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Curso remedial Unidad II

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Vínculo de classroom institucional para subir actividades:

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Vínculo de classroom institucional para subir actividades:

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https://classroom.google.com/c/NDQ1ODAzNDYwMDMx?cjc=p6n37bm

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19 y 20 de Enero, cotejo de actividades para entrega de calificaciones. 

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19 y 20 de Enero, cotejo de actividades para entrega de calificaciones. 

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14 de Enero: Informe de la visita con evidencia fotográfica de 2 museos visitados en Puebla. 

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14 de Enero: Informe de la visita con evidencia fotográfica de 2 museos visitados en Puebla. 

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7 de Enero: Escultura sobre su frase inspiradora con elementos de las corrientes artísticas que hayan llamado tu atención. 

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7 de Enero: Escultura sobre su frase inspiradora con elementos de las corrientes artísticas que hayan llamado tu atención. 

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6 de enero: Subir a classroom la creación artística sobre la frase motivadora.  (traerla también en físico en su hr clase) 

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6 de enero: Subir a classroom la creación artística sobre la frase motivadora.  (traerla también en físico en su hr clase) 

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23 de Diciembre: Entrega en classroom de mapa o cuadro sinóptico sobre todas las corrientes artísticas. 

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23 de Diciembre: Entrega en classroom de mapa o cuadro sinóptico sobre todas las corrientes artísticas. 

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22 de Diciembre: Entrega en classroom institucional, resumen sobre los estilos de arte.

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22 de Diciembre: Entrega en classroom institucional, resumen sobre los estilos de arte.

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Retomar                         Las corrientes artísticas a investigar son las siguientes:  

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Retomar                         Las corrientes artísticas a investigar son las siguientes:  

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Arte gótico
Arte renacentista
Arte moderno
Arte barroco
Estilo rococó
Arte Neoclasicista
Romanticismo
Realismo
Naturalismo
Impresionismo
Art. Deco o decorativo
Simbolismo
Vanguardismo
Fauvismo
Cubismo
Futurismo
Abstraccionismo
Dadaismo
Surrealismo
Arte figurativo
Arte Naif
Arte Pop
Arte minimalista
Arte Posmodernista
Arte éfimero
Movimiento 8Bite
Qué es el Bio art
Qué es el arte digital
Qué es el arte popular

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Muchos de estos museos tienen entrada y días gratuitos, sobre todo en las noches de museo

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Muchos de estos museos tienen entrada y días gratuitos, sobre todo en las noches de museo

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Galería de arte del Palacio Municipal
De 10:00 a 22hrs
Av. Juan Palafox y Mendoza No 14 Centro Histórico.

Museo José Luis Bello y Zetina
De 17 a 20hrs
5 de Mayo 409 Centro Histórico Puebla

Museo universitario Casa de los muñecos
De 17 a 21hrs
Calle 2 Norte 2 Centro Histórico

MUI Museo urbano interactivo
De 10 a 21hrs
(4 Norte #5 Centro Histórico)

Museo amparo
De lunes a miércoles de 10 a 17hrs
Av. 2 Sur 708 Centro Histórico de Puebla

Museo Casa del mendrugo
De 17 a 21hrs
C. 4 Sur 304 C Centro

Galería de los sapos arte y subastas
7 Oriente #508 Centro Histórico

Museo viviente de puebla
De 17 a 22hrs
7 Oriente #211

Galería José Luis Rodríguez Alconedo
De 11 a 20hrs
Barrio del artista Puebla 8 Norte 410 los Altos Centro Histórico

Galeria de arte Ana Sofía
Ubicada en la 8 Oriente 411
De 11 a 21hrs

Pasaje histórico 5 de mayo
De 16 a 20hrs
Boulevard 5 de mayo #208 entre 2 y 4 norte

Puente de Bubas
De 16 a 20hrs
2 Oriente # 1001

Museo Nacional de ferrocarriles mexicanos
De 17 a 21hrs
Calle 11 Norte 1005 San Miguelito

Biblioteca palafoxiana
De 17 a 22hrs
A. 5 Oriente 5 Centro Histórico de Puebla

Museo taller Erasto Cortés
De 17 a 22hrs
7 Oriente #4 Centro Histórico

San Pedro Museo de arte
De 17 a 22hrs
Calle 4 Norte 203 Centro Histórico de Puebla

Museo Regional Casa del alfeñique
De 17 a 22hrs
Av. 4 Oriente  416 Centro Histórico de Puebla

Museo José Luis Bello y González
3 poniente #302
De 17 a 22 hrs

Museo de Arte Popular Ex convento de Santa Rosa
14 Poniente #305

Museo de la Evolución Puebla
Gratuito los domingos y martes
De 10 a 18hrs
Av. Ejército  de Oriente. Esq cazadores de Morelia s/n Unidad Cívica 5 de mayo los fuertes.

Museo internacional del Barroco
De 17 a 22hrs
Atlixcayotl 2501

Museo poblano de arte Virreinal
Calle 4 Norte 203 Centro Histórico

Museo de arte popular poblano
Av. 14 Poniente  305 Centro Histórico

Museo regional de puebla
Av. Ejércitos de Ote calzada los fuertes s/n

Tienda Museo Candiles  artesanías de Puebla
Av. Juan de Palafox y Mendoza  204 Centro Histórico.

Kuadrante Bodega de Arte
3 Poniente 304 Centro Histórico.

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Principales museos a visitar del estado de puebla

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Principales museos a visitar del estado de puebla

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Arte popular: valor e identidad de México. Espacio joven

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Espacio joven visitó una de las cinco galerías de la cadena Caracol Púrpura, dedicada al arte popular mexicano, en la que además de conocer la variada oferta de artesanías, Isabel Peral -gerente- nos platica sobre la importancia de conocer el valor histórico e identitario de estas piezas.

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ARTE POPULAR : Origen y devenir de un concepto

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El término Bioarte, también conocido como Arte Transgénico, Bio-art o arte genético, es un neologismo aparecido a principios del siglo XXI para designar genéricamente un conjunto de prácticas artísticas que relacionan arte, biología y, muy frecuentemente, tecnología. Es un término acuñado por el artista y científico Eduardo Kac en 1999; su objetivo principal consiste en difuminar los límites entre la ciencia y el arte, a su vez, el poder generar cuestionamientos de su avance, de la forma humana y de la vida de manera general. Esto ha hecho al término acoger un conjunto muy heterogéneo de prácticas cuyos límites no son siempre claros debido a que ya no depende solo de la creatividad del artista por lo que una de sus características es la flexibilidad, ya que se basa en investigaciones e innovaciones tecnológicas apoyándose en prácticas relacionadas con la ingeniería genética, la ingeniería tisular o el cultivo celular y de microorganismos, entre otros.​​​

Por mucho tiempo el principal elemento constitutivo del bioarte fue el arte genético, al que luego los artistas fueron incorporando nuevos elementos como tejidos y cultivos de células, síntesis de secuencias de ADN producidas artificialmente, xenotransplantes y autoexperimentación médica y biotecnológica. Al ser desarrollado desde la corriente artística plástica, involucra un proceso de fabricación en equilibrio con el ambiente, es decir, se toma en cuenta el uso de materiales reciclables y reutilizables para la fabricación de piezas artísticas en equilibrio con el ambiente. El objetivo del bioarte es brindarle al público la posibilidad de desarrollar y contemplar la expresión de cada artista volviendo a las raíces, a la expresión de cada cultura que nace de la tierra y no la perjudica, al mismo tiempo que hace uso de las tecnologías de su tiempo, que a su vez evidencia el contexto histórico, social y político de la humanidad. Gracias a ello y al gran impacto que genera en el desarrollo de la elaboración artística, ha generado una gran controversia en cuanto a la validez de esta práctica, así como a la ética que posee.​

El interés artístico por las técnicas e investigaciones procedentes de la biología deben remontarse, al menos, a la década de los años veinte del siglo XX, con la aportación pionera de Edward Steichen. En paralelo a su trabajo como fotógrafo, Steichen desarrolló una investigación sobre las aplicaciones de la genética mendeliana, que le llevó a la producción de plantas, especialmente delphiniums, que llegaron a exponerse en el MoMA de Nueva York, bajo el título de Edward Steichen's Delphiniums (Arte, biología y tecnología. Relaciones interdisciplinares en el laboratorio científico Art, biology and technology. Interdisciplinary relations in the science lab Daniel López-del-Rincón Universidad de Barcelona)

Otro antecesor que se considera fue Salvador Dalí, cuya relación con la biología es uno de los aspectos menos estudiados de la faceta científica del pintor; la relación de Dalí y la biología se reduce a la mención de la obra galacidalacidesoxyribonucleicacid. El interés de Dalí por el ADN se debe de observar desde un contexto más amplio entre el arte y la ciencia, fue una faceta fundamental para el pinto y para el surrealismo en sí. El conocimiento científico de Dalí abarcó múltiples disciplinas, tales como la física cuántica, las matemáticas y el psicoanálisis; esta es la disciplina mayor conocida que poseía el artista en su trayectoria. El mismo artista negaba la relación entre la ciencia y sus obras por motivos aún desconocidos; a pesar de ello se puede apreciar la gran relación de sus obras con la ciencia gracias a la presencia de referencias científicas constantemente presentes en sus obras, especialmente a partir del lanzamiento de las bombas atómicas al final de la II Guerra Mundial, una de estas obras fue el idilio atómico (1945). Dalí consideraba a la ciencia como un detonador de la inteligencia artística, también consideraba que el arte y la ciencia tiene una identidad, una voluntad común de experimentar y conocer al mundo.​

También George Gessert de los iniciadores de la corriente y de su trabajo con seres vivos el más conocido es el del conejo Alba, trabajo en la que, mediante la manipulación genética del animal, se le cambia el color. Además, la forma del cuerpo del mamífero y su coloración son del mismo tipo que las que encontramos en los conejos albinos.

El SymbioticA es un grupo fundado por Oron Catts y Ionatt Zurr, con base en la escuela de anatomía y biología humana de la University of Western Australia. Ellos suelen usar tejidos vivos como formas escultóricas, y, con la colaboración de científicos han producido varias exposiciones. En este movimiento artístico también se encuentra la obra de Allison Kudla, en la que destaca Growth Pattern, donde utiliza hojas de tabaco para crear un mosaico. Heather Dewey-Hagborg es otra artista del bioarte y su proyecto más famoso se titula Stranger Visions, en el que cogió ADN de diferentes personas y recreó sus caras en un software en 3D. Este ADN fue extraído, en gran parte, de colillas con saliva y pelo que la artista iba encontrándose por la ciudad.​

Todos los avances científicos y tecnológicos han generado la oportunidad de crear arte que usa a la vida como nuevo medio de comunicación, en donde los laboratorios se convierten en estudios artísticos. El material biológico: ADN, proteínas, células y organismos, incluyendo al humano se convierten en la mejor oportunidad de explorar diversas maneras de representación y comunicación, por lo que el goce estético está determinado por la multiplicidad conceptual de la obra la cual es particularmente rica debido a que los datos de nuestra cultura nos llevan a concebir, sentir, y por consiguiente, ver el mundo según la categoría de la posibilidad.Entonces la relevancia del bioarte radica en identificar su naturaleza experimental, debido a que se constituye a partir de explorar con nuevos materiales y nuevos elementos, donde el arte se va a integrar y dar como resultado una conexión entre el artista, la obra y el futuro espectador.​​

El Bioarte, al igual que múltiples disciplinas, hace uso de las tecnologías de su tiempo que a su vez evidencia el contexto histórico, social y político de la humanidad. Gracias a ello y al gran impacto que genera en el desarrollo de la elaboración artística, ha generado una gran polémica en cuanto a la validez de esta práctica, así como a la ética que posee ya que pareciera que no se puede avanzar más allá de la obra, sin cuestionar el aspecto moral de la misma. Debido a esto son muchas las discusiones en torno a la ética del artista; los mismos se defienden a partir de la concepción de crítica que tienen sus sobras, su situación en relación con los avances biotecnológicos pone en escena conceptos como la manipulación genética; mientras que sus detractores los acusan de utilizar aquello que critican, ellos se defienden considerando que de esta manera el mensaje llega al receptor. Una de las características presentes en este tipo de proyectos es la voluntad por plantear una reflexión crítica.

El Bioarte, en términos generales, busca generar un debate relativo a cómo nos enfrentamos a las nuevas formas de vida que se nos presentan a través de estas nuevas técnicas, y estudiar hasta qué punto se puede definirlas como formas naturales o formas artificiales. Del mismo modo los argumentos tradicionales sobre la supuesta diferencia y excepción de nuestra especie están siendo cada vez más cuestionados desde distintos ámbitos científicos y artísticos: generando que los límites entre qué es y qué no es humano se difuminen. Muchos artistas buscan explícitamente participar en la discusión de tales temas. En ocasiones, esa misma preocupación genera obras de arte que son éticamente problemáticas. Esto ha llevado a una floreciente discusión ética en relación con el bioarte.

Como ejemplo de los casos que han generado controversia se tiene el siguiente: a principios de 2006, era denunciado ante Seprona (Servicio de Protección de la Naturaleza) de la Guardia Civil el museo reina Sofía de Madrid por apología de maltrato animal. La denuncia provenía del grupo Amnistía Animal. En ese entonces se estaba exhibiendo en dicho museo un vídeo de artista conceptual Jordi Benito, dentro de la exposición "el arte sucede". Aunque el vídeo fue creado en los años 80´s, se estaba exhibiendo en la primera década del 2000, bajo el código penal de 1996 qué tipifica ya como delito la apología del maltrato y la violencia hacia los animales. El museo alega que se somete siempre a la legislación vigente y qué " no se desprende del vídeo una incitación directa a perpetrar un delito". En el vídeo se muestra al artista golpeando 5 martillazos en la cabeza a una vaca viva, dentro de una sala en ruinas, para después acuchillar su garganta ya en el suelo, y recoger su sangre en una copa; este vídeo crea la sospecha de haber traspasado los límites legales vigentes, y los morales, en cualquier caso.​

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Bioarte - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El término Bioarte, también conocido como Arte Transgénico, Bio-art o arte genético, es un neologismo aparecido a principios del siglo XXI para designar genéricamente un conjunto de prácticas artísticas que relacionan arte, biología y, muy frecuentemente, tecnología.

