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4° - J'ai bien cru qu'il n'y aviat rien à voir (Fiche de prep)

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4° - La couleur s'envole (fiche de prep)

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4° - La couleur s'envole (Fiche de prep)

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4° - On a du plan sur ... (fiche de prep)

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4° - La ville s'envole (diaporama) PERSPECTIVE

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4° - Une couleur qui ... (fiche de prep)

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4° - Ma feuille s'envole (fiche de prep)

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4° - Ma feuille s'envole (Fiche de prep)

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4° - Pas besoin d'enseigne (diaporama) - MAQUETTE

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4° - Du multiple à l'unique (diaporama) DESSIN

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4° - Une copie différente (fiche de prep)

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4° - On a du plan sur la planche (diaporama) BD

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4° - Dans un monde d'abstraction (diaporama) PHOTOS

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4° - Dans un monde d'abstraction (diaporama)

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4° - Du multiple à l'unique (fiche PAP)

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4° - La ville s'envole (dessins au tableau)

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? ART #06 - Quelle est la place de l'ornement dans l'art ?

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? ART #06 - Quelle est la place de l'ornement en art ?

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frères MONTGOLFIER
descrip. de la montgolfière, 1786

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frères MONTGOLFIER, description de la montgolfière, 1786 2

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4° - Une couleur qui perturbe (diaporama) ENSEMBLE DOCUMENTÉ

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4° - Archéologie végétale (fiche de prep)

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Tutoriels - perspective à 1, 2 et 3 points de fuite

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M. Mathevot, Mouche(s), 2015

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2021/22 - travaux d'élèves - Collège Anne Frank, St-Just-St-Rambert (042)

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4° - S1 - Du multiple à l'unique (travaux d'élèves GIF)

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Façade qui fond, maison à zip... Les créations surréalistes d'un anglais

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Take my lightning but don't steal my thunder

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This Artist’s Architectural Illusions Are Mind-Bending

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3° - On a du plan sur la planche (fiche PAP)

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4° - Dans un monde d'abstractions (diaporama GIF)

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DISTANCIEL - 4° - Une oculeur qui perturbe

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Future Energy Museum "Nur Alem", 2017 (Astana, Khazagstan)

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Future Energy Museum Nur Alem (Astana, Khazagstan) 2

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Hiroshi SUGIMOTO, Seascapes, 2015
(photographies abstraites de mers)

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Paysages marins débordants du cadre, variations subtiles de la surface de l'eau, ligne d'horizon plus ou moins distincte, les photographies d'Hiroshi Sugimoto posent la question de l'intemporalité. Depuis plus de 30 ans, le photographe japonais parcourt le monde et nourrit sa série Seascapes, qui a fait l'objet d'une publication du même nom aux Éditions Xavier Barral en octobre 2015, rassemblant de nombreuses images inédites.

La photographie North Atlantic Ocean, Cliffs of Moher, 1989 de la série Seascapes a été publiée dans les pages Miscellanées de Cercle Magazine n°5: Océans.

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L'intemporalité de la série Seascapes d'Hiroshi Sugimoto - Cercle

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Paysages marins débordants du cadre, variations subtiles de la surface de l'eau, ligne d'horizon plus ou moins distincte, les photographies d'Hiroshi Sugimoto posent la question de l'intemporalité. Depuis plus de 30 ans, le photographe japonais parcourt le monde et nourrit sa série Seascapes, qui a fait l'objet d'une publication du même nom aux Éditions Xavier [...]Lire la suite...

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La photographie abstraite est très différente de tout ce qui ce fait en art photographique. Par exemple, les règles de la composition et la mise au point précise sur un sujet n'ont plus aucune valeur. Le photographe utilise son imagination créatrice pour " modeler " des œuvres d'une rare beauté.

Qu'est-ce que la photographie abstraite ?

Une photographie dite abstraite ne va pas nécessairement signifier la même chose pour tout le monde, chacun l'interprètera à sa façon; elle laisse place à l'imagination et nous aide à se concentrer sur la texture et la couleur plutôt que sur l'ensemble d'un sujet.

Les gens utilisent souvent le terme " art abstrait " d'une façon péjorative, laissant sous-entendre que ces œuvres sont intentionnellement incompréhensibles et absurdes. Pourtant l'art abstrait est une forme d'expression qui offre une multitude de possibilités pour tout artiste à la recherche de quelque chose de nouveau, de différent. La photographie abstraite n'est ni plus ni moins qu'une autre façon de créer en laissant libre cours à son imagination.

