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O Romantismo em Portugal surgiu no século XIX. Nas artes plásticas o Romantismo é normalmente encarado como um movimento oposto ao Neoclassicismo, por ser uma reação à excessiva racionalidade clássica, negando os princípios de harmonia, ordem e proporção. A questão é, no entanto, um pouco mais complexa, porque ambos se completam e revelam ser as duas fases de um mesmo objeto. É obvio que existem elementos díspares ou mesmo opostos, como sentimento e razão ou o indivíduo versus o todo, mas essas diferenças complementam-se, principalmente nas artes plásticas, porque o movimento neoclássico já é uma atitude romântica ao virar-se para o passado. Quer dizer, o todo só faz sentido com o indivíduo, tal como a razão é inseparável do sentimento, não se podendo por a tônica em nenhuma porque estão interligadas. Nesse sentido o Romantismo surge nas artes quase naturalmente quando os artistas se apercebem da impossibilidade de negar certos aspectos da criatividade humana. Pode, então, ser caracterizado como um apelo ao individualismo, exaltando o sentimento, a emoção e a genialidade.

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A Idade Média é um período da história da Europa entre os séculos V e XV. Iniciou com a Queda do Império Romano do Ocidente e terminou durante a transição para a Idade Moderna. A Idade Média é o período intermédio da divisão clássica da História ocidental em três períodos: a Antiguidade, Idade Média e Idade Moderna, sendo frequentemente dividido em Alta e Baixa Idade Média.

Idade média na Europa e em Portugal:

A nível politico:

·         Construção de estados e de sociedades estratificadas em classes, profundamente hierarquizadas, à semelhança de hierarquia, em pirâmide, da igreja Romana;

·         Poder real do Papa sobre os próprios estados europeus (lembremos que D. Afonso Henriques só pode descansar quando obteve, mediante a promessa de pagamento de um imposto anual ao Papa, o seu reconhecimento como rei de um novo país, Portugal);

·         No incremento e incentivo ás guerras de religião (Cruzadas).

A nível cultural e artistico:

·         Monopólio na educação e no ensino;

·         Na filosofia: a filosofia medieval era a Patrística ou filosofia dos padres ou doutores da Igreja, como Santo Agostinho ou S. Tomás de Aquino; uma filosofia entendida como ramo da metafísica e assente na noção de dogma, de autoridade (escolástica);

·         Na arquitetura: da idade média ficaram-nos castelos e fortes militares (para defesa, nas guerras) e catedrais verticalmente erguidas para Deus (a linha arquitetonica medieval típica foi a vertical);

·         Na pintura: o que se representava em frescos, ícones, vitrais, iluminuras ou mosaicos era cenas relacionadas com as Escrituras e a vida de santos, a par de cenas alegóricas; a figura humana surge hierática e quase estereotipada; desaparece o nu;

·         Na escultura: a escultura medieval fez-se da necessidade de “encher” e enriquecer a decoração das catedrais; logo, estátuas de santos, da Virgem, de Cristo ou dos apóstolos, em posição rígida e contemplativa, com quase esquecimento de traços individualizadores;

·         Nas artes ditas menores: arte sacra, ourivesaria, paramentos, iluminuras (de livros de horas, de missas e outros livros e cdices).

Na vida quotidiana:

·         Aceitação do sofrimento, do trabalho duro e mal remunerado, da doença, das privações, como instrumentos de purificação e salvação da alma; reforço de uma moral restritiva dos impulsos, do domínio, sobretudo, da sexualidade; repressão a membros simpatizantes de doutrinas e práticas heterodoxas (heresias, feitiçaria); valorização da morte em combate pela Fé.

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Ao desconcerto do Mundo

Os bons vi sempre passar
No Mundo graves tormentos;
E pera mais me espantar,
Os maus vi sempre nadar
Em mar de contentamentos.
Cuidando alcançar assim
O bem tão mal ordenado,
Fui mau, mas fui castigado.
Assim que, só pera mim,
Anda o Mundo concertado.

               Luís de Camões

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O meu nome é Madalena e tenho 17 anos. Tenho olhos verdes, sou baixa, tenho um tom de pele claro e tenho o cabelo castanho. Considero-me uma pessoa de confiança, boa amiga, humilde e simpática. Nasci em Évora e neste momento estou a estudar em Beja na área de humanidades. Os meus objetivos de vida são ser psicóloga e ter uma carreira musical. Os meus passatempos preferidos são cantar, ouvir música, fazer amigos, montar a cavalo entre outros… Um dos meus filmes favoritos é a velocidade furiosa e o meu ator favorito é o Paul Walker. O meu livro favorito é as cinquenta sombras de grey e o meu autor favorito é o EL James.

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Amor é um fogo que arde sem se ver;
É ferida que dói, e não se sente;
É um contentamento descontente;
É dor que desatina sem doer.

