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nur ein Bruchstück

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Marina Abramovic on The Artist Is Present (2010)

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Directed by Milica Zec

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Man kann nicht nicht kommunizieren. Dieses Axiom Paul Watzlawicks ist wohl das bekannteste Zitat zur Kommunikation und umfasst im Prinzip die gesamte Funktionsweise menschlicher Interaktion. Kommunikation findet fortwährend statt, bewusst oder unbewusst, durch Sprache, Mimik oder Gestik, durch Handeln oder Unterlassen. Ebenso wie es unmöglich ist, sich nicht zu verhalten, ist es nicht möglich, nicht zu kommunizieren. In der Kunst von Marina Abramović lässt sich dieses Prinzip bestens nachverfolgen, ja sogar als Grundprämisse ihrer Kunst bezeichnen, die in ihrem Selbstverständnis auf der menschlichen Erfahrung von körperlicher und geistiger Interaktion und Erfahrung basiert.

Blickkontakt mit 1675 Personen

Bei ihrer Performance The Artist is Present (2010), die Marina Abramović während ihrer großen Retrospektive im New Yorker Museum of Modern Art (MoMA) inszenierte, bot sie den Besuchern der Ausstellung die Möglichkeit, mit ihr in direkten Kontakt zu treten. Völlig regungslos saß die Künstlerin auf einem Stuhl inmitten des zentralen Ausstellungssaals, vor ihr ein Tisch, auf der gegenüberliegenden Seite ein weiterer Stuhl, für die Besucher. Die Performance lief während der gesamten Ausstellungsdauer, insgesamt 736 Stunden, in denen Abramović mit 1675 Personen Blickkontakt hatte. Stumm saßen sich die Akteure gegenüber und blickten sich in die Augen. Der Kontakt dauerte jeweils so lange, bis der Besucher sich entschied, aufzustehen und die Situation zu verlassen. Obwohl die Kommunikation sich auf die minimalen Regungen im Gesicht der Beteiligten beschränkte, beschreiben alle - die Künstlerin wie auch die Besucher - die Begegnung als besonders intensive, ja geradezu fundamentale Erfahrung, die mitunter starke emotionale Reaktionen hervorrief. Die Künstlerin selbst beschreibt die Performance als eine der schwierigsten, die sie je gemacht habe.

Entscheidend ist die Situation

Viel stärker noch als in ihren frühen Arbeiten konzentriert sich Marina Abramović mittlerweile darauf, den Besucher selbst in ihre Performances einzubeziehen, ihn zum Subjekt zu machen, das selbst agiert, reagiert, Situationen erspürt und erfährt. Dies ist einerseits aus ihrer künstlerischen Entwicklung heraus zu verstehen, die sich zu Beginn auf die eigene körperliche Erfahrung konzentrierte und die physischen sowie psychischen Grenzen der Belastbarkeit auslotete. Von 1975 bis 1988 arbeitete sie mit ihrem Lebenspartner Ulay zusammen und erweiterte auf diese Weise das performative Konzept um die Dualität und Polarität der zwischenmenschlichen Interaktion. Die Entscheidung, die Konzepte auf die Anwendung am bzw. Handlung durch das Publikum zu erweitern, ist aber auch durch einen anderen Fakt zu erklären. Spätestens seit ihrer Retrospektive im MoMA in New York war Marina Abramović so populär, dass viele der Besucher eher kamen, um einen Voyeurismus zu befriedigen, als um der eigenen Erfahrung willen. Es war auch diese Feststellung, die die Künstlerin dazu brachte, die Aufmerksamkeit von ihrer eigenen Person auf die Situation und die Handlung als solche umzulenken.

„Meine Arbeit funktioniert nur, wenn das Publikum eine Beziehung zu mir hat. Das Grundproblem ist die passive und voyeuristische Beziehung des Publikums zum Künstler und zum Museum."

