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Expresionismo abstracto, 1945-1965.      Por Anghely Garzón-Arquitectura

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Expresionismo abstracto, 1945-1965.      Por Anghely Garzón-Arquitectura

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El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, se represento campos como: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Teniendo como objetivo despertar emociones con una vision trágica del ser humano de

forma distorsionada.

Podemos ver evidenciada la interdisciplinariedad en aspectos como:

● Artistas Latinoamericanos identificándose con colegas Europeos, enriqueciendo atravez de diálogos sus obras, teniendo aportes disciplinarios y tecnicas interculturales

● En la adaptación de técnicas que les ayudarán a expresar temas como la soledad, la miseria y la locura de una forma distorsionada, innovando y defendió la libertad individual a través de la subjetividad y el irracionalismo.

● "fue establecido como un campo multidisciplinario e interdisciplinario, ya que entrelazó el conocimiento de varias áreas del mundo artístico. Este movimiento se caracterizó por cautivar a los grupos artísticos e intelectuales"

● El expresionismo fue establecido como un campo multidisciplinario e interdisciplinario, ya que entrelazó el conocimiento de varias áreas del mundo artístico. Este movimiento se caracterizó por cautivar a los grupos artísticos e intelectuales alemanes durante las dos primeras décadas del siglo XX.

● fue uno de los primeros movimientos artísticos catalogados como vanguardistas y reaccionaba contra los principios del impresionismo, tiene herencia del romanticismo. Al tener dichas bases influyen en sus técnicas y disciplinas al representar sus obras.

Bibliografias

https://www.auragalerias.com/expresionismo-distorsion-de-la-realidad-para-expresar-la-subjetividad-propia/#:~:text=El expresionismo fue establecido como,primeras décadas del siglo XX.

https://concepto.de/expresionismo/

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Happening y Performance (1960 en adelante)

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Happening y Performance (1960 en adelante)

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Happening (Años 60):

El concepto de Happening surge principalmente en Estados Unidos a finales de la década de 1950 y principios de los 60, bajo la influencia del artista Allan Kaprow entre los años 1958-1959. El happening es un evento o situación artística en la que se combinan diferentes tipos de disciplinas, como lo son la pintura, el teatro, la música, la danza y la poesía. La clave del happening es la espontaneidad, la improvisación y la participación activa del público, rompiendo con las divisiones convencionales entre el arte y la vida cotidiana, haciendo que ambas se entrelacen.

Un buen ejemplo es la obra Yard (1961) del artista Allan Kaprow, ya que los espectadores eran invitados a caminar y moverse a través de los neumáticos, convirtiéndose en participantes activos de la obra.

Performance Art (Desde los años 70 en adelante):

Performance Art emerge en los años 70, expandiendo las ideas y actividades iniciadas por el happening. Esta corriente busca fusionar las artes visuales con expresiones corporales y escénicas, centrándose en la acción como obra de arte en sí misma. A diferencia del happening, la performance tiende a estar más estructurada y, aunque muchas veces involucra al público, se enfoca más en el concepto y en la presencia del artista.

La performance es interdisciplinaria ya que combina teatro, danza, poesía, música, videoarte y prácticas conceptuales.

Un gran ejemplo es la obra The Artist is Present (2010) de Marina Abramović, que fusiona la resistencia física y la interacción directa con el público.

La Interdisciplinariedad en Happening y Performance:

El happening y la performance, en lugar de limitarse a una única forma de expresión, incorporan elementos de diversas artes y medios, como la tecnología, la teoría crítica y las ciencias sociales. Esta integración de disciplinas, además de incorporar a la participación del público, resalta el enfoque interdisciplinario en el que las ideas fluyen entre campos distintos para generar nuevas formas de creación y experiencia artística.

Bibliografía:

1. Revista Ideides. Interdisciplinariedad. 21 de agosto de 2024. https://revista-ideides.com/interdisciplinariedad/

2. WikiArt. Performance Art. 21 de agosto de 2024. https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/performance#!#resultType:masonry

3. Wikipedia. Performance. 21 de agosto de 2024. https://es.wikipedia.org/wiki/Performance

4. Más de Arte. Happenings, acciones y fluxus: Azar en juego. 21 de agosto de 2024. https://masdearte.com/especiales/happenings-acciones-y-fluxus-azar-en-juego/

5. Goldberg, R. (2011). Performance Art: From Futurism to the Present (4.ª ed.). Thames & Hudson. 21 de agosto de 2024. https://www.thamesandhudsonusa.com/books/performance-art-from-futurism-to-the-present-softcover-fourth

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Apareció por primera vez en 1920, es una corriente de arte en que las obras son planas pero parecen tener movimiento, esto se debe a que suelen interactuar con elementos denominados "Exteriores" como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo.

Heredó del futurismo la voluntad mecanicista y, del constructivismo, la celebración tecnológica. La fusión de estos dos aspectos permitió hacer del movimiento algo más que un principio: una realidad perceptible y/o real. De allí se desprenden las características de esta corriente.

El arte cinético hoy en día se refiere más a las esculturas tridimensionales con profundidad y a las figuras como móviles que se mueven de forma natural. Cómo las obras de George Rickey, Uli Aschenborn y Sarnikoff.

Estos se denominan en tres tipos:

• Los estables: Son obras fijas, y es el espectador tiene que rodearlas para percibir el movimiento.

• Los móviles: Las obras producen un movimiento real, y por tanto va cambiando su estructura constantemente.

• Los penetrables: Las obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de movimiento.

Bibliografía:

• Miguel Calvo Santos. (2015) Arte Cinético 1954.

•Equipo editorial. (2024) Arte cinético: qué es, características y artistas más importantes.

•Wikipedia. (2024) Arte Cinético.

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ARTE OPTICO (1964)  / Por: Dana Fonseca - Arquitectura 

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ARTE OPTICO (1964)  / Por: Dana Fonseca - Arquitectura 

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El arte óptico es aquel que por medio de figuras geométrica generan dimensiones, movimiento o vibración, a la hora de ver dicha composición puede generar hinchazón, deformación parpadeo o vibración. Antiguamente se realizaba en blanco y negro ya con los año se transformó y se implementaron colores que de igual forma genera la misma percepción a esto se le denomina como Arte Abstracto.

La relación que tiene esto es explorara la reacción que tiene el Op-Art con los ojos y el cerebro, en algunas ocasiones esta ilustración puede generar confusión entre ambos órganos, generando así una percepción irracional. Esta percepción de puede dividir en dos categorías. La primera comprende todo movimiento geométrico en blanco y negro, segundo, imágenes posteriores que aparecen con ciertos colores.

Josef Albers

Se le conoce como un pionero en la teoría del color, antes de iniciar a implementar el color en sus obras, la gran parte anterior a ellas implementaba el negro que a su ves le permitió explorar en texturas y así mismo expandir su conocimiento al color y su forma adecuada de usarla, Josef Albers fue dibujante, grabador y fotógrafo compendio el complejo contraste tonal que con su adecuada implementación inspiro a varios artistas

Víctor Vasarely ( THE RESPONSIVE EYE)

Este artista es un gran referente en el Op-Art, querían confundir al espectador sin llegar a ser espirituales si no mas basado en la teoría científica para así mismo crear sensaciones así fue como el artista Vasarely en su obra The Responsive Eye refleja su intención, su técnica se basaba en la geometría integrando así mismo el equilibrio y la vista orgánica e intuitiva, este artista afirma de que su arte es de una forma arquitectónica creando así ciudades geométrica dando como impacto el color.

