas contemporaneos más famosos. Sus "ready-mades", por ejemplo, causaron enojo y descontento, al ser objetos ordinarios, meramente vistos como "arte" al ser presentados como tal. Pero esa era la idea de Duchamp; no todo es arte, pero todo puede ser arte al darle una idea, un concepto. Se podría decir que el arte conceptual nace a partir de aquí, con los "ready-mades" siendo objetos ordinarios que aún así cargan el peso de ideas tan pesadas como hacer al expectador questionarse sobre lo que es el arte.

2. En el documental se ejemplifican los argumentos con diferentes artistas, mencione 2 que llamaron su atención por los lenguajes/recursos visuales utilizados (instalación, performance, papel arrugado, etc.), de acuerdo con su intención (provocar absurdo, incomodidad, divergencia de pensamientos, etc.) y explique brevemente por qué captaron su atención.

Martin Creed me llamó muchísimo la atención, en especial sus esgeras de papel arrugado. La razón principal fue que, al ver esto por primera vez, no podía comprender como alguien podría sentirse comodo siquiera VENDIENDO tal cosa por dinero, mucho menos el precio que se cobró por la pieza mostrada en el video. Pero al oir a Martin explicarlo, me pareció algo sumamente interesante. El hecho de que haya más trabajo de lo esperado tras algo tan simple me sorprendio. Pero es verdad- arrugar un papel hasta formar una forma esférica no es fácil, y definitivamente no es accidental. Martin explica que tomó muchos intentos encontrar la formula para producir estas esferas: también su intención me parecio sumamente interesante. Martin las hace porque le gustan. Dice que es algo que le gusta hacer, y algo que lo motiva. Esto, para mi, hace que el objeto se vuelva aún más interesante, ya que no es nacido de un deseo de obtener dinero, si no algo que verdaderamente apasiona al artista.

Mary Kelly y su obra Post-Partum Document también me parecieron increiblemente interesantes. No solo la temática de la exploración sobre como Mary y su hijo navegan su relación, desde momentos dulces hasta frustrantes, de una manera más real y palpable que cualquier libro de maternidad o album de fotos puede hacer, si no la manera en la que es presentada. Porque, muy fácilmente, estos "logs" podrían haber sido escritos en papel, las mísmas palabras que Mary ha puesto en esta obra podrían haber sido simplemente documentadas en papel, pero no lo hizo. La manera en la que cada parte de la pieza fue hecha, sea sobre un pañal de tela, o sea la mezcla de máquina de escribir combinada con escritura a mano, con los garabatos de su hijo sobrepuestos, todos verdaderamente hacen que las palabras que se leén se sientan muchísimo más profundas.

3. ¿Por qué cree usted que el trabajo de Robert Montgomery es significativo para el espectadxr?

Me parece que parte de la razón por la que el trabajo de Robert Mongtomery resuena en el espectador es por el medio que utiliza. El arte conceptual requiere que se le de atención: es esta razón por la cual es difícil que la gente lo comprenda, ya que muchas veces esta atención no se le da. Pero Montgomery utiliza un medio con el cual somos muy familiares: texto, sea en un rótulo, o en letras brillantes. Como sociedad, estamos acostumbrados a asociar esto con anuncios, o con rótulos en la calle; siento que al no ser inmediatemente asociados con la pesada carga de ser encasillados como "arte conceptual", y más bien recordarnos a algo tan casual como un anuncio, los espectadores inconcientemente le dan este poquito de atención que es necesario para interesarse. Y una vez interesados, al darse cuenta que no es un anuncio, ya están captivados, dandole aún más atención y absorbiendo el mensaje que la obra busca dejar.

4. ¿Será quizás el tener criterio la manera de "escapar" de las dinámicas del mercado del arte? ¿Qué opina al respecto?