Die Grundlage dieses Ansatzes lässt sich aber durchaus schon in den frühen Performances Abramovićs finden, etwa in den Rhythm-Arbeiten, einer Serie von Performances, in denen sich die Künstlerin extremen körperlichen Erfahrungen aussetzt, die mitunter zu Verletzungen bis hin zu Bewusstlosigkeit führten. Das Publikum spielte zumeist eine inaktive Rolle und erfuhr den physischen Akt vermittelt durch die Künstlerin lediglich passiv. In einer ihrer frühen Performances, Rhythm 0 (1974), wird zwar durchaus das Publikum zum handelnden Subjekt, jedoch steht die körperliche Erfahrung der Künstlerin fraglos im Vordergrund: In einem Galerieraum platziert sich die Künstlerin stehend und reglos, neben ihr ein Tisch mit 72 Gegenständen verschiedenster Art. Das Publikum wird aufgefordert, mithilfe der Gegenstände Handlungen an der Künstlerin vorzunehmen und wird von jeglicher Verantwortung für die Konsequenzen von der Künstlerin freigesprochen. Was nun folgt, ist eine schockierende Kette von Handlungen und Reaktionen, in deren Folge Marina Abramović angegriffen, körperlich verletzt, teilweise entblößt und schließlich ihr Leben bedroht wird. Ist dies tatsächlich die einfache und unabwendbare Konsequenz aus dem vorherigen Freispruch durch die Künstlerin? Schwindet die Moral folgerichtig sobald die Absolution sicher ist?

„Sie wünscht sich das, sonst würde sie sich wehren"

Schockierend wirkt dieses Szenario, aus dem Teilnehmer berichten, dass die Situation kippte, als erstmals Waffen (Skalpell, Messer, Revolver) ins Spiel kamen. Das Publikum spaltete sich in Aggressoren und Beschützer, niemand konnte sich dort „nicht verhalten". Wer nicht handelte, wurde zum Hilfeverweigerer, zum Voyeur, zum Mitwisser und moralischem Mittäter. Wenn man Marina Abramović in dieser Konstellation nun aber als passives Objekt betrachtete, als nicht kommunizierendes Element der Performance, das sich der Situation auslieferte, ohne sie weiter zu beeinflussen, täuscht man sich. Abgesehen davon, dass ihre Rolle als Initiatorin der Performance und somit als verantwortliche Autorin und nicht bloße Darstellerin dem Publikum bekannt war, ist das Verhalten Abramovićs in dieser Situation entscheidend. Dass sie sich ganz bewusst nicht zur Wehr setzt, löst bei den Betrachtern offensichtlich unterschiedliche Reaktionen aus: Von „sie wünscht sich das, sonst würde sie sich wehren" über „wir müssen sie (vor sich selbst) schützen" bis hin zu „ich mische mich nicht ein". Marina Abramović ist auf die Erfahrung aus, sie möchte wissen und erfahren, zu welchen Höhen und Tiefen der menschliche Geist und Körper in der Lage ist. In ihren Performances, die sie als „Körper-Recherchen" bezeichnet, geht es ihr also nicht in erster Linie um die Performance als Bühnenakt, als Aufführung von Handlungen, sondern um das psychische und physische Erspüren von Zuständen. Dies gilt auch für die Performance Rhythm 0, bei der das Publikum als handelndes Subjekt scheinbar im Fokus steht, jedoch - im Hinblick auf den künstlerischen Ansatz - letztlich doch eher zum Werkzeug der planvollen „Körper-Recherche" Abramovićs wird.

Die beschriebenen Werke sind in der Ausstellung Marina Abramović. The Cleaner zu sehen, vom 20. April bis 12. August 2018 in der Bundeskunsthalle, Bonn.
Eine Ausstellung der Bundeskunsthalle in Kooperation mit dem Moderna Museet, Stockholm, und dem Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk

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Es ist unmöglich, nicht zu kommunizieren - Bundeskunsthalle Magazin

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Kommunikation findet fortwährend statt - bewusst oder unbewusst. Dieses Prinzip lässt sich bestens anhand der Kunst von Marina Abramović nachverfolgen

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3 Monate
Täglich 7 Stunden

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große Fläche, die bis auf einen Tisch mit zwei sich gegenüberstehenden Stühlen, leer ist, am Rand der Fläche stehen die Zuschauer.
Alles wird aufgenommen, die Fläche ist von Scheinwerfern erleuchtet.
Abramovic sitzt auf einem Stuhl, der andere ist leer und kann von den Zuschauern besetzt werden.

