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Pensez à naviguer sur la droite et en descendant!

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Pensez à naviguer sur la droite et en descendant!

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Et si vous constatez qu'un lien ne fonctionne pas, ayez l'obligeance de nous en informer en plaçant un commentaire sur l'un des articles du site lespolygrapheurs (cf ci-dessous)

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Dans la rédaction de Marilou, qu'elle m'autorise à citer ici, j'ai apprécié ce passage: "la danse classique est très sophistiquée : elle exprime des émotions! Elle raconte des histoires. Le lac des cygnes en est la preuve: L'oiseau tombe amoureux et, à la fin, meurt comme dans une tragédie de Shakespeare. Toute cette histoire est racontée sans aucun mot. Les pas de danse suffisent!

Et quand on adore la danse moderne, on pense qu'elle demande énormément d'entraînement. Les danseurs passent un temps infini à répéter à s'échauffer, à revoir les chorégraphies encore et encore, à participer à la création de nouveaux spectacles toujours plus novateurs.

Les deux types de danse ont tant de points communs , exigent tant de patience et de persévérance.... Ces artistes sont impressionnants!" leur discipline et leurs souffrances sont extrêmes tandis que leur plaisir à danser infini est évident.

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Hannaë 15 ans, danse sur "Le Lac des Cygnes" de Tchaïkovsky - Prodiges

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"On ne regarde pas ce qu'on ne veut pas voir"

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"On ne regarde pas ce qu'on ne veut pas voir"

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Cette citation de Thomas Lebrun chorégraphe, en mars 2020, à propos de son spectacle Ils n'ont rien vu, de la danse contemporaine, nous fait réfléchir à cette partie de l'Art Contemporain qu'est  l'expression artistique du corps, alliance du sens de la vue et de l'ouïe, quand le spectacle nous interroge sur notre mémoire.

C'est Clément V. (mon élève en 2019et20) qui m'a permis de découvrir ce chorégraphe dans sa rédaction, qu'il m'autorise à citer ici: "Mon spectacle préféré est Ils n'ont rien vu de Thomas Lebrun. J'ai vécu un moment magique. Cette pièce s'inspire du film Hiroshima mon amour . Ce film d'Alain Resnais de 1959 a été repris en 2012, Soixante-quinze ans après les bombardements de Hiroshima (août 1945).  Thomas Lebrun et ses interprètes honorent les victimes. J'aime ce ballet car il est vivant et l'histoire est touchante."

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"Ils n'ont rien vu" - Thomas Lebrun - Images de répétition

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Je viens de découvir les machines à dessiner... Elles datent de ma naissance... La création date un peu tout de même mais ... demeure très intéressante!

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L'œuvre

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Adagp, Paris

Jean Tinguely (1925 - 1991)

Métal, papier, crayon feutre, moteur

96 x 85 x 44 cm

Achat, 1976

Numéro d'inventaire : AM 1976-544

Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007

Les machines à dessiner (les premières datent de 1955) sont réellement mises au point par Tinguely en 1959 et développées dans une série de près de vingt " Méta-Matics " jusqu'en 1960. Elles connaissent un franc succès dès la Biennale de Paris de 1959, apparaissant comme les premières pièces de Tinguely à alimenter le débat sur l'art contemporain. N'ayant jamais le même aspect ni la même taille, les " Méta-Matics " sont des " méta-mécaniques " formées d'une roue motrice reliée par des courroies à une ou plusieurs roues qui tournent et entraînent un arbre excentré transmettant à une tige un ...

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Jean Tinguely (1925 - 1991)

Métal, papier, crayon feutre, moteur

Achat, 1976

Numéro d'inventaire : AM 1976-544

Les machines à dessiner (les premières datent de 1955) sont réellement mises au point par Tinguely en 1959 et développées dans une série de près de vingt " Méta-Matics " jusqu'en 1960. Elles connaissent un franc succès dès la Biennale de Paris de 1959, apparaissant comme les premières pièces de Tinguely à alimenter le débat sur l'art contemporain. N'ayant jamais le même aspect ni la même taille, les " Méta-Matics " sont des " méta-mécaniques " formées d'une roue motrice reliée par des courroies à une ou plusieurs roues qui tournent et entraînent un arbre excentré transmettant à une tige un ...

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L'œuvre Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist.

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Cette vidéo sur "l'inventeur de l'art abstrait" provient de la liste de notre déléguée culturelle du collège (Mme Bruneau).
Sa biographie est moins utile que la suite de la vidéo, qui nous apprend comment ce peintre novateur,  en 1925, avec Jaune, rouge, bleu initie une nouvelle ère artistique.

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Qui est Vassily Kandinsky ?

Vassily Kandinsky est un peintre né le 4 décembre 1866 à Moscou. Russe, il prendra au cours de sa vie les nationalités allemande, ukrainienne et française. À la fois peintre et théoricien de l'art, il est considéré comme l'inventeur de l'art abstrait.