El tener criterio personal me parece una parte muy importante del arte- pero no siento que logre arreglar las percibidas problemáticas del mercado del arte. El problema con establecer un criterio sobre el arte es que, inherentemente, el arte solo se puede definir como su falta de definición. Es cierto que, si se pone un critero o limitante sobre las obras, muchas de las percibidas "malas obras" serían filtradas, e incluso las obras de bajo esfuerzo que son hechas por personas sin interes que solo buscan generar dinero. Pero, indudablemente, siento que junto con estas, se filtrarian también obras que verdaderamente valen la pena- cosas que tal vez el comprador no logra comprender bien, o que son muy simplísticas a primera vista y tomarían mucho tiempo en comprender su mensaje, y no sé si valdría la pena la perdida de estas obras que tienen tanto que decir pero que inevitablemente caerian fuera de algún criterio de calidad impuesto en el mercado.

5. Reflexione sobre el papel de plataformas como IG, Tik Tok, entre otras, en los cambios del sistema de las artes (de acuerdo con lo visto en clase a partir de José Jiménez), que vemos hoy en la postpandemia.

Como una persona que comenzó su arte en plataformas de redes sociales, me parece que son tan buenas como lo son malas. La verdad es que sin estas plataformas, muchísimos artistas no tendrían oportunidad de mostrar su trabajo: la verdad es que no es cualquiera quien puede exponer sus obras en un museo o exposición para ser vistas, pero cualquier persona si puede subir sus obras a redes para una mayor oportunidad de ser vista. La problemática, para mi, no es el aspecto artístico de las redes sociales- de hecho, en comunidades que son primariamente de artistas, la atmosfera es consistentemente positiva.

El problema viene con la cultura consumerista que viene con las redes en sí. El enfoque en los números hace que en vez de ser una manera por la cual se puede consumir y compartir arte de manera fácil, las redes sociales se transformen en un tipo de competencia por conseguir los números más altos. Esto tiene la consequencia de que los artistas se sienten presionados a producir trabajos que tengan mayor posibilidad de conseguir likes y seguidores, lentamente así perdiendo la variedad de sus obras, y volviendose sirvientes del algoritmo, producendo lo que sea que sea popular y no obras que comuniquen cosas que ellos deséen comunicar.

Lo mismo se puede decir del lado de quienes consumen arte. Pasamos de ver las redes sociales como una increible galeria para poder ver arte que nunca podríamos ver en persona, a ser también un tipo de competencia por números. El arte a nuestro alrededor pasa de ser arte a ser un prop para fotos en redes sociales, en las cuales el enfoque no es nuestro deseo de compartir una pieza de arte, si no crear imagenes que consigan más interacción y más seguidores. Y aunque esto sí tenga el efecto de empujar las piezas de arte a un público más grande, esto entierra a cualquier pieza que no sea material de selfie- obras "feas", obras digitales, obras más abstractas, etc.

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Johnny Hartfield, Nacido Helmut Herzfeld (luego conocido como Johnyy Heartfield, su nombre anglificado) comienza su labor en Praga, llegando en terribles condiciones y muy enfermo. Su trabajo entonces es el informar a la gente sobre la horrible y trágica realidad que ocurría en Alemania en esta época- Johnny llega a Praga en 1938, año en el cual Hitler ya había comenzado a usar su poder para opresión sistemática. Johnny se dedicó, entonces, a hacer estas atrocidades más conocidas, ya que no todos conocían lo que le estaba ocurriendo a los judios, a los romas (Nota: no utilizo la palabra "g-tan-s" ya que es considerada por estos grupos étnicos a ser denigrante), otras minorías (como los homosexuales), y a los grupos anti-nazi.

John crea un lenguaje visual que se utiliza aún hoy en día. Se le acredita a ser el pionero del arte como un arma politica, en especial el fotomontaje. Le da el nombre zygosis a su técnica de utilizar activismo, el arte (en especial las fotos) para traer a luz a las problemáticas sociales, así entonces transformando sus creaciones en armas políticas.

Esta técnica de fotomontaje como arma política comienza con John y su hermano Wieland y George Grozs, quienes comienzan a experimentar con cortar y pegar fotos para formar arte. Heartfield también fue un miembro activo del club Dada en Berlin, y formó parte del partido Comunista Alemán.

