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Compiti e appunti consegnati 2G (Definitivo)

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Compiti e appunti consegnati 2G (Definitivo)

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Aggiornato al 08/06/2020

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Programma Svolto 2G 2019/20 (Definitivo)

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Programma Svolto 2G 2019/20 (Definitivo)

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Aggiornato al 08/06/2020

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Programma Svolto 2B 2019/20 (Definitivo)

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Programma Svolto 2B 2019/20 (Definitivo)

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Aggiornato al 08/06/2020

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Compiti e appunti consegnati 2B (Definitivo)

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Compiti e appunti consegnati 2B (Definitivo)

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Aggiornato al 08/06/2020

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prof. Alimandi

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prof. Alimandi

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Approfondimento del 08/05/2020 (scad.15/05/2020)

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I gatti perfetti di Fibonacci

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"Anche il più piccolo dei felini, il gatto, è un capolavoro". Così diceva Leonardo da Vinci. E la galleria di foto sotto ne è la prova.

Primo grande matematico dell'Occidente cristiano, l'italiano Leonardo Pisano, detto Fibonacci perché figlio di Bonaccio, nel 1202 scoprì una sequenza di numeri, che da lui prende il nome, dopo che la individuò per risolvere un problema pratico: in un anno, quante coppie di conigli si ottengono da una coppia, supponendo che il primo mese questa non sia fertile? La risposta a questo quesito è 144. La sequenza è il risultato della somma dei due numeri precedenti: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, ... all'infinito.

Solo nel XIX secolo, però, si attribuì la giusta importanza a questa successione numerica, che può essere applicata nel calcolo delle probabilità e nella sezione aurea. Le spirali auree e la successione di Fibonacci si riscontrano in un'enorme varietà di fenomeni naturali. La riprova che il linguaggio della Natura è la matematica. Dice a tal proposito Mario Livio, noto astrofisico: "La Natura ama le spirali logaritmiche: dai girasoli alle conchiglie, dai vortici agli uragani alle immense spirali galattiche, sembra che abbia scelto quest'armoniosa figura come proprio ornamento favorito".

Una nota che sottolinea la grande importanza storica del matematico italiano: fu grazie a Leonardo Pisano che furono introdotti in Occidente i numeri arabi che sin da piccoli spesso ci sono ostici. Invece che intendere la Matematica come una materia di studio fatta di soli numeri e teoremi, dovremmo invece considerarla come ciò che unisce e si interpone fra l'Uomo e la Natura.

Qui sotto la prova che quando la Natura decise di creare il gatto, pensò ad una creatura perfetta e armonica.

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I gatti perfetti di Fibonacci - Per appassionati di gatti

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"Anche il più piccolo dei felini, il gatto, è un capolavoro". Così diceva Leonardo da Vinci. E la galleria di foto sotto ne è la prova.

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Approfondimento del 27/04/2020 (2B/2G)

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COME SALVARE LAVORI REALIAZZATI CON POWER-POINT IN PDF

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COME SALVARE LAVORI REALIAZZATI CON POWER-POINT IN PDF

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Finito il lavoro in PowerPoint,
1) cliccare su FILE (in alto a sinistra nella barra degli strumenti)
2) quindi su STAMPA e nel menù a tendina sotto STAMPANTE indicare (come da foto allegata) Microsoft Print to PDF,
3) quindi cliccare sul logo STAMPA (vi chiederà di indicare la cartella dove salvare il file nel vostro HD del PC.
IN ALTERNATIVA usare https://www.ilovepdf.com/it/powerpoint_a_pdf

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10 musei da visitare online + scheda lettura dell'opera

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10 musei da visitare online + scheda lettura dell'opera

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Approfondimento del 10/04/2020 (2B risposte entro 17/04/2020)

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Il Louvre di Parigi
© Benh LIEU SONG/Flickr

Magazine - Con il nuovo decreto del Governo di lunedì 9 marzo, tutta l'Italia è diventata zona rossa e da nord a sud i musei restano chiusi fino al 3 aprile. Proprio quando sembrava che la cultura potesse riprendere, ecco arrivare nuove misure restrittive. Non è questo il momento per visitare musei: un sacrificio per le strutture e per i visitatori, nel rispetto della salute di tutti e nella certezza che il Coronavirus può e deve essere fronteggiato rispettando le regole, quelle che ricadono sotto lo slogan ormai famoso Iostoacasa. Ma ecco la bella notizia per chi proprio non sa stare senza cultura: sapete che molti musei d'Italia e del mondo sono visitabili online comodamente da casa?

Molti musei sparsi in tutto il globo, infatti, mettono online manufatti e opere per chi è impossibilitato a spostarsi: una bella iniziativa per gustarsi una mostra seduti sul divano, muniti solo di un computer e una connessione a internet. Niente di più adatto, in questo periodo all'insegna dell'emergenza Coronavirus, in cui rimanere a casa sembra essere l'unica via per fermare il contagio.

Dai Musei Vaticani al Louvre, fino al British Museum, la cultura è ora in grado di viaggiare nello spazio e attraverso le zone rosse. Quindi, accendete il vostro browser e preparatevi a fare una scorpacciata di cultura: ecco alcuni dei musei in Italia e in Europa visitabili online.

Musei Vaticani di Roma

I Musei Vaticani di Roma propongono collezioni d'arte e sculture classiche volute dai Papi nel corso dei secoli. Ebbene sì, è possibile fare un tour virtuale dei Musei Vaticani, in particolare si può visitare online il giardino del museo e visitare la Cappella Sistina.

Museo di Rivoli a Torino

Il Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea a Torino si fa virtuale: l'idea si chiama , una nuova sede virtuale del museo che contiene creazioni artistiche, conferenze in streaming e documentazioni che integrano la fisicità del percorso di visita al Museo offrendosi allo sguardo del visitatore online in una dimensione di esperienza indiretta e aggiuntiva. Cosmo digitale è consultabile online. Ma in generale sono tanti i musei di Torino che vanno alla riscossa sui social.

Anche il Louvre si visita online

Tra le meraviglie di Parigi c'è il Louvre, uno dei più grandi musei d'arte del mondo che offre visite guidate gratuite online su mostre dedicate all' antico Egitto. Questo il link per visitare il Louvre online.

British Museum e National Gallery a Londra

Sul sito web del British Museum di Londra sono visibili online pezzi unici delle città romane di Pompei ed Ercolano. Questo il link per visitare il British Museum online. E a Londra anche la National Gallery offre un tour virtuale della galleria. Ecco il link per visitare online la National Gallery.

Guggenheim Museum a New York

Vi va di visitare il Guggenheim Museum, uno degli spazi espositivi più famosi della Grande Mela? Alcune delle sue collezioni e mostre sono online, con opere di Franz Marc, Piet Mondrian e Picasso. Questo il link per visitare il Guggenheim Museum online.

Nasa online: un tour nel centro spaziale di Houston

Appassionati dello spazio? Anche la Nasa offre tour virtuali liberi del proprio centro spaziale di Houston, con una guida turistica particolare: un robot animato chiamato Audima. Ecco il link per visitare online la Nasa.

Dalì Theatre Museum in Spagna

In Spagna - più precisamente a Figueres, città natale di Salvador Dalì - il Dalì Theatre Museum è interamente dedicato al pittore catalano. Molte stanze ripercorrono la sua vita e le sue opere, proprio dove l'artista è sepolto. Che dite, vi va un tour virtuale del Dalì Theatre Museum?

National Museum of Natural History a Washington

Pronti a partire per Washington alla scoperta del National Museum of Natural History? Ecco un tour virtuale online per visitare le sale, tra cui quella dei mammiferi e dei dinosauri. Questo il link per visitare online il National Museum of Natural History.

Metropolitan Museum of Art a New York

Non serve essere a New York per gustarsi il Metropolitan Museum of Art. Il sito web del museo ospita una raccolta online e tour virtuali di alcuni dei suoi più importanti pezzi, tra opere di Van Gogh e Pollock. Questo il link per visitare il Metropolitan Museum of Art online.

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10 musei visitabili online, dal Louvre al Vaticano: così la cultura sfida il Coronavirus

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Magazine - Con il nuovo decreto del Governo di lunedì 9 marzo, tutta l'Italia è diventata zona rossa e da nord a sud i musei restano chiusi fino al 3 aprile. Proprio quando sembrava che la cultura potesse riprendere, ecco arrivare nuove misure restrittive.

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L'arte sublima la malattia. Un medico anti-Covid analizza alcuni capolavori dell'arte per cercare le patologie

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L'arte sublima la malattia. Un medico anti-Covid analizza alcuni capolavori dell'arte per cercare le patologie

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Approfondimento extra (alemno 1 pag.x 300 p.)

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Michelangelo, Raffaello, Antonello da Messina, Botticelli sono alcuni dei "pazienti" sottoposti alla diagnosi di un medico specialista, in prima linea nell'emergenza da Covid-19.

Se l'arte è anche catarsi della sofferenza, conforto dell'anima oltre che diletto per gli occhi, in questo nostro tempo di malattia e morte siamo andati in cerca di esempi di opere d'arte in cui la patologia, sublimata, ha cessato di coniugarsi con il dolore. La malattia diventa elemento che partecipa di un esito squisitamente armonico, e perciò classicamente "bello", finendo per stabilire anche un canone estetico, come vedremo per la Venere di Botticelli. Nell'esercizio di dialogo tra saperi e competenze diverse, abbiamo così sottoposto alcune opere, celebri e meno note, alla "diagnosi" di un medico con la passione per l'arte. Il dottor Alessandro Raffa, specialista in Medicina Interna e Medicina d'Urgenza, è uno degli "angeli" impegnati in prima linea nell'emergenza da Covid-19 nel reparto di "Medicina e Chirurgia di Accettazione e di Urgenza" all'Arnas Ospedale C ivico di Palermo. Perfezionato in Reumatologia e cultore della stessa disciplina presso l'Università degli studi di Palermo, ambito in cui è stato messo a punto il tocilizumab, farmaco per l'artrite reumatoide, in corso di sperimentazione nella cura del Coronavirus. Questa evasione nell'arte, a cui lo abbiamo chiamato, ci piace sapere che abbia assunto un valore "terapeutico" a doppio senso.
Iconodiagnostica
L'"esperimento" di interdisciplinarietà, medici-storici dell'arte, ha prodotto dei risultati interessanti (segnaliamo Gian Carlo Mancini, L'arte nella medicina e la medicina nell'arte, Roma, 2008). Per esempio, il Centro Studi GISED, associazione senza fini di lucro nel settore dermatologico, riconosciuta dalla Regione Lombardia, ha realizzato una galleria virtuale di malattie della pelle documentate nelle opere d'arte, poi diventata una mostra itinerante ("Arte e Pelle"). Un'originale campionatura che è andata a scovare un melanoma sulla tempia di Maria Giuseppina di Borbone, infanta di Spagna, zia del re, nel Ritratto della Famiglia di Carlo IV (1800-1801) di Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 1746 - Bordeaux, 1828); una cheilite angolare o boccheruola, una infiammazione della bocca, al lato destro delle labbra nel ritratto La vecchia (1506) di Giorgione (Castelfranco Veneto, 1478 - Venezia, 1510); xantelasmi, accumuli di grasso nelle palpebre nel Ritratto di Clemente VII con barba (1527) di Sebastiano del Piombo (Venezia, 1485 - Roma, 1547). O, ancora, le cicatrici che si vedono nel Ritratto di Sir Richard Southwell /1536) di Hans Holbein il Giovane (Augusta, 1497 o 1498 - Londra, 7 ottobre 1543) sono dovute a una forma di tubercolosi cutanea detta anche scrofuloderma; mentre è stato ipotizzato che il nanismo di una donna nella Camera degli sposi (1465 - 1474) di Andrea Mantegna (Isola di Carturo, 1431 - Mantova, 1506) possa derivare da una malattia genetica, la neurofibromatosi di tipo I. Non solo dipinti e non solo arte antica. Nei vasi della scultrice inglese contemporanea Tamsin van Essen la lavorazione esterna ricorda la superficie cutanea colpita da psoriasi.

