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De lo Espiritual en el Arte | Kandinsky y el Manifiesto de la Necesidad Interior

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ISLA DE PERROS | Creando las Marionetas | 20 de abril en cines

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ISLA DE PERROS | Así se Hizo | 20 de abril en cines

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https://www.educ.ar/recursos/158679/40-anos-de-democracia-una-propuesta-visual-afiche

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Artista español

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Cómo crear un Círculo Cromático de 12 colores RYB (Rojo-amarillo-azul)

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Kandinsky - Nivel Inicial Primaria - Arte

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Circles in a circle, geometric abstraction 2D painting to 3D animation, Kandinsky

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Wassily Wassilyevich Kandinsky was a Russian painter and art theorist. Kandinsky is generally credited as the pioneer of abstract art. Born in Moscow, Kandinsky spent his childhood in Odessa, where he graduated at Grekov Odessa Art school. He enrolled at the University of Moscow, studying law and economics. Successful in his profession-he was offered a professorship at the University of Dorpat -Kandinsky began painting studies at the age of 30.
In 1896, Kandinsky settled in Munich, studying first at Anton Ažbe's private school and then at the Academy of Fine Arts. He returned to Moscow in 1914, after the outbreak of World War I. Following the Russian Revolution, Kandinsky "became an insider in the cultural administration of Anatoly Lunacharsky" and helped establish the Museum of the Culture of Painting. However, by then "his spiritual outlook... was foreign to the argumentative materialism of Soviet society", and opportunities beckoned in Germany, to which he returned in 1920. There he taught at the Bauhaus school of art and architecture from 1922 until the Nazis closed it in 1933.

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Wassily Kandinsky - Google Arts & Culture

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Wassily Wassilyevich Kandinsky was a Russian painter and art theorist. Kandinsky is generally credited as the pioneer of abstract art. Born in Moscow, Kandinsky spent his childhood in Odessa, where he graduated at Grekov Odessa Art school. He enrolled at the University of Moscow, studying law and economics.

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Chloe : Stop Motion Animation featuring collage and voice of Toni Morrison

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Hasta acá estuvimos viendo distintos modos de equilibrio en la imagen mediante la simetría. La idea es que ahora podamos empezar a ver que aunque no sea de manera tan explícita en todas las obras de arte hay un equilibrio pensado por el artista.
Para esto vamos a observar la obra de Kandinsky quien mediante puntos, líneas y distintas figuras geométricas generaba composiciones con mucho dinamismo y movimiento.
Para esto les voy a pedir que vean algunas de sus obras en este link:

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Les mando algunos videos que encontré donde realizan stop motion a partir de la obra de Kandinsky:

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Kandinsky Inspired Stop Motion Animation

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Kandinsky: color, percepción y sensación

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ELEMENTOS BÁSICOS DEL LENGUAJE VISUAL

PUNTO

LÍNEA

TEXTURA

VALOR

FORMA

ESPACIO

COLOR

EL PUNTO

El punto: según el artista Wassily Kandinsky es el elemento plástico básico. Su forma externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométricas, etc..

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LÍNEA

La línea: Según Kandinsky es el producto de un punto móvil, surge con el movimiento, mediante la destrucción del reposo máximo, el punto. El estatismo del punto se transforma en la dinámica de la línea. La línea es unidimensional.. Puede no definir áreas como ser perímetro de ellas, estableciendo iguras simples ó complejas, geométricas y figurativas. Los tipos de líneas son: . Abierta: tiene principio pero no fin (contrariamente a la cerrada) . Quebrada: en momentos de su recorrido está „rota", por ejemplo las líneas de la palma de la mano (≠ entera) . Curva (≠ recta) . Homogénea: línea de igual grosor en todo su recorrido (≠ línea modulada)

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TEXTURA

La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de textura: la óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pueden ser ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas no siempre se sienten como se ven, por ejemplo, si representamos un cactus lleno de espinas en un cuadro, en realidad si pasáramos la mano por las espinas de la pintura, la textura sería suave.

