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Según Vasari, maniera significa personalidad artística y es una expresión condicionada histórica. Se refiere a un estilo en todo el sentido de la palabra. Hace una distinción de tener estilo y carecer de el.
En el siglo XVII los clasicistas definen el manierismo como la idea de un ejercicio artístico rebuscado, en clichés, reducido a un reducido a un formulario.
El manierismo se refiere a la primera orientación estilista moderna.

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Exisstian dos corrientes contrapuestas: el espiritualismo místico del Greco y el naturalismo panteísta de Bruegel. No son del todo distintas sino que se revuelven entre si mismas.
Algunos artistas como Pontormo y Rosso son tan realistas como idealistas y apenas y existe diferencia entre naturalismo y espiritualismo, falta de forma y formalismo, concreción y abstracción en su obra. La clave esta en unir varios estilos.
Es un intento de poner de acuerdo al espiritualismo de la Edad Media y al realismo del Renacimiento.

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Esta ligada a un problema cultural de la relación entre lo tradicional y la innovación solo se puede resolver mediante el intelecto.
La tradición es una forma de defensa de lo la novedad que resulte muy impetuosa que destruya.
No se puede comprender el manierismo si no se comprende que su imitación de los modelos clásicos es una huida del caos y que la agudización subjetiva de sus formas expresa el terror que la forma falle y apague el arte en una belleza sin alma.

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1. Monumentalidad.

2. Tensión y abstracción en las formas en contraposición con los cánones clásicos.

3. Obras más pláticas y decorativas.

4. Los elementos arquitectónicos son utilizados de forma arbitraria.

Algunos arquitectos manieristas fueron Vignola y Palladio.

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Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad. Las obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas. Las composiciones son irregulares, con zonas muy vacías y otras muy llenas, y las figuras se representan como a punto de caer.

Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. Las tonalidades no siempre se corresponden con las reales de los objetos representados.

Los dibujos son muchas veces exagerados, sofisticados y artificiosos. Acentúan gestos y giros, predominio de las curvas.

Los artistas deforman sus composiciones por diversos ejes, generalmente diagonales.

Algunos pintores manieristas fueron Bronzino, El Greco, Tintoretto y Veronés.

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Los criollos son sin duda la clase social que mas participa en la construcción  de conventos e iglesias ya que al no tener una identidad propia, se manifiesta en una necesidad de ponerse en contacto con los cielos a través de la ornamentación de las iglesias, así  el arte barroco cumple perfectamente su función en México.

Los indígenas participaron en cada una de las construcciones, ellos fueron los que tuvieron la creatividad de la decoración ya que se pensaba que eran impuros y tenían que limpiar su alma con los adornos que creaban para las iglesias.

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Inmediatamente después de la conquista de México y otros países del centro y sur de América por los españoles  surgió la Nueva España y junto con ella  un arte colonial, esencialmente religioso ya que se buscaba la evangelización cristiana de todos los pueblos conquistados. A este arte se le llamo novohispano o arte de la nueva España y reflejó en un inicio los ideales político-religioso, dentro de la tradición europea pero con elementos indígenas que hicieron un arte inconfundible.
El barroco novohispano es el redescubrimiento español con una identidad Mexicana del siglo XVI al XVIII. Es el medio por el cual los indígenas, criollos y mestizos pueden expresar sus raíces creando una nueva cultura.

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El Arte Novohispano en los conventos de México en el siglo XVI y XVII

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Tendencia a la monumentalidad.
Los escultores dan dinamismo a sus obras a través de las líneas curvas y las formas serpenteantes.
Canon más alargado y figuras retorcidas.
Interés por el hombre y el cuerpo humano. Naturalismo y antropocentrismo.
Se defiende la multifacialidad (diferentes puntos de vista de las obras), aunque adquiere máxima importancia la parte frontar de las creaciones.
Las obras se realizan a partir de un único bloque de material a partir del cual cada autor elimina la parte sobrante.Algunos escultores manieristas fueron Benvenutto Celliniy Juan de Bolonia.

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Lo clásico ya no bastaba pero se aferraba a conservarlo.
La actitud de lo artistas mas jóvenes con respecto al Renacimiento pleno era muy complicada, ya que no podían dejar de lado los avances artísticos del clasicismo pero existía el deseo por dar continuidad a la evolución del arte.
La conciencia del artista  no solo se extiende a la selección del medio sino también a determinar la intensión de esta misma.
El programa teórico se refiere tanto a los métodos artísticos como a los fines del arte.

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Nos podemos dar cuenta de que tanto el Renacimiento y el Manierismo tienen algo en común y es el rompimiento de lo tradicional, sumado que por su parte el novohispana es una mezcla de estilos, una fusion entre la europeo y el nuevo mundo, mientras que el manierismo combina varios estilos para crear uno nuevo.
En cuanto al novohispano es interesante que tenga tanta similitud con el estilo occidental pero en parte conserva algunas características prehispánicas. Esto se puede apreciar mejor en la arquitectura ya que incluso existen algunos rasgos iconográficos de las culturas prehispánicas.

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En los primeros tiempos de establecido el Virreinato, se gestó una especie de pintura ejecutada en murales de conventos y templos, por personas sin la formación académica de los pintores europeos, pero que resulta de una serie de características dignas de tomarse en cuenta.
Entre los murales de ese tiempo, notables, tenemos el de la iglesia del convento de Ixmiquilpan, estado de Hidalgo, que muestra un combate entre indígenas y animales fantásticos, escena que se inspiró en mitos del Renacimiento. También llama la atención el mural titulado “El triunfo de la fe y el rechazo de la idolatría” en la capilla abierta de Actopan, en el que vemos a un indígena converso platicando con un español.