In effetti, l'iniziativa è presa più spesso dal mondo medico. Diversi sono gli studi che considerano l'arte come disciplina utile per il miglioramento di competenze alla base della professione medica, come quello condotto dalla Sapienza di Roma nel 2016 (" Arte e Medicina: dalla visione alla diagnosi ", a cura di Vincenza Ferrara). Tra i capitoli ce n'è uno dedicato alla iconodiagnostica. Il termine fu coniato nel 1983 dalla psichiatra di Harvard Anneliese Pontius per definire le pratiche utili a ricavare notizie su una malattia attraverso immagini della storia dell'arte. La psichiatra era intenta a dimostrate la presenza della Sindrome di Crouzon (malattia genetica rara) nell'arcipelago di Cook esaminando le antichissime statue ritrovate in quelle isole.

In iconodiagnostica si sono cimentati vari medici. Come Vito Franco, docente di Anatomia patologica presso la facoltà di "Medicina e Chirurgia" dell'Università di Palermo, che ha "visitato" un centinaio di opere più o meno famose diagnosticando diverse malattie ai personaggi raffigurati. Dall'aracnodattilia, di cui sarebbe affetta la Madonna della rosa (1530) di Girolamo Francesco Maria Mazzola, detto il Parmigianino (Parma, 1503 - Casalmaggiore, 1540), per le dita sproporzionatamente sottili ed allungate rispetto al palmo della mano, come le zampe di un ragno, alla ipercolesterolemia della Gioconda (1503-1504) di Leonardo da Vinci (Vinci, 1452 - Amboise, 1519) desunta dall'accumulo di grasso sotto l'occhio sinistro. Per le sue tesi che hanno in qualche caso destabilizzato gli studi storico-artistici, Franco ha avuto anche il merito di provocare un dibattito critico, con Giorgio de Rienzo che sul "Corriere della Sera" firmava "L'inutile ricerca sulle malattie negli occhi della Gioconda" (6 gennaio 2010).

Il limite di ricerche di questo tipo sta, però, nel guardare le opere da un punto di vista prevalente, quello medico, che mette alla prova il proprio spirito di osservazione per approfondire la patologia nella storia dell'arte, marginalizzando l'occhio del curatore, nella maggior parte dei casi assente, a discapito di una effettiva interdisciplinarietà. Il rischio, cioè, è quello di considerare le figure ritratte come individui in cui scorre il sangue, prendendo alla lettera Mikel Dufrenne quando dice che l'oggetto estetico è sempre un "quasi soggetto" ( Phénoménologie de l'expérience esthétique,1953, t. II, Paris, PUF, 1992). Non solo, in genere, nelle ricerche americane, come quella curata dal professor Paul Wolfe, direttore del dipartimento di Patologia e di Medicina di laboratorio dell'Università della California a San Diego, la riconduzione degli esiti artistici alle patologie di cui erano affetti pittori e scultori finisce per marginalizzare la loro vena creatrice, dimenticando che l'oggetto estetico non è rappresentazione mimetica della natura. Così la massiccia predominanza dell'uso del giallo in quadri come La sedia con pipa (1888) di Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) viene spiegata con l'utilizzo di infuso di digitale, usata per curare lo scompenso cardiaco di cui era affetto, che avrebbe provocato una distorsione della percezione dei colori meglio nota come xantopsia, condizione che "fa veder giallo" per intossicazione da "digitalis purpurea". Mentre alla cataratta sarebbe dovuta l'estinzione della forma in dipinti come le diverse versioni delle Ninfee di Claude Monet (Parigi, 1840 - Giverny, 1926). Come si vede, poco spazio resta alla comprensione della creatività, che, afferma Hubert Jaoui, "non è solo immaginazione, fantasia o estro. È anche metodo, volontà, 'ostinato rigore' come diceva Leonardo da Vinci" ( L'Estro Creativo Creo dunque sono, 2009).

Ritornando dagli artisti alle opere, ci sono quelle in cui protagonista è dichiaratamente la patologia. In Bambina Malata, di cui esistono diverse versioni, in cui Edvard Munch (Løten, 1863 - Oslo, 1944), il pittore del celebre Urlo (1893), rievoca la perdita della sorella, Sophie, stroncata a soli quindici anni da una feroce tubercolosi. Talvolta queste opere acquisiscono nel tempo un valore documentale, come l'incisione del 1496 in cui Albrecht Dürer (Norimberga, 1471 - 1528) attestò l'insorgere della sifilide in Europa nell'anno successivo alla sua prima diffusione. La pestilenza, vista come evento punitivo per le condotte peccaminose, è il soggetto di opere che assolvono la funzione di ex voto, come la Palermo liberata dalla peste, al Museo Diocesano Palermo, dipinta intorno al 1576 da Simone de Wobreck (Haarlem, ? - Palermo, 1558-1597). Per restare ancora in Sicilia, stessa funzione per una serie di dipinti con Scene di guarigione (seconda metà XVIII sec.), presso il Convento dei Cappuccini a Santa Lucia del Mela (Messina), pubblicati nel 2011 da Luigi Giacobbe, assegnandoli al pittore cappuccino fra' Felice da Sambuca (Sambuca di Sicilia, 1734 - Palermo, 1805).

Diverso, è, invece, l'esercizio in cui ci siamo cimentati col dottor Raffa: andare alla ricerca della patologia anche quando non è l'oggetto dichiarato dell'opera d'arte, cogliendola e diagnosticandola attraverso un dettaglio. Scovandola anche nella perfezione dell'arte rinascimentale, per dare insieme un contributo alla storia della medicina e alla storia dell'arte. E cioè non solo per accertare la manifestazione di una malattia, come fatta dalla iconodiagnostica sull'opera dei maestri del Rinascimento, come la Fornarina (1518 - 1519) di Raffaello, in cui sarebbe rappresentato un tumore alla mammella. Raffaella Bianucci, con i colleghi dell'Università di Torino, ha pubblicato su "The Lancet Oncology" una ricerca su alcune opere per seguire la manifestazione di tale malattia, come La notte (1555-1565) di Michele di Ridolfo del Ghirlandaio (Firenze, 1503 - 1577), trasposizione in pittura dell'analoga figura scolpita da Michelangelo per la tomba di Giuliano de' Medici, duca di Nemours (1524-1534), nella Sagrestia Nuova di San Lorenzo a Firenze, e L'allegoria della Fortezza (1560-1562) di Maso di San Friano (Firenze, 1531 - 1571). O ancora, Gilberto Corbellini, direttore del Dipartimento scienze umane sociali, patrimonio culturale del Consiglio nazionale delle ricerche, spiega che tra i quadri più scandagliati si annoverano quelli del pittore barocco Peter Paul Rubens (Siegen, 1577 - Anversa, 1640), attivo per quasi mezzo secolo, "sono almeno tre i dipinti in cui egli avrebbe rappresentato un cancro al seno: Le tre Grazie, Orfeo ed Euridice e Diana e le sue ninfe ".

Venendo, dunque, alla nostra di ricerca, quando in un'opera la patologia non è esibita è come se la sofferenza che l'accompagna si fosse decantata. Dove cessa il dolore resta l'imperfezione, assorbita in una dimensione di armonia prevalente. Parafrasando una celebre mostra curata da Salvatore Settis, possiamo dire che "l a forza del Bello" risiede anche nella sua imperfezione. Un messaggio che dall'arte sembra lentamente passare anche a quella stessa moda responsabile di aver imposto per generazioni un'irraggiungibile immagine di perfezione: "imperfezioni" si chiama proprio la collezione autunno-inverno 2020/21 in passerella alla kermesse Altaroma, firmata per Morfosis dalla stilista romana Alessandra Cappiello, che ha alle spalle, non a caso, un bagaglio di studi classici e l'influenza di una nonna pittrice.

Il difetto sta a un'opera d'arte come un leggero deposito a un rosso di qualità. Pensiamo agli autoritratti di Frida Kahlo (Coyoacán, 1907 -1954), dove l'irsutismo è un tratto di mascolinità utile a mettere in valore, al contrario, la prorompente femminilità della pittrice. Persino in un' "icona" del Rinascimento come la Venere di Sandro Botticelli (Firenze, 1445 - 1510), c'è "qualcosa che non va". E non si tratta del noto strabismo, da cui il sintagma "strabismo di Venere", difettuccio assurto a paradigma di sensuale bellezza. Non il fine occhio del connoisseur, ma lo sguardo dei "comuni" visitatori ha finito per esserne catalizzato: complice la collocazione utile a incrociarlo nella mostra che, tra il giugno e il settembre scorso, ha riunito nelle Sale Chiablese dei Musei Reali di Torino la collezione appartenuta all'imprenditore Riccardo Gualino, in molti sono rimasti sorpresi nello "scoprire" il piede decisamente privo di grazia esibito dalla Venere (1485- 1490 circa) della Galleria Sabauda, versione della più nota Nascita di Venere (1485 circa) alle Gallerie degli Uffizi (altre due si trovano alla Gemäldegalerie di Berlino, 1490, e in una collezione privata svizzera).