Après des études de droit et alors qu'il est fasciné dès son enfance par les couleurs, il décide de se consacrer à la peinture et suit les cours de l'Académie des Beaux-Arts de Munich pendant quatre ans.
Né dans une famille aisée, il voyage beaucoup, découvre Venise, visite la Tunisie, expose à Berlin, Paris, Saint-Petersbourg, Moscou.

Il s'affranchit progressivement de l'expression figurative. Les traits, les couleurs, les formes suffisent d'après lui à émouvoir et il n'est pas nécessaire qu'ils représentent quoi que ce soit.
Considéré comme un " fou incurable " par la critique de l'époque, il fait scandale. Il écrit des articles pour expliquer sa démarche et un essai, publié en 1911 : " Du spirituel dans l'art ", qui marquera l'histoire de la peinture.

Kandinsky : pionnier de l'art abstrait

Pour Kandinsky, l'art abstrait obéit à une nécessité intérieure quasiment mystique, impossible à justifier entièrement par la raison. Il veut créer un art universel et intemporel, qui échappe à une culture et une époque données. Cet art pur et éternel doit toucher l'âme de chacun sans barrières d'aucune sorte.
Ami de Paul Klee et de Franz Marc, il fréquente des artistes qui partagent ses préoccupations.
Quand éclate la première Guerre mondiale, il se réfugie en Suisse et expose à Zurich. En 1921, il est nommé professeur an Allemagne, au Bauhaus, une école d'art avant-gardiste. Sa peinture devient rigoureusement géométrique. Durant les années précédentes, il avait plutôt eut recours à une spontanéité gestuelle dans ses tableaux.

Jaune-rouge-bleu, 1925

En 1925 il peint " Jaune-rouge-bleu ", où il nuance sa pratique. Apparaissent des lignes courbes, des dégradés de couleurs. Cette œuvre remarquable est bien plus qu'un manifeste où l'artiste mettrait en avant ses théories. Elle ne se laisse enfermer dans aucun principe clair et va jusqu'à prendre le contre-pied des géométries minimalistes défendues par d'autres peintres abstraits comme Malévitch ou Mondrian. Ce tableau de Kandinsky articule lignes géométriques et formes libres, immobilité et mouvement, dégradés et aplats, et plusieurs formes autorisent le spectateur à imaginer un visage ou un damier. Ce tableau, abstrait, ne semble pas même se soucier d'être totalement abstrait. C'est un chef-d'oeuvre.

Un Synesthète

Kandinsky publie un autre livre important en 1926 : " Point-Ligne-Plan " où il fait le parallèle entre peinture et musique, car celle-ci a toujours joué un rôle essentiel dans sa réflexion sur l'art. Vassily Kandinsky, comme certaines personnes ont l'oreille absolue, était un synesthète. Il voyait une couleur quand il entendait un son et réciproquement.

En 1933, les nazis le qualifient de " peintre dégénéré ". Kandinsky quitte l'Allemagne pour la France. Tous ses tableaux qui figuraient dans les musées allemands sont confisqués par les nazis. Il acquiert la nationalité française en 1939 et peint alors des tableaux plus structurés, à la fois plus ordonnés et plus acidulés. Malgré la guerre, il continue d'exposer en Europe et aux Etats-Unis.
Il meurt juste avant la fin de la guerre, à 78 ans, le 3 décembre 1944, à Neuilly sur Seine. Il a bouleversé le vingtième siècle, ne cessant jamais de défendre la primauté des formes et des couleurs sur le sujet d'un tableau.

Pour aller plus loin :
Approfondir l'art bastrait avec la vidéo sur l'artiste Sonia Delaunay : Un combat pour l'art abstrait

Réalisateur : Valentine Dubois

Nom de l'auteur : Mark Molk

Producteur : Corner Prod, France Télévisions

Année de copyright : 2017

Année de production : 2017

Publié le 21/06/18

Modifié le 02/03/23

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Vassily Kandinsky : L'inventeur de l'art abstrait

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Qui est Vassily Kandinsky ?Vassily Kandinsky est un peintre né le 4 décembre 1866 à Moscou. Russe, il prendra au cours de sa vie les nationalités allemande, ukrainie

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Ayant commencé à enseigner les Lettres classiques au siècle dernier... j'aspire à me consacrer enfin à mes passions ( lire, écrire, dessiner, créer) Voici une chouette que j'ai réalisée aux pastels secs et qui me fait penser aux animaux de François Pompon, sculpteur contemporain, au Musée d'Orsay.