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PINTURA Abstraccionismo Principales Artistas y Obras

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Recorremos el Museo Nacional de Arte Decorativo

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REALISMO Y NATURALISMO en la literatura y el arte

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este video fue confeccionado por los alumnos de la ESCUELA SECUNDARIA N° 2 DE GUERNICA (PTE.PERÓN) para dar su clase sobre el tema

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Visita 2 museos del estado de Puebla y rescata que fue lo que más llamó tu atención. ¿Qué estilos de arte y en que objetos se encuentran  preservados?

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Visita 2 museos del estado de Puebla y rescata que fue lo que más llamó tu atención. ¿Qué estilos de arte y en que objetos se encuentran  preservados?

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Realiza una escultura con materiales de tu Preferencia que tenga que ver con tu frase motivadora. 

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Realiza una escultura con materiales de tu Preferencia que tenga que ver con tu frase motivadora. 

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Realiza una creación artística en cartoncillo o cartulina de tu frase motivadora, inspiradora, escogiendo elementos de los estilos de  arte que más haya llamado tu atención para llevarlo a la práctica. 

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Realiza una creación artística en cartoncillo o cartulina de tu frase motivadora, inspiradora, escogiendo elementos de los estilos de  arte que más haya llamado tu atención para llevarlo a la práctica. 

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Realiza un mapa conceptual de manera general con lo que más llamó tu atención  y lo más significativo de cada uno de los estilos de arte. 

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Realiza un mapa conceptual de manera general con lo que más llamó tu atención  y lo más significativo de cada uno de los estilos de arte. 

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Romanticismo, el arte de desatar tormentas. Surgimiento, temas y ranking de obras maestras 🥇

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¿Qué es el Impresionismo en el Arte? (2021)

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Fauna extinta en la cueva más fabulosa del mundo: Chauvet, pinturas rupestres, animales del pasado

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Este aviso fue puesto el 17 de marzo de 2015.

El grabado es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones de las estampas.

Dependiendo de la técnica utilizada, la matriz puede ser de metal tradicionalmente ( cobre o zinc), madera, linóleo o piedra, sobre cuya superficie se dibuja con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos. Actualmente también se utilizan placas de diferentes materiales sintéticos que se pueden grabar de manera tradicional con punzones o mediante procedimientos fotográficos, digitales o láser.

La primera civilización en producir originales grabados fueron los Sumerios en Mesopotamia, hace 3000 años. Tallaban sus diseños en piedras pulidas con forma cilíndrica que luego hacían rodar sobre arcilla blanda dejando la impresión del diseño original. Posteriormente en China, tras la invención del papel, surgen las primeras impresiones sobre este material realizadas con matriz de piedra.​

En Japón el movimiento y el grabado tuvo su auge entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne, realizados con la técnica del Ukiyo-e.

Los primeros grabados europeos se producen en el siglo VI en el ámbito textil. Las primeras reproducciones en papel se realizaron en España en 1151. A comienzos del siglo XV se realizaron naipes con impresión xilográfica en Alemania y poco tiempo después aparecieron los primeros sellos en Inglaterra. Fue durante el Renacimiento cuando la técnica del grabado se desarrolló con mayor vigor.​

Las técnicas relacionadas con la obtención de múltiples copias de la misma imagen suelen clasificarse según los materiales y medios empleados para la consecución de la imagen. En general, suelen dividirse en tres grandes grupos, según la forma en que el artista trabaja sobre la matriz para preparar el dibujo que se imprimirá posteriormente: en relieve, planográfica y en hueco. ​

Grabados en relieve

La imagen se consigue retirando material de la plancha o matriz con distintas herramientas: entre ellas, el buril, con el cual grabaremos la imagen que deseemos ayudándonos de otras herramientas como pintura asfáltica para que el ácido no coma, de modo que la parte que queda en el plano superior se corresponde con el dibujo. Se entintará por tanto la forma en relieve, utilizando un rodillo de goma y en la impresión quedarán en blanco los huecos.

Es la técnica de grabado más antigua, en la que se emplea como matriz una superficie de madera, generalmente maderas duras como el boj, el peral o el cerezo. El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos maneras; haciendo los trazos en el sentido de la veta, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol, o bien transversalmente, haciendo cortes perpendiculares a la dirección de las fibras que conforman el tallo del árbol. En el primer caso estaremos realizando una xilografía a fibra o al hilo, y en el segundo caso una xilografía a contrafibra o a la testa. Sobre la matriz de madera se construye la imagen tallándola mediante herramientas con las que se rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco o a la ausencia de color. Suelen utilizarse cuchillos y gubias para el grabado a fibra, mientras que para el grabado a contrafibra se emplea el buril, que permite trabajar sobre superficies más duras y obtener surcos más delgados y precisos. Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con las gubias (los blancos). La imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical o un tórculo.

Se trata de una variante moderna de la xilografía, en la que se emplea el linóleo como matriz. El procedimiento para obtener la imagen es idéntico al del grabado en madera, incidiendo sobre el linóleo con gubias, de manera que las partes vaciadas quedarán en blanco y las zonas en relieve serán las que reciban la aplicación de la tinta. Al ser un material blando, el linóleo no presenta las dificultades de la veta de la madera, pero tampoco permite la finura del trazo que se puede lograr en la xilografía a contrafibra.

Grabado en plano

En esta técnica no se produce ninguna incisión sobre la matriz, la superficie permanece plana y la matriz se puede reutilizar con distintos dibujos.

Técnica empleada para conseguir la reproducción de una imagen, en la que la matriz es una piedra caliza pulida. En esta técnica no se graba la piedra, sino que se emplea la característica que tiene cierta variedad de caliza para reaccionar químicamente ante la presencia de las grasas. La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un lápiz graso que recibe el nombre de "lápiz litográfico" o con tintas especiales para litografía. Una vez realizado el dibujo se procesa la piedra con una solución de ácido y goma arábiga, consiguiendo que el dibujo quede fijado a la piedra y estable. Se humedece la piedra y la tinta se aplica con rodillo, el rechazo que ejerce la zona dibujada (grasa) sobre el agua, y el rechazo del agua sobre la tinta aplicada (también grasa) hace que la tinta solo se deposite sobre el dibujo. Para obtener las copias se utiliza una prensa litográfica.

Esta técnica fue inventada por Aloys Senefelder en 1798 y mejorada por Engelman en 1837 que le añadió el color a la impresión. Este tipo de impresión fue muy utilizada para la reproducción de pinturas. Posteriormente Toulouse-Lautrec utilizó esta técnica en sus carteles, posteriormente fue objeto de estudio de los fauvistas alemanes y Picasso realizó numerosas planchas con esta técnica.

Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se dibuja la imagen a imprimir con una materia grasa, bien sea mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad de la grasa y el agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo queda retenida en las zonas dibujadas previamente. Para cada color debe usarse una piedra distinta y, evidentemente, el papel tendrá que pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se empleen. En los carteles impresos mediante el sistema litográfico, tan frecuentes en la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, se utilizaban quince, veinte o más tintas.

La piedra litográfica es una piedra calcárea (90% de carbonato de cal). Después de ser utilizada, la piedra litográfica puede recuperarse para nuevas imágenes. En la litografía destacaron astistas como Toulouse-Lautrec, Picasso, Miró, Mondrian, Antoni Tàpies.

En Argentina, uno de los pioneros en esta técnica fue César Hipólito Bacle. Posteriormente muchos artistas se sumaron, cabe destacar el papel de la mujer en la historia de la litografía argentina: Gabriela Aberastury ,Aída Carballo ​ Sonia Delaunay , Raquel Forner , Ofelia JOfre, Jorgelina Karkatanis, Marta Loguercio , Elvira Lovera Laspiur , Maruja Mllo ,Eloisa Graziana Moras , Lucrecia Orloff ,Fayga Ostrower,Nora Patrich ,Hilda Paz,Amalia Pérez Molek, Graciela Rodo Boulanguer ,María Teresa Roig ,Hemilce Margarita Saforcada, Clara Seeber, Susana Soro entre otras.​

Es una técnica de grabado de origen chino, que se utilizó en Europa gracias al Pop-Art en los años 50 y actualmente se usa en embalajes, envoltorios y anuncios. No permite degradaciones, sino colores planos.​

La técnica consiste en transferir color al papel a través de un diseño impermeable a la tinta, se deposita sobre el papel a través de una paleta de goma. Es la única técnica de grabado que no implica una prensa para la estampación.

Se trata de un procedimiento de impresión que permite una sola reproducción, aunque puede considerarse una técnica de grabado porque utiliza como base una plancha con la que, al igual que sucede con la litografía, se trabaja sobre plano. La plancha debe ser una superficie lisa y no absorbente, generalmente porcelana, cobre pulido o cristal. El dibujo se hace con óleo, tinta de impresión o acuarela, y sobre él se coloca el papel, presionando después con la prensa de grabado para obtener una imagen invertida.

Grabados en hueco

La imagen se consigue arañando una matriz metálica, por medios mecánicos o químicos, de modo que las partes oscuras de la imagen correspondan a las incisiones, donde se depositará la tinta, quedando en blanco las partes del papel que queden en contacto con las zonas no vaciadas, exactamente al contrario de lo que sucede con los grabados en relieve. Los procedimientos en hueco se clasifican, a su vez, en procedimientos de método directo, si el grabador interviene sobre la plancha realizando incisiones para trazar la imagen, o de método indirecto, si la huella sobre la plancha se logra utilizando productos químicos.

Es la técnica en la que se construye el dibujo excavando líneas sobre una matriz de metal ayudándose exclusivamente con el buril, que es una herramienta compuesta de un mango en cuyo extremo se ha sujetado una barra de acero de sección cuadrada, a la que se le ha tallado oblicuamente la punta, de modo que deja una marca en forma de "V". El buril recuerda en su forma a un arado, y el grabador lo utiliza de una manera semejante; haciendo surcos sobre la plancha, de manera que cuanto mayor es la presión que ejerce, más profunda resulta la incisión realizada, lo que provocará que se aloje en ella una mayor cantidad de tinta.

A ambos lados de los surcos se levantan limaduras metálicas, que se aplastan con herramientas específicas llamadas rascador y bruñidor. El grabado a buril es la técnica artística más difícil para plasmar un dibujo, enlace o letra; está relacionado con la joyería por ser una gran fuente de grabados. Se graba principalmente sobre plata y oro, por ser materiales más blandos, aunque también se puede grabar materiales más duros incluso en el acero.

Esta técnica toma su nombre de la herramienta utilizada, un punzón fino y afilado que se emplea arañando una plancha de cobre con mayor o menor presión en función de la intensidad de línea que se desea. La punta de este instrumento puede ser de acero, diamante o rubí, tiene forma de aguja y con ella se trabaja a pulso, como si se tratase de un lápiz, siendo las líneas producidas más finas que las del buril.

Igual que con el procedimiento anterior, a ambos lados de la línea quedan limaduras o rebabas, que pueden quitarse con el rascador; sin embargo, a menudo se dejan,de modo que la impresión aparece ligeramente difuminada, dejando en las estampas un característico velo. Puesto que la rebaba acaba aplastándose con la prensa,es difícil realizar ediciones largas.

El nombre viene del italiano "Mezzatinta", y también se llama "grabado a la manera negra". Consiste en conseguir un tono oscuro y uniforme en la totalidad de la plancha, que se va matizando hasta conseguir el blanco, mediante un proceso de bruñido de la superficie. La plancha se prepara utilizando la herramienta llamada berceau (o raedor) y se consiguen los blancos sobre el negro utilizando el "bruñidor". También se puede conseguir el negro utilizando repetidamente la técnica del aguatinta sobre la plancha hasta conseguir un tono negro profundo. Esta última técnica es llamada frecuentemente "Falsa Manera Negra".

Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de betún de Judea y cera de abeja que se puede aplicar en estado líquido o sólido, y que se deja secar. Cuando está seco, se levanta con un punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie de la plancha al descubierto. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo, se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido nítrico en el caso de una matriz de cinc, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y grabando la superficie del metal, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actúe el ácido, y la concentración de la solución empleada sea mayor.

Esta técnica es empleada generalmente en combinación con otras y se utiliza para conseguir tonos planos y texturas, el proceso es similar al del aguafuerte. La plancha se protege espolvoreando sobre su superficie polvo muy fino, de resina de colofonia. A continuación se calienta la plancha hasta que el polvo de colofonia se funde y queda adherido a la superficie de la matriz. La plancha así preparada se cubre con barniz duro para proteger las partes que no quieran ser atacadas por el ácido, generalmente lo que se quiere que quede en blanco y posteriormente se introduce en la solución de ácido, que excava alrededor de los granos de resina, este procedimiento se repite las veces y el tiempo que se crea necesario, protegiendo paulatinamente la placa, hasta lograr el objetivo. Al igual que en la técnica del aguafuerte, mayores concentraciones de ácido y mayores tiempos de exposición al mismo, significan que más cantidad de tinta se alojará en el grabado.