Cediamo, dunque, la parola al nostro specialista. "Nella Venere", osserva Raffa, "è possibile notare una eccessiva accentuazione dell'altezza dell'arcata plantare del piede sinistro ed una 'gobba' dorsale; si tratta di un 'piede cavo', che consiste in una malformazione congenita (sviluppo imperfetto delle articolazioni del piede) o acquisita dall'utilizzo di calzature corte (il piede non ha lo spazio a sufficienza per distendersi e tende a flettersi; se si trattasse di più contemporanee calzature con tacco alto sarebbe determinata da un carico eccessivo del peso del corpo sull'avampiede); altre cause secondarie riconoscono alla base patologie neurologiche e reumatologiche". E aggiunge, "maggiormente noto è il secondo dito del piede più lungo rispetto agli altri che rispecchierebbe canoni estetici dell'epoca che si rifanno all'arte greca; potremmo tuttavia definirlo un 'piede antropologico', che ricorda molto il piede 'prensile' dello scimpanzé, poiché la stessa caratteristica si riscontra nel primati". Chi l'avrebbe mai detto?! La dea che si erge sopra la valva di una conchiglia, pura e perfetta come una perla, ha il piede di un primate (il piede è uguale nelle altre versioni). Inoltre, opportunamente Raffa menziona la rispondenza di questa tipologia di "piede prensile" ai canoni dell'arte greca. Oltre al celebre atteggiamento pudico con cui la Venere copre la nudità con la fluente capigliatura aurea, anche questo particolare è, dunque, indizio della derivazione della Venere dal modello classico della "Venus pudica". Un bagaglio figurativo a cui Botticelli ha guardato anche per la coppia dei Venti che vola abbracciata, derivazione da una gemma di età ellenistica appartenuta a Lorenzo il Magnifico.

Non sempre, però, è immediatamente possibile spiegare la comparsa, nella sintassi compositiva di un'opera, di un lessema spia di una patologia o un trauma. Per esempio, nel Trionfo della Morte (metà del secolo XV), affresco staccato conservato nella Galleria regionale di Palazzo Abatellis a Palermo, Raffa osserva "la mano con l'ultima falange del quinto dito fratturata" nel cadavere di domenicano in basso al centro della scena. Un particolare che non ha una sua ragione funzionale al messaggio che l'anonimo autore vuole trasferire, come, per esempio, col derelitto col braccio fratturato e bendato nel gruppo della povera gente a sinistra, che invoca la fine delle proprie sofferenze alla Morte, intenta invece a scoccare frecce che hanno già colpito letalmente papi e imperatori. Del resto, si farebbe un torto alla sapiente mano del probabile maestro transalpino se lo si volesse leggere come un cedimento formale. Non resta, allora, che considerarlo, forse, un particolare che accentua il carattere naturalistico della scena, al pari della scattante linea del levriero o della macabra anatomia del cavallo che domina la scena.

Ma torniamo ancora sullo strabismo. Se è famoso quello della Venere botticelliana, il nostro medico lo individua pure in "una delle massime espressioni della pittura europea di tutti i tempi" (Mauro Lucco, 2006): l' Annunciata (1476 circa) di Antonello da Messina (Messina, 1430 circa - 1479), a Palazzo Abattelis, a Palermo. Raffa individua "un lieve strabismo convergente dell'occhio sinistro: il bulbo oculare sinistro è più orientato verso l'interno di quanto non sia il bulbo oculare destro verso l'angolo esterno". "Si tratta", spiega , "di un difetto di convergenza degli assi visivi dei due bulbi oculari ed è dovuto alla mancanza di coordinamento tra i muscoli che intervengono nella motilità dei bulbi oculari (muscoli estrinseci) impedendo di orientare lo sguardo di ciascun occhio sullo stesso obiettivo". Il "difetto" in questo caso è possibile ritenerlo funzionale alla costruzione dell'immagine e del suo meditato "concetto". Partecipa, non meno del gesto della mano che si protende verso lo spettatore e dell'altra che serra il manto, alla rivoluzione con cui Antonello eliminò la figura dell'angelo, presupposta dall'Annunciata in sé. La Madonna non ha bisogno, infatti, di "orientare lo sguardo sullo stesso obiettivo", non cerca "qualcuno" davanti a sé; il soffio che solleva le pagine del libro sul leggio, segno della presenza dello Spirito Santo, non può vederlo, ma solo sentirlo. Questo sguardo lievemente strabico, perso, è uno sguardo introspettivo, concorre ad allontanare in un altrove sovraumano la Vergine. C'è una distanza siderale tra il moto istintivo di quella mano che ferma ciò che ancora non conosce e allo stesso tempo si protende lungo una prospettiva che attraversa i secoli per raggiungere tutta l'umanità, e l'assenza di quello sguardo, rapito in una dimensione di consapevolezza e accettazione.

Ancora Antonello, ancora un dettaglio che partecipa come componente attiva nella costruzione figurativa. In questo caso si tratta del Polittico di San Gregorio (1473), al Museo Regionale Interdisciplinare di Messina, ancora una novità, per struttura e ideazione, fatta precipitare da Antonello nel panorama dell'epoca. "Le figure ritratte da sotto in su come di fatto apparirebbero se issate in carne e ossa li in alto" (Marco Collareta, 2006) sono funzionali alla rappresentazione realistica delle attitudini in una spazialità legata da un effetto prospettico unitario. L'ultimo restauro, in occasione della grande mostra antologica su Antonello da Messina, allestita alle Scuderie del Quirinale nel maggio 2006, ha rivelato appena sotto la bocca di San Gregorio una piccola cicatrice, "che vale a renderlo una creatura viva, con una sua storia alle spalle" (M. Lucco, 2006). Con questo significato potremmo considerare anche un particolare sfuggito all'occhio degli storici dell'arte. Raffa nota, infatti, "una probabile malformazione congenita del pollice della mano sinistra", quella che porge le ciliegie al Bambino. Un "difetto" appartenuto, forse, a colei che fece da modella ad Antonello.

Altra mano rinascimentale, altro difetto. Nella Circoncisione (1510) del messinese Girolamo Alibrandi (Messina, 1470 circa - 1524 circa), ancora nel museo in riva allo Stretto, quella della Madonna è "una mano con clinodattilia", osserva Raffa. "Si tratta di una malformazione congenita caratterizzata dalla curvatura permanente in sede mediale o laterale di un dito o di una falange (è interessato in genere il quinto dito). La clinodattilia può manifestarsi come anomalia isolata o in combinazione con altre malformazioni in alcune sindromi genetiche di Down, di Klinefelter e di Turner".

Le cose si fanno più complicate nello sportello di trittico di un ignoto fiammingheggiante (XVI secolo), sempre al Museo di Messina. Nel pannello con San Martino dona il mantello al povero, quest'ultimo appare "affetto da nanismo armonico , una condizione", spiega Raffa, "dovuta a carenza congenita di ormone della crescita prodotto dalla ghiandola ipofisi; tutte le parti del corpo sono di dimensioni ridotte, in modo armonico". Una diagnosi che apre a non pochi problemi. Nella tradizione iconografica, infatti, non è dato riscontrare altre versioni in cui il mendicante col quale San Martino di Tours divide il proprio mantello sia un nano. Né alle dimensioni ridotte si può dare la valenza simbolica della tradizionale distinzione gerarchica tra le figure, atta a sottolineare l'umile condizione del povero rispetto a quella del Santo, perché questa si ottiene con un rimpicciolimento proporzionale della figura. Qui, invece, siamo in presenza di un nano. Ma c'è di più. A osservare bene la figura, si rilevano evidenti contraddizioni anatomiche: mentre testa busto e il braccio con la mano che afferra il mantello rispondono alla lettura del medico, le gambe smagrite e l'altro braccio lungo e teso come un bastone sono fuori proporzione, disarticolate; è come se appartenessero ad altro individuo, benché la critica l'abbia letta come un'unica figura ("il povero è nudo, coperto solo da un panno che gli cinge i fianchi", B. Ferlazzo, 1991). Un tentativo di rappresentare un secondo mendicante? Quest'ultimo compare in altri dipinti, in cui sull'episodio principale si innesta la leggenda dell'estate, secondo la quale Martino incontra più avanti un altro mendicante e decide di regalargli anche l'altra metà di mantello rimanendo così esposto alle intemperie. Ma nella nostra tavola il mantello del Santo-illusionista fa sparire la parte superiore del corpo! Un dettaglio, in definitiva, difficilmente spiegabile nell'economia di un'opera che appare ben proporzionata in tutte le sue componenti, se non pensando a un pentimento. In questo caso la diagnosi è un vero e proprio rompicapo offerto allo storico dell'arte.
Michelangelo: la tempra del Genio come anestetizzante
E chiudiamo la carrellata diagnosticando questa volta la patologia di un artista. Uno dei più grandi di tutti i tempi: Michelangelo Buonarroti (Caprese, 1475 - Roma, 1564). In questo caso Raffa si muove nel territorio che gli è più familiare, quello della reumatologia, da un lato per precisare e sviluppare quanto già riscontrato in uno studio recente, offrendolo a una diversa lettura storico-artistica, dall'altro facendo notare un'altra patologia finora non registrata.

Uno studio italiano apparso nel 2016 su una rivista medica (Davide Lazzeri, Manuel Francisco Castello, Marco Matucci-Cerinic, Donatella Lippi e George M. Weisz, "Journal of the Royal Society of Medecine"; 2016, Vol. 109 (5), pp. 180-183) ha analizzato tre ritratti di Michelangelo - quello realizzato da Jacopino del Conte (Firenze, 1510 - Roma, 1598) nel 1535, quello attribuito a Daniele da Volterra (Volterra, 1509 - Roma, 1566) datato 1545, probabile copia da Jacopino, e il ritratto postumo fatto da Pompeo Caccini (Firenze 1577 - Roma?, 1624 circa) nel 1595 - per arrivare alla conclusione che le articolazioni della mano sinistra di Michelangelo erano affette da artrosi, patologia che lo avrebbe colpito intorno ai 60 anni. Verrebbe così spiegata la perdita di destrezza in età avanzata, ma anche la sua vittoria sulla malattia ("one plausible explanation for Michelangelo's old age loss of dexterity, emphasising his triumph over infirmity"), essendo riuscito a continuare a utilizzare le mani fino agli ultimi giorni di vita. Come Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919), colpito in tarda età da una violenta artrite deformante che non gli impedì di eseguire grandi dipinti come Le bagnanti (1918-1919).

Per Raffa, che conferma la diagnosi, il "paziente" appare, però, più seriamente compromesso. "Seppur ipotizzato inizialmente, altri studiosi (D. Lazzeri, M. F. Castello, M. Matucci-Cerinic, D. Lippi e G. M. Weisz, cit.) non hanno confermato che Michelangelo fosse affetto da una artropatia uratica ('gotta'), bensì da artrosi", ma aggiunge: "tuttavia rispetto allo studio citato, in particolare il ritratto fatto da Jacopino del Conte mette bene in evidenzala mano sinistra dell'artista, che appare affetta da una 'osteoartrite primaria'. Si tratta di una artropatia degenerativa delle articolazioni della mano che si manifesta in forma un po' più aggressiva rispetto alla 'classica artrosi' ed è causa di maggiore danno articolare e di limitazione funzionale". "In particolare", precisa ulteriormente lo specialista, "nel ritratto è ben evidente una osteoartrite primaria dell'articolazione trapeziometacarpale e interfalangea prossimale del primo dito; altrettanto può dirsi dell'articolazione metacarpo -falangea e interfalangea prossimale del secondo dito e della articolazione interfalangea prossimale del terzo dito, che si intravede".