Bridget Riley

Gran parte de sus obras están enfocadas a producir vértigo tanto así que en algunos casos es innecesario desviar la mirada, los patrones de sus obras son intuitivos sin necesidad de calcular de una forma matemática o científica, con ello sus estructuras se distorsionan con los elementos ilusorios

Peter Sedgly

Su reconocimiento se enfoca por sus obras basadas en los anillos concéntricos del color , este efecto se intensifico al poner en la parte trasera luce de color rojo, azul y amarillo, mas adelante desarrollo Videorotores punteados con colores fluorescentes adicional a este jugaba con la luz ultravioleta, en su ultima obra exploro la luz y el sonido.

FUENTES

https://www.ttamayo.com/2019/08/op-art-historia/

https://artishockrevista.com/2014/05/26/josef-albers-black-and-white/#:~:text=Josef%20Albers%20es%20m%C3%A1s%20conocido,cuadros%20de%20planos%20de%20color.

https://historia-arte.com/obras/vega-iii

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Op-Art (un término acuñado en 1964 por la revista Time) es una forma de arte abstracto que se basa en ilusiones ópticas para engañar a los ojos del espectador. También se conoce como arte óptico. Es también una forma de arte cinético que se relaciona con diseños geométricos que crean sensaciones de movimiento o vibración. Las obras de Op-Art se produjeron primero en blanco y negro, luego en colores vibrantes.

A propósito del fallecimiento hace unas semanas de Carlos Cruz Diez (un gran artista venezolano representante del Op-Art), haremos un recorrido por la historia, características y principales artistas del Op-Art.

¿Qué es el Op-Art?

Op-Art puede definirse como un tipo de arte abstracto o concreto que consiste en formas geométricas que crean varios tipos de ilusión óptica. Por ejemplo, cuando se ven, las imágenes de Op-Art pueden hacer que el ojo detecte una sensación de movimiento (por ejemplo, hinchazón, deformación, parpadeo, vibración) en la superficie de la pintura. Y los patrones, formas y colores utilizados en estas imágenes generalmente se seleccionan por sus cualidades ilusorias, en lugar de por su contenido sustantivo o emocional. Además, los artistas ópticos utilizan espacios positivos y negativos para crear las ilusiones deseadas.

¿Cómo funciona el Op-Art?

El Op-art explota la relación funcional entre la retina del ojo (el órgano que "ve" los patrones) y el cerebro (el órgano que interpreta los patrones). Ciertos patrones causan confusión entre estos dos órganos, lo que resulta en la percepción de efectos ópticos irracionales. Estos efectos se dividen en dos categorías básicas: primero, el movimiento causado por ciertos patrones geométricos específicos en blanco y negro. Por ejemplo, como los de los trabajos anteriores de Bridget Riley, o las superficies de aluminio de Getulio Alviani, que pueden confundir el ojo incluso hasta el punto de inducir mareos físicos. Segundo, las imágenes posteriores que aparecen después de ver imágenes con ciertos colores o combinaciones de colores.

La interacción de diferentes colores en la pintura (contraste simultáneo, contraste sucesivo y contraste inverso) puede causar efectos retinianos adicionales. Por ejemplo, en las pinturas del "Templo" de Richard Anuszkiewicz, la disposición de dos colores altamente contrastantes hace que parezca que la forma arquitectónica invade el espacio del espectador.

Historia del Op-Art

Los orígenes del Op-Art se remontan a las teorías de pintura de antes de la guerra. Entre ellas se encuentran las ideas constructivistas de la escuela de diseño Bauhaus de la década de 1920 en Alemania. Estas enfatizaban la importancia del diseño formal general, en la creación de un efecto visual específico. Cuando la Bauhaus cerró en 1933, muchos de sus profesores (especialmente Josef Albers) se mudaron a América y enseñaron en Chicago y en el Black Mountain College de Carolina del Norte.

Josef Albers produjo debidamente su famosa serie de pinturas "Homenaje a la plaza" que tenía tendencias de Op-Art. Mientras tanto, desde principios de la década de 1930, el pintor y artista gráfico nacido en Hungría, Victor Vasarely, estaba experimentando con varios trucos visuales como trompe-l'oeil y otros, como Zebras (1938).

Exposición "The Responsive Eye"

El interés moderno en el Op-Art data de la exposición "The Responsive Eye", comisariada por William C. Seitz, que se celebró en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Se exhibió una amplia gama de obras, incluidas las del conocido Victor Vasarely y la contemporánea Bridget Riley. Inmensamente popular, el programa destacó la ilusión de movimiento y la interacción de las relaciones de color.

Como consecuencia, el estilo comenzó a aparecer en gráficos impresos, publicidad y carátulas, así como en el diseño de moda y decoraciones de interiores.

Exposiciones notables de Opt Art en los últimos tiempos:

"L'oeil Moteur, art optique et cinetique" 1960-1975 (Musee D'Art Moderne et Contemporain, Estrasburgo, Francia, 2005); "Op-Art" (Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania, 2007); "The Optical Edge" (The Pratt Institute of Art, Nueva York, 2007); "Optic Nerve: Perceptual Art of the 1960s" (Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 2007).

Artistas Op famosos

Victor Vasarely

El máximo exponente y pionero de los efectos del Op-art incluso en la década de 1930, es Victor Vasarely, de origen húngaro, pero que trabajó en Francia desde 1930. Ha tomado una visión radicalmente escéptica de las ideas tradicionales sobre el arte y los artistas. A la luz de los avances científicos modernos y las técnicas modernas, afirma que el valor del arte no debe residir en la rareza de una obra individual, sino en la rareza y originalidad de su significado, que debe ser reproducible.

El mejor trabajo de Victor Vasarely, se expresa en términos geométricos, incluso mecanicistas, pero integrado en un equilibrio y contrapunto que es orgánico e intuitivo. Afirma que su trabajo contiene "una forma de arte abstracto arquitectónico, una especie de folklore universal". Su misión es "una nueva ciudad: geométrica, soleada y llena de colores", resplandeciente con un arte "cinético, multidimensional y comunitario. Abstracto, por supuesto, y más cercano a las ciencias".

Bridget Riley

Otra artista famosa del Op-Art es la británica Bridget Riley. El efecto de sus obras puede ser producir tal vértigo que el ojo tenga que mirar hacia otro lado. Aunque cuidadosamente programados, sus patrones son intuitivos y no se derivan estrictamente de cálculos científicos o matemáticos, y su estructura geométrica a menudo se disfraza de los efectos ilusorios. Riley se niega a distinguir entre las respuestas fisiológicas y psicológicas del ojo.

Peter Sedgley

Peter Sedgley (nacido en 1930), un británico que vive principalmente en Alemania, se hizo conocido alrededor de 1965 por sus experimentos con una de las imágenes recurrentes de la pintura de finales del siglo XX, los anillos concéntricos de color. El efecto se intensificó al introducir luces de colores rojo, amarillo y azul dentro de sus obras programadas eléctricamente. Más tarde desarrolló "videorotores", punteados con brillantes colores fluorescentes, rotativos y aún más animados por el juego de luz ultravioleta y estroboscópica sobre ellos. Su último trabajo ha explorado las relaciones entre la luz y el sonido, con pantallas en las que el ruido y el movimiento de los espectadores o transeúntes son ilustrados con luz de color.