Elle ne permet pas, dans la majorité des cas, d'identifier les éléments qui la compose. On peut donc dire qu'elle devient objet au regard de celui qui la regarde. Par exemple, vous pouvez prendre une photo de quelque chose d'aussi commun qu'une chaise, et selon l'angle, la distance ou l'éclairage que vous aurez choisi, votre photo ne montrera pas réellement la chaise, mais plutôt un concept, une émotion ou tout autre chose qui ne dévoilera pas dans l'immédiat une chaise.

En fait, nous pourrions dire que la photographie abstraite est " la suppression de la signification immédiate et évidente d'un sujet ", laissant la place à de nouvelles idées ou de nouvelles interprétations.

Son histoire

La photographie abstraite s'est développée suite à des découvertes scientifiques qui ont permis de voir ce qui était normalement imperceptible pour l'œil humain. Par exemple, John William Draper et Anna Atkins ont réalisé des photos abstraites en plaçant des matières organiques, comme des algues et des plantes afin de créer des photogrammes.

Wikipédia nous dit que : " Wilhelm Worringer avait fait paraître à Munich un ouvrage, Abstraktion und Einfühlung (Abstraction et " empathie "), où il définissait le concept d'" Einfühlung " associé à l'art : un état d'âme dominé par l'angoisse, qui se traduit, dans le domaine de l'art, par une tendance à l'abstraction. Cette évolution de la peinture de la sphère culturelle allemande aura sans doute préparé l'apparition de l'art abstrait : cette " tendance " soulignée par Worringer, et anticipée par Theodor Lipps, comprend des artistes comme František Kupka, Adolf Hoelzel, Hermann Obrist, Henry van de Velde ou August Endell. "

S'initier à cet art

Si vous êtes intéressé à découvrir la photographie abstraite, vous devrez l'aborder sans trop vous souciez des définitions qui ont été proposées par certains auteurs. Voici quelques aspects à considérer pour débuter

Supprimer toute signification

Une des façons les plus simples de supprimer toute signification qu'un objet peut normalement avoir, est la proximité en le photographiant. En examinant un objet de très près, un artiste est souvent en mesure de trouver des motifs invisibles, des détails, des formes, des couleurs qui se révèlent uniquement à le regardant de près.

La lumière est votre amie

Une autre façon de créer des images abstraites est d'utiliser un éclairage non conventionnel afin de mettre en évidence des particularités de votre sujet. Ruth Bernhard (1905-2066) est passée maître dans l'art de créer des images abstraites en utilisant la lumière de façon inhabituelle. Elle a utilisé des objets de la vie de tous les jours, tels que des bonbons Lifesavers ou des coquillages, couplées à un éclairage " dramatique ". Elle a également photographié des modèles dans des poses étranges qui montraient le corps humain d'une façon encore jamais vue à son époque.

Voici une vidéo montrant quelques œuvres de Bernhard :

Créer quelque chose de nouveau

Si vous décidez d'explorer cette forme d'expression photographique, vous pouvez utiliser de vieux objets, par exemple du tissu, des bibelots et autres babioles. Vous pouvez même aller jusqu'à les détruire, les fractionner, les déchiqueter. En fait il n'y a aucune limite. Et même si ce que vous créez ne correspond pas parfaitement à la définition de la photographie abstraite, vous pourrez toujours vous en inspiration afin de repousser les limites de votre démarche créatrice.

Formes et couleurs

Les formes mais aussi les couleurs, une fois associées, peuvent permettre de créer des oeuvres photographiques abstraites d'une grande beauté.

photo Miki Asai

Le N&B est également une excellente façon de " déconstruire " un objet en le rendant méconnaissable. Il devient un amalgame de formes et de textures qui transcendent l'objet photographié.

Il est bon de se rappeler en terminant que la photographie abstraite n'est pas une chimère, une vue de l'esprit ridicule et sans intérêt utilisée par des photographes sans talent. Au contraire, l'artiste qui emprunte cette voie, doit avoir une créativité très développée, et des compétences en photo très raffinées. Arrivé à créer quelque chose d'intéressant à partir d'objets du quotidien exige un grand talent, car l'image doit être construite et les divers éléments disposés correctement; sans quoi tout s'écroule !