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VALOR

El valor se produce debido a la incidencia de la luz sobre un objeto, creando una gradación de tonos que van de lo más claro a lo oscuro, sugiriendo en ellos un efecto de volumen. Las gradaciones que van de un gris claro al más oscuro hasta llegar al negro, son los que se "denomina escala de valores". Estas gradaciones pueden ser logradas utilizando distintos medios: lápiz, acuarelas, tintas u otros; también empleando puntos, líneas o aplicado trazos en forma de tramas.

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COLOREl color es una sensación originada en la acción de las radiaciones cromáticas de los cuerpos ó sustancias reflejantes sobre los receptores fisiológicos y los centros cerebrales de la visión. Según la teoría ondulatoria d la luz, percibimos las distintas longitudes de onda como diferencias de colores.Colores primarios: son los que existen en la naturaleza y no son creados mediante la mezcla de otros: rojo, azul y amarillo.Colores secundarios: se crean mediante la mezcla de los primarios: Rojo+amarillo= naranja; azul+amarillo= verde, rojo+azul= violetaColores cálidos y fríos: las radiaciones del espectro luminoso que presentan las máximas longitudes de onda (rojo, naranja, amarillo) producen una reacción subjetiva percibida como temperatura. Hay colores que se perciben como cálidos (rojo, naranja, amarillo), y otros como fríos (azul, verde,violeta).Pero a su vez puede ser que un color frío de la sensación de cálido, por ejemplo un violeta rojizo.Esto se produce porque en la mezcla es mayor la cantidad de pigmento cálido (rojo)

INicio

INicio

FORMA

La forma es la configuración externa de algo. La vista capta a la forma como una de lascaracterísticas esenciales de los objetos, aunque también nuestro conocimiento previo esinfluyente, es decir que hay ciertas formas que nuestro cerebro las va a decodificar de manera inmediata.

CLASIFICACIÓN

Las formas planas son bidimensionales: alto y ancho.Las formas tridimensionales tienen altura, ancho y profundidad.

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Formas abiertas y cerradasLas formas abiertas son aquellas cuyo contorno está interrumpido, de modo que la forma se "confunde" parcialmente con el fondo que la rodea. Podemos igualmente percibirla gracias a la ley de cerramiento, donde nuestra percepción completa los elementos faltantes para apreciar la forma completa.Las formas cerradas son aquellas que presentan un contorno continuo, de modo que la forma se "despega", se distingue netamente del fondo que la rodea.

Formas geométricas y orgánicasLas formas geométricas son aquellas formas que están construidas según leyes matemáticas. yse clasifican en regulares e irregulares.Las formas orgánicas son más libres y espontáneas.

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INDICADORES DE ESPACIO

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Son los recursos que tenemos desde el lenguaje visual para generar profundidad en el plano.Trabajaremos con algunos:

DISMINUCIÓNDETAMAÑO

DISMINUCIÓNDEDETALLE

SUPERPOSICIÓN

INicio

EJEMPLOSENELARTE

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DISMINUCIÓN DE TAMAÑO

Es la posición entre tamaño grande y chico, de forma tal que los objetos más grandes están ubicados en "primer plano" y los objetos más chicos en el fondo de la obra. Es una representación de nuestra experiencia cotidiana, en donde la ilusión óptica juega el papel de hacer más grandes las cosas mas próximas a nosotros y más lejanas que se ven pequeñas.

SUPERPOSICIÓN

Significa que uno de los planos se superpone, es decir que"tapan" parcialmente a otro, o que otros objetos representados ocultan en parte a otro. En la superposición, los objetos o planos que tapan a los demás aparecen como más próximos a nosotros, mientras que los "tapados" parecen estar más alejados del observador. Con esto se genera una sensación de un "detras" y un "delante".

DISMINUCIÓNDE DETALLE

La cantidad y nitidez de detalles que podemos ver en el campo visual real depende de la distancia a que se encuentran los objetos de nuestros ojos. Por lo tanto, las figuras que en el plano posean mayor cantidad y nitidez de detalles, parecerán más cercanas que aquellas que no las posean.