Cause possibili per Raffa: "la continua sollecitazione delle articolazioni delle mani da parte dei sussulti indotti dall'utilizzo del martello e dello scalpello, ed essendo Michelangelo mancino, è pure possibile che la mano maggiormente sollecitata sia stata proprio la sinistra perché proprio con quella teneva e lanciava i colpi di martello sullo scalpello, quest'ultimo tenuto dalla mano destra. Altresì nemmeno è possibile trascurare l'attività del 'dipingere' col pennello e con precisione per diverse ore al giorno, perché tale attività rappresenta una continua sollecitazione sia delle articolazioni, sia dei tendini e le guaine che li rivestono e che possono infiammarsi".

Le deduzioni che si possono fare da questa nuova diagnosi di una maggiore aggressività della malattia non sono da poco. Lo studio del 2016 si conclude con la tesi che il lavoro continuo e intenso potrebbe avere aiutato il maestro a mantenere l'uso delle sue mani il più a lungo possibile ("the continuous and intense work could have helped the Master to keep the use of his hands as long as possible"). Una tesi che con Raffa possiamo dire che non trovi fondamento scientifico: "difficile lavorare con mani infiammate e dolenti", "possibile ipotizzare l'uso di un estratto fitoterapico a base di salicilati, già noto all'epoca per lenire 'i dolori e le febbri'". Mentre è più plausibile immaginare che l'enorme forza di volontà, la tempra del g enio abbia agito in qualche misura da anestetizzante del più lancinante dei dolori. Una prova del valore terapeutico dell'esercizio artistico. E che un anziano Michelangelo fosse fortemente motivato lo fa pensare anche il fatto che fino a pochi giorni prima di morire lavorasse a quella che non solo è la sua ultima opera, come ricordato nello studio richiamato, ma il suo testamento scolpito nel marmo, la scultura da collocare sulla sua sepoltura: la Pietà Rondanini (1552 - 1564).

Ma non è tutto, dicevamo. Nello stesso studio si fa riferimento anche al ritratto di Michelangelo nelle sembianze di Eraclito nella Scuola di Atene (1509-1511), nella Sala della Segnatura, con cui Raffaello Sanzio (Urbino, 1483 - Roma, 1520) volle omaggiare il Maestro che in quegli stessi anni stava dipingendo la Cappella Palatina, in particolare gli affreschi della Genesi (1508-1512). Il richiamo al ritratto è utile agli specialisti per documentare che a quell'epoca, quando Michelangelo aveva tra i 34 e i 36 anni, le sue mani non mostravano segni della patologia che lo avrebbe colpito trent'anni dopo ("his hands appear with no signs of deformity"). Osservandolo meglio Raffa individua, però, qualcos'altro che non va. " Nel ritratto di Michelangelo eseguito da Raffaello appare il ginocchio destro con delle deformazioni tipiche dell'artrosi, il ginocchio sinistro appare in condizioni migliori". Non solo una mano, dunque, ma anche un ginocchio. Per il medico, questa precoce artrosi sarebbe stata dovuta "probabilmente per il continuo/discontinuo appoggio delle ginocchia insieme o alternativamente su una superficie rigida, durante il suo lavoro, che avrebbe potuto causare delle lesioni meniscali con intercorrenti episodi infiammatori del ginocchio esitati nell'artrosi".

In precedenza anche il summenzionato Vito Franco aveva notato questo ginocchio, ma aveva ipotizzato depositi di acido urico, in linea con la tradizionale tesi che il maestro fosse affetto dalla gotta, poi superata dalla ricerca del 2016. Ma volendo prescindere anche da quest'ultima, osserva ancora Raffa, "il ginocchio non è sede preferenziale di gotta, essendo sedi principali l'alluce o la caviglia".

Resta a questo punto da verificare se la diagnosi di una precoce artrosi al ginocchio sia compatibile con la biografia lavorativa di Michelangelo, stante che, per il bilanciamento degli arti e per la stabilità di tutto il corpo, ben possiamo immaginare che alla posizione del braccio sinistro con cui batteva i colpi di martello sullo scalpello corrispondesse il ginocchio destro appoggiato a terra. Non v'è dubbio, in effetti, che tra i 34 e i 36 anni, fosse uno scultore affermato, tanto da ricevere dal papa Giulio II la commissione nella Cappella Sistina della decorazione della parete di fondo col Giudizio Universale e della volta con episodi della Genesi. A quell'epoca aveva già realizzato, per citarne solo alcune, il Bacco (1496-97), la Pietà Vaticana (1497-1499), il David (1501-1504), il Tondo Pitti (1503-1505) o il Tondo Taddei (1504-1506). Opere scultoree per la cui esecuzione aveva potuto tenere puntato al pavimento il ginocchio in modo prolungato. Ma negli anni in cui lavorava alla volta della Cappella Sistina, tra il 1508 e il 1512, poteva aver assunto quella posizione, contribuendo all'usura del ginocchio osservato dal nostro medico? Sappiamo che si è trattato di quattro anni di impegno fisico, oltre che inventivo, che causarono non pochi danni alla salute del Maestro: 1.010 metri quadrati di pittura, centinaia e centinaia di figure. Quale fosse la posizione proibitiva in cui dipingeva lo documenta uno schizzo (nello stesso foglio di un sonetto autografo conservato a Casa Buonarroti, Firenze) di se stesso mentre a testa in su abbozza un personaggio. Oltre che in piedi sappiamo che dipingeva anche da sdraiato. Ma doveva farlo anche piegato o inginocchiato, appunto, come lascia pensare l'impalcatura da lui stesso ideata (di cui scrivono Ascanio Condivi e Giorgio Vasari), per risolvere il duplice problema di consentirgli di raggiungere il soffitto, permettendo però al contempo il regolare svolgersi delle attività religiose e cerimoniali nella cappella. Si trattava di un'impalcatura pensile a "gradoni", appesa a sostegni ricavati da fori nei muri, tale da permettergli di lavorare alle varie superfici in diverse posizioni. Insieme alla curvatura della volta, proprio questa struttura suggerisce anche l'adozione di una posizione inginocchiata, per esempio per dipingere le vele o le lunette: era costituita, infatti, da una piattaforma centrale da cui l'artista realizzò le storie della Genesi e gli Ignudi; da gradinate laterali da cui dipinse la serie dei Veggenti e quella delle vele; mentre da un'altra piattaforma, che correva alla base del ponte e alla quale si accedeva togliendo le tavole delle gradinate, affrescò gli Antenati delle lunette.

C'è ancora una questione da chiarire. Come aveva fatto Raffaello a vedere le ginocchia di Michelangelo? Diversamente dagli altri filosofi abbigliati all'antica, a Michelangelo nei "panni" di Eraclito fa indossare abiti contemporanei. Compresi gli stivali logori che era solito portare e non togliere mai, come raccontò nel 1553 Condivi nella sua biografia: portava "di continovo stivali di pelle di cane sopra lo ignudo i mesi interi, che quando li voleva cavare, poi nel tirarli ne veniva spesso la pelle". Mentre secondo la moda dell'epoca gli uomini indossavano delle calze che arrivavano poco sopra il ginocchio. Che l'anatomia della gambe (nude o fasciate in una calza) fosse visibile lo documenta anche lo schizzo già menzionato, in cui Michelangelo si ritrasse nella posizione in cui era solito dipingere la volta della Cappella Palatina. Che il maestro fosse "ossessionato" dagli stivali trova conferma anche nel famoso episodio della caduta dal ponteggio avvenuta il 15 dicembre 1540, quando stava lavorando al Giudizio Universale (1536-1541), che lo costrinse a restare chiuso in casa per parecchio tempo. Dopo le cure che lo rimisero in piedi, dovette credere a una sorta di miracolo tanto da fare un singolare voto: quello per cui non si sarebbe più tolto gli stivali per un anno.

Tornando, dunque, al ritratto di Raffaello, gli stivali appaiono calcati proprio sulla pelle nuda. Tutto lascia, quindi, intendere che in questa resa fedele dell'immagine del rivale, anche il nostro ginocchio con artrosi fosse un particolare realistico.

In conclusione, proprio il "caso" di Michelangelo indica in quale direzione possa essere inteso l'esercizio di dialogo tra discipline e competenze diverse: se un medico che si mette alla prova formulando una diagnosi a partire dalla sola osservazione di un dipinto, deve mettere in conto che l'arte implica un'esegesi che prescinde dal dato fisico, lo storico dell'arte deve essere pronto a rimettere in discussione studi anche consolidati, nell'intento di avallare una lettura medicale che può far riscrivere una parabola artistica, o al contrario di confutarla qualora rischi di essere una sopra-interpretazione forzata. In fondo medici e pittori condividono lo stesso patrono, san Luca.

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L'arte sublima la malattia. Un medico anti-Covid analizza alcuni capolavori dell'arte per cercare le patologie

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Michelangelo, Raffaello, Antonello da Messina, Botticelli sono alcuni dei "pazienti" sottoposti alla diagnosi di un medico specialista, in prima linea nell'emergenza da Covid-19. Se l'arte è anche catarsi della sofferenza, conforto dell'anima oltre che diletto per gli occhi, in questo nostro tempo di malattia e morte siamo andati in cerca di esempi di opere d'arte in cui la patologia, sublimata, ha cessato di coniugarsi con il dolore.

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Approfondimento extra

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Approfondimento extra: 1 bonus extra per ogni pagina di appunti

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500 anni dalla morte del grande artista urbinate

Un viaggio non solo attraverso le opere di Raffaello ma attraverso i luoghi, anche segreti, inediti e suggestivi, che sono state tappe fondamentali del suo percorso umano e creativo: l'infanzia a Urbino, la giovinezza a Perugia e in Umbria, la maturità a Firenze e il trionfo nella Roma di papa Giulio II.

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Un viaggio non solo attraverso le opere di Raffaello ma attraverso i luoghi, anche segreti, inediti e suggestivi, che sono state tappe fondamentali del suo percorso umano e creativo: l'infanzia a Urbino, la giovinezza a Perugia e in Umbria, la maturità a Firenze e il trionfo nella Roma di papa Giulio II.