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Une performance vidéo sur la trace d'Obalpa

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Une performance vidéo sur la trace d'Obalpa

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Autoportrait a été présenté lors du Festival Art Vidéo - Vidéoformes 2015 à Clermont-Ferrand le jeudi 19 mars 2015. Lisez le commentaire qui accompagne la vidéo car il est très explicite.
Je regrette juste de n'avoir pas su trouver le nom de l'artiste qui performe ici avec brio ce portrait très anthropométrique non dénué d'humour.
Pardon! "qui performe ici" est un anglicisme! Corrigeons, comme nous y incite l'Académie française dans DIRE ou ne PAS DIRE : "qui accomplit une performance"

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"Autoportrait" a été présenté lors du Festival Art Vidéo - Vidéoformes 2015 à Clermont-Ferrand le jeudi 19 mars 2015
Si la trace de Roman Opalka et de son geste sur l’autoportrait photographique qui matérialise le temps qui passe n’est jamais loin, le portrait clinique, presque médical, que l’on découvre sur cette vidéo, fait suite à un travail écrit lié au centenaire de la première guerre mondiale.
Lors de la rédaction de nouvelles littéraires sur le thème du conflit de 1914 à 1918, inspirée par la lecture d’ouvrages de Blaise Cendras, Joë Bousquet, William March, Frederic Manning …  l’auteur a pris connaissance de films courts ayant comme sujet les traumatismes psychiques suites aux combats.
Les hommes, filmés via une caméra fixe, et qui sont atteints par le syndrome de l’obusit ou « shell shock » sont le plus souvent incapables de rester immobile face à l’objectif. On aperçoit le plus souvent en arrière plan, un homme représentant le corps médical affublé d’un tablier qui fait plus penser à un boucher qu’à un médecin. On peut s’interroger sur le ressenti du blessé face à cette mise en scène orchestrée sous l’œil presque goguenard du personnel soignant.
Le choix du noir et blanc et d’un décor minimaliste évoquent le sentiment de solitude et d’abandon que devait ressentir le traumatisé dans ces instants de complète nudité.
Afin de ne pas tomber dans un excès « d’autolâtrie » dans le texte écrit et lu par l’auteur, celui-ci a dû apprivoiser son visage reflété par l’écran, mais surtout s’en détacher pour exposer un regard détaillé et critique de son apparence.
Cette description « anthropométrique » est ponctuée par des injonctions qui ne trouvent pas d’écho. La derrière partie du texte, sous la forme d’une impression générale, nous ramène à la notion première du temps qui passe et à notre « incapacité à retarder le cours des choses ». La conclusion est sans appel.

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Mon travail impressionniste pas impressionnant... puisque pointilliste sans être pointilleux !

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Mon travail impressionniste pas impressionnant... puisque pointilliste sans être pointilleux !

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Je sais : ma version est moins lumineuse et semble ne plus se situer en matinée mais en soirée! Soyez indulgents et mettez-moi une petite moyenne, j'essaierai de mieux respecter les consignes la prochaine fois!
Et puis... s'inspirer n'est pas plagier... mais recopier avec des fautes!  (là Gaugin m'aurait mise à la porte de l'exposition! Lisez l a biographie de Paul Signac pour comprendre ma plaisanterie!)
En outre la qualité de la photographie change les couleurs. Ne retenons que mon admiration pour ce chef-d'oeuvre de 1900!

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L'apprenti doit imiter  pour apprendre...

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L'apprenti doit imiter  pour apprendre...

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Avec mes pastels secs, j'ai reproduit autant que j'ai pu le tableau Palais des  Papes à Avignon de PAUL SIGNAC ( 1863 - 1935 ) ... Découvrez les autres peintures de ce paysagiste pointilliste, théoricien du néo-impressionnisme, fasciné par la mer et qui deviendra peintre de la Marine en 1919 en bas de la page donnée en lien. Le port de La Rochelle avec la tour de la chaîne est splendissime.
[Anecdote : il prénomma sa fille Ginette... comme l'auteure de la Jacqueline d'à côté.]
Ici voyez l'oeuvre de l'artiste : elle est resplendissante. Sa luminosité dans les tons orangés et roses m'évoque soit un matin au soleil levant soit une fin d'après-midi où l'astre a élu un dernier domicile dans les hauteurs des monuments surplombant la berge.