Otras técnicas indirectas

Barniz blando

Esta técnica consiste en emplear un barniz que al secar mantiene una textura pegajosa y que se cubre con un papel muy fino, de los denominados "de seda", sobre el que se dibuja apretando con un lápiz de grafito. Con esto se consigue que el papel de seda se quede especialmente pegado al barniz en las zonas donde se ha dibujado sobre él, de manera que cuando se ha terminado de dibujar, se retira el papel, y pegado a él el barniz de las zonas donde se ha dibujado, quedando la plancha sin protección. A continuación se introduce la plancha en el ácido, consiguiéndose el grabado sobre la superficie de la plancha. Esta técnica se emplea básicamente para obtener líneas suaves que imitan la textura del lápiz.

Tinta china con azúcar

Esta técnica es una variación del aguatinta y constituye un artificio para poder dibujar sobre la plancha utilizando tonos planos. Surge para resolver la dificultad que representaba el tener que dibujar sobre la plancha, preparada para el agua tinta, reservando las zonas donde no se desea que actúe el ácido. Para utilizar esta técnica es preciso preparar la matriz de metal cubriéndola con resina de colofonia. A continuación se prepara una solución de tinta china con azúcar, con la que se realiza el dibujo sobre la plancha, aplicándola con un pincel. Se deja secar la tinta china con azúcar y se cubre la plancha con barniz. Cuando el conjunto está seco, se introduce en agua y se diluye en esta la tinta china y el agua, quedando al descubierto la plancha y la resina en las zonas que habíamos dibujado con la tinta china y el azúcar. Al introducir la plancha en el ácido, este actuará en las zonas donde se había aplicado la tinta china con azúcar y que ahora estarán desprotegidas por el barniz.

La esmaltografía es una técnica de producción de obras gráficas mediante la aplicación de esmalte de baja temperatura sobre láminas de acero, cobre o zinc, lo que permite lograr diferentes texturas susceptibles de ser aprovechadas para la impresión de estampas.

Referencias

Enlaces externos

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Grabado - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Este aviso fue puesto el 17 de marzo de 2015. El grabado es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones de las estampas.

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¿Qué es la Arquitectura? " Su Definición y Significado 2021

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La arquitectura es el arte y el estudio de las técnicas mediante las cuales se pueden planear, proyectar, diseñar y realizar edificios o monumentos.

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Qué es Escultura:

La escultura es una disciplina de las bellas artes que crea a través de la acción de esculpir sobre materiales sólidos una forma tridimensional.

Una escultura, es también, un sustantivo que indica el objeto creado por el artista escultor. Con dicho trabajo, el escultor consigue expresar sus ideas ya sean estas figurativas o abstractas, reflejando lo que alberga la mente del artista y su habilidad técnica.

Técnicas de escultura

La técnica predilecta de la escultura clásica, del período de los antiguos griegos, era el uso del cincel para esculpir sobre un bloque de material resistente. Esculpir significa tirar pedazos de un bloque para darle la forma deseada.

Otras técnicas para crear esculturas consisten en moldear, tallar, fundir, o vaciar objetos a través del manejo o labrado de los materiales escogidos.

Materiales de escultura

Para la creación de una escultura se puede usar cualquier material, siempre que otorgue al artista la capacidad de crear formas. Se puede usar, por ejemplo, diversos materiales como la piedra, madera, barro, arcilla, oro, plata, bronce arena, hielo, fruta y mucho más.

Tipos de escultura

Las esculturas pueden agruparse por el tipo de material usado como, por ejemplo, esculturas de madera, de bronce, de mármol, de arena, entre otros. Otra forma de clasificación es por época histórica o por clase de estructura.

Esculturas por época

Escultura gótica

La escultura gótica se relaciona directamente con la arquitectura. La influencia de este estilo abarca entre los XIII y XIV de la Edad Media, y se caracterizan por quebrar los valores estéticos de la escultura románica.

En la arquitectura, las esculturas se realizaban en piedra y servían para adornar las fachadas de las catedrales como, por ejemplo, las columnas con estatuas de motivos góticos que gozaban de autonomía, así como gárgolas o monstruos para ahuyentar los malos espíritus.

Las esculturas góticas, propiamente tal, como bultos redondos, tallas funerarias, púlpitos y sillerías de coro comparten la representación de criaturas de una especie de inframundo.

Escultura románica

La escultura románica busca rechazar la representación de la naturaleza como es percibida por los sentidos, mostrando una belleza de inspiración divina.

La estructura románica se encuentra directamente relacionada a la iglesia, y por eso pueden notarse en la arquitectura de los templos y catedrales.

Escultura griega

La escultura clásica se define en las bellas artes como la escultura de la Antigua Grecia. La escultura griega abarca el período helenístico desde la muerte de Alejandro Magno en 323 a.C. hasta la muerte de Cleopatra de Egipto en 31 a.C.

Los griegos se destacaron especialmente en este arte, perfeccionando el tallado del cuerpo humano y las texturas sirviendo de gran inspiración para los artistas del Renacimiento como Miguel Ángel Buonarroti.

Clases de esculturas

Escultura cinética

La estructura móvil, o escultura cinética, se caracteriza porque sus piezas se mueven creando dentro de la escultura principal otras estructuras. El movimiento de las piezas suele favorecer el uso de la tecnología y energías renovables.

Escultura figurativa

La escultura figurativa es tomada como la primera expresión de arte del hombre. En el arte clásico, imita la naturaleza, en el arte medieval explora el retrato religioso, en el renacimiento el movimiento y en el arte moderno la emoción humana.

Dentro de las esculturas figurativas son comunes las esculturas de bulto redondo, también conocidas como esculturas exentas. Éstas se caracterizan por permitir al individuo visualizar la escultura de cualquier ángulo, debido a que no se encuentra adherida a ningún muro o pared, como sucede en la escultura adosada.

Suele ser tallada sobre piedra o materiales más duros, directamente sobre el bloque de piedra como, por ejemplo, se puede apreciar en la escultura Piedad de Miguel Ángel Buonarroti.

Cómo citar: "Escultura". En: Significados.com. Disponible en: https://www.significados.com/escultura/ Consultado:

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La escultura es una disciplina de las bellas artes que crea a través de la acción de esculpir sobre materiales sólidos una forma tridimensional. Una escultura, es también, un sustantivo que indica el objeto creado por el artista escultor.

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La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes, orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada -una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, fragmento de tejido, etc.- una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de las Conferencias de la Academia francesa hizo una jerarquía de géneros de la pintura clásica: "la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos".

La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluidos los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.

Una parte de la historia de la pintura en el arte oriental y occidental está dominada por el arte religioso. Los ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica, a escenas bíblicas del techo de la Capilla Sixtina, a escenas de la vida de Buda u otras imágenes de origen religioso oriental.

Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: " pintura al fresco" o " pintura al óleo ".

La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la " pintura histórica" o la "pintura de género") o a criterios históricos basados en los periodos de la Historia del Arte (como la " pintura prehistórica", la " pintura gótica") y en general de cualquier período de la historia de la pintura.

Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice que:​

No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo de una multitud de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.

Gombrich, Historia del arte (2002)

Y parafraseando a Arnold Hauser:

Las interpretamos (las pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales.

Ernst Bloch en El espíritu de la utopía (1918), defiende el arte no figurativo, relacionándolo con una concepción utópica del hombre, como un destino no revelado pero presente de forma inconsciente en lo más profundo del ser humano.​

Si la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa vastedad del espacio y de todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y gratuitamente de todo aquello.

Erwin Panofsky y otros historiadores del arte, analizan el contenido de las pinturas mediante la iconografía (forma) y la iconología (su contenido), primero se trata de comprender lo que representa, luego su significado para el espectador y, a continuación, analizan su significado cultural, religioso y social más ampliamente.

La historia de la pintura comprende desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.

El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra fundamentalmente en algunas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino, y en otras muestras inferiores que se encuentran en Portugal, Norte de África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet, en Francia, fechadas por algunos historiadores en unos 32.000 años, de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. Fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso. También destacan las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en actitud de caza.​

Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias, desde hace unos 5.000 años, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con los rasgos característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejor conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el "Buen Pastor". Eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. Este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.​

En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura, también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los que destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda descuellan las nuevas técnicas empleadas por Leonardo, el y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas: los frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor y humanista Durero.​

La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas, que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas. Las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas, la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación, incluso teatral y dramática mediante el claroscuro, el uso de luz y sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos, considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. La pintura barroca se caracteriza por el dinamismo de sus composiciones; se distinguieron entre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó, más alegre y festivo que el barroco. Tuvo especial importancia en Francia y Alemania.

El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix; en el Reino Unido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España, Francisco de Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista; el impresionismo, con Manet como precursor, es un estilo de pinceladas sueltas y yuxtaposición de colores que busca reconstruir un instante percibido, una impresión, sin interesarse por los detalles concretos.​

El inicio del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: el Fovismo, que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el Expresionismo, que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad; el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950, el Pop art llegó un poco después, con un conocido exponente en Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los mínimos recursos estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y gran estética.​

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.​

En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de "artesano de la pintura" al de "artista liberal" afirmando: "El trabajo más importante del pintor es la historia", con la palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas religiosas o épicas " ... la que retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines ..."​

La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales y en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En la Italia central se continuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte de la península itálica realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeña escala presentando la vida campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia hace una jerarquía de géneros de la pintura clásica: "la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos".​

La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: "El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ". Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.​

Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrandt exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: "La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental."​ En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.​ En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.​

La pintura de género o "escena de género" es el retrato de los hábitos privados de las personas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar "pintura costumbrista". Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.​

En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del "paisaje holandés", que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.​

Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado "vanitas", donde se exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.​

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria ( Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial.​

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.​

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controlan cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible. Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas - Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)- y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro.​

El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama "encaustización" y está perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: "Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos."​

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica.​

La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una "carga" de talco industrial. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela "clásica" se considera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga, aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras maestras, los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela. Según el pintor Paul Signac: "... determinados rosas violáceos de los cielos de Turner, ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache."​

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.​

La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar al finalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el "crayón" o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la barra del pastel, para aplicar el color. Muchos artistas han empleado esta técnica desde el siglo XVI, Leonardo da Vinci, fue uno de los primeros en utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros artistas son Hans Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.​

La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede agregar un poco de barniz "dammar" que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre con agua. Giorgio Vasari también empleó en su descripción la palabra temple para la composición de aceite con barniz. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli están realizadas con esta técnica.​ Según explica D.V. Thompson:

Una pintura al huevo bien hecha está entre las formas de pintura más duraderas que ha inventado el hombre. Bajo la suciedad y los barnices, muchas obras medievales al temple de huevo están tan frescas y brillantes como cuando se pintaron. Normalmente las pinturas al temple han cambiado menos en quinientos años que cuadros al óleo en treinta.

D.V. Thompson, The Materials and Tecniques of Medieval Painting (1956) Nova York.

La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más utilizados son el negro y el sepia, aunque actualmente se usan muchos otros. La tinta se aplica de varias maneras, por ejemplo con pluma o plumín, que son más adecuados para dibujo o caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de plumilla se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se utiliza básicamente como la acuarela y que se llama aguada, pero la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también está hecha con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta es el tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto con el grafito son más bien técnicas de dibujo.

A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato de calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedentes para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen mucho tiempo. Esta técnica de pintura suele ser estable y de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas, la más frecuente es la humedad que consigue la alteración de los colores ante la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho.​

Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro: "luz y sombra" como la llamó Giorgio Vasari, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico. En el siglo XIV se utilizó para esbozos preparatorios de los escultores para conseguir el efecto de relieve mediante diversas gradaciones de un solo color. Bajo el reinado de Carlos V de Francia, el uso de la grisalla fue sobre todo en la miniatura, en los vitrales y en la pintura. Su utilización será una de las características de la pintura flamenca: en el dorso de los retablos se solía representar una Anunciación en grisalla (Políptico de Gante, Jan Van Eyck, para la catedral de San Bavón en Gante). Josep Maria Sert enfatiza aún más por su evolución cromática, que termina apoyándose en un predominio de la monocromía dorada. Empleaba una gama cromática limitada: oros, ocres, tierras tostadas, con toques de carmín, utilizando como fondo una rica preparación en metal, plata y pan de oro.​

El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los primarios y complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos.​

El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica pictórica característica de la "action painting" estadounidense (pintura de acción). La pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.

Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera se le denomina grafiti. A finales del año 1970 se empezaron a ver muchas de estas obras urbanas firmadas y cada vez más elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol exclusivamente para estos artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar la superficie que se quiere pintar, así como también hay otras plantillas para letras en el mercado, aunque lo más corriente es que los propios artistas se hagan las suyas.