Pour aller plus loin

Je vous recommande l'excellent livre Photographies abstraites, photographies de l'âme, par Pascale Hulin. Artiste plasticienne, pour l'auteure, chaque photographie devient un prétexte à l'écriture et le moyen de dévoiler sa recherche et sa façon de travailler. Elle écrit une sorte de carnet de voyage intérieur. Ceux qui lisent l'anglais, vous avez l'excellent livre de Kenneth Karsten; Abstract photography techniques.

Voici en terminant quelques exemples pour vous inspirer :

photo d'ouverture : Jérémy Lelièvre

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La photographie abstraite : Histoire, philosophie et inspiration - Le blog photo

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La photographie abstraite est très différente de tout ce qui ce fait en art photographique. Par exemple, les règles de la composition et la mise au point précise sur un sujet n'ont plus aucune valeur. Le photographe utilise son imagination créatrice pour " modeler " des œuvres d'une rare beauté.

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Marty COOPER, Hombre McSTEEZ

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Benoit Paillé est un photographe qui vit et travaille au Québec. Après avoir suivi des études de biologie pendant 3 ans, il se tourne vers les arts plastiques et approfondi sa passion pour la photographie. Très vite, ses clichés apparaissent dans différentes publications. Il participe également à de nombreuses expositions au Canada, au Japon, en Europe ou en Russie. Ses multiples séries de photographies explorent les thèmes de l'humain, du portrait et de nature. C'est notamment le cas de sa série Alternative Landscape qui interroge la notion de paysage en la mettant en scène autour d'un cube lumineux central. Absurdes et poétiques, ses installations révèlent le goût de l'artiste pour la lumière et la mise en scène.

Dans le cas de la série bien nommée , l'artiste propose une vision hallucinée de la forêt. C'est en effet après avoir pris du LSD et être entré en phase de méditation (sic) qu'il prend conscience de la présence irradiante de la nature autour de lui. C'est dans ses clichés fabuleux que Benoît Paillé tente de reproduire visuellement cette expérience sensorielle particulière.

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Benoit Paillé est un photographe qui vit et travaille au Québec. Après avoir suivi des études de biologie pendant 3 ans, il se tourne vers les arts plastiques et approfondi sa passion pour la photographie. Très vite, ses clichés apparaissent dans différentes publications.

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Mentougou Eco Valley, situé en Chine à 60km à l'ouest de Beijing, est un projet de Tengbom Eriksson Architects. Le bureau Eriksson, qui existe depuis 1979 en Finlande, a rejoint Tengbom en 2013 et regroupe aujourd'hui plus de six cent employés installés dans douze villes scandinaves.

Ce projet s'étend sur un espace de 28km^2^ et comprend neuf entreprises et instituts de recherches environnementaux ainsi qu'une ville centrale et plusieurs villages. Les architectes ont été influencés par les vues époustouflantes sur les montagnes et la présence d'anciennes carrières abandonnées pour imaginer leurs bâtiments et convertir cette zone en aire urbaine écologique pouvant accueillir 50 000 habitants.

Les structures se veulent espace d'expérimentation de nouveaux matériaux, de formes, d'innovations scientifiques visant à maximiser le potentiel du lieu. La ville est capable de produire l'eau nécessaire et est conçue de façon à favoriser l'agriculture locale.

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Mentougou Eco Valley, situé en Chine à 60km à l'ouest de Beijing, est un projet de Tengbom Eriksson Architects. Le bureau Eriksson, qui existe depuis 1979 en Finlande, a rejoint Tengbom en 2013 et regroupe aujourd'hui plus de six cent employés installés dans douze villes scandinaves.

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Kim Høltermand ou le futur scandinave — Cercle

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Kim Høltermand est Danois. Né à Copenhague dans une famille d’artistes et d’architectes, Kim commence sa carrière de photographe sur le tard. Spécialisé dans la reconnaissance des empreintes digitales pour l’Unité des scènes de crime de la police nationale Danoise, il utilise son talent pour la valo…

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Né en 1967 à Copenhague, Olafur Eliasson est un artiste contemporain diplômé de l'Académie royale des Beaux-arts du Danemark en 1995. Il vit et travaille à Berlin. Le travail d'Olafur Eliasson explore différentes facettes de la matérialité telles que les notions de surface, de structure cristalline, de lumière, de déformation, de couleur et de géométrie. Ses œuvres, souvent monumentales sont extrêmement sensorielles. Certains de ses projets, incontournables, comme The weather project - conçue en 2003 pour le Hall de la Turbine de la Tate Modern à Londres - jouent sur la vision, les couleurs et le changement d'atmosphère. Monumentale, cette puissante installation lumineuse emporte le visiteur dans un autre monde où tout semble régi par cette incroyable source de lumière. Une œuvre majeure entre poésie et irréalité.