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Selma, sur le padlet de son groupe de camarades de classe,  nous parle, très clairement,  de  l'oeuvre BILUDE , création de 1979de Pierre Schaeffer (1910-1995) , qu'elle a connue grâce à son professeur de musique. Son écoute m'avait plus amusée que séduite...
Et Alicia, sur le même padlet, nous fait part de son intérêt pour  LE SACRE DU PRINTEMPS d'Igor Stravinsky, de mai 1913, (qui m'évoque personnellement, le film Fantasia de Walt Disney ).
Ensuite j'ai lu le dossier du Centre Pompidou Oeuvres sonores et plastiques, un choix, qui m'a appris que le biographe de Mondrian, Michel Seufor,  avait inventé la "musique verbale".
J'ai d'abord franchement ri en écoutant Ursonate (1931) de Kurt Schwitters! ( Il m'a même semblé que je produisais moi-même une telle musique pendant mes cours mais avec beaucoup trop de notes poussées à l'extrême... rien à voir avec une berceuse).  Mais une seconde écoute plus respectueuse m'a permis de relever des passages intéressants: à la 52ème seconde par exemple la montée dans les aigus attire mon attention; à 1'10'' je me crois au Japon,  à une minute 30'' je me pense dans un temple bouddhiste... et finalement de pays en régions imaginaires survolées, je me laisse entraîner au bout de la pièce musicale avec le refrain "langue ka tor gueu", comme du rap ou avec un slam.
En fait, ma réaction est semblable à celle que j'eus devant les Picassos de la période cubiste: la "Jacqueline" est toute déstructurée , elle a l'oeil au menton et le nez à l'oreille... pourtant le tableau me parle dans sa globalité, avec du recul, en considérant son atmosphère!
Mais je ne parviens pas du tout à considérer une oeuvre telle que  celle de Giacomo Balla - Macchina Tipografica, comme de la musique. Elle demeure pour moi uniquement du bruit... Un peu comme certains morceaux de Hard rock, metal ou heavy metal dont je n'apprécie qu'une prestation très exceptionnelle dans mon mon quotidien!
La pièce 4'33'' de John Cage est autrement plus intéressante.
Elle débute par du silence... Un long silence que le chef d'orchestre respecte en tenant l'oeil sur le réveil posé sur un pupitre! Impressionnant, une salle qui se tait. Puis le chef du BBC Symphonic Orchestra, Michaël Davis, baisse sa baguette qu'il tenait jusqu'alors serrée dans ses bras croisés... et l'orchestre tourne la page des partitions personnelles! Puis le chef s'éponge le front et la salle rit. Baguette dressée... nouveau silence.
"MOVEMENT 2" lit-on et "tacet" sur une feuille blanche! Un éternuement ou deux dans la salle... Le chef baisse sa baguette et tout le monde tousse ou presque pendant qu'on tourne les pages de partition (quelle dépense énergétique à tous les sens du terme!). Pour le troisième mouvement les musiciens déposent même leurs instruments et à la fin du silence... tout le monde applaudit!  Et il est vrai que ce fut un bonheur pour mes oreilles, une vraie musique du bien-être!

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Regardez John Cage - 4'33'' - Jojo_Monk sur Dailymotion

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Le selfie : art temporel pour l'oeuvre intemporel de Roman Obalpa

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Le selfie : art temporel pour l'oeuvre intemporel de Roman Obalpa

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Ecoutez la voix de Roman Obalpa (1931-2011); pensez à cliquer sur la flèche!
L'autoportrait de R. Obalpa fut conçu comme une véritable installation, dont il donne une définition précise.
S'ensuit un art personnel dont il expose la méthode.  Son "blanc mérité", peinture de blanc sur du blanc finalement en 2008, est à mettre en correspondance avec les productions de Pierre Soulages ( né le 24 décembre 1919!) dont les OUTRENOIRS ont fait de la lumière une matière.
[D'autres peintres avaient déjà eu cette idée du blanc sur blanc: Carré blanc sur fond blanc (1918) de Malevitch mais aussi le plasticien/producteur de sons John Cage : "C’est avec cette volonté de confronter le public à un spectacle où la volonté de l’artiste n’est plus souveraine que JOHN CAGE collabore avec Robert Rauschenberg (par ses Peintures blanches en 1951) pour la création d’Untitled Event, lors de la deuxième session d’été au Black Mountain College, qu’il organise en 1952[60] avec Merce Cunningham. Rauschenberg y présente, sur le principe de ses White Paintings réalisées en 1951, de purs monochromes blancs, équivalents visuels du silence que John Cage donnera à entendre dans sa pièce en trois mouvements : 4’33’’, peu après l’expérience du Black Mountain. Lorsque les White Paintings reparaissent en 1953 sur les murs de la Eleanor Ward's Stable Gallery de New York, John Cage note : « pas de sujet, pas d’image, pas de goût, pas d’objet, pas de beauté, pas de message, pas de talent, pas de technique (pas de pourquoi) pas d’idée, pas d’intention, pas d’art, pas d’émotion, pas de noir, pas de blanc, (pas de et) ». Puis on assista ultérieurement à la création des Monochromes d’Yves Klein (1955).]
Le site de Roman Obalpa est désormais tenu par sa famille qui a à cœur de dénoncer les faux.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Série d'autoportraits numérotés - Détails 2075998, 2081397, 2083115, 4368225, 4513817, 4826550, 5135439 et 5341636