A veces se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage por ejemplo, que es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada) se convierte en una técnica mixta cuando tiene alguna intervención con guache, óleo , tinta o cualquier otra pintura.​

Finalmente, sería conveniente distinguir entre "procedimiento pictórico" y "técnica pictórica". Se entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar este procedimiento pictórico se denomina técnica pictórica.​

Existe información sobre los materiales empleados por los artistas en documentos escritos, notas dirigidas a otros artistas y otra fuente es el examen técnico y científico de las obras de arte. Estos exámenes sirven también para reforzar las pruebas documentales. Como es natural los materiales empleados a partir del siglo XX son mucho más numerosos y exhaustivos.​

El soporte cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas de pintura. Los soportes son muy variados, los más tradicionales son el papel, el cartón, la madera, el lienzo y los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de una imprimación especial según el procedimiento pictórico que se quiera seguir.​

La tabla de madera ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistas egipcios ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente en la Edad Media, los retablos o los frontales de altar. Su imprimación es suficiente con una capa de cola o en caso de tener que dorar con pan de oro, hay que hacer otra preparación de colas, yeso y arcilla previas, y también fue el principal soporte para la pintura de caballete europea hasta el siglo XV.​ La madera maciza empleada antiguamente se había de cubrir con tiras de tela de lino encoladas para disimular las juntas, también a veces se cubría completamente con la tela, así se evitaban posibles grietas posteriores. Así lo explica Cennino en su obra Il Libro dell'Arte del año 1390.​ Se utilizan también el contrachapado y el conglomerado, tableros prefabricados que ofrecen la característica de tener las superficies lisas y sin uniones, se encuentra el llamado táblex que además de ligero, tiene dos caras una lisa y otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita una preparación para que la pintura se adhiera a ella correctamente.​

Plinio el Viejo narró que el emperador Nerón encargó un retrato suyo sobre una tela de 36,5 metros de largo. Heraclio en su manuscrito De Coloribus te Artibus Romanorum del siglo X, describía cómo se preparaba un lienzo de lino para poder pintarlo y dorarlo, tensando la tela y preparándola con cola de pergamino. La pintura sobre tela fue utilizada sobre todo en el norte de Europa y después en Italia por su gran ligereza, a partir del siglo XVIII se hizo corriente su utilización en bastidor fijo y desde el siglo XIX se comercializó en serie.​

Los lienzos más usados son los provenientes de fibras vegetales como : el cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo, también hay soportes realizados con tejido de poliéster. Estos lienzos se pueden adquirir a metros y montarlos sobre marco el propio pintor o utilizar los que hay en el mercado de diferentes tipos y formatos. Existe una numeración internacional para las medidas de largo y ancho de cada bastidor, además tres formatos diferentes para cada número que corresponde a: "figura", "paisaje" y "marina", el tamaño de un lado es siempre el mismo y el otro va disminuyendo, por ejemplo el "40 figura" mide 100 × 81 cm, el "40 paisaje" mide 100 × 73 cm y el "40 marina" mide 100 × 64 cm. Naturalmente no hay que seguir esta regla, cada autor puede realizar su obra libremente en la medida que más desee.​ La mayoría de lienzos del mercado están preparados con aceite de linaza y tapaporos y también existen preparaciones a base de emulsiones aptos para el óleo o el acrílico, así se simplifica la preparación de imprimaciones para diferentes tipos de pintura y se obtiene siempre el mismo resultado.​

No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente durante el siglo XVI en láminas muy delgadas y por pintores del norte de Europa, como el artista alemán Adam Elsheimer. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados.​

Otro soporte para pintar es el vidrio, realizado en objetos ( jarras, vasos) con esmalte que una vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio.​ Fue el soporte para vidrieras de catedrales desde el siglo XII, donde se colocaban cristales de colores y la pintura sobre el mismo vidrio por medio de la grisalla, así se conseguía por un lado, cambiar el color del cristal de fondo y por otro, hacer los trazos de las figuras representadas, especialmente los rostros.​

Se han datado hallazgos de papel procedentes de China cerca del 200 a. C. Se da como inventor del papel al chino Cai Lun (50 a. C.-121), eunuco imperial, que mejoró la fórmula del papel, convirtiéndolo en una alternativa al papiro y al pergamino, los soportes tradicionales para la escritura, gracias al añadido de almidón que protegía las fibras vegetales. El soporte del papel es utilizado en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándares:

Papel prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbaladiza para la acuarela.

Papel prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.

Papel áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondula hay tensarlo. El gramaje apropiado para la acuarela es entre 120 g/m² subasta 850 g/m².

Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.

El pincel consta de tres partes: el pelo, la férula o virola y el mango. Se distinguen por el pelo y su forma, los planos y los de "lengua de gato" suelen ser de pelo duro y los redondos de pelo fino. Los pinceles los escogen los artistas según el trabajo a realizar y su forma de tratar la pintura. Para preparar grandes superficies utilizan las brochas grandes, el interior de las cuales está vacío para recoger una mayor cantidad de pintura, otras brochas más pequeñas ya no tienen el vacío central. Las cerdas de los pinceles suelen ser naturales provenientes de diferentes animales ( caballo, marta, cerdo etc.) o de crines artificiales. Los pinceles, requieren ser tratadas con cuidado para así prolongar su vida útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es quitar el excedente de pintura, limpiarlos con disolvente y lavarlos con jabón, secar la humedad con una franela y guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia arriba. Se utiliza también como medio para imprimir la pintura rodillos de diferentes tamaños y materiales, como los de lana, goma-espuma o fibras, esponjas naturales o artificiales y los cuchillos paleta y las espátulas metálicas de hoja flexible en formas diversas sirven para unir diferentes colores y también para pintar con ellas.​

En la diversidad de soportes, se acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura en ellos, con un tratamiento de imprimación el fondo, que alcanza una superficie pintada con el color y la textura deseada por el artista. Solían hacerse por medio orgánico como el aceite o la cola, mezclado con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivos han sido las colas de animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo, aceite o resina , el color sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra ocre. Esto definía también el efecto visual de la obra finalizada. Este color en el fondo del soporte, consigue en un blanco reflejar la luz a través de las capas de pintura y si es un color oscuro tiende a rebajar el tono de la pintura.​

Según Giorgio Vasari explica en su tratado Sobre la técnica en el prólogo técnico de ( 1550), los fondos oleosos tienen la ventaja de conservar su flexibilidad en los lienzos de grandes dimensiones y que se puedan enrollar para trasladarlos, aunque necesitan de un tiempo mayor para su secado. Durante los siglos XVII y XVIII se utilizaron mucho los fondos pintados con tonos de tierra rojizas, lo que permitía dejar algunos espacios sin poner pintura y el cuadro ganaba en uniformidad tonal. Desde el siglo XIX los fondos comerciales han sido preparados industrialmente con blanco de plomo y secante.​

Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El pigmento junto con el aglutinante forma la pintura. El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso. El disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipo depende de la clase del aglutinante empleado. Así el aguarrás diluye el aceite y disuelve la resina, y el agua disuelve la goma y una vez disuelta, también puede diluirla más.​

Según el índice de opacidad de la pintura utilizada, a medida que pasan los años, puede captar mejor el fondo de una pintura y los "arrepentimientos" del artista durante su ejecución. En pinturas realizadas anteriormente al siglo XVIII se pueden observar las partículas del pigmento mediante un microscopio, cuanto más grueso era el grano del pigmento más baja calidad tenía la pintura. Durante el siglo XIX se sintetizaron materias colorantes que se usaban como pigmentos, el azul cobalto, el amarillo zinc y el óxido de cromo entre otros. El número de pigmentos ha ido creciendo hasta la actualidad en que existe una gran variedad y todos de excelente calidad.​

Aymar, Gordon C (1967). The Art of Portrait Painting (en inglés). Filadelfia: Chilton Book Co.

Gombrich, Ernst (2002). Història de l'art (en catalán). Barcelona: Columna. .

Pedrola i Font, Antoni (1988). Materials, procediments i tècniques pictòriques (en catalán). Barcelona: Universitat de Barcelona. .

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Pintura - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes, orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo.

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Guía imprimible para alumnado autónomo... 

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Guía imprimible para alumnado autónomo... 

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Liga: https://classroom.google.com/c/NDE1MjQ0MzgwNjQw?cjc=x6xcqrn

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Receta para preparar gelatina de arándanos con yoghurt. Receta de gelatina / Postres fáciles

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Receta para preparar panqués mágicos. Receta de panqués / Postres fáciles / Postres la lechera

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Receta para preparar rollo de chocolate. Receta de postres / Postres fáciles y rápidos

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Deliciosa gelatina navideña /  Recetas de postres navideños / Cómo hacer postres navideños

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Volteado de Piña - Postres Para Diciembre

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Cómo hacer una Tarta de Tres Chocolates | Postres Creativos y Deliciosos - DeliWow

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En todos los grupos se necesita que por alumno realicen 2 Flores de papel picado naranja y 2 Flores amarillas y 1 de otro color.

2.-A
letrero referente a las víctimas de la Pandemia.
Una bolsa de arroz
Una bolsa de frijol
Dulces típicos y dulces comerciales
4 o 6 espejos medianos
Papeles de papel picado de colores
Un petate
Cruces religiosas
Canastas medianas
inciensos y copales
De comida podria ser  mole poblano, chocolate, atole, arroz con leche, cochinita pibil (todo ello de mentiritas, con plastilina, cartoncillo y papel)

Para 2.-B
Les tocaría la fruta pero que sea de plástico o unicell: Naranjas, guayabas, cañas, manzanas amarillas y rojas, mandarinas, plátanos, elotes y calabazas  decoradas.

Para 2.-C
Botellas vacías de licor, cajas de cigarros vacíos,
Calaveritas de azucar
Calaveritas de chocolate
Calaveritas de amaranto
Vasijas de barro
Cazuelas, tarros de barro

2.-D
Hojaldras económicas
Panes de muerto
Moldecitos de Sal, azucar
Vasos para agua
Veladoras
Cirios pero con una base para pararse
10 cajas grandes de huevo
20 cajas de zapato

También se necesitará que por grupo se personifique 2 alumnos (Una Catarina y un catrin).

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Octubre:
Act. 1 *Investigación del Origen, significado y elementos que lleva la ofrenda.
(agregar una foto al final de la investigación).
Fecha de entrega: 20 de Octubre del 2021

Act.2 *Investigación sobre el origen y significado de los catrines (agregar una foto al final de la investigación).
Fecha de entrega: 21 de Octubre

Act. 3 *Realización de 5 flores de papel china o papel crepe. (tomando foto del producto elaborado) / Investigación sobre la flor de cempasúchil.
Fecha de entrega: 22 de Octubre del 2021

Act. 4 *dibujo en cartoncillo 2D o 3D referente a hallowen y día de muertos.
Fecha de entrega: 25 de Octubre del 2021

Act. 5 *Calaverita literaria referente a las víctimas de pandemia.
Fecha de entrega: 26 de Octubre del 2021

Act. 6 *Entrega de material individual que le corresponde por grupo para poner  la ofrenda
Fecha de entrega: (27 de Octubre)

Noviembre:
Act. 7*Piñata navideña o corona navideña, o árbol creativo navideño) tomando evidencia del producto elaborado/ investigación de  su significado
Fecha de entrega: 8 de Noviembre del 2021

Act. 8 *artesanía navideña con materiales reciclables.
Fecha de entrega: 10 de Noviembre del 2021

Act. 9 *Una gelatina o postre creativo
Fecha de entrega: 15 de Noviembre

Act. 10 Realización de una tarjeta navideña para amigo secreto.
Fecha de entrega: 17 de Noviembre del 2021.

Forma de evaluar:
Se evaluará con la entrega en tiempo y forma de cada uno de los productos a realizar en este segundo momento del semestre A.

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CATRINA EN 3D DE PAPEL Y TAMAÑO REAL HERMOSA Y COLORIDA

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Unidad III: Análisis y conocimiento de las diferentes corrientes artísticas plásticas que se han desarrollado a lo largo del tiempo. 

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Unidad III: Análisis y conocimiento de las diferentes corrientes artísticas plásticas que se han desarrollado a lo largo del tiempo. 

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Competencias básicas a desarrollar:

·  Poseer y comprender conocimientos que aporten una base u oportunidad de ser originales en el desarrollo y/o aplicación de ideas, a menudo en un contexto de investigación.

·Que los estudiantes sepan aplicar los conocimientos adquiridos y su capacidad de resolución de problemas en entornos nuevos o poco conocidos dentro de contextos más amplios (o multidisciplinares) relacionados con su área de estudio.

Que los estudiantes sean capaces de integrar conocimientos y enfrentarse a la complejidad de formular juicios a partir de una información que, siendo incompleta o limitada, incluya reflexiones sobre las responsabilidades sociales y éticas vinculadas a la aplicación de sus conocimientos y juicios.

· Que los estudiantes sepan comunicar sus conclusiones y los conocimientos y razones últimas que las sustentan a públicos especializados y no especializados de un modo claro y sin ambigüedades.

Que los estudiantes posean las habilidades de aprendizaje que les permitan continuar estudiando de un modo que habrá de ser en gran medida autodirigido o autónomo.

Competencias generales:
·  Adquirir compromisos éticos: capacidad crítica ante los problemas tal como le son planteados y autocrítica para evaluar la calidad de la obra propia en sí misma y contextualizada.
· Capacitar para el trabajo en equipo (capacidad para colaborar con los demás y de contribuir a un proyecto común; capacidad para colaborar en equipos interdisciplinares y multiculturales.
· Obtener capacidad creativa y emprendedora (capacidad de formular, diseñar y gestionar proyectos; capacidad de buscar e integrar nuevos conocimientos y actitudes).
· Capacitar para comprender y expresarse oralmente, tener la capacidad para buscar, usar e integrar la información).

· Saber documentarse y gestionar la información específica según las materias y las tareas concretas; saber seleccionar y emplear adecuadamente las fuentes de información y su diversidad.

Competencias específicas:
·  Adquirir competencias conceptuales que permitan contextualizar e interpretar social e históricamente las tendencias y perspectivas que relacionan las artes plásticas, con la educación en diferentes contextos.
·   Relacionar de manera crítica y dialógica las lecturas con imágenes y otras representaciones vinculadas a las artes plásticas teniendo la educación en diferentes contextos.
·
·  Diseñar y portar a término proyectos de intervención social e institucional en el campo de las artes plásticas y la educación en diferentes contextos.
Diseñar materiales formativos y educativos relacionados con las artes plásticas.