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elementos básicos by leilabelenmontero on Genially

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ELEMENTOS BÁSICOS DEL LENGUAJE VISUAL PUNTO LÍNEA TEXTURA VALOR FORMA ESPACIO COLOR EL PUNTO El punto: según el artista Wassily Kandinsky es el elemento plástico básico. Su forma externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométricas, etc..

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La forma de simetría más utilizada por los artistas es la vertical.  A nivel compositivo se toma como referencia la simetría para distribuir armónicamente  las formas alrededor de un eje imaginario. Piensa en la forma de una balanza tradicional como la de la imagen.

La forma más común de composición simétrica  es aquella que se denomina simetría axial en la cual por medio  de un efecto de reflexión,  los elementos se disponen de forma especular con respecto a un imaginario (o no) eje central que se conoce como eje de simetría. Como ya has comprobado, la simetría axial  está extendida en la naturaleza. La encontramos en muchos organismos tanto animales, como vegetales y minerales. De la misma forma, un reflejo en el agua origina dos formas simétricas.

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backgrounds patterns and wallpapers galore

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Favorite Artists - Page 2 - BLOODY-DISGUSTING

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Image uploaded by rachelb. Find images and videos about peter max on We Heart It - the app to get lost in what you love.

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Al cumplirse cuarenta años del fallecimiento del pintor argentino Emilio Pettoruti (La Plata, 1892 - París, 1971), artista activo en el desarrollo de las vanguardias históricas, Malba realizó una exposición de sus óleos, collages y acuarelas realizados durante la primera mitad del siglo XX. Curada por Patricia Artundo, la muestra proponía repensar la relación de su trabajo con el arte abstracto.

Editado en ocasión de la exposición, este catálogo reproduce las 37 obras expuestas acompañadas de dos importantes ensayos. En el texto curatorial, titulado "Otros papeles de trabajo. Pettoruti y el arte abstracto", la historiadora argentina propone volver sobre las obras de 1914-1916 y de la década de 1950 para explorar la dimensión abstracta propuesta por Pettoruti en diferentes momentos de su trayectoria. En "Emilio Pettoruti y la búsqueda de una estrategia propia" -escrito en 1992 y publicado aquí por primera vez-, Marcelo E. Pacheco (curador en jefe de Malba 2003-2012) plantea la posibilidad de una lectura singular del trabajo del artista en relación con la historiografía del arte europeo. El libro ofrece, además, una cronología y una bibliografía sumaria.

"Para Pettoruti se trataba de tomar una decisión; en este caso, la de optar por la pintura abstracta. Esto no significaba retomar algo que había dejado atrás, en un punto muy lejano, con sus dibujos y pinturas abstractos de los años italianos; no existía un hiato a ser salvado. Por el contrario, en sus nuevas pinturas él se autodefinía como "pintor abstracto". (...) A cuarenta años de su fallecimiento, al volver a mirar y a pensar su producción, lo que aparece no es la imagen de un artista desdibujada y oculta detrás de los distintos ropajes con que fue siendo cubierta a lo largo del tiempo, sino una imagen enriquecida en la comprensión de la complejidad de sus propuestas" - Patricia M. Artundo.

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Catálogo Pettoruti y el arte abstracto Malba

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Al cumplirse cuarenta años del fallecimiento del pintor argentino Emilio Pettoruti (La Plata, 1892 - París, 1971), artista activo en el desarrollo de las vanguardias históricas, Malba realizó una exposición de sus óleos, collages y acuarelas realizados durante la primera mitad del siglo XX.

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Cervantitos. Arte en casa con María Ángeles Vila

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3 minutos de arte - el arte en modo amigable

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La página de arte más amigable del mundo. Contenido totalmente original. Es el mundo del arte cercano, simple, cálido, que se disfruta en cualquier momento.