L' œuvre de Roman Opalka matérialise le temps qui passe. À la fin de chaque séance de travail (ou il inscrit la progression numérique élémentaire de 1 à l'infini sur des toiles de même dimension), Opałka se prend en photo sur fond blanc selon le même protocole: Cadre serré, éclairage lumineux et régulier, fond blanc, chemise blanche, cheveux qui blanchissent et autres signes de vieillesse, il vient peu à peu se fondre dans le fond, y disparaître. Le fait que ses toiles et ses photographies soient en noir et blanc et systématiquement réalisés dans les mêmes conditions enlève tout détail superflu, toute anecdote! Reproduisant toujours le même cadrage, la même lumière, le même point de vue frontal, le même processus... Renouvelant sans cesse le même dispositif, Opalka fait de sa vie une œuvre. Les autoportraits d'Opalka, présentés comme des photos d'identité frontales, avec ce regard fixé sur l'objectif et sur le spectateur, semblent défier le temps. Le dialogue permanent avec le temps qui passe, la progression de l'usure, la vieillesse est un face à face avec la mort incontournable. Et oui! Bien au-delà de l'appareil photo, et bien au-delà encore du spectateur, c'est la mort elle-même qu'Opalka sonde froidement du regard, dignement, crânement oserait-on dire, avec la pleine conscience qu'elle finira bien par le rattraper. Les autoportraits du peintre enregistrent donc l'écoulement inexorable du temps: " ce que je nomme mon autoportrait, est composé de milliers de jours de travail. Chacun d'eux correspond au nombre et au moment précis où je me suis arrêté de peindre après une séance de travail". Chaque nouveau portrait est une trace de sa présence encore vivante à un moment donné. De 1965 à 2011, l'artiste atteignit le nombre de 5.607.249, et réalisa des milliers de portraits, aujourd'hui célèbres en raison de sa démarche plutôt extrême, répétitive et rigoureuse. Dans le milieu artistique, son obstination est reconnue comme une forme de courage.

" On peut comparer ma vie à une performance semblable à toutes les vies actives, à tous les défis possibles, ceux d'un océanographe ou d'un alpiniste ou encore à la manière d'un artiste donnant, au cours d'une soirée, un happening de quelques heures, avec la différence qu'ici il s'agit de la durée d'une vie". Roman Opalka.

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L' œuvre de Roman Opalka matérialise le temps qui passe. À la fin de chaque séance de travail (ou il inscrit la progression numérique élémentaire de 1 à l'infini sur des toiles de même dimension), Opałka se prend en photo sur fond blanc selon le même protocole: Cadre serré, éclairage lumineux et régulier, fond blanc, chemise blanche, cheveux qui blanchissent et autres signes de vieillesse, il vient peu à peu se fondre dans le fond, y disparaître.

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Victor Vasarely est un plasticien, peintre... incontournable à Aix-en-Provence. 

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Victor Vasarely est un plasticien, peintre... incontournable à Aix-en-Provence. 

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Visiter la Fondation Vasarely  est un grand moment, une plongée dans l'art contemporain....   une expérience à vivre!

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VICTOR VASARELY est un plasticien tout à fait singulier dans l'histoire de l'art du XXème siècle. Accédant à la notoriété de son vivant, il se distingue dans l'art contemporain par la création d'une nouvelle tendance : l'art optique. Son œuvre s'inscrit dans une grande cohérence, de l'évolution de son art graphique jusqu'à sa détermination pour promouvoir un art social, accessible à tous.

Victor Vasarely naît à Pécs en Hongrie en 1906. En 1925, après son baccalauréat, il entreprend de brèves études de médecine à l'université de Budapest, qu'il abandonne deux ans plus tard. De cette période, Vasarely a gardé une volonté de méthode, d'objectivité, une soif de connaissance...proche du monde scientifique.

En 1929, il entre au Muhëly, connu comme étant l'école du Bauhaus de Budapest. Cette école, créée par Alexandre Bortnyik sur le modèle du Bauhaus de Dessau, reprenait les enseignements dispensés en Allemagne par des artistes comme Walter Gropius, Wassily Kandinsky, Paul Klee ou Josef Albers. L'influence de l'enseignement du Bauhaus sera considérable dans l'œuvre de Vasarely. En effet, durant cette période, il s'initie aux tendances du constructivisme et découvre l'Art Abstrait. C'est alors qu'il
réalise ses fameuses " étude bleue " et " étude verte " (1929) et qu'il adhère également aux théories visant à promouvoir un art moins individualiste et plus communautaire, un art adapté aux mutations du monde moderne et du monde de l'industrie.

A cette époque, le gouvernement hongrois commence à associer les différents mouvements avant-gardistes au mouvement progressiste qui se développait en politique. Comme un certain nombre de ses compatriotes, Vasarely quitte la Hongrie et s'installe à Paris en 1930. Il est engagé chez Havas, l'agence de publicité, ainsi que chez Draeger, célèbre imprimeur de l'époque, comme dessinateur - créateur. Son travail de graphiste dans ces agences et plus tard chez Dewambez, lui permet d'aborder l'art du graphisme et de l'esthétique " tout en assurant (son) rôle de plasticien ".
Vers l'abstraction >
Durant cette période graphique (1929-1946), Vasarely pose les fondements esthétiques de sa recherche plastique et " le répertoire de base de (sa) période cinétique abstraite en plan ". Il exploite tous les thèmes qui seront repris plus tard : le travail sur la ligne, les effets de matières, les jeux d'ombre et de lumière et développe déjà un certain goût pour la perspective. On retrouve ces constantes dans ses études graphiques en deux dimensions tels les " Zèbres " (1938), " l'Echiquier " (1935), et les " Fille-fleur " (1934) où les formes ne sont pas définies par un trait mais surgissent des réseaux déformés ou de contrastes juxtaposés.