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1. El concepto de arte
- el definir el arte es una tarea casi imposible dado a que no hay un acuerdo universal de lo que es, pero si hay un sentido universal antropologicamente hablando sobre lo que sería la dimensión estética. Es más fácil reconocer el arte por su falta de definición que buscar encajarla en una.
- cada época ha entendido el "arte" de diferentes maneras. Si todo es arte, entonces nada es arte, pero también es difícil decidir donde estan los límites. En el caso de Gunther von Hagens, quien utilizó cadaveres humanos preservados en sus obras, podría llamarse a la ética como lo que limita que eso sea arte. Pero en la otra mano, el arte siempre ha buscado empujar los límites y empujar contra creencias sociales, por lo que el acto de usar cadaveres para volver la muerte algo no-privado y público volvería a ser considerado arte, depende de como se vea.
- los "ready-mades" de Duchamp causan aún más ambiguedad para la palabra "arte". Se pueden ver como una queja al mercado del arte, ya que al llevar la firma de Duchamp estas obras se transorman de ser objetos producidos en masa a arte valioso, como si la firma fuese lo único que importa. Personalmente, me gusta también verlo como una celebración a la belleza de la vida cotidiana: me parece que, aunque no haya sido lo que Duchamp quería, estas obras son un increible recordatorio sobre la belleza que nos rodea que no vemos. La industrialización tiene muchas problemáticas, pero es indudable que muy pocas veces nos parariamos a ver la belleza de una rueda de bicicleta y los patrones que forman sus espigas, o de la silueta de una regadera, simplemente porque estamos acostumbrados a verlos.
- las "bellas artes" hasta el siglo XIX sigue el canon del realismo y la estética, buscando que el arte sea bello como lo implica el nombre, busncando una belleza única en todas las partes de una obra. Pero en el siglo XIX, Karl Rosenkranz busca incluir lo feo en el arte, también. La lógica dicta que, si el arte fuese solo lo estéticamente bello siguiendo a un canon estricto, esto dejaría por fuera artistas que no lo siguen: artistas tan famosos como Bosch, Goya, o hasta Picasso.
- El arte como imitación de la realidad ha sido una descripción clásica, viniendo desde la antigua Grecia. Esta busqueda de la imitación de la realidad con el hiperrealismo continua hasta el presente, a pesar de la invención de la fotografía. El hecho de que aún con la posibilidad de fotografiar continue el hiperrealismo es una señal de que los artistas aún sienten que tienen algo que decir aún si copian la realidad exactamente como la ven.
- "Nada debe exigirse a las obras de arte exepto que tengan forma" -> "la obra de arte sólo existe como forma" -> "el rango distintivo del arte es la expresión" -> "el rasgo distintivo del arte es que produce la experiencia estética" -> "el rasgo distntivo del arte es que produce un choque"
- El arte puede estar en conflicto con las intenciones del artista, y algo que no fue producido con intenciones artísticas puede ser percibido como tal
- Téchne es la palabra que los griegos usaban para describir a gente como los escultores, los carpinteros, o constructores de barcos. No tenían palabra específica para el arte a pesar de estar rodeados de arte. Ars, termino del cual se deriva "arte", es el correspondiente latino del griego téchne.
- Mímesis es el concepto de imitar, viniendo de technai mimetikaí (artes de imitación). En su origen, se referia a la imitación pero no como una copia, si no en el sentido de representación.
- El arte se puede ver como un "fenomeno" de la misma manera que la refleccion del sol o la luna en un espejo es un fenomeno. No son seres según la verdad o conformes a la verdad, si no un fenomeno creado por el artista.
- Platón era crítico del arte, y condenaba la subjetividad y busqueda de novedad. Exigia del artista respetar la belleza basada en las leyes matemáticas, y veia a quienes creaban arte que no se apegaba a eso como si buscaran engañar.
- Aristotles definia la téchne  como poiesis (hacer) y epistéme (conocimiento). Esto vuelve el arte como conocimiento poiético. La importancia no es la fidelidad a un modelo exterior sino la verosimilitud. El arte también esta ligada al placer, y Aristóteles le dal arte una función catártica.
- La belleza era asociada por Platon como unida a lo bueno, pero es incapas de dar una definición abstracta de lo que es la belleza. Su concepto de belleza supone que un ser es bello si su forma perceptible participa de la idea arquetípica. Las cosas son bellas en la medida que participen en la Idea de la Belleza.
- Una de las más importantes Ideas de la Belleza para Platón es que puede ser vista.
- La matemática se involucra en la belleza con Pitagoras. Se propone la proporción como una medida de la velleza, "la medida y la proporción son la belleza y la virtud. Los artistas de todos los tiempos entonces serán sensibles a una idea de belleza de raíz geometrica. Aún el uso de la computadora en el arte destaca la vigencia eterna de la geometría.