Propósito de conocer he idénticar las diferentes corrientes artísticas:

En un sentido general, el arte es cualquier actividad humana que recurre a emociones y al intelecto para crear obras que tienen características estéticas

"Todo niño es un artista. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer", dijo Pablo Picasso. Para entenderlo, basta con fijarse en los niños que son capaces de tomar un lápiz y garabatear en una hoja de papel mucho antes de poder hablar: desde este punto de vista, el arte es sinónimo de creatividad, por consiguiente, es importante tanto para el desarrollo de habilidades y conocimientos, así como para implementar el aprendizaje y la experiencia.

El arte está estrechamente relacionado con la naturaleza humana. Las diferentes formas de representación artística corresponden a la necesidad o, más bien, a la característica fundamental de expresarse que poseen los seres humanos. El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación, ya que el artista a través de su creación transmite no solo emociones, sino también mensajes, y nos hace reflexionar sobre nuestra existencia, los problemas sociales o la vida en general. Desde esta perspectiva, se convierte en una herramienta que puede cambiar o educar a una sociedad.

Como terapia, el arte puede brindar paz, felicidad, amor, esperanza a los seres humanos: por ejemplo, en situaciones donde las personas necesitan escuchar la música para curar su tristeza, ver comedias teatrales para reír, ver películas para soñar o simplemente para divertirse, aprender a conocer el pasado o contemplar obras artísticas para apreciar su belleza.

El arte es el reflejo de la cultura humana, por eso sirve para conservar el patrimonio cultural de un pueblo y transmitirlo de generación en generación. Además, es subjetivo, se expresa en un lenguaje universal y comprensible para cualquier ser humano, ya que apela a nuestros sentidos, emociones y facultad de pensar. La educación, hoy en día, se sigue basando en obras artísticas del pasado, porque estas -en sus diferentes manifestaciones- nunca han perdido su importancia para la sociedad.

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Las manifestaciones artísticas son expresiones creativas que, mediante el uso de diversos recursos, permiten a las personas mostrar sus ideas, emociones y la percepción que tienen sobre el mundo exterior.

El arte y los seres humanos han estado ligados históricamente; por ello se entiende al arte como una necesidad social. Gracias a este tipo de manifestaciones, los artistas cuentan con un espacio abierto para plasmar, de manera explícita o alegórica, el fruto de su imaginación y su punto de vista sobre el entorno que les rodea.

La expresión de cada artista, a su vez, es diferente dependiendo de sus experiencias personales, las inquietudes, miedos, sensibilidad y capacidad de expresión.

Las manifestaciones artísticas son capaces de emitir mensajes llenos de contenido a través de mecanismos alternativos a la palabra, como la pintura, el color, la danza o la música.

He allí su importancia, ya que el manejo de los recursos artísticos hace posible la libre expresión de ideas a través de la creatividad y la subjetividad de los artistas.

La manifestación artística es exitosa cuando el artista logra transmitir su mensaje a los admiradores de su obra. Por ende, estas representaciones son entendidas como un medio de comunicación.

Tipos de manifestaciones artísticas

Las manifestaciones artísticas se clasifican, básicamente, en cuatro géneros: literatura, música, expresiones corporales y artes plásticas.

La literatura es una expresión artística meramente verbal, que abarca diferentes subgéneros en su haber, tales como: la narrativa, los ensayos, la poesía y el teatro.

La literatura es entendida como una forma creativa de comunicarse mediante la retórica, la gramática y la poesía.

La música es un arte caracterizado por la emisión de sonidos a través de los principios de la melodía, el ritmo y la armonía.

Estos sonidos pueden ser generados no solo con la voz humana, sino también mediante el uso de instrumentos musicales.

Una de las características más singulares de la música es lo placentero que resulta escucharla, lo cual hace de la música un medio de comunicación cuya efectividad depende de la sensibilidad del receptor.

3- Expresiones corporales o del espectáculo

La danza es un medio de expresión corporal altamente estético, basado en la práctica de movimientos vigorosos y armoniosos. El uso de la música como fondo para la danza es opcional.

El cine también se encuentra en esta categoría. Este último fue considerado como una de las siete bellas artes en el siglo XX, gracias a su popularidad como medio de expresión artístico a nivel mundial.

Esta categoría incluye la pintura, la arquitectura y la escultura.

La pintura es ampliamente reconocida por ser una expresión artística meramente visual, la cual, a través del uso del color, formas, texturas y trazos, es capaz de transmitir un mensaje con alto contenido estético y emocional.

En el caso de la arquitectura, esta es entendida como una expresión artística gracias a la creatividad que amerita para diseñar edificaciones que sean armoniosas con el espacio en el que se encuentran inmersas.

La escultura es una expresión artística que consiste en modelar, tallar o esculpir materiales como piedra, metal, barro, porcelana, arcilla, hormigón o madera, con la finalidad de crear obras tridimensionales.

Las artes audiovisuales incluyen todas aquellas expresiones artísticas centradas en lo visual, ya sea fotografía, video, mapping, videoclip musical, animación, podcasts, videoarte, esculturas sonoras, infografía, etc.

Una película de animación de Disney o una exposición de fotografías de Robert Frank son ejemplos de artes audiovisuales.

Las performances o "acciones artísticas" traducido al español, son espectáculos en los que se combina cualquiera de las anteriores manifestaciones artísticas desarrolladas (danza, música, artes plásticas, etc.), es decir, son interdisciplinarias.

Se caracteriza por ser totalmente aleatorias, sin ningún tipo de estructura o razón de ser. Por lo general suelen ser controvertidas, buscan la interacción con la audiencia, se llevan a cabo en la calle y están pensadas para que cada cual se haga una idea de lo que se quiere expresar.

Relacionada con el vanguardismo, una de las performances más conocidas es "La composición del silencio", en la que durante 4 minutos y 33 segundos el pianista John Cage se puso delante de un piano sin tocar una sola nota.

1. De Sá Tavares, D. (s.f.). Cuáles son las 7 bellas artes. Recuperado de: educacion.uncomo.com

2. Las diferentes manifestaciones artísticas son una herramienta para resolver conflictos (2012). Centro virtual de noticias de la educación. Bogotá, Colombia. Recuperado de: mineducacion.gov.co

3. Manifestaciones Artísticas (s.f.). La Habana, Cuba. Recuperado de: ecured.cu

4. Mata, I. (2011). Expresión artística. Recuperado de: expresionartisticauno.blogspot.com

5. Significado de Bellas Artes (2017). Recuperado de: significados.com

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Las manifestaciones artísticas son expresiones creativas que, mediante el uso de diversos recursos, permiten a las personas mostrar sus ideas, emociones y la percepción que tienen sobre el mundo exterior. El arte y los seres humanos han estado ligados históricamente; por ello se entiende al arte como una necesidad social.

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El arte es, sin lugar a dudas, una forma que tiene el artista de expresar sus emociones, ideas, sentimientos y pensamientos de una manera sutil y hermosa.
El arte, abarca amplias ramas como la pintura, la música y la literatura, es una forma de comunicación. Los artistas reflejan su modo de ver el mundo a través del arte que realicen.
En el caso de las artes plásticas esta comunicación es a través de los colores, las formas y las tonalidades. Usualmente se asocian con la alegría tonalidades más intensas del estilo del rojo y el amarillo, mientras que a la tristeza es asociada a negros y grises.
Otra forma de expresion es a través de las letras y los escritos. Esta es una poderosa manera de transmitir ideas de forma más directa, ya que el autor tiene la posibilidad de escoger entre los géneros épico, lírico y dramático. Se puede hacer uso de una innumerable cantidad de recursos expresivos tales como metáforas, hipérboles, antítesis, paradojas y muchos otros. El escritor puede reflejar su sociedad críticamente con un punto de vista objetivo, o abordar la realidad con un tono más romántico, acercándose más a los verdaderos sentimientos de quien escribe.
La música cobra especial relevancia, especialmente la escritura de letras, ya que, de manera similar a la literatura, permite transmitir a quien escucha las canciones los sentimientos y pensamientos más íntimos. Es un método bello para comunicarse a través de la musicalidad.
Existen muchas otras formas de arte que les permiten a los artistas hablar con el espectador, entre ellos la escultura, la danza, el teatro, el cine, la arquitectura, la fotografía; todas ellas con peculiaridades que las hacen un mundo por explorar. Son únicas y cada una más interesante que la anterior. Sería imposible abarcarlas todas, y absurdo no practicar ninguna.

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Arte como forma de expresión - Arteuniversal.com.br

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El arte es, sin lugar a dudas, una forma que tiene el artista de expresar sus emociones, ideas, sentimientos y pensamientos de una manera sutil y hermosa. El arte, abarca amplias ramas como la pintura, la música y la literatura, es una forma de comunicación.

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¿De que manera el arte es una forma de expresión? 

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¿De que manera el arte es una forma de expresión? 

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Realiza un breve resumen de cada uno de los estilos de arte revisados en este tercer momento.  (agrega una imagen significativa al finalizar cada concepto).

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Realiza un breve resumen de cada uno de los estilos de arte revisados en este tercer momento.  (agrega una imagen significativa al finalizar cada concepto).

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Recuerda subir tus actividades al classroom institucional.

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Manifestaciones artísticas y su importancia en la Historia | Arte y Cultura

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Para tener noción de lo que es arte observa a tu alrededor;si te as dado cuenta, procuramos embellecer todo lo que nos rodea ejemplo , claro es el de plato en el que comen, la pulsera, collar, aretes, o ropa que esta usando.

El termino arte se refiere (ars) que significa ganas de hacer algo, por lo que denominas arte como el conjunto de reglas para hacer algo bien.

El arte es un fenómeno social con fines comunicativos que nace de la necesidad que nace del hombre para expresarse y comunicarse pues este lo crea mediante formas, colores, sonidos y movimientos, da forma ala emotividad y permite transmitir información con mensajes específicos o sentimientos expresivos.

Los antiguos griegos dividían las artes en superiores y menores siendo las primeras aquellas en las que no es necesario entran en contacto físico con la obra de arte en cuestión, pues se puede apreciar por medio de la vista y el oído considerados los sentidos superiores por lo tanto las artes superiores arquitectura la escultura la pintura la danza la declamación que incluye la poesía y la música que incluyen al teatro,mientras que las rates menores aprecian por el olfato el tacto y el gusto es decir por los sentidos menores, con los que es necesario establecer con el objeto en esta clasificación se encuentra la gastronomía la perfumería y la artesanía.

PINTURA: Es el arte de plasmar sobre una superficie imágenes que reflejan sentimientos y estados de animo con dibujos y colores y los motivos que se expresan pueden seer reales o imaginarios.

ESCULTURA: Es el arte de tallar esculpir o moldear formas expresivas con volumen y en tercera dimensión la cultura puede relizarce a base de diversos materiales tales como: piedra madera marfil hierro alambre acero vidrio y materiales plásticos.

ARQUITECTURA: Es el arte de ciencia de proyectar diseñar construir espacios habitables que cumplan una función determinada y proyectan belleza.

FONÉTICAS: Arte en el que el instrumento por excelencia es la palabra qui se engloba el conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, poca o genero.

MÚSICA:Es el arte que combina y organiza sonidos conforme a principios con la melodía, armonía y ritmo.

DANZA:Arte que se da por movimientos corporales rítmicos generalmente acompañados de música por medio de los cuales se comunican y expresa el artista.

Este arte junto con el teatro es considerado mixto debido a que combina la representación corporal con la música.

TEATRO:Es el arte escénico en el que se representan historias por medio de la actuación empleando una serie de recursos como la escenografía, el discurso y la música.

EL ARTISTA Y SU MANIFIESTO

Se conoce como un artista a toda aquella persona que produce arte son artista desde los chamanes que dibujan murales en la antigüedad hasta lo dibujantes y pintores modernos.De este modo el artista es un ser sensible a su entorno debido a que para poder entrar en el drama que lo rodean tiene que involucrarse empaparse de la vida para poder comprender las manifestaciones artísticas que a desarrollado los diversos artistas de la historia.

El artista debe salir de lo cotidiano innovar romper paradigmas enfrentarse a las tradiciones ser auto critico aplicar su creatividad y salir de lo ya establecido moldeando su emotividad ya sea utilizando nuevos materiales o combinando técnicas es decir siendo original todo para expresarse a tal grado que en el espectador se despierte el sentimiento que se quiere transmitir y por lo tanto se difunda el mensaje deseado.

Es importante tener en cuenta no esta en dominio total de sus emociones es decir que no las selecciona al momento de crear una obra sino que tanto estas como sus rasgos personales y conocimientos artísticos surgen el momento definiendo su estilo.

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NOCIONES GENERALES DEL ARTE - yes.mychartes

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Para tener noción de lo que es arte observa a tu alrededor;si te as dado cuenta, procuramos embellecer todo lo que nos rodea ejemplo , claro es el de plato en el que comen, la pulsera, collar, aretes, o ropa que esta usando.

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Se considera Bellas Artes a todas aquellas formas artísticas que buscan la representación estética de la belleza o de la realidad independientemente de su funcionalidad o de su objetivo práctico. Mientras que normalmente se confunde al concepto de Bellas Artes sólo con pintura, la verdad es que el mismo incluye otras formas artísticas tales como la escultura, la arquitectura, la música, la danza, el cine, el teatro y otras más novedosas como la fotografía o el diseño.

En la antigua Grecia era frecuente la división de las artes en superiores y menores. Por definición las superiores todas aquellas que se podían apreciar con lo sentidos "superiores" (incluyen la visión y el audición), se consideraba que no era necesario un contacto táctil para apreciar la belleza. Básicamente las bellas artes eran 6:

La arquitectura es el arte y técnica de proyectar y diseñar edificios, estructuras y espacios. Así, para los antiguos griegos el arquitecto era el jefe o director de la construcción y la arquitectura la técnica o arte de quien realizaba el proyecto y dirigía la construcción de los edificios y estructuras.

Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo, que cumplan una función y provoquen placer estético o admiración al espectador.