Entre 1935 et 1947, Vasarely redécouvre la peinture. Durant cette période qu'il appellera ses " fausses routes ", influencé par les mouvements picturaux de l'époque, et en particulier par la peinture cubiste ou surréaliste, Vasarely s'oriente vers les natures mortes, les paysages, les portraits. Les œuvres réalisées à cette période, " Autoportrait " (1941), " l'Aveugle " (1946), bien que figuratives, sont le reflet d'une évolution vers une simplification et une schématisation de l'objet.

Vasarely a la révélation véritable que " la forme pure et la couleur pure peuvent signifier le monde... ". Les séjours que le plasticien va effectuer à Belle-Isle et à Gordes vont être d'une importance capitale. " Belle- Isle, été 1947. Les cailloux, les coquillages sur la plage, les remous, au large les brumes, le soleil, le ciel... dans les galets, dans les morceaux des bouteilles brisées, polis par le va et vient rythmé des vagues, je suis certain de reconnaître la géométrie interne de la nature... ".

Les œuvres de la période Belle-Isle (1947-1958) marquent le début d'une véritable démarche abstraite chez Vasarely. Une idée maîtresse apparaît : celle qui permet la transformation d'un matériau brut naturel en un matériau abstrait. Elle marque aussi un retour à la nature par l'utilisation de la forme géométrique, en particulier la forme ovoïde qui signifie " le sentiment océanique ".

Entre 1948 et 1951 naissent deux périodes qui approfondissent les idées qui sont apparues avec Belle-Isle. De la période Denfert (1951-1958) surgissent les curieux dessins inspirés des craquelages des parois en carrelage blanc de la station de métro Denfert-Rochereau à Paris. L'alternance du fond et de la forme, l'enchevêtrement des murs éclaboussés de soleil ou noyés d'ombres et les espaces entre ces murs sont à l'origine de la période Cristal (1948-1958). Dans les études de ces périodes, les formes se juxtaposent par des plages de couleurs contrastées posées en aplat. Vasarely redécouvre les perspectives contradictoires de l'axonométrie, la force de la composition pure. L'œuvre la plus représentative de cette période est " l'Hommage à Malevitch " (1952-1958) qui marque le tournant vers le cinétisme. Dans ce tableau, le carré pivotant sur son axe devient losange, créant ainsi un principe visuel qui sera au centre des recherches cinétiques du plasticien. En 1954, Vasarely réalise ses premières intégrations architecturales dans la cité universitaire de Caracas au Venezuela, en collaboration avec l'architecte Carlos Villanueva.

Expérience cinétique >
Avec la période Noir - Blanc (1954-1960), Vasarely renoue avec ses études graphiques, son travail sur les réseaux linéaires, ses déformations ondulatoires. Parallèlement il s'intéresse aux techniques de la photographie et réalise des " photographismes " réalisés à partir de la superposition de deux plaques de verre.

En 1955, à la galerie Denise René à Paris, l'accent est mis sur l'art cinétique. Vasarely et d'autres artistes tels que Duchamp, Man Ray, Calder, Tinguely, ou Agam, exposent leurs recherches sur le thème du mouvement. La même année Vasarely publie son " Manifeste Jaune " qui énonce la notion de " plastique cinétique ". Il renoue ainsi avec les recherches des pionniers constructivistes, mais aussi avec l'enseignement du Bauhaus. Le mouvement ne relève pas de la composition ni d'un quelconque sujet, mais de l'appréhension par le regard qui en est le seul créateur.

Le principe de l'illusion d'optique procède de l'unité plastique constituée de deux formes couleurs contrastées qui seront le noir et le blanc jusqu'en 1960. A partir de ces unités plastiques et de leur basculement qui les transforment, une notion de mouvement et d'espace apparaît.
Le Père de l'Op art >

A partir de 1960, la couleur éclate, dans les œuvres du " Folklore Planétaire" . L'unité plastique est reprise " composée de deux éléments géométriques qui s'emboîtent l'un dans l'autre, se combinent, se permutent" .
Avec ces unités bicolores, aux tons puissants ou contrastés, le plasticien invente son Alphabet Plastique qui concrétise une idée datant du début du siècle chez les artistes abstraits, celle de dégager une méthode qui permet la création d'un langage universel compréhensible par tous.
Cet alphabet plastique va devenir le point de départ d'un art collectif. Par le jeu des combinaisons et des permutations, une multitude de propositions devient possible en combinant les formes et les nuances des gammes définies par le plasticien. " L'avènement en art plastique d'une combinatoire de cette envergure offre un outil ayant un caractère universel, tout en permettant la manifestation de la personnalité comme celle des particularismes ethniques. " Dans cet art combinatoire les éléments peuvent être codifiés ou programmés. Vasarely utilise les nouvelles techniques et technologies pour diversifier et composer des œuvres à l'infini. Ainsi les éléments peuvent être préfabriqués en utilisant des procédés industriels, les œuvres seront monumentales intégrées à l'architecture et à notre environnement urbain.
" L'avenir se dessine avec la nouvelle cité géométrique, polychrome et solaire. L'art plastique y sera cinétique, multidimensionnel et communautaire; abstrait à coup sûr et rapproché des sciences. "