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DAD Disegno e Storia dell'Arte
prof. Alimandi

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DAD Disegno e Storia dell'Arte
prof. Alimandi

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Approfondimento del 03/04/2020 (2B/2G) - Ascolta, prendi appunti e rinvia entro il 10/04/2020

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Carlo Tosco "Andare per le abbazie cistercensi"

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Tutorial #2 prof. Alimandi

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Approfondimento del 27/03/2020 (2B/2G) by prof. Alimandi

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Tutorial #3 prof. Alimandi

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Tutorial #1 prof. Alimandi

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prof. Alimandi

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Approfondimento del 17/03/2020 (2B) e del 20/03/2020 (2G)

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"Quando le cattedrali erano bianche, l'Europa aveva organizzato le arti e i mestieri sulla spinta imperativa di una di una tecnica completamente nuova e prodigiosa, falsamente temeraria, il cui impiego portava a sistemi di forme impreviste. In realtà a forme per le quali l'intelligenza sdegnava l'eredità di millenni di tradizione e non esitava a proiettare la civiltà verso un'avventura ignota... Su tutte le città dominava il grattacielo di Dio. Lo si era fatto il più alto possibile, straordinariamente alto. Nell'insieme era una sproporzione. O meglio era un atto di ottimismo, un gesto di audacia un segno di fierezza, una prova di maestria. Era la grande libertà di una mente libera". In cento anni, quello che Le Corbusier nel 1936 definisce un miracolo, è compiuto. E l'Europa trasformata.

Lo Stile internazionale, o Gotico Internazionale, si diffonde in Europa tra il XIV e XV secolo. Secondo Le Corbusier il Gotico è il primo esempio di quella trasformazione che investe l'Europa e la trasfigura nel corso di sette secoli. Dalla "crociata della cattedrale", alle strutture audaci della progettazione contemporanea, l'architettura è mossa dall'ansia inarrestabile di superamento. I grattacieli di Dio, in questo senso, sono il simbolo dell'ambizione dell'uomo di superare la propria natura terrena.

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"Quando le cattedrali erano bianche, l'Europa aveva organizzato le arti e i mestieri sulla spinta imperativa di una di una tecnica completamente nuova e prodigiosa, falsamente temeraria, il cui impiego portava a sistemi di forme impreviste. In realtà a forme per le quali l'intelligenza sdegnava l'eredità di millenni di tradizione e non esitava a proiettare la civiltà verso un'avventura ignota...

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Curiosità

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Benedetto Antelami, Deposizione di Cristo, 1178, Cattedrale di Parma

In principio fu l' Antelami. Prima di lui, infatti, l'arte scultorea si fondeva quasi del tutto con l'architettura, ne accompagnava timidamente lo sviluppo. I personaggi erano colti non nella loro realtà terrena dominata dal proprio corpo e dal tempo, ma nella loro realizzazione definitiva, nel compimento assoluto della loro missione. Ecco quindi tutta una serie di personaggi stereotipati e ieratici, concentrati esclusivamente nella loro idea di se stessi. Con Benedetto le cose iniziano invece a cambiare. Ovviamente non si può dire che sia stato lui il primo, o che di punto in bianco le soluzioni artistiche siano mutate radicalmente. Si è trattato di un lungo trapasso graduale ma sotterraneo, che pertanto ci sfugge nella sua completezza. Quando però cominciò ad affiorare, era già così maturo da far gridare al miracolo.

Firmato: Benedetto Antelami, scultore

Tra le novità dell'Antelami la più eclatante fu che n un'epoca di maestranze e corporazioni il nome del singolo non trapelava mai, se non in casi eccezionali e rari. La figura dell'artista come la intendiamo noi non esisteva: il merito era tutto del gruppo, della comunità e dei committenti che rappresentavano il significato e nello stesso tempo lo scopo di ciò che veniva prodotto. L'artista era molto simile a un In questa lui si firmava. I artigiano, a un fabbricante in senso stretto. "ANTELAMI DICTUS SCULPTOR FUIT HIC BENEDICTUS", lasciò inciso sulla simmetria imperfetta c'è racchiuso il medioevo artistico e al tempo stesso Deposizione di Parma, ossia:"questo scultore fu Benedetto, detto Antelami". Un chiaro segno questo della nuova importanza che il ruolo dello scultore era venuto ad assumere, e al tempo stesso dell' orgoglio individuale - e individualista - che cominciava a farsi strada nelle coscienze in quei preamboli del capitalismo. Ma passiamo alla sua opera più bella, la Deposizione di Cristo appunto, che si trova nella Cattedrale di Parma, anno 1178. il suo superamento , in vista di un'arte più sensibile e più aperta alle esigenze di questo mondo.

Simmetria (quasi) perfetta

Tracce calde di medioevo. La bordatura stretta che racchiude i personaggi in un disegno ben preciso; la cornice ad incisioni floreali, ereditate dallo stile longobardo; i quattro segmenti della croce, verticali e orizzontali, che dividono il mondo in altrettanti settori: sotto la linea orizzontale c'è la vita terrena, mentre al di sopra c'è Dio; nella parte di sinistra c'è chi ha fede - la Madonna e san Giovanni, per esempio -, nella destra chi la fede non ce l'ha, come i soldati che si dividono le vesti, i centurioni e i sacerdoti della sinagoga. Le due facce inghirlandate sono il sole e la luna: il primo - a sinistra - è il principio del Bene, l'altro del Male.

C'è espressione...

Simmetria e movimento. Ma non tutto è saldo e fermo. C'è una certa dinamicità nelle figure a tre quarti, c'è del moto quando l'angelo a destra abbassa la testa al soldato, mentre quello di sinistra regge una mano di Cristo. I pieni e i vuoti sono alternati con gusto: dalla massa piena in basso a destra, coi soldati inginocchiati con la veste, ai lunghi vuoti nel corteo di sinistra, che isolando le figure ne mette in risalto l'individualità. L'inclinazione delle figure non è la stessa, quella di sinistra 'vince': la pendenza verso destra prosegue infatti dopo la metà del quadro, per finire con la scala e col soldato - non a caso umiliato e sconfitto -: un chiaro segno di predominanza della parte 'giusta', e quindi di fluidità e movimento. C'è espressione: le figure di sinistra stanno soffrendo, hanno il volto contrito e la testa inclinata; sono vittime di questo mondo, nonostante facciano parte del disegno divino; sono vittime e se ne rendono conto. Anche i soldati a destra sono perplessi: che abbiano scelto la strada sbagliata?

La diagonale è la chiave

Ara Pacis
Le forme plastiche sono compatte e robuste: viene in mente l'Nelle braccia c'è la chiave. La Ara Pacis, la processione dell'Imperatore. Ma non è la stessa cosa: qui il realismo delle figure è trattenuto nella rigidità dei profili, che si confondono in ogni caso tra loro perché non si sfugga alla significazione che sta dietro l'apparenza della forma. Siamo ancora in pieno Medioevo, infatti, e concedere un'identità troppo marcata ai singoli corpi, prescindendo dal disegno comune che li comprende, sarebbe dire veramente troppo. diagonale delle braccia di Cristo è perfetta, spezza l'ordine universale e lo rinnova, com'è stato profetizzato. Un vero punto di contatto tra i settori, superiore ed inferiore, destro e sinistro. La Nuova Alleanza è già cominciata.

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Benedetto Antelami, Deposizione di Cristo, 1178, Cattedrale di Parma In principio fu l' Antelami. Prima di lui, infatti, l'arte scultorea si fondeva quasi del tutto con l'architettura, ne accompagnava timidamente lo sviluppo. I personaggi erano colti non nella loro realtà terrena dominata dal proprio corpo e dal tempo, ma nella loro realizzazione definitiva, nel compimento assoluto della loro missione.

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Non potendo visitare per ora la mostra di Raffaello, mi permetto di suggerire a chi interessa di cliccare il link sottostante:

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Raffaello, il Divino Maestro!

di Bruna Condoleo

Maestro universale della bella forma, costantemente ammirato in tutte le epoche storiche, nel breve itinerario della sua esistenza Raffaello Sanzio (Urbino 1483) ha lasciato un'orma profonda nella storia della cultura grazie alla prodigiosa attività artistica da lui svolta nella terra natia, a Firenze, ma soprattutto a Roma alla corte di due Papi. Roma gli dedica dal 5 marzo prossimo una mostra straordinaria, RAFFAELLO 1520-1483", che si svolge presso le Scuderie del Quirinale per i 500 anni dalla sua immatura morte, avvenuta il venerdì santo del 1520.
La genialità di Raffaello risiede nella capacità di intercettare le grandi conquiste estetiche del proprio tempo raggiunte dai creatori del Rinascimento, ad iniziare da Pier della Francesca al suo maestro Pietro Perugino per continuare con Leonardo e con le sue rivoluzionarie tecniche pittoriche, per finire con Michelangelo, genio plastico universale. Raffaello è riuscito a coagulare con originalità i diversi stimoli artistici provenienti da queste innovatrici personalità, rimanendo tuttavia integra la sua classica visione estetica contrassegnata da equilibrio, grazia, naturalezza e armonia di forme sull'esempio degli antichi Maestri. Giustamente famosi i suoi ritratti, dalla Velata a Papa Giulio II, in cui l'Artista rivela notevoli doti di introspezione psicologica del personaggio, divenendo un modello per tutta la ritrattistica rinascimentale e non soltanto. In Baldassarre Castiglione, ad esempio, proveniente dal Museo del Louvre, il Pittore si fa interprete della raffinatezza dell'amico letterato, autore de Il Cortegiano, riproponendone i gesti misurati, lo sguardo acuto, l'eleganza nell'abbigliamento e nel gusto classico delle tinte e facendone pertanto uno status symbol dell'uomo di corte cinquecentesco: colto, intelligente e diplomatico!

Nel ritratto la Fornarina, Margherita Luti, la donna da lui amata, figlia di un fornaio trasteverino, l'avvenente nudità della giovane, atteggiata al pari di una dea antica, viene in parte mitigata dalla posa pudica, mentre il suo sguardo vivido e malizioso traduce un' implicita sensualità. Se l'impostazione piramidale della figura deriva dalle opere leonardesche, in Raffaello, tuttavia, realtà e simbolo si fondono costantemente, poiché in ogni ritratto attraverso il reale si rivela costantemente l'anelito a una forma idealizzata che supera il particolare.
Quando nel 1508 l'Artista si trasferisce da Firenze a Roma per affrescare le Stanze Vaticane, appartamenti privati di Papa Giulio II della Rovere, la sua arte tocca vertici sublimi. Nella Stanza della Segnatura egli celebra la cultura umanistica nella Scuola d'Atene: entro una scenografica architettura di sapore bramantesco si dispone un solenne consesso di grandi scienziati e filosofi del passato alle cui dottrine si ispirano i valori della cultura rinascimentale e che assumono i volti di geni dell'età contemporanea (Michelangelo, Leonardo, Bramante, lui stesso...). Nella Stanza di Eliodoro, dove si esaltano la dottrina della Chiesa e l'operato del pontefice, l'arte di Raffaello mostra la maturità del suo stile nelle ardite fughe prospettiche, negli splendidi accordi cromatici e negli effetti luministici di straordinaria efficacia, come nell'affresco della Liberazione di S. Pietro, ove si ravvisano stimoli desunti dall'arte veneta, particolarmente da Sebastiano del Piombo e da Lorenzo Lotto.
E' nota a tutti la tenerezza infinita con cui il genio Urbinate affronta il tema della Madonna con bambino, a iniziare da La Madonna del Granduca, tavola risalente al 1504 circa, una delle molteplici declinazioni del tema della maternità, esaltata nello spirito di amore

universale! L'opera ha assunto tale denominazione per essere appartenuta alla fine del 1700 al Granduca di Toscana Ferdinando III che molto l'apprezzò.