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El arte conceptual es usualmente malentendido a ser arte vacio, hecho facilmente, y hecho por dinero. Es muy fácil ver arte conceptual o moderno y pensar que algo tan simple no deberia ser considerado arte, o que uno mismo podria hacerlo.

Viendo los videos asignados a esta semana, me parece que un dicho que he oido por mucho tiempo sobre el arte conceptual es más cierto que nunca. El dicho va algo así; cuando uno ve arte moderno, o abstracto, o conceptual, y piensa "yo podría haber hecho algo así", deberías preguntarte, ¿y por qué no lo hiciste tú, entonces? Y esto define mucho de mi opinión al tema. Como el artista quien hace bolas de papel, quien habla sobre como es sorprendentemente difícil hacer que sean una esfera perfecta, que hay una manera especial de arrugar el papel... Y más importante, es algo que le gusta. No es una bola de papel arrugada que decidió vender. Es algo que aprendió a hacer, que perfecciono, y algo que le apasiona y que le gusta hacer- y por lo tanto, algo que alguien que vea el valor en puede pagar por tener.

El hecho de que nosotros podemos tomar del arte lo que pongamos en ella me parece muy cierto. Las piezas de arte conceptual no tienen ningun valor a los ojos de alguien que no quiere ver nada en ellas. Como sociedad, muy pocas veces se nos invita a verdaderamente pensar en el arte más alla de si "es bonita" o "no es bonita". A pesar de que todo el arte, sean las obras clásicas de Miguel Angel o el arte conceptual que vemos en el video, merece ser interrogada. El contexto en el que se crea, los motivos del artista, el lugar en el que se decide exponer, como fue hecha: todas estas preguntas pueden hacer que podamos valorar el arte más. La diferencia es, que alguien sin interes en esto puede ver una pintura "bonita", y sin saber nada de ella, decidir que es buen arte solo por el hecho de ser esteticamente bella. Y luego esta misma persona ve arte conceptual; y faltando la habilidad o las ganas de questionarla, no ve nada más alla de la superficie.

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El eje de mi serie de collages va a ser el matrimonio de lo ‘feo’ con el sentido clásico de la ‘belleza’. Siento que al ver trabajos que buscan expresar la fealdad hechos en épocas más antiguas, es fácil divorciarse de los conceptos, ya que las representaciones suelen ser diferentes a las representaciones de fealdad que sentimos más “reales”. Ya que el realismo ha sido la forma del arte que se ha elevado como la “correcta”, es más fácil sentir que la fealdad en el realismo es tangible, mientras que una escena de fealdad en una pintura medieval se puede percibir como alejada o no tan intensa por nuestros biases internos. Mi intención es utilizar la belleza clásica con la que la mayoría de la gente se siente cómoda (sea modelos tradicionalmente bellas, una forma humana “ideal”, pinturas barrocas, estatuas grecorromanas, etc) para formar una relación más cercana a la manera en la que la fealdad era expresada en otros movimientos o eras artísticos.

Mi intención es utilizar imágenes primariamente medievales que representan fealdad (enfermedad, males sociales de la época, castigos religiosos, etc) y recrear o utilizar sus elementos estéticos utilizando imágenes de belleza clásica ya mencionadas. La narrativa busca ser histórica, al no modernizar pero si alterar la manera en la que percibimos estas cosas en una escala de tiempo. Es más fácil, como una persona moderna, distanciarse de la fealdad de el arte que ya no cae en lo que es considerado "bien hecho" en lo que se viene la forma humana o el lenguaje de formas. Utilizando las composiciones y formas de estas piezas, pero con figuras que son para nosotros innegablemente humanas, espero poder hacer collages que mantengan la escencia de ambas influencias.