Otros artistas Op Art

Otros artistas asociados con Op-Art incluyen: Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Tony DeLap, Gunter Fruhtrunk, Julio Le Parc, John McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto, Julian Stanczak, Günther Uecker, Ludwig Wilding y Marian Zazeela.

Retrospectiva del gran artista Op Art Carlos Cruz-Diez

Sus vertiginosas exhibiciones de formas geométricas conmocionaron al mundo. Aclamado internacionalmente por sus obras abstractas, el artista venezolano ha dejado un legado de larga duración.

Anunciado por su fundación, Carlos Cruz-Diez falleció el 27 de julio de 2019 a la avanzada edad de 95 años en la ciudad de París.

Carlos Cruz-Diez nació en Caracas el 17 de agosto de 1923. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas. Después de graduarse, Cruz-Diez tuvo éxito como ilustrador. En 1946, fue nombrado director creativo de la agencia de publicidad McCann-Erickson.

Cruz-Diez saltó a la fama después de su trabajo en la exposición fundamental "The Responsive Eye" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1965. La exposición fue considerada una exposición histórica por sus perspectivas desafiantes en el arte abstracto.

Descubriendo el cinetismo

En 1955, vio la exposición de Op Art en la Galerie Denise René. Afirmó que no sabía que su amigo Soto estaba haciendo trabajo cinético. Desde ese entonces vio que el arte cinético representaba una nueva forma fresca de crear arte lejos de las restricciones de la pintura tradicional.

"Arte cinético" es un término general para las obras de arte que cultivan el movimiento. Esto puede ser en forma de ilusión, como en el Op Art, o puede ser movimiento físico real, como en esculturas con partes motorizadas.

Categorías de la obra de Carlos Cruz Diez

A lo largo de su carrera, Cruz-Díez se ha centró en cuatro tipos de categorías autodefinidas del Op Art: Fisicoromías, Cromo Interferencias, Cromosaturaciones y Transcromías. Todos estos experimentos basados en colores se centran en las variaciones de la posición del observador en relación con el trabajo, la luz dirigida y la relación entre los colores presentados.

Fisicromía

La más significativa de sus obras son las Fisicromías. Estas implican una participación activa ya que el color del trabajo cambia según la posición del espectador. Cruz-Díez utiliza el efecto muaré para producir una sensación de movimiento por su composición particular de líneas.

Las fisicromías juegan con nuestra percepción del color. El término "Fisicromía" fue acuñado por Cruz-Diez al combinar las palabras "físico" y "cromatismo". El cromatismo es una técnica musical en la que se combinan tonos o sonidos. Las fisicromías son manifestaciones visuales de la idea del cromatismo; combinan colores en lugar de notas musicales.

Cruz-Diez se interesó por primera vez en el color a través de su trabajo como pintor comercial en Venezuela. En estos trabajos, la percepción del color del espectador cambia constantemente a medida que se mueve alrededor del trabajo y lo ve desde diferentes ángulos.

Cromosaturación

Cromosaturación consiste en un entorno específico del sitio diseñado por el artista que se centra en la relación entre el color y la percepción. Inicialmente concebido en 1965 y presentado por primera vez en 1968 en el Museo Ostwald en Dortmund, Alemania, este trabajo consta de tres cámaras de color separadas con luz roja, verde y azul. El objetivo real de este trabajo es la experiencia del visitante de caminar a través del espacio cromático cambiante.

La cromosaturación es un hábitat artificial formado por tres cámaras de color, una roja, otra verde y una tercera azul. Al entrar, el espectador está inmerso en una realidad "completamente monocromática".

Dado que la retina generalmente percibe una amplia gama de colores simultáneamente, experimentar estas situaciones monocromáticas causa disturbios. Esto activa y despierta nociones de color en el espectador, quien se convierte consciente de la existencia física y material del color. El color se convierte en una situación que ocurre en el espacio, sin la ayuda de la forma, o incluso un soporte, y libre de convenciones culturales".

Experimentación en lienzos más grandes

Según sus propias palabras, estas fueron exactamente las intenciones de Cruz-Diez con el arte: "Lo que intenté crear es una relación dialéctica entre el espectador y el trabajo. Con el tipo de arte que yo hago, ves una situación, un instante. Cambia constantemente porque la luz cambia constantemente".

En 1967, el artista recibió el premio internacional de pintura en la novena Bienal de São Paulo. Cruz-Diez cautivó con la presentación de sus increíbles pisos del aeropuerto venezolano en la década de 1970. Después de esto, comenzó a completar comisiones públicas.

Popularidad Internacional

El "Plafond Physichromie" (1980) se colocó con orgullo fuera de la estación de tren de París Saint-Quentin-en-Yvelines. Carlos Cruz Diez incluso volvió a pintar un viejo barco piloto de 760 toneladas de Mersey para la Bienal de Liverpool, con motivo del centenario de la Primera Guerra Mundial.

Carlos Cruz-Diez dejó su huella en el Tate Modern, Museo de Arte Moderno y si alguna vez cruzas la calle mientras te diriges al Broad Museum, podrás ser recibido por un paso de peatones bastante alegre.

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Op-Art: Historia, características del arte óptico. - ttamayo.com

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A propósito del fallecimiento de Cruz Diez, haremos un recorrido por la historia, características y principales artistas del Op-Art.

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Línea del Tiempo Interdisciplinaria sobre el Rayonismo hasta 1912-Jorge Andrades 

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Línea del Tiempo Interdisciplinaria sobre el Rayonismo hasta 1912-Jorge Andrades 

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1905-1910: Influencias y precursores

- Influencia del Futurismo italiano en Rusia

- Desarrollo del Cubismo en Francia

- Pintores rusos como Mikhail Larionov y Natalia Goncharova experimentan con estilos innovadores.

1911: Fundación del Rayonismo

- Mikhail Larionov y Natalia Goncharova fundan el grupo Rayonista en Moscú

- Publicación del manifiesto "Rayonismo" por Larionov.

1912: Desarrollo del estilo Rayonista

- Larionov y Goncharova desarrollan el estilo característico del Rayonismo: uso de rayos de luz, abstracción geométrica y experimentación con materiales

- Exposición de obras Rayonistas en Moscú, incluyendo la famosa obra "Cabeza de un soldado" de Larionov

- El Rayonismo comienza a atraer la atención de la crítica y el público.

Eventos clave en 1912:

- Marzo: Exposición de obras Rayonistas en la Galería de Arte de Moscú

- Abril: Publicación de un artículo sobre el Rayonismo en la revista "El Mundo del Arte"

- Mayo: Larionov y Goncharova participan en la exposición "La Unión de la Juventud" en San Petersburgo.

Interdisciplinariedad:

﻿﻿Relación entre pintura, poesía y teatro en el Rayonismo

﻿﻿Influencia de la música y la danza en las obras Rayonistas

﻿﻿Uso de técnicas mixtas y experimentales en la creación artística

Fuentes Bibliográficas

﻿Larionov, M. (1913). Rayonismo. Moscú:
Ediciones Rayonistas.

https://masdearte.com/movimientos/rayonismo/

﻿﻿Goncharova, N. (1912). El Rayonismo y la pintura. San Petersburgo: Ediciones
Avant-Garde

https://elojodelarte.com/biografias/natalia-goncharova-una-pionera-del-arte-avant-garde-ruso

﻿﻿Bowlt, J. E. (1976). El Rayonismo y el arte ruso del siglo XX. Nueva York: Museo de Arte Moderno

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El arte pop, también conocido por su nombre en inglés pop art, fue un movimiento artístico del siglo XX.