Arte y ciencia de diseñar construcciones.

Arte de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter.

2) Danza
La danza o el baile es un arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. En este sentido, la danza también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos.

3) Escultura
Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.

Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Es el arte de tallar, esculpir o moldear.

Arte de crear o recrear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional.

Toda materia moldeable dentro del entorno físico.

La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
4) Música

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre.

Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo.

5) Pintura
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo.

Arte de la representación gráfica utilizando pigmentos, mezclados con otras sustancias aglutinantes, orgánicas o sintéticas.

Consiste en aplicar, en una superficie determinada, una técnica determinada para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, dando lugar a una obra de arte según los principios estéticos.

La literatura en su sentido más amplio, es cualquier trabajo escrito; aunque algunas definiciones incluyen textos hablados o cantados. En un sentido más restringido y tradicional, es la escritura que posee mérito literario y que privilegia la literariedad, en oposición al lenguaje ordinario.
6) Literatura

Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia.

La Cinematografía como 7mo Arte

La cinematografía es la técnica y arte de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o de película, o film, o filme). La palabra "cine" designa también las salas de cine o sala de proyecciones en los cuales se proyectan las películas.

Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve, conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la danza y la arquitectura, entre otros.

Se le puede llamar cine o cinematografía al arte de reproducir fotogramas de forma rápida y sucesiva, lo cual ocasiona una ilusión por medio de la cuál se percibe que las personas u objetos se mueven. También se le llama Cine al lugar en donde se reproducen las películas; sin embargo, en esta ocasión nos referimos al lugar y no al arte. El origen etimológico de la palabra cine proviene del griego "kine" el cual hace referencia al movimiento. El Octavo puesto se lo gana la

Separados notablemente del resto de artes, la octava y la novena de las artes fueron declarados casi por consenso como Bellas artes, sin embargo pueden que también se consideren como derivados de otras dos artes conocidas como: Cinematografía y Pintura. ¿Octavo y Noveno Artes?

Fotografía.

8) La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas. Este arte fue considerado por un tiempo como una extensión de la Cinematografía.

El Noveno puesto como arte es para la
Historieta.

9) Se llama historieta o cómic (plural cómics), a una serie de dibujos que constituyen un relato, con o sin texto, así como al medio de comunicación en su conjunto. Al cómic o historieta se le ha llamado "noveno arte", aunque posiblemente es más antiguo de lo que pensamos y es una de las aplicaciones más directas del dibujo.

Esto nos deja con el vencedor, La Batalla por el Décimo Arte
Se ha tratado de encontrar el Décimo arte siguiendo el camino de la lógica, los principales candidatos para este puesto son: La gastronomía, la perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y Los Videojuegos.
Analizando, La publicidad, la gastronomía, la perfumería y la televisión son más "Artesanías" que arte porque cumplen con una función y UTILIDAD MANUAL. La Animación entra en la categoría de ARTE SECUENCIAL al igual que la historieta o novela gráfica. La Moda generalmente muere casi al momento de crearse.

Los Videojuegos. Es capaz de transmitir sentimientos, emociones y pensamientos mas allá de los gráficos, o al menos es así para nosotros los Gamers. Sobresaliendo de su categoría como Arte secuencial, sin embargo no ha sido reconocido oficialmente como una bella arte. Para mí ya es tiempo.

Se considera Bellas Artes a todas aquellas formas artísticas que buscan la representación estética de la belleza o de la realidad independientemente de su funcionalidad o de su objetivo práctico. Mientras que normalmente se confunde al concepto de Bellas Artes sólo con pintura, la verdad es que el mismo incluye otras formas artísticas tales como la escultura, la arquitectura, la música, la danza, el cine, el teatro y otras más novedosas como la fotografía o el diseño.

En la antigua Grecia era frecuente la división de las artes en superiores y menores. Por definición las superiores todas aquellas que se podían apreciar con lo sentidos "superiores" (incluyen la visión y el audición), se consideraba que no era necesario un contacto táctil para apreciar la belleza. Básicamente las bellas artes eran 6:

La arquitectura es el arte y técnica de proyectar y diseñar edificios, estructuras y espacios. Así, para los antiguos griegos el arquitecto era el jefe o director de la construcción y la arquitectura la técnica o arte de quien realizaba el proyecto y dirigía la construcción de los edificios y estructuras.

Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo, que cumplan una función y provoquen placer estético o admiración al espectador.

Arte y ciencia de diseñar construcciones.

Arte de entretenimiento y familiares, cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga carácter.

2) Danza
La danza o el baile es un arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. En este sentido, la danza también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos.

3) Escultura
Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.

Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.

Es el arte de tallar, esculpir o moldear.

Arte de crear o recrear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional.

Toda materia moldeable dentro del entorno físico.

La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
4) Música

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre.

Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo.

5) Pintura
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo.

Arte de la representación gráfica utilizando pigmentos, mezclados con otras sustancias aglutinantes, orgánicas o sintéticas.

Consiste en aplicar, en una superficie determinada, una técnica determinada para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, dando lugar a una obra de arte según los principios estéticos.

La literatura en su sentido más amplio, es cualquier trabajo escrito; aunque algunas definiciones incluyen textos hablados o cantados. En un sentido más restringido y tradicional, es la escritura que posee mérito literario y que privilegia la literariedad, en oposición al lenguaje ordinario.
6) Literatura

Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia.

La Cinematografía como 7mo Arte

La cinematografía es la técnica y arte de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o de película, o film, o filme). La palabra "cine" designa también las salas de cine o sala de proyecciones en los cuales se proyectan las películas.

Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve, conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras características correspondientes a la danza y la arquitectura, entre otros.

Se le puede llamar cine o cinematografía al arte de reproducir fotogramas de forma rápida y sucesiva, lo cual ocasiona una ilusión por medio de la cuál se percibe que las personas u objetos se mueven. También se le llama Cine al lugar en donde se reproducen las películas; sin embargo, en esta ocasión nos referimos al lugar y no al arte. El origen etimológico de la palabra cine proviene del griego "kine" el cual hace referencia al movimiento. El Octavo puesto se lo gana la

Separados notablemente del resto de artes, la octava y la novena de las artes fueron declarados casi por consenso como Bellas artes, sin embargo pueden que también se consideren como derivados de otras dos artes conocidas como: Cinematografía y Pintura. ¿Octavo y Noveno Artes?

Fotografía.

8) La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas. Este arte fue considerado por un tiempo como una extensión de la Cinematografía.

El Noveno puesto como arte es para la
Historieta.

9) Se llama historieta o cómic (plural cómics), a una serie de dibujos que constituyen un relato, con o sin texto, así como al medio de comunicación en su conjunto. Al cómic o historieta se le ha llamado "noveno arte", aunque posiblemente es más antiguo de lo que pensamos y es una de las aplicaciones más directas del dibujo.

Esto nos deja con el vencedor, La Batalla por el Décimo Arte
Se ha tratado de encontrar el Décimo arte siguiendo el camino de la lógica, los principales candidatos para este puesto son: La gastronomía, la perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y Los Videojuegos.
Analizando, La publicidad, la gastronomía, la perfumería y la televisión son más "Artesanías" que arte porque cumplen con una función y UTILIDAD MANUAL. La Animación entra en la categoría de ARTE SECUENCIAL al igual que la historieta o novela gráfica. La Moda generalmente muere casi al momento de crearse.

Los Videojuegos. Es capaz de transmitir sentimientos, emociones y pensamientos mas allá de los gráficos, o al menos es así para nosotros los Gamers. Sobresaliendo de su categoría como Arte secuencial, sin embargo no ha sido reconocido oficialmente como una bella arte. Para mí ya es tiempo.

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Se considera Bellas Artes a todas aquellas formas artísticas que buscan la representación estética de la belleza o de la realidad independientemente de su funcionalidad o de su objetivo práctico.

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Fechas de entrega en correo institucional:
carolina.ber.jua@cecsur.com

Primer momento:

Fecha de entrega: Viernes 10 de septiembre
Cuestionario Pandemia
Evaluación diagnóstica
Frase Motivacional creativa

Fecha de entrega: 13 de septiembre
Cuestionario, situación de contexto "Creando me encuentro".
Cuestionario 1 (Concepto de arte)

Fecha de entrega: 17 de septiembre
Cuestionario 2 (Importancia del arte)

Fecha de entrega 21 de Septiembre:
Cuestionario a contestar parte 3 (Bellas artes)

Fecha de entrega: 24 de Septiembre :
Manifestaciones artísticas

Fecha de entrega: 30 de Septiembre:
Cuartilla de reflexión arte y orientación vocacional
Cuartilla de aprendizajes significativos y autoevaluación

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Recuerden que deben usar su correo institucional para abrir classroom. Los alumnos que tengan dificultad para obtener su correo institucional, pueden enviar sus actividades al correo:   carolina.ber.jua@cecsur.com

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Recuerden que deben usar su correo institucional para abrir classroom. Los alumnos que tengan dificultad para obtener su correo institucional, pueden enviar sus actividades al correo:   carolina.ber.jua@cecsur.com

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Tema: Sala de reuniones de Educación Artística: Mtra. Carolina Marisol Bermúdez Juárez

ID de reunión: 664 639 9621
Código de acceso: Dg1pFK

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Reflexionemos  de manera individual, la situación planteada de contexto, en un cuestionario elaborado en Classroom. 

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Reflexionemos  de manera individual, la situación planteada de contexto, en un cuestionario elaborado en Classroom. 

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Situación en contexto:.          "Creando me encuentro"

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Situación en contexto:.          "Creando me encuentro"

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Dos amigas del bachillerato de un Centro Escolar , se encuentran, después de año y medio de no verse, se saludan y comparten sobre su situación actual familiar; Itzel comparte que su padre falleció tristemente en la pandemia y  a su mamá no le alcanza para pagar todos los gastos de su casa, que a ella le gustaría ayudarle y aportar algo a su hogar y no sabe que hacer; su amiga  Yareth le comparte que su madre se quedó sin empleo, ya que hubo recorte en la empresa empacadora donde trabajaba.
Ambas expresan que se sienten muy estresadas y que les gustaría hacer algo por sus familias, Itzel le expresa que ella dibuja en sus tiempos libres muy bien que tal vez podría vender algunos de sus lindos dibujos, también comenta que le gustaría aprender a tocar la guitarra porque ama cantar y que ahí podría conseguir otra entrada de dinero, Yareth le expresa que le gusta reciclar objetos y desarrollarlos en algo creativo y usables, expresa que disfruta mucho ese tiempo y que le quedan muy bonitos que tal vez podría vender algunas de sus creaciones, ambas se muestran emocionadas por las posibles soluciones a su problemática financiera de sus hogares.

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El arte es una forma de soltar emociones y expresarse libremente, cuando esta manifestación artística se junta con lo que es la plasticidad, que significa inventar y crear cosas con materiales determinados, concediendo así como resultado las artes plásticas. En siguiente post, te explicamos qué son y qué tipos de artes plásticas existen. Además, sus principales características y mucho más.

Qué son las artes plásticas

Las artes plásticas hacen referencia a todas aquellas manifestaciones artísticas del ser humano, que hacen uso de materiales flexibles y moldeables; para así conseguir una figura o un producto final deseado.

Generalmente, en las artes plásticas el artista expresa su perspectiva imaginación o visión específica de lo real, a través de la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la cerámica, la orfebrería, la artesanía y la pintura mural. Es importante destacar que, no únicamente se basa en esculturas; lo cual es lo primero en lo que se piensa al hablar de plasticidad.

El término "artes plásticas" es muy utilizado en Bellas Artes para diferenciar a las artes visuales, que deben ser percibidas por el espectador, de las que implican también el sentido del oído (texto recitado, música), como las artes escénicas.

Cuando un artista es principiante en este tipo de arte, normalmente se enfoca en diferentes disciplinas plásticas al mismo tiempo, pues todas parten de principios y aspectos comunes similares, tales como: la forma, el color, la textura, el fondo, la profundidad e incluso el movimiento.

Hoy en día, las artes plásticas ocupan uno de los principales productos artísticos de los museos, y son, al igual que las artes escénicas, la literatura, el cine, la música y la fotografía, las más grandes expresiones contemporáneas del arte.

Tipos de artes plásticas

Las artes plásticas se clasifican, generalmente, en distintos tipos, entre ellos destacan:

Pintura: Esta disciplina artística utiliza sustancias cromáticas obtenidas a través de diversos mecanismos para aplicar color sobre una superficie lisa y de fondo neutral, como el lienzo, para crear con dichas tonalidades una representación realista o abstracta del entorno que nos rodea.

Escultura: El artista hace uso de sus manos en esta disciplina de arte, además, de otras herramientas para moldear, cortar, pulir y, en fin, dar de esta manera una forma determinada a elementos duraderos, como las piedras de diversa naturaleza, o a materiales moldeables que posteriormente endurecen, como el yeso.

Dibujo: Esta disciplina se basa en representar las perspectivas de lo apreciable a simple vista o de lo imaginario a través de leves trazos en un papel que se realizan con un lápiz, carboncillo, tinta o algún otro material que sirva para dibujar.

Orfebrería: Consiste en la elaboración de piezas artísticas a través de la manipulación y el fundido de metales, especialmente de metales preciosos como el oro y la plata.

Grabado: De forma similar al dibujo, el grabado estampa gestos, letras u otros símbolos sobre una superficie, pero en este caso una dura y resistente como, por ejemplo, metales laminados.

Cerámica: Al igual que la escultura, la cerámica imprime forma (y ocasionalmente color) a una masa de un material moldeable, para posteriormente extraerle de forma natural o en un horno el componente de agua y, al secar, endurecerlo y, así quede como producto final, rígido y brillante.