Espero que, al ver mis collages, los espectadores sientan una mayor conección a la fealdad y la belleza de todas mis inspiraciones. Es, en cierto sentido, una denuncia a la manera en la que consideramos arte que muestra sufrimiento o cosas malas a ser inferior si no es esteticamente lo que se nos ha enseñado es “buen arte”, aún si la pieza en cuestión tiene un mensaje o una escena que debería ser impactante. Aunque el arte es ya en sí una herramienta que humaniza, ya que al verla somos forzados a pensar en que un ser humano en un periodo que tal vez este muy lejano al nuestro creo la obra que vemos, no siempre es tan fácil crear un sentimiento de empatia al mensaje que el arte busca transmitir, ya que no todos pueden o desean ver a los sujetos de piezas como personas. No es poco común escuchar a gente hablar sobre los grandes maestros de la pintura realista y darles el cumplido de que son tan realistas que pueden creer en la vida de los sujetos en sus obras; aunque no presumo algo asi, mi intención es causar un sentimiento de verdaderamente considerar a los actos retratados en las obras medievales y considerar la gente que temía estos destinos o que sufrió lo que se buscaba retratar. Mezclando el antropocentrismo del renacimiento y la epoca barroca con el enfoque en la religión y lo divino del arte medieval, espero crear un enfoque entre ambos.

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La historia corta sigue a un joven pobre que desea ser pintor, Nicolas Poussin. Poussin llega al estudio del Maestro Porbus. All llegar se encuentra a otro pintor mayor, Frenhofer, quien Poussin percive como una criatura fantastica. Fernhofer critica una de las obras de Porbus, y parece que es muy estricto y seco en lo que se viene a la teoria del arte, y como es atravez del amor y dedicación a el sujeto. Poussin intenta defender la obra de Porbus, y cuando Fernhofer lo pone a trazar la figura de la pintura con un lapizero y un papel, admite que tiene potencial y lo invita a él y Porbus a comer.
Van al estudio de Fernhofer, donde Poussin queda admirado de las obras de Fernhofer, pero cuando el tema de una obra maestra en la cual Fernhofer ha estado trabajando por ya 10 años sale a luz, el viejo pintor se niega a mostrar este trabajo, y detalla cuan duro ha trabajado y todas las técnicas que ha usado para evitar errores en los que otros artistas caen, pero lamenta el no haber encontrado una modelo ideal para esta pieza.
Poussin vuelve a su casa, donde se encuentra con su pareja, Gillete. Gillete dice que no desea modelar para Poussin, ya que cuando él la pinta, es como si la viera sin ningún cariño. Pero logra convencerla de que modele para Fernhofer, asegurando que él solo es un viejo, aún asi Gillete queda pensando que Poussin ya no la ama al estar tan dispuesto a exponerla a otro hombre.
Fernhofer no esta dispuesto a exponer su obra maestra a cambio de tener una modelo, pero cambia de opinion al ver a Gillete. Poussin comienza a arrepentirse de su idea, pero Fernhofer ya esta decidido. Pero cuando ven la obra maestra, es un desastre de plastos de colores con algunas partes de cuerpo reconocibles en medio del desorden; eventualmente Fernhofer sale de su delusión y cae en que no ha hecho nada. Luego en esa noche, Fernhofer muere tras haber quemado todos sus cuadros.

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Semana 2 - Definición del Arte - Clase 2, Grupo 3

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Semana 2 - Definición del Arte - Clase 2, Grupo 3

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NUESTRA DEFINICIÓN:
El arte es como un ser vivo, y esta siempre evolucionando y mutando, al igual que su definición, que se mantiene flexible. Puede ser representaciones de la naturaleza, un escape, o la belleza. Puede no tener ninguno de estos elementos o todos, ya que el arte puede hacer visible lo que no es visible en la vida cotidiana. Es, al final, lo que cada uno que la observa aprecia y toma de ella, al mismo tiempo que es una reflexión de la mente de un artista. Buscar una definición más cerrada del arte es, en efecto, limitar lo que el arte es para los demás, y limitar la belleza e infinidad creativa del arte.

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1. En las páginas de la 12 a la 15 se establece una discusión en torno a los efectos, las formas y las figuras, el arte y la vida. Para ustedes, ¿cuál es la tarea del artista retratada en el cuento y qué opinión les merece?