Madonna con il bambino (Madonna del Granduca)
1506-1507
olio su tavola di pioppo/ oil on poplar panel
Firenze, Gallerie degli Uffizi
Gabinetto fotografico delle Gallerie degli Uffizi - Su concessione del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e del Turismo

Nel dipinto, d'ispirazione leonardesca, l'amorevole dolcezza della Vergine nei confronti del Figlio si contrappone allo sguardo di Gesù, rivolto verso lo spettatore, quasi un invito a partecipare a un momento d'intimità affettuosa che disperde ogni sacralità dell'immagine per ricondurla a una serena e umana quotidianità. Le figure si stagliano su un fondo scuro che dopo alcuni restauri ha svelato la presenza di una piccola finestra; le tinte calde e pastose denunciano influssi dello sfumato leonardesco, tuttavia l'abilità tecnica dell'Urbinate nel riprodurre la consistenza tattile dei tessuti, come la vaporosità delle sete o la morbidezza dei velluti, è davvero ineguagliabile! La Madonna del Cardellino, proveniente in mostra dalle Gallerie degli Uffizi, è un inno alla maternità universale evocata dall'atmosfera gioiosa che anima la grande tavola. Le figure della Vergine, Gesù e san Giovannino, raccolti in una composizione piramidale, sono poste dinanzi a un paesaggio fluviale molto luminoso che rammenta le colline della terra natia del Pittore: i due bimbi giocano con naturalezza infantile con un cardellino (simbolo della Passione) e ogni elemento del quadro esprime serenità, tenerezza, vivacità cromatica, bellezza naturale! Lo stesso ineffabile fascino della Madonna del Granduca si percepisce nella Madonna della Rosa, proveniente dal Museo del Prado, che presenta affinità di atteggiamento con la Madonna dei Fusi di Leonardo. In questa splendida opera, però, i delicati accordi cromatici di toni freddi traducono una dolcezza malinconica espressa anche dai volti dei personaggi della Sacra Famiglia, già presaghi del sacrificio dell'Agnello divino, come si evince dal cartiglio porto a Gesù da San Giovannino che reca impresso l'appellativo "Agnus Dei"!
Quando diviene papa Leone X de' Medici (1513), cui si deve ascrivere un'attività pacificatrice della Chiesa e nel contempo rivolta verso una valorizzazione delle testimonianze antiche, Raffaello ebbe importanti incarichi pubblici: fu nominato Maestro della Fabbrica di S. Pietro e Sovrintendente ai monumenti romani e agli scavi. Contrario a ogni spoliazione e distruzione delle opere del nostro illustre Passato, è nota la lettera in cui l'Artista, al servizio del Papa come antiquario pontificio, spiega il suo programma di restituzione e di catalogazione degli edifici classici di Roma, dimostrandosi antesignano di una pratica di conservazione del patrimonio artistico che sarà attiva soltanto dopo alcuni secoli. Raffaello, genio polivalente, fu anche un valente architetto, la cui attività progettuale rivela influenze bramantesche nella scelta delle forme, nelle piante delle chiese a schema centrale e nelle cupole, come si può ammirare in Villa Madama a Monte Mario, nella Chiesa di S. Eligio degli Orefici e nella superba Cappella Chigi in Santa Maria del Popolo, terminata nella parte scultorea un secolo più tardi da Gian Lorenzo Bernini.

La mostra romana, dal titolo RAFFAELLO, espone ben 200 opere, di cui la metà di mano del Divino Maestro, fra cui capolavori assoluti come la Santa Cecilia dalla Pinacoteca di Bologna, la Madonna Alba dalla National Gallery di Washington, l' Autoritratto con amico dal Louvre, la Madonna della Rosa dal Prado, la Velata dalla Galleria Palatina, per citarne soltanto alcune.
Realizzata dalle Scuderie del Quirinale, in collaborazione con le Gallerie degli Uffizi, l'esposizione, che si concluderà il 2 giugno 2020, è curata da Marzia Faietti e Matteo Lafranconi con il contributo di Vincenzo Farinella e Francesco Paolo Di Teodoro. Un autorevole comitato scientifico internazionale, presieduto da Sylvia Ferino, ha approfondito il lavoro del team curatoriale, facendo dell'esposizione romana un evento unico e straordinario, degno di un anniversario così atteso.

Bruna Condoleo, storica dell'arte, giornalista, curatrice di mostre e di cataloghi d'arte

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Raffaello, il Divino Maestro! di Bruna Condoleo Maestro universale della bella forma, costantemente ammirato in tutte le epoche storiche, nel breve itinerario della sua esistenza Raffaello Sanzio (Urbino 1483) ha lasciato un'orma profonda nella storia della cultura grazie alla prodigiosa attività artistica da lui svolta nella terra natia, a Firenze, ma soprattutto a Roma alla corte di due Papi.

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Screencast-o-matic Tutorial (Creare video lezioni in italiano)

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con 5000 immagini ad alta definizione, in un database interrogabile, implementabile, arricchito di animazioni, video, testi e brani musicali. Un vero e proprio Museo digitale, da visitare ed esplorare, con disegni, dipinti, sculture, documentazione architettonica, ma anche oggetti d’arte, testimonianze di costume e moda, arte dei giardini, biblioteca delle fonti e legislazione urbanistica e di tutela.

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Curiosità arte scienza

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Forse, non tutte le quarantene vengono per nuocere. Se consideriamo che Isaac Newton, una delle menti più brillanti del XVII secolo e oltre, fece le sue incredibili scoperte sulla gravità e sulla natura della luce proprio durante un periodo di "isolamento volontario", a causa del terribile scoppio di peste del 1666 a Londra. Tra il 1665 e il 1666, infatti, in Inghilterra si diffuse un'epidemia di peste che sterminò tra le 75.000 e le 100.000 persone ― più di un quinto dell'intera popolazione. Ritirandosi nella sua tenuta di Woolsthorpe, Newton riuscì abilmente a scampare all'epidemia e a concentrarsi sulle proprie ricerche.

Il 1666 è stato un anno particolare, definito Annus Mirabilis dal poeta John Dryden, il quale lo interpretò come un anno "meraviglioso", nonostante fu costellato da tragici eventi ( la peste, il Grande Incendio di Londra). È durante questa annata, infatti, che il genio di Isaac Newton diede forse il meglio di sé: durante la sua quarantena volontaria, lo scienziato elaborò alcune delle teorie scientifiche più rivoluzionarie di sempre. All'epoca il celebre scienziato aveva appena 24 anni, si era laureato all'Università di Cambridge, e si apprestava a cambiare il mondo. Gli esperimenti che lo porteranno ad elaborare le sue teorie sul calcolo, sull'ottica e sulla gravita risalgono proprio a questo periodo.

L'episodio della mela caduta dall'albero e gli esperimenti in camera oscura, risalgono a questo periodo di isolamento e permisero a Newton di comprendere la vera natura della luce e la legge del movimento gravitazionale.

Che questo periodo di Coronavirus nel mondo possa essere un momento di riflessione e grandi scoperte per alcuni?

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Nel 1666 la quarantena per la peste permise a Newton di scoprire la legge di gravità e la natura della luce

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Forse, non tutte le quarantene vengono per nuocere. Se consideriamo che Isaac Newton, una delle menti più brillanti del XVII secolo e oltre, fece le sue incredibili scoperte sulla gravità e sulla natura della luce proprio durante un periodo di "isolamento volontario", a causa del terribile scoppio di peste del 1666 a Londra.

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L`unità introduce il capitolo sul Gotico Internazionale muovendo da una delle opere architettoniche che meglio incarnano i caratteri tecnici e formali peculiari di questo stile: la monumentale Cattedrale di Wells, Church of St. Andrews, cominciata nel 1180. Dell`opera si analizzano la conformazione plastica della facciata e la strutturazione planimetrica. Segue la descrizione dell`interno della Chapter House, dove ampie vetrate sostituiscono le mura perimetrali.
Il verticalismo, impiegato in senso strutturale, è oggetto di una disamina teorica prima di trovare conferma nell`illustrazione di una serie di opere architettoniche edificate in Europa, come la Cattedrale di S. Pietro, a Colonia, e la Cattedrale di Burgos, il primo e massimo monumento realizzato in Spagna. L`audiovisivo si chiude con un approfondimento sul Gotico italiano, che contempla anche un accenno alle più significative figure dell`umanesimo: S.Francesco, Giotto e Dante.

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IL GOTICO: L`ARCHITETTURA E GLI STILI EUROPEI

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L`unità introduce il capitolo sul Gotico Internazionale muovendo da una delle opere architettoniche che meglio incarnano i caratteri tecnici e formali peculiari di questo stile: la monumentale Cattedrale di Wells, Church of St. Andrews, cominciata nel 1180. Dell`opera si analizzano la conformazione plastica della facciata e la strutturazione planimetrica.

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L'analisi della bellezza ( The Analysis of Beauty) è un libro scritto da William Hogarth ( pittore e scrittore inglese del XVIII secolo) e pubblicato nel 1753, in cui l'autore espone le sue teorie sulla bellezza e sulla grazia visiva in modo accessibile all'uomo comune del suo tempo.

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Percorso Formativo Professionalizzante 1, 2, 3, 4 e 5 - Prova Grafica

La prova di disegno per i Percorsi Formativi Personalizzanti indicati consiste nella trasposizione grafica di un manufatto artistico o parte di esso, bidimensionale, condotta per mezzo di una riproduzione fotografica in b/n.

Il disegno dovrà essere eseguito con matita in grafite nera, a tratto lineare, senza chiaroscuro, in una riproduzione in scala rispetto al formato della fotografia.

Per trasposizione grafica a tratto lineare si intende la sintesi critica del manufatto per mezzo di un tratto essenziale nitido e opportunamente modulato, teso a restituire la definizione volumetrica, le proporzioni e la particolare tecnica esecutiva in esame.

La prova ha durata di sei ore consecutive. Per l'esecuzione della riproduzione in scala i candidati dovranno portare soltanto il seguente materiale: matite in grafite, gomme, temperamatite, righe, squadre e calcolatori portatili. I fogli da disegno saranno forniti dall'Opificio delle Pietre Dure. E' vietato tassativamente l'utilizzo di qualsiasi altro materiale da parte dei candidati. Sono ammessi a sostenere la prova successiva soltanto coloro che hanno riportato un punteggio non inferiore a 7/10 (sette decimi).