De 1964 à 1976, Vasarely s'intéresse plus particulièrement à la structure cellulaire dans une série d'œuvres intitulée " l'hommage à l'hexagone " où les reliefs sont perçus en incessantes transformations, tantôt en creux , tantôt en relief. L'ambiguïté est accentuée par l'apport des gammes colorées créant un " perpetuum mobile en trompe l'œil ", replongeant ainsi dans le domaine de l'optique qu'il avait abordé avec sa période noir-blanc. Puis, surgit la période " Gestalt ", période architecturale entre toutes, inspirée du phénomène de la gestalt.

En 1965, il participe à l'exposition " Responsive Eye " au Musée d'Art Moderne de New York, consacré à l'Art Optique. Ce mouvement s'attache à suggérer le mouvement sans jamais le réaliser véritablement. Il institue de nouvelles relations entre les spectateurs et l'œuvre en provoquant la participation active de celui qui regarde. Le spectateur est libre d'interpréter l'image en autant de situations visuelles qu'il pourra en concevoir. Par le succès dont bénéficie cette tendance nouvelle, la presse et le public consacrent Vasarely, comme l'inventeur de " l'art optique ".

Poursuivant ses études sur le mouvement et la perception, Vasarely renoue avec le dessin dans sa période Vonal [1964-1970] où réapparaît le travail linéaire des zèbres, des réseaux et des naissances de sa période noir-blanc, avec l'apport de la couleur. Un aspect cinétique est engendré ainsi qu'une dimension spatiale par la répétition des lignes dans des proportions décroissantes au fur et à mesure que le regard pénètre dans le centre du tableau.

A partir de 1968, jouant sur la déformation des lignes, Vasarely définit ses " structures universelles ", puis s'engage dans la célèbre période " Vega " où les gonflements induits par la déformation des éléments qui les composent, traduisent des formes qui s'échappent du plan pour créer ses spectaculaires volumes. A travers des œuvres telles que " Feny " (1963), " Vega Tek " (1968) et " Vega 200 " (1968), le plasticien cherche à évoquer l'univers insaisissable des galaxies, les pulsations cosmiques et la mutation biologique de la cellule.

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VICTOR VASARELY est un plasticien tout à fait singulier dans l'histoire de l'art du XXème siècle. Accédant à la notoriété de son vivant, il se distingue dans l'art contemporain par la création d'une nouvelle tendance : l'art optique. Son œuvre s'inscrit dans une grande cohérence, de l'évolution de son art graphique jusqu'à sa détermination pour promouvoir un art social, accessible à tous.

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Notre professeure d'Arts Plastiques attire notre attention sur le  fait que cette dénomination concerne avant tout les Arts proprement dits  et pas les Arts appliqués tels que  le cinéma ou la BD.
Posons-nous donc d'abord la question de savoir ce qu'est une oeuvre d'art, avec EDUSCOL en écoutant la conférence d'Yves Michaud puis positionnons-nous par exemple  sur des questions basiques telles que posées par   La conquête de l'art.
Indiquons ensuite des pages d'Internet nous permettant de définir un peu plus ces mots:
* Sur le site du Centre Pompidou: série Voulez-vous un dessin?  des vidéos de 2 minutes pour approfondir les notions d'art moderne et contemporain.
* Une définition de l'art contemporain sur le site  Guide Artistique
* Voir le dossier du Centre Pompidou sur La naissance de l'art abstrait

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Une production artistique devient une œuvre d'art lorsqu'elle est acceptée comme telle par un milieu déterminé compétent. La qualification d'œuvre d'art n'est attribuée que sous certaines conditions d'acceptation du groupe social. L'œuvre d'art se définit donc différemment selon les époques et les lieux.

Philosophe et spécialiste de l'art contemporain en particulier, Yves Michaud revient sur ces évolutions aux cours des siècles et des mouvements artistiques dans une langue vivante et accessible. Un document utilisable avec des élèves de lycée à qui étaient destinée cette conférence ou des élèves de troisième.

Une conférence de l'Université de tous les savoirs (UTLS) au Lycée en partenariat avec la Région Auvergne.
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Qu'est-ce qu'une oeuvre d'art? Conférence de Yves Michaud en ligne. - Arts plastiques - Éduscol

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Une production artistique devient une œuvre d'art lorsqu'elle est acceptée comme telle par un milieu déterminé compétent. La qualification d'œuvre d'art n'est attribuée que sous certaines conditions d'acceptation du groupe social. L'œuvre d'art se définit donc différemment selon les époques et les lieux.

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La BD est un art appliqué ... où la situer dans cette réflexion?

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La BD est un art appliqué ... où la situer dans cette réflexion?