Se caracterizó por emplear imágenes y objetos de la cultura popular, tomados de los medios de comunicación de masas (anuncios publicitarios, revistas, cómics, cine) o de la realidad cotidiana.

El arte pop surgió como movimiento a finales de la década de 1950 en Inglaterra, y mientras que en Estados Unidos empezó a despuntar con la década de 1960.

Arte Pop desde 1950 hasta 1980

1947: Eduardo Paolozzi produce “I was a Rich Man’s Plaything”, considerada una de las primeras obras del verdadero arte pop, con la palabra “pop” saliendo de una pistola.

1952: Se forma el Independent Group en Londres, donde artistas como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi colaboran y producen exposiciones que marcan los inicios del arte pop.

1956: Richard Hamilton expone “Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?”, una de las primeras piezas de verdadero arte pop.

1958: Lawrence Alloway escribe un ensayo sobre el arte pop, popularizándolo aún más.

1961: Billy Apple y otros artistas británicos se aventuran a Estados Unidos y conocen a Andy Warhol, fortaleciendo la importancia del estilo en la escena artística.

1962: El término “arte pop” se utiliza por primera vez en Estados Unidos durante un simposio en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Andy Warhol expone sus icónicas latas de sopa Campbell1.

1963: Roy Lichtenstein crea “Drowning Girl”, una de sus obras más famosas, basada en un panel de cómic de DC.

1964: Se celebra la exposición “American Supermarket”, consolidando el arte pop como un movimiento influyente

La intervención del arte pop consistía en sacar imágenes u objetos populares de su contexto habitual para así, al aislarlas o combinarlas con otros elementos, lograr resaltar o iluminar algún aspecto banal o kitsch, o destacar algún sentido o rasgo cultural concreto.

Suele colocarse al arte pop en la frontera entre el final del arte moderno y el comienzo del arte postmoderno. En este sentido, algunos lo consideran una manifestación artística crepuscular de la modernidad, mientras que otros lo ven como una de las más tempranas expresiones de la posmodernidad en el arte.

Fuentes

Arte Pop (movimiento artístico): qué es y sus características - Enciclopedia Significados

https://iwofr.org/es/l%C3%ADnea-de-tiempo-del-arte-pop/

https://lineadetiempo.net/historia-de-los-movimientos-artisticos-a-traves-del-tiempo/

https://www.culturagenial.com/es/arte-pop/

Valeria Cuesta

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Juanita Beltrán Hurtado - Diseño industrial 

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El hiperrealismo o fotorrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.

Chuck Close y Audrey Flack fueron pioneros en este género, utilizando técnicas meticulosas para lograr retratos y naturalezas muertas que desafiaban la distinción entre realidad y representación. Con el tiempo, artistas como Ralph Goings, Robert Bechtle y Richard Estes se sumaron, expandiendo el alcance del Hiperrealismo a paisajes urbanos y escenas automovilísticas.

Este movimiento alcanzó su apogeo en la década de 1970, ganando reconocimiento mundial. A pesar de las críticas por su similitud extrema con la fotografía, el Hiperrealismo persiste como una forma artística influyente y sigue evolucionando con nuevas generaciones de artistas que exploran nuevas técnicas y temáticas

La interdisciplinariedad en el Hiperrealismo

Técnica: Cada obra hiperrealista se caracteriza por un nivel extremo de detalle, capturando minuciosamente cada aspecto de la escena representada.

Psicología y Percepción Visual: La comprensión de cómo funciona la percepción visual y la psicología detrás de cómo interpretamos las imágenes y los detalles influye en la creación de estas obras

Superación de la Fotografía: Aunque se inspira en la fotografía, el Hiperrealismo busca ir más allá, transmitiendo emociones y experiencias que van más allá de la simple reproducción visual, fusionando lo real y lo artístico de manera única.

Enfoque en lo Cotidiano: El Hiperrealismo destaca lo ordinario, transformando escenas comunes y objetos cotidianos en piezas de arte que despiertan asombro por su realismo.

Bibliografía:

https://artehistoria.online/hiperrealismo/

https://artehistoria.online/hiperrealismo/#google_vignette

https://www.culturagenial.com/es/hiperrealismo/

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Descubre la esencia del Hiperrealismo: definición y características que transforman la realidad en arte. Sumérgete en este viaje visual único.

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Pintura de alto voltaje / martial raysse/ 1965

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Nouveau Réalisme( Nuevo realismo)1960-1970 Santiago Rodriguez Duarte- Artes plásticas 

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Nouveau Réalisme( Nuevo realismo)1960-1970 Santiago Rodriguez Duarte- Artes plásticas 

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El nuevo realismo fue fundado afínales de los sesenta en mayo de 1968 por un grupo de franceses conformado por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán

OBJETIVO

El nuevo realismo tal y como lo explica Pierre Restany, «un reciclaje poético de lo urbano, industrial y publicidad de la realidad», ellos obtaron por una estética sociológica que pretendía regresar al realismo, mostrar la vida cotidiana pero después de las guerras mundiales pleno establecimiento de las sociedades de consumo y las democracias liberales, adaptado a la nueva realidad urbana; El nuevo realismo es el lado B de el pop-art, ya que este ultimo quería mostrar el lado brillante y luminoso del capitalismo, pero el nuevo realismo quería mostrar el lodo oscuro del capitalismo dando importancia no a la imagen, sino al objeto en si.

ARTISTAS

Martial Raysse

Arman

Yves Klein

Mimmo Rotella

Niki de Saint Phalle

INTERDICIPLINARIDAD

En el nuevo realismo artistas tales como arman y/o martial raysse combinan otras diciplinas para realizar sus obras tales como la arquitectura y la ingeniera, también la artesanía en el caso de Niki de Saint Phalle como también en el cine con esta ultima donde estuvo a cargo del guion del film DADDY.

BIBLIOGRAFIA

https://historia-arte.com/movimientos/nouveau-realisme

https://www.wikiart.org/es/artists-by-art-movement/nuevo-realismo#!#resultType:masonry

https://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-newrea-EN/ENS-newrea-EN.htm

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Minimalismo en Movimiento: desde 1960 - Santiago Huertas - Arquitectura

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Minimalismo en Movimiento: desde 1960 - Santiago Huertas - Arquitectura

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1960 - Orígenes del Minimalismo

El minimalismo surgió como una reacción al arte pop y al expresionismo abstracto, buscando una forma de arte que se centrara en la simplicidad y la reducción de elementos. Este movimiento se ve en muchas disciplinas, como la pintura, la escultura y la música.

Elementos Narrativos:

1. El arte se convierte en un medio para explorar el vacío y la ausencia, donde cada elemento tiene un propósito claro.

2. La interacción y la percepción del espectador son cruciales, ya que les permiten reflexionar sobre la obra de manera individual.

3. La frase "menos es más" se ha convertido en un mantra, indicando que la simplicidad puede transmitir más que la complejidad.

Elementos Visuales:

1. Formas geométricas básicas: Obras de artistas como Donald Judd utilizan formas básicas para crear un impacto visual.

2. Hay pocas paletas de colores disponibles: Usar colores primarios y neutros para resaltar la pureza de las formas.

3. Espacios negativos: la importancia del espacio vacío alrededor de las obras, que permite al espectador pensar en lo que no está presente.

Elementos Sonoros:

1. Música minimalista: Compositores como Steve Reich y Philip Glass emplean patrones repetitivos y estructuras sencillas.