I criteri di valutazione in base ai quali la commissione giudicherà gli elaborati sono i seguenti:

Correttezza delle proporzioni

Rispondenza alla tecnica esecutiva richiesta

Nitore del tratto

Somiglianza all'originale

Completamento del lavoro

Pulizia e integrità del foglio

Cliccando sul segno della lente si ottiene l'immagine " zoomabile"

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La prova di disegno per i Percorsi Formativi Personalizzanti indicati consiste nella trasposizione grafica di un manufatto artistico o parte di esso, bidimensionale, condotta per mezzo di una riproduzione fotografica in b/n. Il disegno dovrà essere eseguito con matita in grafite nera, a tratto lineare, senza chiaroscuro, in una riproduzione in scala rispetto al formato della fotografia.

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la Romania figlia di Roma (leonardo_alimandi)

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L’“ultima figlia di Roma”, come è stata chiamata la Romania, è nata infatti tra il 101 al 107, quando la Dacia fu conquistata da Traiano.

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Elemento architettonico sovrapposto al capitello, con funzioni strutturali (di sostegno del piedritto dell'arco), ma talvolta anche decorative.

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Midisegni.it- Disegni da colorare per l'infanzia e la didattica

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Copia dal Piraino

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Assonometrie ortogonali

Assonometrie oblique

Le assonometrie oblique possono essere numerosissime: in questa pagina sono rappresentate quelle più comunemente usate, la cavaliera, la monometrica e la planometrica. La cavaliera è presentata in due varianti, uguali dal punto di vista geometrico ma diverse per disposizione degli assi. Anche la monometrica è in due varianti. L'assonometria planometrica è detta anche militare, per il suo frequente impiego nella progettazione di fortificazioni e nell'urbanistica. In relazione alle esigenze grafiche e allo spazio disponibile sul foglio da disegno, gli assi x e y possono essere ugualmente indirizzati verso il basso o verso l'alto: l'importante è mantenere i rapporti angolari tra gli assi.

N.B. In assonometria cavaliera, le misure lungo l'asse inclinato vanno dimezzate, per una miglior visualizzazione

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Le assonometrie oblique possono essere numerosissime: in questa pagina sono rappresentate quelle più comunemente usate, la cavaliera, la monometrica e la planometrica. La cavaliera è presentata in due varianti, uguali dal punto di vista geometrico ma diverse per disposizione degli assi. Anche la monometrica è in due varianti.

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Ravenna

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tutorial di architettura, dalla linea al rendering : LO SCHIZZO

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Unplugged: un libro di 400 pagine che raccoglie oltre mille schizzi e disegni d'architettura a mano libera (con poche contaminazioni extra) che alimentano sotto traccia una ricca, densa e articolata attività progettuale, quella di L22 e DEGW nei suoi primi sette anni di vita.

Curato e introdotto da Michele Calzavara, con un contributo del neuroscienziato Vittorio Gallese e un testo di Luca Molinari, Unplugged non è l'opera di un singolo autore né un inventario di firme diverse, ma il prodotto di un'unica autorialità collettiva, un insieme di professionalità integrate tra loro che mescolano segni, visioni, modalità, formazioni e provenienze diverse.

Unplugged è anche, più in generale, un libro sul disegno d'architettura a mano libera come strumento irrinunciabile e primario, perché corporeo, della progettazione.

Mercoledì 5 marzo 2014, ore 19.00
Via Lombardini 22, Milano
Conversazione tra Luca Molinari, Valerio Paolo Mosco, Till Neuburg e Michele Calzavara, in atmosfera unplugged

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"Unplugged": schizzi e disegni d'architettura a mano libera - Panorama

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Unplugged : un libro di 400 pagine che raccoglie oltre mille schizzi e disegni d'architettura a mano libera (con poche contaminazioni extra) che alimentano sotto traccia una ricca, densa e articolata attività progettuale, quella di L22 e DEGW nei suoi primi sette anni di vita.

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Il principio alla base dell'assonometria è la proiezione di un oggetto geometrico su un piano (piano di proiezione o quadro), lungo la direzione determinata da un punto improprio (retta di proiezione o centro di proiezione). Una caratteristica dell'assonometria è di poter rappresentare contemporaneamente tre facce di uno stesso parallelepipedo rettangolo.

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Presentazione Di certo il visitatore non si aspetta di trovare tanta magnificenza in un'unica città. O in una basilica come questa, che all'aspetto esterno appare così semplice, discreta (pure arretrata rispetto alla strada, quasi per timidezza o eccessiva ritrosia avesse voluto fare un passo indietro).

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Le fatiche di Ercole

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Le 12 fatiche di Ercole, detto Eracle in greco, sono delle storie che fanno parte della mitologia greca. Si ipotizza che siano state unite in un unico racconto chiamato L'Eracleia dall'autore Pisandro di Rodi, intorno al 600 a.C. Purtroppo però nulla si sa di certo perché questo testo è andato perduto. Certamente sappiamo che le storie sono state tramandate oralmente e sicuramente in un primo momento in maniera distinta. Esse raccolgono tutte quelle imprese che l'eroe Ercole ha dovuto compiere per espiare il peccato di aver ucciso sua moglie e i suoi figli durante un attacco d'ira. Tale condizione fu scatenata dalla dea Era per gelosia nei suoi confronti.

La nascita di Ercole

Ercole nacque da una relazione tra sua madre Alcmena, moglie di Anfitrione re di Tirinto, e Zeus, re degli dei. Quest'ultimo si innamorò della fanciulla e, per possederla, decise di assumere le sembianze del marito per una notte, così da potersi introdurre nel suo letto senza destare sospetti. Da questa relazione nacque Eracle, chiamato poi Ercole nella mitologia romana. Era, la moglie di Zeus, era molto gelosa del bambino che suo marito aveva avuto da un'altra donna e per questo rese la vita impossibile al fanciullo sin da quando aveva una tenera età. Mise due serpenti velenosi nella culla del bambino, che però fu così forte - la forza è la caratteristica principale dell'eroe Eracle - che riuscì ad ucciderli.

L'Oracolo di Delfi

L' ira di Era non si placò nel corso degli anni, anzi restò sempre vivida: fu a causa sua che l'eroe ebbe un attacco di rabbia e, in preda a questo sentimento, uccise la moglie Megara e i loro otto figli. Dopo questo evento, egli volle suicidarsi ma il suo amico Teseo e il re Tespio lo convinsero a recarsi presso l' oracolo di Delfi per purificarsi.

L'Oracolo consigliò all'eroe di mettersi al servizio del re di Argo, Micene e Tirinto, Euristeo. Egli fu colui che gli ordinò di eseguire le dodici fatiche, nell'arco dei dodici anni in cui sarebbe rimasto al suo servizio. Euristeo era però la persona che aveva usurpato il trono, posto che sarebbe invece spettato di diritto ad Ercole. L'eroe quindi provava un forte risentimento nei confronti di Euristeo. Se avesse superato queste prove, Eracle-Ercole avrebbe ottenuto l'immortalità.

Le 12 fatiche di Ercole

Le dodici imprese che Ercole dovette compiere sono nell'ordine:

1. L'uccisione del leone di Nemea

Eracle doveva cercare questo leone che terrorizzava la gente e che viveva nella zona compresa tra Micene e Nemea. Riuscì nell'intento strangolandolo con la forza delle sue mani. Con la pelle dell'animale (che aveva il dono dell'invulnerabilità) si cucì poi un mantello.

2. L'uccisione dell'immortale Idra di Lerna

Questo mostro, l'Idra di Lerna, era un serpente enorme che viveva in una palude. Aveva sette teste e non appena venivano recise, ricrescevano. Ercole riuscì a sconfiggerlo bruciando i tronconi da cui spuntavano le teste e schiacciandolo con un masso.

3. La cattura della cerva di Cerinea

La cerva era l'animale sacro ad Artemide, dea della caccia, e aveva il potere di incantare chiunque la inseguisse, conducendolo in luoghi dai quali non avrebbe più fatto ritorno. Ercole riuscì a condurre la cerva di Cerinea al re, ferendola leggermente. Euristeo rimase stupito della riuscita dell'impresa. Rimise poi la cerva in libertà per non far infuriare la dea Artemide.

4. La cattura del cinghiale di Erimanto

Ercole riuscì a catturare il feroce cinghiale di Erimanto che stava devastando la regione dell'Attica.

5. Ripulire in un giorno le stalle di Augia

Le stalle di Augia non venivano pulite da circa trent'anni. Ercole riuscì a portare a termine l'impresa in un solo giorno, deviando il corso di un fiume.

6. La dispersione degli uccelli del lago Stinfalo

Gli uccelli stavano devastando la regione del lago di Stinfalo cibandosi di carne umana. Erano uccelli mostruosi, con penne, becco ed artigli di bronzo. Con le loro penne che fungevano da dardi erano capaci di trafiggere mortalmente le loro vittime. Avevano inoltre un finissimo senso dell'udito. Ercole per sconfiggerli sfruttò proprio questa caratteristica. La dea Atena donò all'eroe delle potenti nacchere (o sonagli) di bronzo, il cui suono rese i mostruosi uccelli vulnerabili. Uccise così buona parte dello stormo utilizzando frecce avvelenate con il sangue dell' Idra di Lerna. Gli uccelli sopravvissuti invece volarono via per sempre.

7. La cattura del toro di Creta

L'eroe riuscì a catturare la terribile bestia, il toro di Creta, che stava creando molti problemi nell'isola. Vi riuscì grazie all'utilizzo di una particolare rete da lui costruita.

8. Il rapimento delle cavalle di Diomede

Le terribili cavalle di Diomede venivano nutrite con carne umana. Ercole riuscì a catturarle dopo aver ucciso il proprietario. Questi venne divorato dai suoi stessi animali.

9. La presa della cintura di Ippolita, regina delle Amazzoni

La richiesta relativa alla nona fatica di Ercole venne da Admeta, figlia di Euristeo. Ella desiderava la bellissima cintura d'oro della regina delle Amazzoni, Ippolita. L'oggetto, che le era stato donato dal padre Ares, la rendeva fortissima. Ercole partì con alcuni eroi, tra cui Teseo (anch'egli protagonista di 6 mitologiche fatiche), e riuscì ad ottenere la preziosa cintura dopo una battaglia con le terribili donne guerriere. Queste erano inoltre state spinte da Era ad odiarlo.

10. Il rapimento dei buoi di Gerione

Gerione fu un mostro con tre teste e sei braccia. I suoi buoi erano ben custoditi ai confini del mondo allora conosciuto. Ercole separò due monti e vi piantò due colonne (le colonne d'Ercole, oggi identificate con lo stretto di Gibilterra) pur di raggiungere gli animali. Nonostante una dura lotta con Gerione, riuscì nell'intento.