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El término género se emplea para indicar la clase de pinturas a la que
pertenece una obra, de acuerdo con su temática.
En la pintura occidental, una primera clasificación distingue las imágenes
religiosas de las no religiosas.
La pintura religiosa trata tópicos del
Antiguo y del Nuevo Testamento, las vidas de los santos, los martirios y los
milagros. En cambio  entre los géneros de la pintura no religiosa se han
considerado la pintura histórica y mitológica, el retrato y el desnudo, los paisajes, el costumbrismo y la naturaleza muerta. Con la modernidad, la noción
de género y las normas de cada clase de pinturas cambiaron drásticamente.

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Este género pictórico representa acontecimientos de la historia. Se trata de una temática con una larga tradición que busca reconstruir escenas del pasado. Se intensificó a partir de la Revolución Francesa.
Con ella se intentaba mostrar el momento más representativo de un acontecimiento por ejemplo, la entrega de las llaves de una ciudad o el instante en el que se realiza un juramento,  con la convicción de que, de ese modo, se expresaba el significado pleno del hecho.
En la primera mitad del siglo XIX siguió teniendo vigencia en muchos cuadros de temas históricos -como La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix (Francia, 1789-1863)-, pero comenzaron a disminuir las referencias iconográficas a la Antigüedad clásica, y la visión idealizada del pasado se sustituyó por una mirada mucho más
realista, que incorporaba elementos hasta entonces considerados innobles o
vulgares. Así, la pintura histórica comenzó a mostrar con crudeza los efectos
destructivos que tienen las guerras.
Con la aparición de nuevos medios y lenguajes visuales como la fotografía o el cine, a fines del siglo XIX, la pintura histórica comenzó a buscar
nuevas vías de desarrollo.

Les dejo un link a un video que explica sobre la obra de La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix : https://www.youtube.com/watch?v=u68SWIc9PWg

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Carlos Morel

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Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori - Patrimonio

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Pío Collivadino. 1903. Óleo sobre tela, 160,5 x 252 cm, en el Museo Nacional de Bellas Artes

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Prilidiano Pueyrredón

Oleo sobre tela. 75,5 x 166,5 cm.

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¿Cómo sería la pintura historica de hoy?

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¿Cómo sería la pintura historica de hoy?

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Después de la lectura de las características de la pintura histórica.
Pensemos... ¿Cómo sería la pintura en este contexto? ¿Que características tendrán las producciones creadas en este tiempo?
Para eso les voy a compartir algunas imágenes de CAM The Covid Art Museum, que es un compilado de imágenes de producciones de distintos artistas del mundo que están trabajando con esta temática.
Les compartiré algunas ya que hay mucha cantidad! ¿Qué podemos rescatar de este momento? Ya trabajamos con los "Esenciales de nuestra cuarentena" pero si tuviéramos que hacer una producción visual que tome esta temática que haríamos?

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La pintura mitológica trata acerca del mundo de los dioses paganos y el conjunto de historias narradas por la mitología clásica; fue muy
valorada a partir del Renacimiento.
Para transmitir su contenido, este género utiliza como medio la alegoría,
palabra que significa literalmente "hablar de otra cosa". El recurso de la alegoría consiste en representar figuras, ideas o situaciones por medio de imágenes simbólicas. Así, por ejemplo, la victoria era representada por una mujer alada; la paz, por una figura que sostiene una rama de olivo; el amor, por Venus; la guerra, por Marte; la creatividad, por las musas
Los símbolos empleados son convenciones culturales que resultan
familiares para los miembros de una cultura y una época determinadas.
Los cuadros mitológicos presentan varios niveles de significado; además
de los personajes y la historia que narran, contienen mensajes, ideas y
valores que el artista desea expresar.

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Cada tipo de pinturas y soportes requiere el uso de herramientas y procedimientos específicos que conforman en su conjunto una técnica.

Algunas  del las técnicas más conocidas dentro de la pintura son la acuarela, el oleo, el acrílico y en el contexto escolar la más utilizada es la témpera .

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Antonio Berni, óleo sobre arpillera, 109 x 92,3 cm,
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos
Aires (Malba).