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Le voyage étrange d'Olafur Eliasson - Cercle

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Né en 1967 à Copenhague, Olafur Eliasson est un artiste contemporain diplômé de l'Académie royale des Beaux-arts du Danemark en 1995. Il vit et travaille à Berlin. Le travail d'Olafur Eliasson explore différentes facettes de la matérialité telles que les notions de surface, de structure cristalline, de lumière, de déformation, de couleur et de géométrie.

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Noémie Goudal est une artiste française qui vit et travaille entre Paris et Londres. Ses images photographiques sont une rencontre entre réalité et fiction. Diplômée depuis 2010 de la Royal College of Art, elle est l'origine depuis de nombreuses séries d'images à l'esthétique documentaire dont l'observation révèle le rêve et l'illusion. Dans sa série Observatoires, réalisée entre 2013 et 2014, elle propose une suite d'architectures de science-fiction aux décors sobres. Les images évoquent le travail des artistes allemands Bernd et Hilla Becher, mais là où eux témoignaient avec systématisme des paysages industriels, les pièces de Noémie Goudal parlent d'architectures utopiques sans notions d'époques ou d'espaces spécifiques. Ses Observatoires sont un croisement entre réalité et illusion à l'allure de documents d'archives. Les prises de vues sont réelles et l'artiste n'a pas recourt au montage numérique : elle construit des images de papier et scotch qu'elle place dans un contexte réel pour faire ses photographies.

Noémie Goudal expose actuellement jusqu'au 2 décembre 2017 à la Galerie les filles du Calvaire à Paris. Elle est représentée par les galeries les filles du Calvaire ainsi qu'Edel Assanti à Londres.

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Observatoires imaginaires par Noémie Goudal - Cercle

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Noémie Goudal est une artiste française qui vit et travaille entre Paris et Londres. Ses images photographiques sont une rencontre entre réalité et fiction. Diplômée depuis 2010 de la Royal College of Art, elle est l'origine depuis de nombreuses séries d'images à l'esthétique documentaire dont l'observation révèle le rêve et l'illusion.

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Né à Copenhague en 1977, Kim Holtermand est. un photographe specialisé dans l'architecture et les paysages. Son choix délibéré de rendre une atmosphère froide et déshumanisée des bâtiments et paysages alentours permettent à l'artiste de travailler de manière récurrente sur le sentiment de solitude.

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Né à Copenhague en 1977, Kim Holtermand est. un photographe specialisé dans l’architecture et les paysages. Son choix délibéré de rendre une atmosphère froide et déshumanisée des bâtiments et paysages alentours permettent à l’artiste de travailler de manière récurrente sur le sentiment de solitude.…

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Né en 1955 au Japon, Minoru Nomata est artiste et professeur à l'université Joshibi d'art et de design à Tokyo. Après avoir obtenu son diplôme de design à la Faculté des Arts de Tokyo, il commence à créer ses propres pièces basées sur des motifs architecturaux qui n'existent pas dans la réalité. Entre hyperréalisme et futurisme, les peintures de Minoru Nomata présentent des structures et des tours fantastiques et fantasques, à la limite de la réalité. Captivantes et archetypales, les œuvres du japonais invitent à se projeter dans un espace imaginaire dans lequel l'architecture reflète -peut-être- le monde de demain.

Minoru Nomata est présent dans les pages de Cercle Magazine #6 Rêves.

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Les architectures impossibles de Minoru Nomata - Cercle

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Né en 1955 au Japon, Minoru Nomata est artiste et professeur à l'université Joshibi d'art et de design à Tokyo. Après avoir obtenu son diplôme de design à la Faculté des Arts de Tokyo, il commence à créer ses propres pièces basées sur des motifs architecturaux qui n'existent pas dans la réalité.