Artesanía: Es la técnica de producción de objetos o recipientes simples, de uso habitual, a través de materiales flexibles y herramientas sencillas, a menudo la mano del propio artista.

Características de las artes plásticas

Las artes plásticas comparten diferentes conceptos básicos que determinan su particular forma de expresar sus contenidos, por ello las principales características de este arte son:

Toda superficie rodeada se convierte en figura, por ende, lo restante se transforma en fondo. Es decir, todo objeto sensible, existe contra un fondo; la figura tiene calidad de cosa, o sea, que todo lo demás que está detrás de la figura es considerado como fondo. La figura es, generalmente más pequeña, el color es más intenso y compacto en la figura que en el fondo.

Es el resultado de un proceso de creación, en el que, unificando los materiales, las técnicas y la organización, la idea cambia, transformando así las impresiones sensoriales,las fantasías mnémicas y aumentando a su vez la experiencia del espectador al contemplar la obra.

Pintura: El Guernica (1937), Pablo Picasso.

Escultura: El pensador (1904), Auguste Rodin.

Cerámica: Los jarrones cerámicos (s. XIX), Théodore Deck.

Dibujo: Los bocetos de bailarinas (1880), Edgar Degas.

Orfebrería: El altar de San Ambrosio de Milán (c. 850), realizado por Vuolvinus

Grabado: La serie de grabados de Goya bautizados "Los Caprichos" (1746−1828).

Es larecolección de datos y la forma de cómo se recolectan, de esta forma, se vivencia, se aprecia y se capta el entorno desde diferentes puntos de vista. La percepción es sensible cuando se encuentran nuevos conocimientos, así estos se unen con las experiencias anteriores; surgiendo así una nueva perspectiva de determinadas cosas,lo cual se persigue en este tipo de arte, innovar y expandir.

Es el quese le da a las obras de arte con el uso de pigmentos y materiales, que al ser expuestos a la luz blanca, absorben todos los colores del arcoíris, salvo uno, dicho color reflejado es lo que perciben las retinas.

Esta tiene que ver con la geometría de las cosas, con su regularidad o irregularidad, con sus límites apreciables a simple vista.

Es perceptible a través del tacto y la vista también, se caracteriza por superficies de relieves, rugosidad, lisura o filo; al percibir la obra, su capa externa transmite diversas sensaciones.

En ocasiones, las obras plásticas también pueden contar con movimiento. No solo es una forma de realzar la obra, sino que además es la transformación de la solidez a formas y colores hipnóticos que mantienen al espectador inmerso en este tipo de arte.

Obras destacadas de artes plásticas

Estas son algunas de las obras más destacadas de cada una de las disciplinas plásticas:

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Qué son las artes plásticas, tipos y características

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El arte es una forma de soltar emociones y expresarse libremente, cuando esta manifestación artística se junta con lo que es la plasticidad, que significa inventar y crear cosas con materiales determinados, concediendo así como resultado las artes plásticas. En siguiente post, te explicamos qué son y qué tipos de artes plásticas existen.

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Por Arminda García/El Nacional

Estas dos definiciones, arte y cultura, usualmente se utilizan de manera indistinta, pues están relacionadas con aspectos muy afines. Ambos términos, abarcan el resultado de todo esfuerzo artístico que identifica a la sociedad, su estilo de vida y la forma de verse a sí misma. La cultura, se refiere a las convicciones, a la ideología y al pensamiento, que identifica a un grupo social. Por su parte, el arte permite generar expresiones artísticas, en base a diversos símbolos, técnicas y materiales, aplicando la creatividad o inventiva del creador.

Por otro lado, no se debe considerar que la cultura solamente se refiere a las ideas de los individuos, pues, todo lo que sea creado por la humanidad debe ser observado como un valor cultural. Incluye, manifestaciones como el folclore, las costumbres, tradiciones culturales, modas, doctrinas, políticas, economía, ciencia, tecnología y mucho más. Del mismo modo, permite la metamorfosis y actualización de los aspectos estéticos, que a través de la innovación, cuestionan lo preestablecido, en cuanto a modelos ya aceptados.

Así, el arte también plasma los diversos rasgos de la cultura, especialmente en este mundo actual, donde están presentes toda clase de expresiones artísticas, a causa de la gran mezcla de grupos sociales existentes. De esta manera, más allá de un uso utilitario, representa el desarrollo de la creatividad, de la sensibilidad, del ingenio, promoviendo la creación, para cumplir con objetivos estéticos inspirados en muchas manifestaciones, influyendo en el individuo, en la cultura y en la sociedad.

Del mismo modo, se dice que los individuos con cultura son esas personas que han desarrollado su nivel de preparación y de instrucción, así como, sus capacidades intelectuales. Igualmente, se puede afirmar que toda manifestación artística es cultura, sin embargo, para que la cultura sea arte, ésta, debe lograr que tenga un impacto en el colectivo, promoviendo su interés en la humanidad.

El arte, no solo está destinado a satisfacer el disfrute y la contemplación del público o de los consumidores de estas piezas artísticas que producen, si no que además, cumple con el objetivo de fomentar el equilibrio espiritual, la sensibilidad y la estética. Implica, abundancia de creatividad y de imaginación al momento de crear.

Es así como, se puede decir que la cultura y el arte son ambas relevantes para lograrla evolución de la sociedad, en base a las facultades intelectuales del individuo y a través de, ideas o expresiones que identifican a los diferentes grupos sociales.

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Por Arminda García/El Nacional Estas dos definiciones, arte y cultura, usualmente se utilizan de manera indistinta, pues están relacionadas con aspectos muy afines. Ambos términos, abarcan el resultado de todo esfuerzo artístico que identifica a la sociedad, su estilo de vida y la forma de verse a sí misma.

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La importancia de la educación artística

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Si, te lo has preguntando un montón de veces pero no logras llegara una respuesta concreta o a una conclusión sobre cuál es la importancia del arte en la sociedad.

Sabes que el arte es fundamental para la cultura de una sociedad, y tal vez poder debatir este tema con alguien, pero necesitas tener unos argumentos más precisos de los que tienes, porque como artista las ideas que ves son más sensibles y sentimentales que precisas.

A lo mejor eres un estudiante de este oficio y quieres saber cómo se puede vivir del arte hoy en día, y como no conoces mucho acerca del arte como profesión, dudas si esta es la carrera para ti.

Pero ¿sabes una cosa?

Vivir del arte hoy en día es totalmente posible y factible, gracias a la globalización y herramientas como Internet, la cual te ayuda promocionarte como artista y vender tu arte online.

Por eso si quieres vivir del arte o generar ingresos del mismo, primero debes estar consciente y seguro de su importancia en la sociedad.

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El efecto del arte en las personas

Los humanos son por naturaleza artistas, por ende, el origen del arte comienza con el origen de la humanidad. Desde la pintura rupestre hasta la última pieza contemporánea creada, el arte ha servido como medio, forma y fuente de expresión.

Está más que hablado y estudiado que los mensajes tienen un impacto, ya sea de forma positiva o negativa. Lo que se expresa produce en el receptor un efecto, por lo que bajo ese concepto, queda clara la importancia del arte por su cualidad de canal y de emisor.

Sin embargo, más allá de ser un transmisor de mensajes o canal de expresión, el arte, como actividad creativa, tiene un efecto liberador, curativo, y de desarrollo personal.

Además, , y los artistas, al ser seres sensibles, el arte sensibiliza crean una mejor sociedad.

¿Por qué debes estar consciente de la Importancia del Arte en la Sociedad?

Hay dos razones principales por las que tienes que tener claro la importancia del arte si quieres vivir de él.

En primer lugar, porque si no estás consciente de la importancia de tu arte, y lo útil que este puede ser para la sociedad, nadie más lo hará.

Tener claro el aporte y los beneficios que tu arte le proporciona a la sociedad te servirá para vender y crear una marca que te diferencie del resto, y no solo eso, sino que también ayudará de una forma u otra a mejorar la vida de las personas que se pongan en contacto con tu obra.

¿Cuál es la importancia del arte en la sociedad?

EL ARTE COMO TERAPIA

El arte es una forma de expresión, y como tal ejerce un efecto liberador y desestresante para quien lo practica y/o lo disfruta.

Es por esto que se utiliza en la psicología desde hace años como terapia para mejorar, sanar y dejar a un lado cualquier enfermedad mental o trastorno que una persona pueda estar atravesando, con ayuda de elementos artísticos o formas de creación de arte.

Esto despertó el bombillo de los investigadores en el área y dieron con la estrategia del uso del arte como forma de terapia cuando un método verbal no era eficiente.

El arte como terapia es una técnica de tres canales: el terapeuta, el cliente o paciente y el arte. Sin embargo, no todo es tan absoluto, pues no es necesario pasar por la consulta de un psicólogo o psiquiatra para obtener los resultados curativos del proceso creativo en el que se manifiesta el arte.

Si nos enfocamos en la terapia como tal, esta puede tener lugar en diversos escenarios, incluyendo consultas privadas, centros comunitarios, cárceles, escuelas y hospitales.

Se emplea usualmente con personas que padecen estrés postraumáticos, ya sea por abusos sexuales, o alguna vivencia traumática, como incurrir en conflictos bélicos o ser víctimas de accidentes a grandes escalas.

También se aplica con individuos que sufren enfermedades físicas como el cáncer, SIDA, con personas diagnosticadas con autismo, demencia o alzheimer, depresión, esquizofrenia u otros trastornos psicológicos, con niños con retraso escolar, problemas de atención u otra serie de dificultades que muchos infantes presentan en la actualidad, entre otros.

Gracias a que no se requiere una habilidad, o el manejo impecable de las técnicas del arte que se desee practicar para expulsar las emociones, la arteterapia la puede utilizar toda persona que así lo desee.

Con este método, los individuos logran vencer o resolver conflictos psicológicos, así como mejorar habilidades sociales y comunicativas, pues el arte representa otro medio de comunicación.

Todo esto debido a que quien lo practica lo hace en un ambiente agradable, poco invasivo, libre y utiliza su mente de una forma que le permite estar enfocado en el momento presente, dejando fluir sus pensamientos y su creatividad.

también es una herramienta empleada para el Arteterapia desarrollo personal, para aliviar tensiones del día a día y para promover el autoconocimiento.

Por lo mismo, no es necesario padecer un trastorno psicológico o trauma para acudir a esta técnica de expresión a través del arte.

Así como la terapia del arte no se emplea en una localización en específica, también se formula por medio de distintas manifestaciones artísticas (teatro, danza, pintura, música, escritura, collage, escultura).

Quien lo aplique cuenta con la libertad para expresar aquello que le angustia, le provoca miedo, le aflige, o causa frustración, dejando salir con su creatividad esas emociones que no sabía cómo manifestar de una forma convencional.

El artista o paciente que utiliza el arte como terapia es el único que tiene la potestad de darle significado a su obra.

Por eso, el terapeuta se limita a dar las instrucciones del ejercicio que crea conveniente y provee el silencio y el espacio preciso para que la actividad creativa se realice sin interrupciones externas que puedan causar distracciones y romper con el proceso de internalización.

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EL ARTE COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN Y CRÍTICA SOCIAL

Quizás hayas escuchado esta palabra o visto este tipo de manifestaciones, pero no le habías puesto un nombre.

es la contracción de las palabras arte y activismo para denominar al grupo de actividades artísticas que se desarrollan con el propósito de Artivismo promover o impulsar un cambio en la sociedad.

Estas actividades se basan en llevar la atención a un tema ignorado o "tabú", realizar reclamos para ocupar espacios públicos, o levantarse en contra de decisiones políticas que afectan al colectivo de la humanidad de forma directa o indirecta.

Los no se limitan a realizar solamente artivistas arte callejero en todas sus vertientes, sino que se ha producido a través del tiempo una nueva forma de comunicar un mensaje de una manera no lineal, en donde el receptor tiene la oportunidad de participar, responder y aportar al cambio social que el artista impulsa con su iniciativa.

Aunque su denominación sea relativamente nueva, el artivismo es una actividad que se realiza desde hace tiempo, pues el arte, en infinitas ocasiones ha servido como plataforma y herramienta de expresión para realizar cambios importantes en la sociedad.

En especial en tiempos donde la libertad se hallaba reprimida, como lo han sido las luchas independentistas, la búsqueda incansable por la democracia, o la demanda por el respeto a los derechos humanos.

Todo esto con el fin de lograr un cambio favorable deseado, o llanamente, crear conciencia sobre un tema que afecta a la humanidad.

En el artivismo se utiliza el arte para generar un cambio en la sociedad, pero sin limitarse a la exposición misma de una obra, sino que busca la participación de un colectivo para que esta cobre un sentido, o pueda llegar a su etapa culmine.

DISTINTAS FORMAS DE ARTIVISMO

INSTALACIONES ARTÍSTICAS

También, está el caso de los artivistas que realizan instalaciones ya sea en museos o en las calles.

Las surgen a mediados del siglo XX. Éstas nunca fallan cuando se trata de acaparar la atención y/o sorprender al espectador, pues suelen ser piezas de gran magnitud espacial, con temas conceptuales actuales o polémicos que se clasifican como parte del movimiento artístico contemporáneo.

En muchas ocasiones, el artista crea piezas que están logradas para que el espectador sea parte de ellas y así cobren un total sentido. Esto hace que formen parte de éste nuevo término: artivismo.

GRAFFITI

Otra forma de artivismo muy popular es el Graffiti, el cual se remonta a los años 60 en la ciudad de Nueva York, inspirado por la cultura del Hip Hop, y por la necesidad de expresar frases libremente en las calles de la ciudad.

Hoy en día obras como las del grafitero británico Bansky o las del estadounidense John Fekner buscan con su arte transmitir ideales y mensajes de concienciación social y política.