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Los retratos representan a individuos específicos, reales y únicos, y
transmiten no solo su apariencia física, sino también -y principalmente- su
posición social y cultural, así como sus actividades. En definitiva, muestran
personajes, es decir, seres humanos que cumplen un papel en su escenario
cultural.
Las poses y los gestos de los modelos, así como los accesorios y los objetos presentados junto a ellos, siguen un esquema y están cargados de significados simbólicos. Por ejemplo, en los retratos del Renacimiento italiano, la presencia de perros pequeños cerca de las mujeres o de las parejas representaba la fidelidad (con lo que se daba a entender que la mujer es fiel al marido como el perro a su amo). La inclusión de columnas clásicas remitían a las glorias de Roma y las sillas con aspecto de trono intentaban vincular al retratado con la realeza.
Por lo general, las convenciones de este género -anteriores al siglo
XX- exigían que se representara a las personas de una forma favorable.
Con este fin, los modelos solían ponerse sus mejores galas para posar y
aparecían mostrando la mejor actitud posible, sus posturas más elegantes.
Podemos decir entonces que los retratos revelan no tanto la realidad social, sino las ilusiones sociales, es decir, qué le gustaría parecer a una persona, cómo ha querido mostrarse y ser vista.
Mientras que, durante siglos, solo las personas adineradas tuvieron
la posibilidad de encargar un retrato pintado, hacia el siglo XIX el género se
democratizó con la invención de la fotografía. En su afán igualador, el retrato fotográfico de estudio ofrecía a los nuevos clientes muchas de las convenciones del retrato pictórico tradicional, como las poses, los paisajes de fondo y la inclusión de objetos. Si bien el retrato fotográfico se generalizó como medio para mostrar el aspecto físico de una persona, el género del retrato pictórico siguió desarrollándose y acentuó la búsqueda por captar no sólo la semejanza física, sino también la identidad y el carácter de las personas retratadas.
Así, por ejemplo, en La mujer del sweater rojo (1935), un óleo realizado
por Antonio Berni (Argentina, 1905-1981), la figura presenta un aspecto
sólido, casi monumental, pero, a la vez, su mirada, la delicadeza de la pose
y la luz la sumergen en un clima extraño, de pensamiento hasta pareciera de nostalgia.

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Huellas Arte argentino Capítulo 4 El retrato en el siglo XIX

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Caja rodante: Arte rodante: Historia del autorretrato - 02-08-11

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Retrato de Elvira Lavalleja de Calzadilla (1859)

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Retrato de Elvira Lavalleja de Calzadilla (1859)

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Prilidiano Pueyrredón, , óleo sobre tela,
125,5 x 100,5 cm, Museo Nacional de Bellas
Artes de Buenos Aires.

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Antes de las Selfies! 🤳 5 Maestros del Auto Retrato | Videos Educativos para Niños

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EL DESNUDO EN EL ARTE | GRANDES TEMAS | LA GATA VERDE

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La superficie sobre la que se pinta se denomina soporte.
La enorme
variedad de soportes que existen demuestra que casi todo puede emplearse
para este fin: paredes, madera, tela, papel, vidrio, pergamino, terciopelo,
cerámica, seda, raso, arpillera, plástico y hasta el cuerpo humano.
Desde el antiguo Egipto y hasta el Renacimiento, los soportes más usados
fueron las paredes y la madera. Durante la Antigüedad, los griegos, los etrus-
cos y los romanos realizaron pinturas murales que sobrevivieron casi intactas
hasta nuestros días; en la Edad Media, la Iglesia cristiana empleó, en Europa,
los muros de las iglesias y las tablas de madera como soportes de pinturas con
el fin de transmitir su doctrina a los fieles iletrados; hacia el Renacimiento,
las pinturas murales adquirieron mayor complejidad narrativa, como en las
obras de Miguel Angel pintadas en la Capilla Sixtina. En los libros escolares
se suelen reproducir fragmentos de pinturas del Renacimiento; muchas de
ellas son solo detalles de murales de grandes dimensiones.
Con el tiempo, las telas comenzaron a reemplazar a las paredes y a
las tablas de madera como soporte de las pinturas.