En la historia, el rol de el artista es no solo copiar la manera en la que se ven las cosas y realizarla en una canva, si no expresar esta realidad. Es decir, las emociones o mensajes que ver algo en vida real nos hacen sentir, el artista debe de representarlas tambien de alguna manera en su obra, de manera en la cual tal vez no sea igual a el modelo que copia pero que transmita ese mismo sentimiento, o por lo menos esto es lo que entendi de estas páginas. En mi opinion, esto es una buena manera de ver el arte: un enfoque 100% realista llega a ser simplemente una copia, que aunque llevo mucho esfuerzo, probablemente sea algo que podria haber sido recreado de mejor manera en fotografia sin perder nada de importancia. El capturar emociones (o "verdades") en el arte hace que tenga valor y que sea interesante.

2. ¿Qué piensan de la manera en la que se estructuran los roles de género en el cuento en relación con el arte: el artista masculino, descrito como un ser sobrenatural y la mujer identificada en su papel de musa? (No por casualidad los títulos de los apartados del cuento llevan títulos femeninos)

Me parece muy curioso. El arte, en la epoca moderna, es un area que tiene una gran presencia femenina, pero al igual que muchas industrias mayormente femeninas, es dominado por hombres, como lo ha sido por años. En cierta manera se puede ver la musa y el artista como un duo dinamico, y de esta manera la mujer contribuye al arte también, pero en mi opinion esto solo solidifica a la mujer como un objeto visual que existe para el beneficio del hombre, algo que no estaria muy fuera de lugar en el contexto historico del cuento.

3- Para ustedes, ¿qué visión del mundo se retrata en la frase "Los frutos del amor son efímeros; los del arte son inmortales." (p. 35)

Para mi, esta frase recalca que el legado del arte es uno de los más potentes que se puede dejar. Los frutos del amor, sean riquezas, hijos, o promesas hechas entre gente, no son factores por los que una persona sera recordada en la mayoria de las circumstancias; cuando se reconoce a alguien por estas, es usualmente porque se encuentran obras retratando estos frutos de amor, pinturas retratando grandes familias, poemas de amor, o obras literarias detallando cronicas de la vida de heroes. Pinta una visión del mundo en la cual el arte es lo único que asegura posteridad.

4- ¿Qué implicaciones tiene la frase "La belleza es difícil"?

En terminos de arte, implica la verdadera dificultad de crear arte que sea "bello". Como se habla antes en el cuento, un artista busca retratar más que solo una copia del mundo. Sin siquiera entrar en la dificultad de aprender a hacer arte, se ocupa tambien comprender que es lo que hace que las cosas sean bellas- en ocasiones, un intento que se acerca mucho pero falla resulta ser más feo que un intento que ni siquiera llego cerca de su blanco.

5-Como actividad complementaria se les solicita por favor realizar el visionado del video "Neoclasicismo vrs. Romanticismo" y reflexionar en torno a la herencia clásica en distintos momentos en la historia del arte y cómo esta ha permeado los conceptos de belleza y fealdad, que en ocasiones nos afectan incluso hoy.

El neoclasicismo y el romanticismo ambos buscaban la belleza en el arte de maneras similares pero diferentes, a como es la evolución de los movimientos artisticos. Desde un punto de vista neoclasicista, la belleza esta en un realismo elegante y sencillo que comunica todo lo que ocupa ser comunicado (pensando, por ejemplo, en las estatuas clásicas griegas o romanas, ya que como el nombre implica, este movimiento estaba inspirado en las obras clásicas). El romanticismo por su parte mantiene estos sentidos de proporción y realismo en lo que se viene a anatomia, pero tiene un mayor enfoque en las emociones y el individualismo de las piezas (con un mayor enfoque en las expresiones y las minusias que comunican emocion en la pintura). Para los gustos modernos, ambos movimientos probablemente serian considerados bellos: el canon artistico que utilizan es el que hemos crecido aprendiendo es el correcto, el manejo de colores es familiar, y calza con el respeto a lo clasico que permea la cultura, junto con el enfasis en las emociones que la cultura popular le da al arte.
Vale la pena preguntarse que opinaria alguien quien hubiera crecido en una cultura completamente distinta pensaria de estas obras; lo que se ve como bello y feo ha cambiado mucho durante la historia y probablemente seguira cambiando.

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Анна Карвалейру