Sus obras han generado admiración y críticas, y con ellas, una gran popularidad que les ha permitido catapultarse como los grandes de su área, y desarrollar una estrategia con su marca personal.

En ocasiones estos artistas, para poder expresar su idea o manifestar su mensaje, se ven en la necesidad de violar la ley . No han sido pocas las historias de artivistas que han tenido problemas con el sistema judicial por querer realizar conciencia o un cambio social.

ARTIVISMO E INTERNET

En la última década se ha visto el fenómeno de actividades artísticas de forma colectiva o en red, impulsadas, promovidas y alcanzadas gracias a la plataforma de Internet.

Tal es el caso de Irational.org y Critial-art.net ambas agencias colectivas que promueven el arte con mensajes de crítica social, llamados de justicia y que buscan hacer reflexionar a los que tengan un encuentro con él.

Luego de familiarizarnos con el término y entender cómo sirve como canal para transmitir mensajes que buscan o promueven un cambio en la sociedad de forma colectiva, podemos enlazarlo con la era digital y cómo Internet es un medio más que utiliza el arte para enviar mensajes activistas.

Internet es una herramienta que unifica al mundo. Rompe con límites temporales, territoriales, y hasta lingüísticos. Es por esto que al momento de realizar actividades que movilicen a la sociedad y creen conciencia, no hay mejor plataforma para hacerlo que en la Red.

Mira las Redes Sociales (RRSS), por ejemplo, por ellas se canalizan mensajes y se conectan personas de todo el mundo con un solo clic.

Seguro estás familiarizado con algunos movimientos activistas que se difundieron por Twitter o Facebook, y cómo resultaron de gran impacto positivo en la sociedad, ya sea a nivel ambiental, político o simplemente por su iniciativa de crear concienciación y alerta sobre un tema que esté o no en la palestra pública.

Tú, como artista, si tienes el propósito de influir de manera consciente o subconsciente en la mente colectiva de la sociedad con el objetivo de mejorar el mundo, cuentas con la herramienta más poderosa que nos ha proporcionado esta era digital para compartir tu arte y realizar una obra por el bien común que llegue más allá de los transeúntes: Internet.

El artivismo se caracteriza por la colectividad. La obra, que es el mensaje, no sirve de mucho sin la participación de las personas.

Internet permite precisamente esto, que el número de participante sea ilimitado. Llegando a rincones del mundo que si no fuera por la Red no pudieras alcanzar, debido a que no todos tenemos la oportunidad de estar o presenciar de forma física las instalaciones, murales u obras.

Sin embargo, hoy en día podemos apreciar todos estos trabajos gracias a personas que se dedican a compartirlos por Internet, sin importar la hora o el lugar en que se realice el activismo artístico.

Y he ahí una de las grandes ventajas del arte en la sociedad.

Mientras más individuos lo vean y entiendan el mensaje que este arte en particular quiere transmitir, más oportunidades habrá de influir y generar un cambio o un impacto en la sociedad.

LA GESTIÓN CULTURAL

Otra manera de promover el arte y que se aprecie su importancia en la sociedad es a través de la gestión cultural.

Un gestor cultural es la persona que se encarga de administrar los recursos de una organización o entidad cultural, velando que los servicios y productos que ofrecen alcance al mayor número de personas posible de forma satisfactoria.

Existen distintos tipos de organizaciones culturales:

Productoras culturales: Asignan recursos para la producción de eventos culturales

Entidades de representación (Managers): Administran y promueven la carrera artística de un creador.

Un producto cultural es cualquier actividad cultural, ya sea un bien o un servicio. Podemos diferenciar varias clasificaciones de productos culturales:

: Es una actividad artística creada por una identidad para el disfrute y beneficio de una masa, la cual busca generalmente Bien cultural lucrarse de ella. Entre estas creaciones se encuentran los libros, los videos, las pinturas, las esculturas, los CD's, etc.

Debido a esto, se les consideran únicas y/o exclusivas, y se realizan, generalmente, con una finalidad Servicio cultural: Es una actividad artística creada para que se consuma en el momento de su ejecución o exhibición. Estas actividades tienen una fecha de caducidad, y no pueden ser reproducidas tantas veces como una canción o un libro, por ejemplo. no lucrativa. Algunos ejemplos son exposiciones, festivales culturales, obras de teatro, etc.

¿Por qué es importante la Gestión Cultural?

Los esfuerzos que se realizan en la gestión cultural son fundamentales para el desarrollo y el impulso de la cultura y del arte de una nación. Si no se trabaja para explotar estas actividades se dejaría morir lo que le da color y riqueza a un país.

Conociendo cuál la importancia del arte, y de cómo éste impacta positivamente la vida de quien lo realiza y de quien lo recibe, podemos identificar realmente dónde radica la importancia de esta actividad.

En ocasiones, las entidades públicas dejan el sector cultural a un lado, aislado de los recursos del estado, o recibiendo una mínima atención.

Todo esto sin entender que si no se promueve la cultura y el arte, se deja perder la esencia y las costumbres de una localidad, y no solo eso, sino que se priva a la sociedad del derecho de disfrutar de todos los beneficios que tiene el desarrollo artístico.

Se necesitan personas que entiendan y de cómo este es cuál es la importancia del arte en la sociedad, parte intrínseca de la cultura, para que este sector no viva siempre en una especie de peligro de extinción, batallando constantemente para poder subsistir.

Por eso y más debería de interesarte a ti como artista ser también un gestor cultural.

Esta profesión no debería ser ejercida por una minoría notoria, sino lo opuesto, cada ciudadano del mundo, está llamado a participar y a promover la cultura y el arte, porque es parte inherente del ser humano.

Siempre hay formas de emprender proyectos, de unirse a ideas creativas que busquen un bien social, de crear actividades para promover el arte. Solo es cuestión de dejar los miedos y de utilizar herramientas poderosas como Internet para hacerlo.

Evidentemente, una de las funciones que debes desarrollar si te interesa ser un gestor cultural, y quizás la que ocasiona más obstáculos, es la de buscar y administrar recursos, tanto humanos como económicos, y es normal que los recursos los busques a través de entidades gubernamentales o privadas.

Sin embargo, lo interesante de vivir en la era digital es que gracias a Internet no es necesaria u obligatoria la participación de estas organizaciones, o de los medios de comunicación tradicionales para poder realizar e impulsar una actividad de gestión cultural de forma independiente.

Existen distintos sitios que te permitirán recaudar fondos de una forma libre, como FundAnything y Pozible.

Estas plataformas permiten crear campañas con una meta de donaciones establecidas en un plazo de tiempo determinado. Es importante que tengas en cuenta que de todo el ingreso que obtengas, la interfaz se cobra un porcentaje por gestión y comisión, que ronda entre el 3% a 10% de las ganancias.

Conociendo esto, solo tienes que decidirte, e investigar sobre las distintas tácticas y estrategias que puedes emplear por medio de Internet para impulsar tu campaña y poder realizar la actividad artística que te interese para promover tu cultura.

LA IMPORTANCIA DE APRECIAR ARTE

La apreciación del arte es una manera alternativa y hermosa de entender la vida, a nosotros mismos y a nuestro entorno.

Cuando vemos una película, presenciamos una obra de teatro o una pieza de danza, cuando leemos literatura, cuando escuchamos música u observamos una pintura, por lo general tratamos de buscar el significado detrás de la historia que el artista quiere transmitir y lo interpretamos en función de lo que sabemos de la vida.

El lenguaje del arte, expresado a través de sonidos, colores, formas, líneas, e imágenes, a veces dice más que las mismas palabras. El arte alcanza nuestras almas, conectando lo que hay dentro de nosotros con las realidades externas.

Cuando estamos constantemente expuestos a expresiones artísticas, tendemos a desarrollar nuestra preferencia estética, y al cultivar nuestra estética personal (con respecto al arte), nos motivamos a crecer y a aprender más . Empezamos a conocer nuestro concepto de "belleza" y aprendemos qué colores, formas, imágenes, sonidos, nos dan placer.

Nos conocemos a nosotros mismos a través del arte, ya que nuestra percepción de é ste es lo que nosotros somos.

Cuando apreciamos arte, nos podríamos identificar con el artista o con los personajes que estos crean, y reflexionar sobre nuestros propios deseos y sentimientos, y también podríamos sentir emociones y deseos que no acostumbramos a sentir.

Aprendemos sobre el pasado, el presente y el futuro, cuando apreciamos arte.

Las artes nos enseñan las diferentes realidades culturales a través de generaciones, y mientras las apreciamos, somos capaces de combinar nuestra comprensión del mundo con nuestras emociones en el momento.

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La apreciación del arte nos da la oportunidad de ampliar nuestro conocimiento y de pensar creativamente. Al prescenciar arte, nos adentramos a la realidad que el artista ha creado o creamos nuestras propias realidades.

Según el profesor Semir Zeki, neurobiólogo de una universidad en Londres, cuando apreciamos fijamente grandes obras de arte, la parte del cerebro que se estimula es la misma que cuando nos enamoramos.

El sentimiento del deseo y el afecto que tenemos cuando sentimos amor por alguien, es el resultado de nuestro cerebro dejando salir dopamina, la sustancia química que nos hace sentir bien.

Experimentar o apreciar arte es calmante. Los individuos que se encuentran en un estado de depresión incluso pueden utlilizar la apreciación de obras de arte para encontrar alivio de estrés y tensión .

Y por último pero no menos importante, mientras los miembros de una sociedad estén más en contacto e inmersos en el arte y la cultura, hay menos probabilidad de que éstos se inclinen por la delincuencia y/o a la vagancia, pues el arte sensibiliza e inspira a las personas a ser mejor.

Es por esto que es fundamental el fomento de las artes y de la cultura en una sociedad.

CONCLUSIÓN

Conocer cómo puede influir el arte de forma positiva en la vida de las personas y la sociedad es una gran ventaja y sirve de motivación y estrategia para vender tu art dejar atrás tu posible miedo de vender tu arte y vivir de él.

Hoy en día no solo tienes la oportunidad de darte a conocer y vender tu arte en Internet, sino también de influir de manera positiva y generar un cambio en la sociedad con tan solo compartir una pieza tuya en la Red.

No es un secreto para los amantes del arte saber que, ya sea creando o admirando una obra, podemos recargar nuestra vida de energía positiva y de expulsar lo negativo. El arte tiene efecto curativo, y esto es una ventaja más para promover lo que haces como artista.

Tal vez no te interese más que crear lo que te nace, expresar lo que tu cuerpo necesita expresar. Pero tú, como ser creativo, entenderás mejor que nadie los beneficios de incorporar el arte en nuestras vidas y promoverlo como una herramienta fundamental para cambiar el mundo.

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Y para ti, ¿Cuál es la importancia del arte?

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¿Cuál es la importancia del arte en la sociedad? - Arte Escondido - Marketing Artístico

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Si, te lo has preguntando un montón de veces pero no logras llegara una respuesta concreta o a una conclusión sobre cuál es la importancia del arte en la sociedad.

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El arte es toda aquella creación y representación realizada por el hombre que intenta expresar y mostrar una percepción sentimental sobre su mundo, mostrando diferentes sentimientos, emociones, ideas y puntos de vista.

El término arte es un término subjetivo, visto como el conjunto de obras y movimientos artísticos expresivos y estéticos correspondientes a una época, un estilo o un país, así como la capacidad o habilidad de expresión y de estética para hacer algo.

Es esta parte estética que le da sentido al arte, expresando belleza, a través de la pintura, la música, la poesía, etcétera y expresando sentimientos humanos materializados en obras que plasman la realidad o la distorsionan de una forma consciente, contribuyendo no solo a la expresión de sentimientos del autor, sino también contribuyendo al cambio social, a través de denuncias y críticas sociales.

Las características del arte dependen de la definición del concepto de arte. En Capital del Arte te compartimos las principales características de las bellas artes:

Características del arte

Manifestaciones artísticas: El arte es un conjunto de actividades artísticas clasificada en varios tipos a lo largo de la historia, entre las que destacan las bellas artes que son la música, la literatura, la danza, el teatro, la pintura, la escultura y la arquitectura.

Medio de comunicación: El arte es una forma de expresión que sirve como medio de comunicación entre los hombres para trasmitir ideas.

Innovación, creatividad y originalidad: El arte es el producto de una actividad que requiere de creatividad y desde los tiempos modernos innovación y originalidad.

Dinámico: El concepto de arte evoluciona constantemente, lo que da lugar a nuevas manifestaciones artísticas.

Es subjetivo: El arte puede ser interpretado desde diferentes perspectivas, lo cual hace que sea tan difícil de valorar con objetividad, aunque esta cualidad es empleada cuando se quiere medir y cuantificar por época.

Es indefinible: Como ya mencionamos el concepto de arte varia contantemente de acuerdo a la época y lugar, lo que dificulta hacer una definición universal y atemporal, concreta, realista y verdadera.

Manifestación cultural: A través del arte podemos analizar el contexto histórico y cultural en el que fueron producidas.

Uso inherente inmediato: Aun cuando el arte puede desarrollar diferentes funciones dentro de una sociedad lo cierto es que estos valores son arbitrarios y manipulables, pues el arte no tiene una utilidad intrínseca.

La imagen se titula " Elefante Cirquero " del artista Eduardo Andriacci - una Obra de excelente gusto conjugando diversos estilos, formas, corrientes.

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El arte y sus principales características - Capital del Arte

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El arte es toda aquella creación y representación realizada por el hombre que intenta expresar y mostrar una percepción sentimental sobre su mundo, mostrando diferentes sentimientos, emociones, ideas y puntos de vista. El término arte es un término subjetivo, visto como el conjunto de obras y movimientos artísticos expresivos y estéticos correspondientes a una época, un estilo o ...