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Les images de vie marine de Shane Gross - Cercle

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Shane Gross pratique le photojournalisme. Originaire de Saskatchewan au Canada et récompensé à de multiples reprises, il se spécialise dans les clichés de conservation marine. En 2012, il déménage aux Bahamas afin de documenter la splendeur et la dégradation de l'environnement océanique. Avec ses images et ses histoires, Shane Gross tente de provoquer une meilleure [...]Lire la suite...

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Né le 24 mars 1963 à Semarang sur l'ile de Java, Hengki Koentjoro a eu très vite le coup de foudre pour le cinéma et la photographie. Le déclic est survenu lors de son 11 e anniversaire ou sa famille lui offre alors un appareil photo, rapidement, dans ses prises de vue, le futur photographe commence à élaborer des compositions et un jeu par les formes et lignes qui se reflètent toujours dans son travail. Il part rapidement pour la Californie afin d'y suivre un cursus photographique auprès de l'institut Brooks à Santa Barbara (Californie). À son retour en Indonésie il commence sa carrière comme vidéaste et éditeurs de films documentaires axés principalement sur la nature. Dès qu'il le peut, Koentjoro s'extirpe de la vie urbaine pour retourner au plus près des côtes sauvages de l'ile, dans le but d'affiner ses recherches sur la photographie noir et blanc. Jeux de formes, de lumières et minimalisme sont les maîtres mots de ses clichés, qui plongent dans l'univers spirituel, physique et naturel de l'Indonésie.

Hengki Koentjoro est partie le long des biodômes côtiers de l'Indonésie. Ce vaste espace océanique abrite plus de 17 000 îles d'est en ouest et regorge d'une vie marine inégalée de par le monde. Inspiré par le silence sous-marin, son jeu de lumière et sa vie foisonnante, le photographe nous livre des images d'une beauté aussi complexe que silencieuse. Véritable hymne à la vie, ses photographies nous montre avec un profond respect la richesse d'une flore marine aussi créative que fragile.

Hengki Koentjoro a été sélectionné pour les Magnum photography awards en 2017.

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La vie marine d'Indonésie de Hengki Koentjoro - Cercle

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Né le 24 mars 1963 à Semarang sur l'ile de Java, Hengki Koentjoro a eu très vite le coup de foudre pour le cinéma et la photographie. Le déclic est survenu lors de son 11e anniversaire ou sa famille lui offre alors un appareil photo, rapidement, dans ses prises de vue, le futur photographe commence [...]Lire la suite...

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4° - On a du plan sur la planche (documents élèves) 

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4° - On a du plan sur la planche (diaporama GIF)

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Patrick TOSANI, Masque n°4, 1998
(photographie d'un pantalon)

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DISTANCIEL - 4° - Une oculeur qui perturbe

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Georges Seurat - Les Grands Maîtres de la Peinture

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Monumenta 2012 : Interview de Daniel Buren

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Des installations immersives spectaculaires
Olafur Eliasson, artiste contemporain nous invite à entrer dans son univers. Pour lui l'art se ne se conçoit qu'avec l'étroite participation du spectateur.

Des installations immersives

Ses installations, déclinées selon le trinôme lumière couleurs espace, sont immersives.

Selon Olafur Eliasson, si on veut changer le monde,
il faut d'abord en faire l'expérience

Derrière ce principe, se cache une conception contemporaine de la réalité qui emprunte aux théories de la physique quantique le fait que la réalité est, en grande partie, une construction de la conscience.

Ce qui est vrai, ce qui vous semble réel, dépend de la manière dont vous regardez cette réalité.

Créer un arc-en-ciel

En 1993, Olafur Eliasson a eu l'idée de créer un arc-en-ciel. Il s'agissait d'une de ses premières œuvres.

Un arc-en-ciel est constitué de seulement trois éléments interdépendants : des gouttelettes d'eau, de la lumière et un angle de vue propice qui permet à la lumière de se réfracter dans les gouttelettes.

Olafur Eliasson souligne le fait que s'il n'y a pas de spectateur, l'œil du spectateur n'est pas là pour observer l'arc-en-ciel, il n'y a pas d'arc-en-ciel. En d'autres mots, l'installation n'existe que dans la mesure où un observateur est présent pour l'observer.

Pour Olafur Eliasson, il faut observer le monde qui nous entoure pour interagir avec lui.