11. La presa delle mele d'oro nel giardino delle Esperidi

Ercole riuscì ad ottenere le preziose tre mele d'oro, scoprendo dove si trovava il giardino delle Esperidi. Lo fece mettendo in atto un tranello di cui fu vittima Atlante, l'unico a sapere l'esatta ubicazione del luogo.

12. Portare vivo Cerbero a Micene

Ercole riuscì con la forza delle sue mani a domare Cerbero, il terribile cane a tre teste che era posto a guardia degli inferi. Una volta giunto a Micene con Cerbero, il re Euristeo però ebbe così tanta paura dell'animale che ordinò ad Ercole di riportarlo indietro. Colpito dal suo coraggio, il re decise che era arrivato il momento di far terminare le fatiche di Ercole, liberando l'eroe dalla sua prigionia.

La metafore delle dodici fatiche di Ercole

Le 12 fatiche di Ercole possono essere interpretate come metafora di un cammino spirituale e di purificazione. Esse sono 12 perché nella più famosa rappresentazione scultorea nel tempio greco dedicato a Zeus ad Olimpia, sono appunto rappresentate in 12 metope (elementi architettonici del fregio dell'ordine dorico dell'architettura greca e romana).

Le leggende che circolavano intorno all'eroe e alle sue dodici fatiche, divennero poi famose nel corso dei secoli. Esse sono state narrate in particolare nella Teogonia di Esiodo e in numerose tragedie, sia di Sofocle che di Euripide. La fama dell'eroe Eracle-Ercole è rimasta intatta fino ai giorni nostri, grazie al suo coraggio e alla sua forza ma soprattutto al suo voler sfidare la morte.

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Le 12 fatiche di Ercole , detto Eracle in greco, sono delle storie che fanno parte della mitologia greca. Si ipotizza che siano state unite in un unico racconto chiamato L'Eracleia dall'autore Pisandro di Rodi, intorno al 600 a.C. Purtroppo però nulla si sa di certo perché questo testo è andato perduto.

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I disegni della classe seconda

Assonometrie, elementi costruttivi, rilievo metrico, punti di vista, principi di prospettiva.

La seguente raccolta di immagini è descrittiva delle tappe del percorso di apprendimento ma non è sostituiva alle lezioni frontali in aula e in laboratorio CAD. Le "cose da imparare", riportate nel riquadro a destra, corrispondono ai punti della mia programmazione didattica preventiva. Le tavole sotto riportate potrebbero non seguire l'ordine e la numerazione degli elaborati assegnati in corso d'anno.

Caro studente, questi disegni spesso richiedono di essere completati con le indicazioni date in classe o in laboratorio.

Sei tenuto a prendere appunti di quanto detto dai tuoi insegnanti in modo da poter, successivamente, lavorare in autonomia.

Se sei stato assente è tuo dovere reperire le informazioni, ad esempio, dagli appunti dei tuoi compagni.

Se oltre a questo trovi ancora difficoltà a proposito di qualche passaggio grafico, puoi cercare chiarimenti in rete o fare riferimento all'ottimo sito del Prof. Berardi a questo indirizzo: http://www.rosarioberardi.it/sitoberardi/disegno.htm

Naturalmente resto a tua disposizione in classe o attraverso email, ma solo dopo che mi avrai dimostrato che hai seriamente provato a risolvere il tuo "dilemma grafico".

Ricorda che "per quanto grande sia l'osso, da qualche parte devi pur cominciare a rosicchiarlo" ... e devi farlo tu!

Buon lavoro.

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Assonometrie, elementi costruttivi, rilievo metrico, punti di vista, principi di prospettiva. La seguente raccolta di immagini è descrittiva delle tappe del percorso di apprendimento ma non è sostituiva alle lezioni frontali in aula e in laboratorio CAD. Le "cose da imparare", riportate nel riquadro a destra, corrispondono ai punti della mia programmazione didattica preventiva.

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Per costruire un pentagono ci occorre anzitutto la misura del lato e una volta disegnato un segmento orizzontale della misura data, servendoci di squadre, righello e compasso saremo in grado di costruire un pentagono regolare.

Costruzione pentagono regolare

La costruzione di un pentagono regolare non è complicata, ma occorrono diversi accorgimenti e tanta precisione se vogliamo costruire un pentagono in modo corretto. Seguiamo la costruzione passo dopo passo.

1) Disegniamo un segmento orizzontale AB avente la stessa misura del lato del pentagono.

2) Tracciamo l' asse del segmento AB. Per farlo con precisione puntiamo il compasso in A e con apertura scelta a piacere (ma maggiore della metà di AB) tracciamo un arco di circonferenza; puntando poi il compasso in B e con la stessa apertura tracciamo un secondo arco così da trovare i punti 1 e 2. La retta che unisce tali punti è l'asse del segmento AB. Chiamiamo poi M il punto di intersezione l'asse ed il segmento AB.

3) Prolunghiamo il lato AB dalla parte di B e tracciamo un segmento perpendicolare ad AB e passante per il punto B.

4) Puntando il compasso in B, con apertura AB, tracciamo un arco di circonferenza che incontri nel punto T il segmento perpendicolare passante per B. Sempre con apertura AB puntando il compasso in A disegniamo un altro arco di conconferenza, così come mostrato nella figura che segue.

5) Puntiamo ora il compasso in M e con apertura MT tracciamo un arco di circonferenza che incontri in P il prolungamento del lato AB.

6) Con apertura AP e puntando il compasso in A troviamo il punto D che sarà uno dei vertici del pentagono.

7) Puntiamo ora il compasso in D e con apertura AB troviamo gli altri due vertici C ed E del pentagono, che si trovano sugli archi di circonferenza tracciati al punto 4) della costruzione.

8) Abbiamo finito! Unendo i punti A, B, C, D ed E la costruzione del pentagono può dirsi completa.

Per un ripasso sui poligoni regolari - click! Se invece volete scoprire come si effettuano la costruzione dell'esagono e la costruzione dell'ottagono, vi rimandiamo alle pagine dei rispettivi link.

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Per costruire un pentagono ci occorre anzitutto la misura del lato e una volta disegnato un segmento orizzontale della misura data, servendoci di squadre, righello e compasso saremo in grado di costruire un pentagono regolare. Costruzione pentagono regolare La costruzione di un pentagono regolare non è complicata, ma occorrono diversi accorgimenti e tanta precisione se vogliamo costruire un pentagono in modo corretto.

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Esercizi PO 3D - educazionetecnica.dantect.it

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Naviga tra le sezioni del corso di disegno tecnicocliccando sulle icone qui sopra.

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prof. Alimandi

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l’appello per fermare la distruzione del pianeta

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"Presto o sarà troppo tardi". Quindici mila scienziati di 184 paesi hanno lanciato un appello per fermare la distruzione del Pianeta: "Se continuiamo così, finiremo per uccidere il nostro sistema" dicono e nel manifesto indicano 13 azioni da mettere in atto subito. Già nel 1992, la Union of Concerned Scientists, una ong che raccoglie più di 1700 scienziati, sosteneva che l'impatto delle attività umane sulla natura avrebbe presto distrutto il pianeta irrimediabilmente. Un quarto di secolo dopo, purtroppo, le cose non sono cambiate. Anzi sono peggiorate. Da qui la necessità di un secondo avvertimento lanciato da 15mila scienziati. Disponibilità di acqua potabile, deforestazione, diminuzione dei mammiferi, emissioni di gas serra: questi indicatori sono in rosso dal 1992 e le risposte sono ad oggi deludenti.

Tutti gli indicatori in rosso

"L'umanità non sta facendo ciò che occorre urgentemente per salvare la biosfera minacciata", dicono gli autori della dichiarazione che ritengono che la stragrande maggioranza delle minacce precedentemente identificate rimangono e che " la maggior parte sono in peggioramento " ma è ancora possibile invertire queste tendenze per permettere agli ecosistemi di recuperare la loro sostenibilità.

Per 25 anni la quantità di acqua potabile disponibile pro capite in tutto il mondo è diminuita del 26% e il numero di zone morte negli oceani è aumentata del 75%; quasi 120,4 milioni di ettari di foresta sono stati convertiti per la maggior parte in terreno agricolo e un notevole aumento delle emissioni di anidride carbonica (CO2) e delle temperature medie globali.

Le 13 azioni per cambiare verso

Ma qualcosa è ancora possibile fare per arrestare il costante peggioramento delle condizioni del nostro pianeta. Le Monde di oggi pubblica integralmente il manifesto che contiene, come dicevano, 13 azioni. Eccole:

1- favorire la creazione di riserve interconnesse ben collegate e correttamente gestite per proteggere una proporzione significativa dei vari habitat terrestri, aerei e acquatici;
2-preservare i servizi della natura attraverso gli ecosistemi fermando la conversione delle foreste naturali, delle praterie e di altri habitat;
3-ripristinare le comunità vegetali endemiche su larga scala, compresi i paesaggi forestali;
4-riqualificare aree con specie endemiche, in particolare super-predatori, per ripristinare le dinamiche ei processi ecologici;
5-sviluppare e adottare adeguati strumenti politici per combattere la sconfitta, il salvataggio, lo sfruttamento e il traffico di specie minacciate;
6- ridurre i rifiuti alimentari attraverso l'istruzione e migliorare le infrastrutture;
7-promuovere una riorientazione della dieta verso prodotti alimentari di origine vegetale;
8- ridurre ulteriormente il tasso di fertilità assicurando che gli uomini e le donne abbiano accesso ai servizi di istruzione e di pianificazione familiare, in particolare nei settori in cui questi servizi mancano ancora;
9- moltiplicare le escursioni per i bambini per sviluppare la loro sensibilità alla natura e generalmente migliorare l'apprezzamento della natura in tutta la società;
10-incoraggiare un cambiamento ambientale positivo;
11-progettare e promuove nuove tecnologie verdi e rivolgersi in maniera massiccia verso fonti energetiche verdi, progressivamente riducendo il sostegno alla produzione di energia con combustibili fossili;
12-rivedere la nostra economia per ridurre le iniquità della ricchezza e garantire che i prezzi, le tasse e gli incentivi tengono conto del vero costo dei nostri modelli di consumo per il nostro ambiente;
13-determinare a lungo termine una dimensione umana sostenibile e scientificamente difendibile, assicurando il sostegno dei paesi e dei leader mondiali a raggiungere questo obiettivo vitale.

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"Presto o sarà troppo tardi", l'appello per fermare la distruzione del pianeta

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"Presto o sarà troppo tardi". Quindici mila scienziati di 184 paesi hanno lanciato un appello per fermare la distruzione del Pianeta: "Se continuiamo così, finiremo per uccidere il nostro sistema" dicono e nel manifesto indicano 13 azioni da mettere in atto subito.

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Idee per LIMES

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prof. Alimandi

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Mostre. Informazioni e notizie sulla vita culturale della città di Roma. Concerti, mostre, eventi, teatri, cinema, tutte le news e calendari di eventi e a Roma.