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Fast leer
Fläche in der Mitte
In der Mitte der Fläche 2 Stühle und manchmal ein Tisch
Auf einem der Stühle sitzt die Künstlerin, der andere ist für die Zuschauer
Fläche mit Scheinwerfern beleuchtet
Alles wird aufgenommen
Mit viel Abstand stehen Zuschauer darum herum
Wände weiß
Großer Raum

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trotz nach nur langem Ansehen weiß man nicht über diese Person

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Der Mittelpunkt der Performance keine Geräusche
Schauen sich nur gegenseitig an, reden nicht
Zuschauer waren auch recht Still

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Menschen suchen den Kontakt zu anderen Menschen, weil sie ihn brauchen, selbst wenn die andere Person nicht mit einem sprich, sondern einen nur ansieht.

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Also ich würde da wahrscheinlich nicht lange sitzen können ohne zu lachen oder wegzuschauen oder so was, die Idee find ich aber eigentlich ganz cool

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Ich auch nicht. Mir wäre es auch unangenehm die ganze Zeit angeschaut zu werden würde mich beobachtet fühlen. Außerdem wäre mir die Stille unangenehm.
Würde mich wahrscheinlich umschauen und Augenkomtakt meiden. Vielleicht würde ich anfangen zu reden, damit die Stille weg ist.

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Wenn jemand anderes einen die ganze Zeit anschaut und nichts sagt, denkt man viel über sich selber nach und wie man gerade an dem Ort ist und was die andere Person in einem sieht und wie sie einen sieht. Man denkt über sich nach, weil man daran denkt, wie andere einen sehen.

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Großes Publikum
Viele Zuschauer außerhalb der Fläche
Viele Zuschauer warten Stunden um gegenüber Abramovic sitzen zu können
Übernachten sogar vor dem Museum

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In die Augen schauen und sein Gegenüber anschauen ist ein Zeichen für diesen, dass er/sie gesehen und wahrgenommen wird.

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Einige Zuschauer haben angefangen zu weinen während sie vor Abramovic saßen

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Einige Zuschauer haben angefangen zu weinen während sie vor Abramovic saßen

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Durch Anschauen so auf sich fokussiert und damit ihrer eigenen Gefühle bewusst, dass sie einen überrannt haben und man geweint hat.
Weinen als Zeichen der Schwäche, aber auch des Loslassen. Man muss keine Mauer mehr um die eigenen Gefühle haben, sondern kann sie ehrlich zeigen und ausleben.

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Zeigte, dass wir trotz der Unterschiede und dem Abstand zueinander als Menschen uns gegenseitig brauchen und gesehen werden wollen. Bedürfnis nach Verbindungen, das in der Gesellschaft nicht immer sichtbar ist.

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Ist sehr groß
Gibt viel Platz zur freien Netfaltung, den man nicht einnimmt, sondern in der Mitte bleibt.
Man hätte viel mehr Möglichkeiten, die man nicht nutzt.

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In der Zeit wurden auch andere ihrer Performances wieder aufgeführt

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Menschen brauchen eine Gesellschaft, weil sie das Zusammenleben und die Interaktion mit anderen Menschen brauchen.
(Deshalb fällt vielen die jetzige Zeit mit Corona so schwer, weil diese Interaktionen fehlen)

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Ruhe ist heutzutage sehr schwer zu finden und zwingt uns uns auf eine Sache, wie die Person vor uns, zu konzentrieren. Also wie ein Filter für die Aufmerksamkeit. Trotzdem schweift die Aufmerksamkeit nach kurzer Zeit bei Ruhe besonders umher, da wir als Menschen Reize brauchen und eine komplette Stille uns auch belasten kann und wir versuchen andere Reize zu finden.
Ruhe stellt also unsere Konzentration und Aufmerksamkeit auf die Probe.
Außerdem kann Ruhe immer gebrochen werden, indem man sie füllt, dafür muss man aktiv werden.