Créer des œuvres monumentales

Né au Danemark,, l'artiste a passé beaucoup de temps avec son père en Islande. La fréquentation de ce lieu de nature exceptionnel l'a profondément marqué. On retrouve dans ses œuvres de nombreux éléments primordiaux propres à la nature : eau, brouillard, lumière, couleurs vives et franches. Ces éléments, selon lui, sont essentiels, car, transposés dans une œuvre, elles font en sorte que celle-ci soit immédiatement accessible.

La fréquentation des grands espaces pousse l'artiste à créer des œuvres monumentales. Explorer la relation homme-espace, c'est aussi une question d'échelle. Être confronté à une échelle qui nous dépasse est une invitation à revoir la place de l'humain dans le milieu qui l'a vu naître, et nous force à faire preuve d'humilité.

2 modes complémentaires de son processus de création

Le mode opératoire d' Olafur Eliasson est propre à la plupart des artistes contemporains. Il réfléchit avec un crayon et du papier.

Il met ensuite à contribution une équipe pluridisciplinaire pour réaliser ses œuvres. Entre l'idée et sa conceptualisation, se situe un espace dans lequel un grand nombre d'ébauches sont réalisées. C'est l'espace du dessin.

2. L'espace d'expérimentation

Entre le concept et sa réalisation, se situe un espace d'expérimentation dans lequel des maquettes sont réalisées. C'est l'espace du prototypage.

L'espace du dessin est un territoire que l'artiste explore en solo. Celui du prototypage est un territoire que l'artiste arpente conjointement dans un vaste atelier à Berlin, en compagnie d'une équipe.

Les questions à se poser

Il existe un proto-espace, un espace mal défini qui se situe en amont du concept et auquel Olafur Eliasson accorde beaucoup d'importance et de temps. C'est dans cet espace qui précède l'émergence d'un concept, qu'il se pose les questions suivantes :

1 - Pourquoi ce concept m'intéresse-t-il tant ?
2 - Pourquoi s'agit-il d'une œuvre d'art ?

C'est l'équipe qui se charge du comment. Et c'est Olafur qui se charge du pourquoi.

Pour qu'une œuvre soit digne de ce nom, il est important qu'elle n'exige aucune explication de la part de l'artiste pour qu'elle puisse être compréhensible pour le spectateur.

Plus encore, il est nécessaire que le spectateur lui-même y participe. C'est le spectateur qui co-réalise l'histoire narrative de l'œuvre.

Changer le monde avec Olafur Eliasson

Puisque si l'on veut changer le monde, il faut d'abord en faire l'expérience, il est parfois nécessaire de prendre les grands moyens.

Afin de rendre le plus palpable possible la crise climatique actuelle, Olafur Eliasson a organisé le transport de gros blocs de glace provenant de la fonte d'un glacier au Grœnland et les a déposés, en cercle, sur une place publique, au vu et au su de tous.

Les passants on pu alors toucher les blocs de glace, éprouver leur froideur, et observer leur disparition progressive. Le message est clair, le contact est direct, émotionnel. La crise climatique s'incarne devant nos yeux.

Envie de tenter l'expérience ?

Découvrez l'exercice No. 129

Du concept à l'installation

Des installations immersives spectaculaires
Olafur Eliasson, artiste contemporain nous invite à entrer dans son univers. Pour lui l'art se ne se conçoit qu'avec l'étroite participation du spectateur.

Des installations immersives

Ses installations, déclinées selon le trinôme lumière couleurs espace, sont immersives.

Selon Olafur Eliasson, si on veut changer le monde,
il faut d'abord en faire l'expérience

Derrière ce principe, se cache une conception contemporaine de la réalité qui emprunte aux théories de la physique quantique le fait que la réalité est, en grande partie, une construction de la conscience.

Ce qui est vrai, ce qui vous semble réel, dépend de la manière dont vous regardez cette réalité.

Créer un arc-en-ciel

En 1993, Olafur Eliasson a eu l'idée de créer un arc-en-ciel. Il s'agissait d'une de ses premières œuvres.

Un arc-en-ciel est constitué de seulement trois éléments interdépendants : des gouttelettes d'eau, de la lumière et un angle de vue propice qui permet à la lumière de se réfracter dans les gouttelettes.

Olafur Eliasson souligne le fait que s'il n'y a pas de spectateur, l'œil du spectateur n'est pas là pour observer l'arc-en-ciel, il n'y a pas d'arc-en-ciel. En d'autres mots, l'installation n'existe que dans la mesure où un observateur est présent pour l'observer.