2. Repetición: La repetición es un recurso que crea un ambiente acogedor y meditativo.

3. El silencio es una parte importante de la experiencia sonora y permite la reflexión.

1970 - Expansión del Minimalismo

El minimalismo se ha extendido a otras disciplinas como la arquitectura y el diseño, influenciando la estética de la vida cotidiana. Se comienza a ver en el diseño de muebles y áreas interiores.

Temáticas Principales: La autenticidad, la funcionalidad y la búsqueda de la esencia en el arte y el diseño.

Temáticas Secundarias: Estas incluyen la crítica del consumismo y el exceso de información visual, así como la promoción de un estilo de vida más consciente y menos materialista.

Minimalismo y Feminismo: El minimalismo fue utilizado por muchas artistas minimalistas, incluidas Eva Hesse y Louise Bourgeois, para explorar temas relacionados con el cuerpo, la identidad y la experiencia femenina. Sus creaciones desafiaron las ideas tradicionales sobre la escultura y las jerarquías de género en el mundo del arte.

1980 - Minimalismo en la Cultura Popular

El minimalismo es una tendencia en la moda y la música que se centra en la elegancia y la simplicidad. El diseño de interiores minimalista, que refleja un estilo de vida más ordenado, está ganando popularidad.

1. Elementos Narrativos:

1. Historias de despojo: Narrativas sobre la búsqueda de lo esencial y la liberación de lo superfluo.

2. Vida minimalista: historias sobre vivir con menos y encontrar la felicidad en la simplicidad.

3. El minimalismo se presenta como una forma de encontrar la paz mental en un mundo caótico.

1990 - Críticas y Reinterpretaciones

Algunos críticos argumentan que el minimalismo se ha convertido en una moda superficial a medida que se populariza. Algunos artistas están empezando a desafiar el estilo minimalista.

Elementos Visuales:

1. Contraste con el maximalismo: obras que utilizan una gran cantidad de elementos visuales para desafiar la estética minimalista.

2. Tecnología: Explorar nuevas formas de expresión utilizando medios digitales en el arte minimalista.

3. Nuevas texturas: agregar materiales y texturas inesperados para mejorar la experiencia visual.

2000 - Minimalismo en la Era Digital

En la era digital, la simplicidad se convierte en un valor en el diseño web y la tecnología, el minimalismo se adapta. Es cada vez más importante tener interfaces limpias y funcionales.

Elementos Sonoros:

1. Sonidos ambientales: el uso de sonidos naturales y urbanos en obras de arte que invitan a la reflexión.

2. Música electrónica minimalista: creadores que utilizan tecnología para crear obras sonoras simples y funcionales.

3. Una experiencia inmersiva se crea a través de sonidos que responden a la interacción del usuario.

2010 - Minimalismo y Sustentabilidad

El minimalismo se asocia con movimientos de vida sostenibles y reducción del desperdicio. Se fomenta un estilo de vida en el que la calidad es más importante que la cantidad.

El minimalismo es una forma de vida ética y responsable que busca un equilibrio con el medio ambiente.

La relación entre el minimalismo y la salud mental, enfatizando cómo vivir con menos puede contribuir al bienestar emocional.

Minimalismo Actual

El minimalismo se considera un estilo de vida que promueve la simplicidad y la claridad, y continúa evolucionando y influyendo en una variedad de campos, desde la arquitectura hasta la moda.

Elementos Narrativos:

1. Narrativas sobre la conexión con la naturaleza: volver a lo esencial y buscar una vida más conectada con la naturaleza.

2. Autenticidad digital: la búsqueda de la simplicidad en la vida digital y las redes sociales, donde la calidad de las interacciones es la prioridad.

3. El minimalismo como forma de resistencia cultural: el minimalismo se presenta como una alternativa viable al consumismo y la saturación de información.

Fuentes Bibliográficas

1. Iberdrola. (n.d.). El minimalismo como estilo de vida: 5 nuevas reglas. Iberdrola.

2. Brown, L. (2020). Sustainability and Minimalism in the 21st Century. Journal of Environmental Psychology.

3. Wikipedia. (n.d.). Minimalismo. Wikipedia. https://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo

4. Judd, Donald. "Complete Writings 1959–1975: Gallery Reviews, Book Reviews, Articles, Letters to the Editor, Reports, Statements, Complaints." New York University Press, 1975.

5. Reich, Steve. "Writings on Music 1965–2000." Oxford University Press, 2002.

6. Jones, A. (2017). The Impact of Minimalism on Contemporary Design. Design Issues.

7. Historia del Arte. (n.d.). Minimalismo. Historia del Arte. https://historia-arte.com/movimientos/minimalismo

8. Definición. (n.d.). Minimalismo. Definición. https://definicion.de/minimalismo/

9. Smith, T. (2013). Minimalism: Art and Politics in the 1960s. Art Journal.

10. TimeToast. (n.d.). Minimalismo. TimeToast. https://www.timetoast.com/timelines/minimalismo-0acacc47-05aa-4d2d-9427-c41c965c7306

11. Mas de Arte. (n.d.). Arte minimal: minimalismo. Mas de Arte. https://masdearte.com/movimientos/arte-minimal-minimalismo/#:~:text=El%20t%C3%A9rmino%20minimalismo%20en%20el,escultura%20de%20la%20vanguardia%20cl%C3%A1sica.

12. Wikipedia. (2024, 23 de agosto). Minimalismo. Wikipedia. https://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo

13. Addis, Matthew. "Minimalism: Origins." Abbeville Press, 2000.

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Joan Stiven Alvarado Melo - Diseño Industrial 

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Arte Urbano (1975) Por: Stiven Alvarado - Diseño Industrial

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Arte Urbano (1975) Por: Stiven Alvarado - Diseño Industrial

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El arte urbano, conocido también por su traducción literal en inglés: street art, hace referencia al arte callejero en sus diversas formas: pinturas murales, arte en spray, pegatinas, mosaicos, esculturas, land art, proyecciones de vídeo, etc.

Siendo el denominador común de este tipo de creaciones es que se realizan en la calle o en un lugar público

Origen y evolución del Arte Urbano

El origen del arte urbano suele situarse en París, en la década de los 60's, cuando los artistas comenzaron a trabajar en las calles de forma muy cercana a lo que se entiende actualmente por arte callejero sobre todo si pensamos en aspectos como la modificación de la concepción del espacio y la búsqueda de la interacción con la ciudad y sus habitantes.

Este tipo de arte surgió inicialmente como una forma de expresión reivindicativa, con cierto carácter político, de crítica social, muy unido a los barrios urbanos. Aunque el Arte Urbano conserva algo de aquel carácter, muchas de sus corrientes se han desvinculado de la vertiente más política y se utilizan como una forma más de arte, para expresar todo tipo de emociones y mensajes, no necesariamente reivindicativos

Que es un artista callejero?