É um não querer mais que bem querer;
É um andar solitário entre a gente;
É nunca contentar-se e contente;
É um cuidar que ganha em se perder;

É querer estar preso por vontade;
É servir a quem vence, o vencedor;
É ter com quem nos mata, lealdade.

Mas como causar pode seu favor
Nos corações humanos amizade,
Se tão contrário a si é o mesmo Amor?http://users.isr.ist.utl.pt/~cfb/VdS/v301.txt

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Um projeto deve ser um conjunto significativo de trabalhos de autor que ilustrem os seus esforços, os seus progressos e as suas realizações.

Neste portal os elementos devem ser os seguintes elementos:

· Elementos de presentação do aluno;

· Autobiografia do autor;

· Critérios de avaliação;

· Projetos de leitura e escrita;

· Lista dos textos lidos e trabalhados;

· Previsão da seleção realizada;

· Textos sobre a importância do interesse dos textos / obras lidos;

· Poema criada como resposta criativa a um poema lido;

· Textos produzidos;

· Fichas de leitura de obras lidas;

· Relatórios (de trabalhos práticos, de projetos, de investigações…);

· Diversos

· Antologia de poemas;

· Coleçao de fotografias associadas a um texto / obra lido;

· Registos de áudio, vídeo ou software com várias informações;

· Fichas de avaliação e de trabalho;

· Elementos de auto e coavaliação;

· Textos de reflexão (do aluno, professor ou encarregado de educação) sobre o trabalho desenvolvido;

Outros documentos / materiais importantes pelo aluno e / ou professor.

In: "Viagens 10 Literatura Portuguesa, Porto Editora, pag.27"

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ORIGEM DA CANTIGA DE AMOR

As cantigas de amor têm origem provençal (Provença: região ao sul da França) no período compreendido entre o século XI e XIII, que tanto influenciaram as cantigas de amor em Portugal.

Entretanto, isso não significa que os trovadores portugueses se limitaram a uma mera imitação. Em Portugal as cantigas de amor ganharam nova dimensão e maior sinceridade. Era o gênero mais praticado pelos trovadores.

DEFINICAO DAS CANTIGAS DE AMOR

As cantigas de amor são composições poéticas ao sabor provençal, cujo sujeito de enunciação é o trovador apaixonado que consagra à sua "senhor" um amor platónico, sem esperança, um amor-adoração.

ARTIFICIOS POETICOS DAS CANTIGAS DE AMOR

Coblas: segundo a "Arte de Trovar", as estrofes tinham o nome de coblas ou cobras e o seu número ficava ao sabor do trovador.

As estrofes podem classificar-se como:

- uníssonas: têm a mesma rima;

- singulares: apresentam rimas diferentes;

- doblas ou pareadas: cada grupo de duas coblas tem a mesma rima.

As cantigas galaico-portuguesas têm, regra geral, três ou quatro coblas, com excepção das paralelísticas. Cada copla pode apresentar número variável de versos. Em todas se encontra o isossilabismo, o mesmo número de sílabas, reforçado pelo princípio da isometria, a mesma medida, dentro de cada composição.

Pode ter um predomínio de quatro versos na cantiga de refrão e de sete na cantiga de mestria.

O número máximo de versos numa copla era de dez e o número mínimo de dois (paralelísticas).

* Refrão: é o estribilho, ao qual regressava o coro ou o solista entre a execução de duas coplas. Podia estar ligado ao corpo da copla pelo sentido, ou ser independente dela.

Surge nas paralelísticas e, em geral, nas cantigas de amigo, mas não aparece nas de mestria.

* Finda: é uma copla de menor extensão, de um a quatro versos, que encerra a cantiga em jeito de conclusão.

A "arte de Trovar" define-a como "acabamento de rrazon", "versos-remate".

Nas cantigas de mestria, rima, geralmente, com a segunda parte da última estrofe; nas de refrão, a rima faz-se, regra geral, com o refrão.

Uma cantiga pode possuir mais do que uma finda.

* Atafinda: é um processo de ligação de coplas, feita pela continuação do último verso de uma estrofe na copla seguinte. Essa ligação faz-se através de partículas como "e", "ca", "pois", "quando", "pero", "que", etc.

Ocorre tanto nas cantigas de mestria como nas de refrão.

* Verso / palavra perduda: verso/palavra sem correspondência temática/rimática que aparece no meio, início ou fim da copla e deve repetir-se no mesmo lugar.

* Enjambement / transporte / encavalgamento: consiste em completar o sentido de um verso no verso seguinte. D. Dinis chegou até a dividir a palavra.

Este processo é uma constante na poesia de todas as épocas.

* Dobre: repetição da mesma palavra de rima duas ou mais vezes em lugares simétricos da estrofe, de preferência no primeiro e no último verso.

* Mordobre / mozdobre: repetição da mesma palavra em lugares simétricos, porém jogando com as suas várias flexões.

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Coblas: segundo a "Arte de Trovar", as estrofes tinham o nome de coblas ou cobras e o seu número ficava ao sabor do trovador.