Pour Olafur Eliasson, il faut observer le monde qui nous entoure pour interagir avec lui.

Créer des œuvres monumentales

Né au Danemark,, l'artiste a passé beaucoup de temps avec son père en Islande. La fréquentation de ce lieu de nature exceptionnel l'a profondément marqué. On retrouve dans ses œuvres de nombreux éléments primordiaux propres à la nature : eau, brouillard, lumière, couleurs vives et franches. Ces éléments, selon lui, sont essentiels, car, transposés dans une œuvre, elles font en sorte que celle-ci soit immédiatement accessible.

La fréquentation des grands espaces pousse l'artiste à créer des œuvres monumentales. Explorer la relation homme-espace, c'est aussi une question d'échelle. Être confronté à une échelle qui nous dépasse est une invitation à revoir la place de l'humain dans le milieu qui l'a vu naître, et nous force à faire preuve d'humilité.

2 modes complémentaires de son processus de création

Le mode opératoire d' Olafur Eliasson est propre à la plupart des artistes contemporains. Il réfléchit avec un crayon et du papier.

Il met ensuite à contribution une équipe pluridisciplinaire pour réaliser ses œuvres. Entre l'idée et sa conceptualisation, se situe un espace dans lequel un grand nombre d'ébauches sont réalisées. C'est l'espace du dessin.

2. L'espace d'expérimentation

Entre le concept et sa réalisation, se situe un espace d'expérimentation dans lequel des maquettes sont réalisées. C'est l'espace du prototypage.

L'espace du dessin est un territoire que l'artiste explore en solo. Celui du prototypage est un territoire que l'artiste arpente conjointement dans un vaste atelier à Berlin, en compagnie d'une équipe.

Les questions à se poser

Il existe un proto-espace, un espace mal défini qui se situe en amont du concept et auquel Olafur Eliasson accorde beaucoup d'importance et de temps. C'est dans cet espace qui précède l'émergence d'un concept, qu'il se pose les questions suivantes :

1 - Pourquoi ce concept m'intéresse-t-il tant ?
2 - Pourquoi s'agit-il d'une œuvre d'art ?

C'est l'équipe qui se charge du comment. Et c'est Olafur qui se charge du pourquoi.

Pour qu'une œuvre soit digne de ce nom, il est important qu'elle n'exige aucune explication de la part de l'artiste pour qu'elle puisse être compréhensible pour le spectateur.

Plus encore, il est nécessaire que le spectateur lui-même y participe. C'est le spectateur qui co-réalise l'histoire narrative de l'œuvre.

Changer le monde avec Olafur Eliasson

Puisque si l'on veut changer le monde, il faut d'abord en faire l'expérience, il est parfois nécessaire de prendre les grands moyens.

Afin de rendre le plus palpable possible la crise climatique actuelle, Olafur Eliasson a organisé le transport de gros blocs de glace provenant de la fonte d'un glacier au Grœnland et les a déposés, en cercle, sur une place publique, au vu et au su de tous.

Les passants on pu alors toucher les blocs de glace, éprouver leur froideur, et observer leur disparition progressive. Le message est clair, le contact est direct, émotionnel. La crise climatique s'incarne devant nos yeux.

Envie de tenter l'expérience ?

Découvrez l'exercice No. 129

Du concept à l'installation

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Sculpter la lumière avec Olafur Eliasson - Les Cahiers de l'imaginaire

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L'artiste Olafur Eliasson nous invite à entrer dans son univers. Pour lui l'art se ne se conçoit qu'avec l'étroite participation du spectateur.

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L'art contemporain en 5 chefs-d’œuvre | Centre Pompidou

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VIDÉO - Daniel Buren pour la Fondation Louis Vuitton

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VIDÉO - Daniel Buren pour la Fondation Louis Vuitton

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"The Observatory of Light" : inside Daniel Buren's project for Fondation Louis Vuitton

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Les frères Montgolfier et le premier vol en ballon (1783)

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Les frères Montgolfier sont à l’origine en 1783 du premier vol d’un ballon à air chaud, avec à son bord des passagers humains (dont Pilâtre de Rozier). L’engin, construit par Joseph et Étienn

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4° - Une copie différente (diaporama) OBSERVATION technique 

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4° - Une copie différente (documents élèves)

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L'élève jette un dé, et réalise la punition correspondante.