Hoy en día, no existe una definición única de lo que se considera un artista callejero. Aunque hay quienes siguen infringiendo la ley y no quieren entrar en el mercado ni relacionarse con la dinámica del arte contemporáneo, cada vez son más los artistas urbanos que llegan a acuerdos con las instituciones para exponer sus obras en las calles y venden su arte en galerías, incluidos los más conocidos y cotizados del mundo. Muchos de ellos, no obstante, siguen prefiriendo mantener su anonimato

Caracteristicas Principales:

La principal característica del Arte U es que se lleva a cabo en la calle, aunque posteriormente aterrice en museos y galerías de arte, este movimiento artístico busca en los espacios urbanos su identidad y su código estilístico siendo algunas de las técnicas más utilizadas en el arte callejero, y que por tanto pueden ayudar a identificarlo y reconocerlo, son los grafitis, los murales, el stencil art, el poster art y el sticker art, así como las diversas combinaciones entre estas y otras formas de arte

Bibliografía:

https://artcontemporaneo.com/arte-urbano-arte/

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_urbano

https://www.mchampetier.com/arte-movimiento-ARTE%20URBANO.html

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Juan Diego Camargo Romero - Diseñó de Comunicación 

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Land Art y sus Hitos Más Importantes Desde 1968

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Land Art y sus Hitos Más Importantes Desde 1968

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1968

- Earthworks Exhibición: Esta exposición en Dwan Gallery, Nueva York, marca el inicio del reconocimiento del Land Art. Participan artistas como Michael Heizer y Robert Smithson.

1969

-"Double Negative" (Michael Heizer): Creado en el desierto de Nevada, Heizer excava dos trincheras en una meseta, comenzando su enfoque monumental en Land Art.

- "Spiral Jetty" (Robert Smithson): Smithson comienza la planificación de su obra icónica en el Gran Lago Salado de Utah.

1970

- "Spiral Jetty" Completada (Robert Smithson): Esta obra en espiral en el Gran Lago Salado se convierte en una de las piezas más emblemáticas del Land Art.

- "Broken Circle/Spiral Hill" (Robert Smithson): Smithson realiza esta obra en los Países Bajos, marcando la expansión del Land Art a Europa.

1971

- "Lightning Field" (Walter De Maria): De Maria comienza a planear esta obra, completada en 1977, que consiste en una cuadrícula de postes de acero en un área remota de Nuevo México.

1973

- "Roden Crater" (James Turrell): Turrell comienza su transformación de un cráter volcánico en Arizona, un proyecto que continúa hasta la actualidad.

1974

- "Double Negative" Completada (Michael Heizer): Finalización de la obra, que sigue siendo una de las piezas más grandes de Land Art.

1977

- "Lightning Field" Completada (Walter De Maria): La instalación está lista y se convierte en un referente en la interacción de la naturaleza con elementos geométricos.

1982

- "Sun Tunnels" (Nancy Holt): Holt completa su obra en el desierto de Utah, consistente en cuatro grandes túneles alineados con los solsticios de verano e invierno.

1997

- "City" (Michael Heizer): Heizer comienza la construcción de "City", una de las obras de Land Art más grandes y ambiciosas, en el desierto de Nevada, aún en desarrollo.

2005

- Reactivación de "Spiral Jetty": Después de estar sumergida bajo el agua durante varios años, el nivel del agua baja y "Spiral Jetty" vuelve a ser visible, revitalizando el interés por el Land Art.

2013

- "Levitated Mass" (Michael Heizer): Se inaugura esta escultura en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), consistente en una gran roca suspendida sobre un pasaje.

2016

- "Seven Magic Mountains" (Ugo Rondinone): Instalación temporal cerca de Las Vegas, que combina el Land Art con elementos contemporáneos de color y forma.

2020

- Finalización de "City" (Michael Heizer): Después de décadas de trabajo, Heizer finaliza su monumental proyecto "City".

Bibliografía:

1. Kastner, J., & Wallis, B. (1998). Land and Environmental Art. Phaidon Press.

2. Beardsley, J. (1996). Earthworks and Beyond: Contemporary Art in the Landscape (3rd ed.). Abbeville Press.

3. Kwon, M. (2004). One Place After Another: Site-Specific Art and Locational Identity. The MIT Press.

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DADAISMO 1916 - 1923 (Annderzon Benitez Soler)

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DADAISMO 1916 - 1923 (Annderzon Benitez Soler)

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El dadaísmo, o dada, fue un movimiento artístico y literario radical que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial, aproximadamente entre 1916 y 1923. Fue una reacción tanto al conflicto bélico como a las normas establecidas en el arte y la cultura.

CONTEXTO Y ORIGENES

En 1916 en Zúrich (Suiza), en un cabaret llamado Voltaire, Hugo Ball y Emmy Hennings crearon el movimiento con el nombre "Dada", este nombre fue elegido de manera arbitraria y según las teorías que habitan, la palabra proviene del francés y significa "caballito de madera", esto también refleja el carácter absurdo del movimiento.

(Algunas personas dicen que Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Jean Arp, y Hans Richter, también hicieron parte del grupo creador del movimiento)

INTEGRACION DE DIVERSAS FORMAS DEL ARTE

Artes Visuales y Escultura

El dadaísmo se manifestó en las artes visuales a través de técnicas como el collage y el ensamblaje. Los artistas dadaístas, como Hannah Höch y Kurt Schwitters, crearon collages utilizando recortes de periódicos, fotografías y otros materiales encontrados para desafiar las normas estéticas y sociales. Marcel Duchamp, con sus "ready-mades" como Fountain (1917), transformó objetos comunes en arte, cuestionando la definición misma del arte.

Literatura y Poesía

En la literatura, el dadaísmo se expresó a través de la poesía fonética, que se centraba en el sonido y la performance más que en el significado tradicional de las palabras. Tristan Tzara y Hugo Ball, entre otros, desarrollaron poemas que utilizaban el azar y la improvisación, rompiendo con las formas convencionales de la poesía.

Teatro y Performance

El dadaísmo también tuvo un fuerte componente teatral. El Cabaret Voltaire en Zúrich, por ejemplo, fue un espacio donde se realizaron performances que combinaban poesía, teatro y música. Estas representaciones a menudo incluían elementos de absurdo y caos para desafiar las expectativas del público.

USO DEL AZAR Y LA ALEATORIEDAD

El método del azar fue fundamental en la creación artística dadaísta. Los dadaístas aplicaron el azar no solo en la literatura, sino también en las artes visuales y el teatro. Por ejemplo:

Literatura: Tristan Tzara elaboró un método para crear poemas en el que seleccionaba palabras al azar de un sombrero.

Artes Visuales: En los collages y los ready-mades, el uso del azar y el material encontrado desafiaba las concepciones tradicionales de autoría y originalidad.

CRITICAS DE LAS NORMAS ESTETICAS Y CULTURALES

La interdisciplinariedad del dadaísmo sirvió como una herramienta para cuestionar las normas estéticas y culturales. Al combinar elementos de diferentes disciplinas, los dadaístas desafiaron las jerarquías y los límites tradicionales entre las artes y la cultura. La práctica de mezclar y combinar diversos medios artísticos permitió a los dadaístas cuestionar la seriedad y el propósito del arte, así como las expectativas de la sociedad en general.

INFLUENCIA EN LA CULTURA POPULAR Y EL ARTE CONTEMPORANEO

La interdisciplinariedad del dadaísmo tuvo un impacto duradero en el arte contemporáneo y la cultura popular. Las ideas de combinar medios y cuestionar las convenciones influyeron en movimientos posteriores como el surrealismo, el arte pop y el arte conceptual. La práctica de integrar diferentes disciplinas se convirtió en una característica común en el arte moderno y contemporáneo.