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Il s'agit "d'Art moderne"  mais pas "d'art contemporain", pourtant quand elle appartient au genre du dessin de presse ou au dessin humoristique, elle correspond à un questionnement, parfois citoyen, parfois philosophique... ou pour le moins à une réflexion respectable puisqu'elle remet en cause nos moeurs et comportements.
La critique de notre vécu par  l'humour génère un positionnement du spectateur, au sujet du problème soulevé.
Sur l'Encyclopedia Universalis, la page "DESSINATEURS de PRESSE" contient des noms prestigieux de cet "art appliqué". Les droits d'auteurs sont là plus contraignants encore et je vous laisse consulter le dossier de l'exposition pédagogique de la Bibliothèque Nationale sur Les héritiers de Daumier.
Pour illustrer cette digression sur le dessin d'humour... traitons par exemple du thème du silence nécessaire pour qu'un cours se déroule à un rythme correct.  Suite au stage réalisé au sein de notre établissement scolaire avec le dessinateur CLEMENT BALOUP   , voici mon traitement personnel du thème (Dessin en licence "creativ commons") ; ceci est une façon de montrer la déformation professionnelle qui transforme l'enseignant en animal quand il succombe à l'énervement du fait d'un comportement incorrect répétitif de ses élèves malgré ses avertissements répétés!

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Dans [Mister Orange] de Truus Matti on peut lire la description d'un tableau  de Piet Mondriaan, dit Piet Mondrian :

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Dans [Mister Orange] de Truus Matti on peut lire la description d'un tableau  de Piet Mondriaan, dit Piet Mondrian :

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VICTORY:  "De petits carrés de couleur superposés ou posés côte à côte remuent, se poussent, trépignent d'impatience. Des cases de jaune, de rouge, de bleu dansent avec des formes grises ou blanches, sur une musique. Non: les carrés de couleur sont des notes de musique, qui surgissent et disparaissent dans une danse compliquée. Tout change constamment et pourtant c'est comme si chaque chose était à sa place..." (traduction du néerlandais par Emmanuèle Sandron)
Le lien entre la peinture de Mondrian (1872 - 1944) est bien expliqué sur le site de Mi ck-art, un amateur éclairé qui s'intéresse à l'art contemporain :  Brodway Boogie Woogie (1942) .

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Hommage à Jacqueline Roque, dernière Mme Picasso, 

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Hommage à Jacqueline Roque, dernière Mme Picasso, 

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peint par... Ma belle-maman!
Faites une recherche avec les mots suivants surlignés... ou cliquez sur le lien suivant  ( si vous manquez de temps) pour découvrir l'un des très très nombreux tableaux de Picasso appelés  Femme dans un fauteuil, celui  du 2 janvier 1962, représentant Jacqueline... Ma belle-maman, qui s'est inscrite à un club de peinture "à un âge certain", s'est imprégnée de toutes les versions les plus lumineuses (car certaines sont très sombres) de ces portraits de femme et a peint "à la manière de".
Je trouve qu'elle est une artiste contemporaine, inconnue du public  mais  dont je suis très fière.

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Dans le roman [Indigo] de Catherine Cusset

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Dans le roman [Indigo] de Catherine Cusset

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édition FOLIO page 127, on peut lire: "En tendant la tête elle aperçut derrière les arbres et stands touristiques de longues perches en bois qui se rejoignaient dans le ciel telles les pattes d'une araignée géante de Louise Bourgeois." Découvrir au détour d'une phrase du roman que je suis en train de lire une allusion à ma récente visite au Chateau La Coste m'a ravie. Cette communauté de culture est l'une des raisons principales de mon métier: faire partager des références communes.
Crouching Spider:

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Au château La Coste, les oeuvres de Jean-Michel Othoniel m'ont ravie... 

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Au château La Coste, les oeuvres de Jean-Michel Othoniel m'ont ravie... 

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surtout: |ïles singulières ]

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Dans ce roman lu par les collégiens de mon établissement en 2016, un petit New Yorkais du XXème siècle  fait la connaissance de Piet Mondrian (vous pouvez lire une autre biographie sur le site Beaux-Arts )  et découvre l e jazz
Ce sont deux formes de l'art contemporain.

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Ma première visite au Château La Coste est à lire sur le site lespolygrapheurs... 

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Ma première visite au Château La Coste est à lire sur le site lespolygrapheurs... 

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J'ai alors découvert les œuvres de Tadao Ando qui m'ont charmée par leur insertion IN SITU faisant d'un lieu naturel l'écrin d'une pensée artistique.

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L'avion dans l'oculus ménagé par Tadao Ando ci-contre ? Descendez l'ascenseur des publications pour l'apercevoir! (j'aurais dû orienter mon dessin de 90° antihoraire ou plus... puisqu'en ouvrant ce mur d'infos cet avion est là à droite mais si vous descendez dans le mur l'avion se retrouve... en haut!  Bref... vous le trouverez bien, finalement!   : )

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Jean-Michel Othoniel "Îles Singulières" at Château La Coste