BIBLIOGRAFIA

https://historia-arte.com/movimientos/dadaismo

https://www.culturagenial.com/es/dadaismo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

https://www.utadeo.edu.co/es/noticia/recomendados/centro-de-arte-y-cultura/4761/100-anos-del-dada

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Arte povera, hacia 1965 en                           Jorge David Cruz Polo- arquitectura

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Arte povera, hacia 1965 en                           Jorge David Cruz Polo- arquitectura

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El arte pobre (del italiano: arte povera) es un movimiento artístico surgido en Italia en la segunda mitad de la década de 1960, al cual se adhirieron autores del ámbito predominantemente turinés. Fue llamado así por Germano Celant, debido a que se utilizan para su creación materiales humildes y pobres, generalmente no industriales (plantas, sacos de lona, grasas, cuerdas, tierra, troncos, piedras). Estos materiales se valoran principalmente en sus cambios, ya que a medida que se van deteriorando, transforman la obra.

Características del arte povera

Fue un tipo de arte que basó toda su estética en las posibles relaciones que existían entre los objetos y su configuración.

Valoraba sobre todo los diferentes procesos de fabricación y manipulación de los materiales utilizados y también los materiales en sí.

Valoraba los materiales en su estado natural.

Los artistas que la practicaban estaban en contra del uso de algunos materiales como el acero inoxidable.

No seguía las pautas exactas del arte minimalista.

Sus representantes estaban también contra el consumismo y le daban una mayor importancia a la naturaleza.

Era considerada como un tipo de crítica ante la civilización moderna.

A pesar de que su duración fue bastante corta, tuvo una importancia en Europa durante la posguerra.

Su meta principal era establecer la importancia que había entre el ser humano y las cosas que le rodean, así como reconocer la importancia de los elementos de la naturaleza y el trabajo artístico.

Arte povera en la arquitectura

Este tipo de arte en el campo de la arquitectura busca principalmente construir espacios cómodos utilizando una serie de materiales sencillos siguiendo el concepto de arte povera. Los arquitectos que siguen esta corriente, proponen el uso de algunos materiales que para muchos serían imposibles de utilizar como por ejemplo, materiales de desecho o aquellos que puedan ser reciclados. En la arquitectura se busca también la implementación de los espacios amplios, cómodos y llenos de luz natural con el objetivo de lograr un espacio neutro y con mayor versatilidad.

Materiales

Los materiales que usan los artistas para representar sus obras con este estilo de arte se basan en “materiales pobres”, con esto queremos decir, materia prima que incluso puede ser conseguida en la propia naturaleza. Algunos de los materiales más utilizados son la piedra, el vidrio, hojas secas de árboles, naturaleza muerta, paja, heno, trozos de madera y materiales reciclados entre otros.

Importancia del arte povera

La principal importancia del arte povera fue el mensaje que buscó transmitir, la relación que estableció entre los sentidos y el uso de materiales completamente naturales para la elaboración de las obras, el establecer una unión entre lo primario y los esencial. Su intento de unir lo mental o conceptual con lo sensual le dio un mayo sentido al estilo artístico del movimiento.

Artistas

Entre los principales representantes del movimiento podemos mencionar a:

Giuseppe Penone quien explora la relación que existe entre y el ser humano y la naturaleza trabajando con procesos naturales biológicos como el crecimiento y el marchitamiento.

Jan Cunellis quien utilizó materiales como el carbón, plantas y animales.

Michelangelo Pistoletto considerado como uno de los fundadores de este tipo de arte.

Mario Merz un escultor y pintor de Italia que usó incluso televisores y paraguas para realizar sus obras.

Marisa Merz quien es la única mujer que se dedicó a practicar este tipo de arte.

Giulio Paolini, un pintor, escultor y diseñador gráfico.

fuentes

Briceño V., Gabriela. (2020). Arte povera. Recuperado el 23 febrero, 2024, de Euston96:

1. Tate. «‘Igloo, Do We Go Around Houses, or Do Houses Go Around Us?’, Mario Merz, 1977, reconstructed 1985». Tate (en inglés británico). Consultado el 22 de octubre de 2019.

2. ↑ Guasch, Ana María. (2000). El arte último del siglo XX : del posminimalismo a lo multicultural. Alianza Editorial. ISBN 8420644455. OCLC 45246778. Consultado el 23 de octubre de 2019.

3. ↑ VV.AA. (2010). Técnicas y medios artísticos. Centro de Estudios Ramón Areces S. A. ISBN 978-84-9961-002-3.

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1960s: Surgimiento del arte conceptual

1961: Yves Klein - Realiza su obra "Zona de sensibilidad pictórica inmaterial", donde vende espacios de aire vacío a compradores y destruye el dinero.

1965: Sol LeWitt - LeWitt publica el texto "Paragraphs on Conceptual Art" en 1967, sentando las bases teóricas del arte conceptual.

1965: Joseph Kosuth - Inicia su serie "One and Three Chairs", donde explora la relación entre objetos, representaciones y significados.

1966: On Kawara - Comienza su serie "Today", que consiste en pinturas de la fecha exacta en la que fueron realizadas.

1967: Lawrence Weiner - Desarrolla su obra conceptual basada en el lenguaje, explorando la idea de que "el arte no tiene por qué ser construido".

1970s: Expansión y diversificación

1970: Hans Haacke - Presenta obras de crítica política y social, como "MoMA Poll", que investiga la relación entre las instituciones de arte y el poder.

1971: Vito Acconci - Su obra performativa "Seedbed" explora la interacción entre el cuerpo del artista y el espacio de la galería.

1972: Marina Abramović - Inicia su serie de performances en las que explora los límites del cuerpo y la mente.

1973: Adrian Piper - Explora el arte conceptual desde una perspectiva feminista y racial, como en su serie "Mythic Being".

1980s: Interrogación del arte y la política

1982: Jenny Holzer - Su trabajo con proyecciones y letreros LED, como "Truisms", transmite mensajes subversivos y políticos.

1987: Barbara Kruger - Usa el arte conceptual y la tipografía para cuestionar las estructuras de poder, la publicidad y el consumismo, como en su obra "Your Body is a Battleground".

1990s: Nuevas formas y medios

1993: Félix González-Torres - Su obra minimalista y conceptual, como la famosa pieza "Untitled" (reloj sincrónico), aborda temas de pérdida, amor y memoria, a menudo involucrando a los espectadores.

1996: Damien Hirst - Sus obras, como "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living", exploran el concepto de la muerte a través de la preservación de animales en formaldehído.

2000s: Expansión digital y globalización

2001: Santiago Sierra - Con obras como "160 cm Line Tattooed on 4 People", Sierra crea piezas de arte conceptual que critican la explotación laboral y la desigualdad.

2005: Ai Weiwei - Desarrolla su obra conceptual utilizando una fuerte carga política y crítica social en China, como "Sunflower Seeds", donde expone cuestiones sobre el trabajo masivo y la cultura.

2010s y más allá: Nuevas tecnologías y globalización

2010: Tino Sehgal - Sus performances y obras de arte viviente, que él llama "situaciones construidas", ponen al espectador en el centro de la experiencia artística.

2013: Trevor Paglen - Mezcla arte conceptual con investigación tecnológica, explorando el uso de la vigilancia y el control en el mundo contemporáneo.

2015: Hito Steyerl - Usa el videoarte y la instalación conceptual para explorar la relación entre tecnología, poder y percepción, como en "Factory of the Sun".

FUENTES BIBLIOGRAFICAS

Alberro, Alexander y Blake Stimson (eds.). Conceptual Art: A Critical Anthology. MIT Press, 1999.
Este libro recopila una serie de textos fundamentales para el desarrollo y la teoría del arte conceptual, incluyendo escritos de artistas como Joseph Kosuth y Sol LeWitt.

Kosuth, Joseph. Art after Philosophy and After: Collected Writings, 1966-1990. MIT Press, 1991.
Esta es una colección de ensayos del influyente artista conceptual Joseph Kosuth, que reflexiona sobre el papel de las ideas en el arte contemporáneo.

Lippard, Lucy R.. Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972. University of California Press, 1997.
Un texto clave que documenta el auge del arte conceptual y la "desmaterialización" del objeto artístico entre 1966 y 1972.

Osborne, Peter. Conceptual Art. Phaidon Press, 2002.
Este libro proporciona una introducción accesible y visual al arte conceptual, con análisis de las obras más importantes y sus artistas.

Godfrey, Tony. Conceptual Art. Phaidon Press, 1998.
Un estudio exhaustivo sobre el arte conceptual desde sus inicios, que abarca una amplia variedad de artistas y enfoques.

Roberts, John. The Intangibilities of Form: Skill and Deskilling in Art after the Readymade. Verso, 2007.
Este texto examina el cambio en las habilidades artísticas y el concepto del "ready-made" desde Marcel Duchamp hasta el arte conceptual contemporáneo.

Morgan, Robert C.. Art into Ideas: Essays on Conceptual Art. Cambridge University Press, 1996.
Una colección de ensayos que examina el impacto del arte conceptual en el panorama artístico contemporáneo, tanto desde una perspectiva crítica como histórica.

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La nueva objetividad surge a mediados de los 20, como una forma de expresión de la realidad hacia el fin de la primera guerra mundial. Entre los temas más defendidos estaban la corrupción y la contradicción de temas sociales que se veían a su alrededor.

El objetivo principal era reconstruir la relación entre el arte y la sociedad, ya que esta se veía fracturada por la fuerza de la burguesía hacia el proletariado.

Aunque la pintura fue una de las formas más prominentes de expresión dentro de la nueva objetividad, el movimiento también se extendió a otras formas de arte, incluyendo la escultura, la fotografía y el diseño gráfico.

El movimiento abordó temas contemporáneos y cotidianos, a menudo reflejando la vida urbana y la sociedad moderna. Esto incluía la representación de la vida en las grandes ciudades, la vida de los trabajadores y las tensiones sociales. Aunque sus obras eran realistas, a menudo contenían una crítica subyacente de la sociedad. Los artistas usaban su habilidad para representar la realidad con precisión para señalar y criticar problemas sociales y políticos.

La interdisciplinariedad en el contexto de la nueva objetividad se manifiesta de manera significativa en cómo el movimiento se relacionó con otras disciplinas y campos del conocimiento; Como lo son :

-La fotografía

-Ciencia y tecnología

-Critica social

Artistas Clave: Entre los artistas más destacados de la Nueva Objetividad se encuentran Otto Dix, George Grosz, y Max Beckmann, quienes son conocidos por sus representaciones agudas y críticas de la sociedad y la política de su tiempo.

Bibliografía

1. https://masdearte.com/movimientos/nueva-objetividad/

2. https://historia-arte.com/movimientos/nueva-objetividad

3. https://historia-arte.com/movimientos/nueva-objetividad

4. https://teoriadelarte.com/estilos-de-arte/nueva-objetividad

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Interdisciplinariedad a lo largo de la historia.

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Interdisciplinariedad a lo largo de la historia.

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Antigüedad clásica: en la Grecia y roma antiguas, se relacionó el arte y la ciencia de manera evidente en especial en la arquitectura y la escultura. Los artistas usaban pensamientos geométricos para realizar sus obras.

Renacimiento: artistas como leonardo da vinci y miguel Ángel usaban tanto el arte como la ciencia. leonardo por ejemplo realizo un detallado estudio del cuerpo para plasmarlo en sus pinturas y esculturas.

Ilustración: se unió el uso de pensamiento filosófico en las obras de los artistas del momento abarcando temas de libertad, derechos humanos y mas.

Romanticismo y realismo: el arte de este tiempo se volvió una herramienta para explorar la psicología humana, la naturaleza y la sociedad.

Bibliografía:

Interdisciplinariedad. Pintura y Vídeo-Arte. (s/f). Upv.es. Recuperado el 23 de agosto de 2024, de https://mpison.webs.upv.es/2222/temas/pin_vid.htm

The Editors of Encyclopedia Britannica. (2024). Romanticism. En Encyclopedia Britannica.

https://letrasclaras.net/literatura-Arte y ciencia: La interdisciplinariedad del Renacimiento en la narrativa moderna. (2024, febrero 17). Letras Claras. https://letrasclaras.net/literatura-renacentista/arte-ciencia-interdisciplinariedad-renacimiento-narrativa-moderna/

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El surrealismo fue un movimiento artístico y literario que surgió en la década de 1920 en Europa, específicamente en Francia, y se extendió hasta mediados de la década de 1960. Fue fundado oficialmente en 1924 con la publicación del "Manifiesto Surrealista" por el poeta André Breton. El surrealismo se basaba en las teorías del subconsciente y los sueños, influenciado por las ideas psicoanalíticas de Sigmund Freud. Los artistas surrealistas buscaban liberar la imaginación y explorar los aspectos irracionales y ocultos de la mente, desafiando las normas convencionales de la realidad y la lógica.

En las artes visuales, figuras como Salvador Dalí, René Magritte y Max Ernst crearon obras llenas de imágenes oníricas, yuxtaposiciones extrañas y elementos fantásticos. En la literatura, escritores como Breton y Louis Aragon experimentaron con técnicas como la escritura automática para captar el flujo de pensamientos sin censura. El surrealismo también tuvo un impacto en el cine, con directores como Luis Buñuel y Jean Cocteau creando películas que exploraban lo absurdo y lo ilógico.

Aunque el movimiento como tal comenzó a declinar después de la Segunda Guerra Mundial, su influencia persistió en diversas formas hasta 1966, afectando no solo el arte y la literatura, sino también la filosofía, la política y otras áreas de la cultura. El surrealismo dejó un legado duradero en la historia del arte, destacándose por su desafío a la percepción convencional de la realidad y su insistencia en la importancia del subconsciente y la imaginación.

La interdisciplinariedad en el surrealismo implicó la integración de diversas formas de arte como la pintura, literatura, cine y escultura, permitiendo a los surrealistas explorar lo irracional y lo subconsciente. Este enfoque también incluyó influencias de la psicología, la filosofía y la política, ampliando el impacto cultural del movimiento y desafiando las normas establecidas.

Bibliografía:

https://images.app.goo.gl/2SF1LUWvZiSaM2bm8

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Surrealismo

https://www.significados.com/surrealismo/

Chat gpt

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Isabela Coronado Polanco / Arquitectura. 

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El Barroco es una época artística y cultural que tuvo lugar alrededor de 1600 a 1750 en Europa. Este período se distingue por su complejidad, riqueza y dramatismo, y se expresa en múltiples campos como la arquitectura, la pintura, la escultura y la música. El Barroco emerge en un escenario de transformaciones sociales, políticas y religiosas, factores que impactan en su estética y temáticas.

Referencia Histórico.
El Barroco surge en una era caracterizada por la Contrarreforma, un intento de la Iglesia Católica de consolidar su autoridad frente a la Reforma Protestante.

El barroco es una de las fases más diversas y enriquecedoras de la historia del arte. Su impacto se percibe en las áreas artísticas y en la cultura en su totalidad, dejando un legado perdurable que sigue atrayendo a las generaciones. Mediante su dramatismo y su habilidad para evocar sentimientos, el Barroco no solo representa la complejidad de su época, sino que también forja un vínculo profundo con el público, que continúa siendo pertinente en la actualidad.