As estrofes podem classificar-se como:

- uníssonas: têm a mesma rima;

- singulares: apresentam rimas diferentes;

- doblas ou pareadas: cada grupo de duas coblas tem a mesma rima.

As cantigas galaico-portuguesas têm, regra geral, três ou quatro coblas, com excepção das paralelísticas. Cada copla pode apresentar número variável de versos. Em todas se encontra o isossilabismo, o mesmo número de sílabas, reforçado pelo princípio da isometria, a mesma medida, dentro de cada composição.

Pode ter um predomínio de quatro versos na cantiga de refrão e de sete na cantiga de mestria.

O número máximo de versos numa copla era de dez e o número mínimo de dois (paralelísticas).

* Refrão: é o estribilho, ao qual regressava o coro ou o solista entre a execução de duas coplas. Podia estar ligado ao corpo da copla pelo sentido, ou ser independente dela.

Surge nas paralelísticas e, em geral, nas cantigas de amigo, mas não aparece nas de mestria.

* Finda: é uma copla de menor extensão, de um a quatro versos, que encerra a cantiga em jeito de conclusão.

A "arte de Trovar" define-a como "acabamento de rrazon", "versos-remate".

Nas cantigas de mestria, rima, geralmente, com a segunda parte da última estrofe; nas de refrão, a rima faz-se, regra geral, com o refrão.

Uma cantiga pode possuir mais do que uma finda.

* Atafinda: é um processo de ligação de coplas, feita pela continuação do último verso de uma estrofe na copla seguinte. Essa ligação faz-se através de partículas como "e", "ca", "pois", "quando", "pero", "que", etc.

Ocorre tanto nas cantigas de mestria como nas de refrão.

* Verso / palavra perduda: verso/palavra sem correspondência temática/rimática que aparece no meio, início ou fim da copla e deve repetir-se no mesmo lugar.

* Enjambement / transporte / encavalgamento: consiste em completar o sentido de um verso no verso seguinte. D. Dinis chegou até a dividir a palavra.

Este processo é uma constante na poesia de todas as épocas.

* Dobre: repetição da mesma palavra de rima duas ou mais vezes em lugares simétricos da estrofe, de preferência no primeiro e no último verso.

* Mordobre / mozdobre: repetição da mesma palavra em lugares simétricos, porém jogando com as suas várias flexões.

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As cantigas de amigo procedem de uma reelaboração culta da lírica popular anterior nobre. São, portanto, de origem autóctone plural, a partir do contacto da lírica pré-trovadoresca popular, já reelaborada nas cortes, com a lírica cortesa occitana (a cançó). A primeira contribuiu com o feminismo, o paralelismo e o refrão e a segunda com o formalismo, o esteticismo e a corte.

Ainda que todos os poetas medievais fossem homens, utilizavam o ponto de vista feminino nas cantigas de amigo, que têm como tema o erotismo feminino e os conflitos resultantes da ausência do 'amigo'. Caracterizam-se formalmente pela repetição (paralelismo, leixa-pren e refrão).

O tema fundamental é o sofrimento por amor (às vezes, a morte por amor), motivado normalmente pela ausência do 'amigo'. Às vezes apresentam-se formas em que se engana à mãe vigilante, ou se mostra alegria no regresso do amigo e outras ciúmes ou ansiedade. A voz poética é a de uma jovem que relata as suas vivêersonagens que intervêm são:ncias amorosas, ora num monológo, ora num dialogo com suas amigas, irmãs ou inclusive com a mãe. Os estados de ânimo são diversos e incluem a alegria pela chegada do amigo, a tristeza pela sua ausência ou a ansiedade pelo seu regresso, o desejo de vingança, ciúmes, etc. Os ambientes nos qual decorrem são o campo, o mar ou a casa: a fonte, aonde foram procurar água ou lavar o cabelo, o rio ou a peregrinação.

A amiga, que é com frequência a voz poética. Por vezes é ingénua, outras narcisista, outras comporta-se de maneira esquiva ou é vingativa.

A mãe, que representa geralmente o código social proibitivo.

Confidentes: a mãe, uma amiga, a irmã, outras noivas, a natureza (as flores, as ondas do mar), etc.

O amigo, frequentemente ausente.

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As cantigas de escárnio e maldizer constituem um dos géneros em que se divide a Satírica galego-portuguesa, que em Portugal encontrou expressão por volta de 1189 (ou 1198?) e 1385.

As cantigas subdividem-se em dois géneros diferentes: Líricas e Satiricas.

Nas cantigas satiricas encontra-se as cantigas de escárnio e maldizer.

·        As cantigas de escárnio, são cantigas que permitem diferentes interpretações, é utilizada a ironia e é feita uma critica indireta a uma personalidade ou a alguns aspetos da sociedade atingindo

todas as classes socias menos o rei.

·        As cantigas de maldizer, são cantigas onde é feita uma critica direta a uma personalidade ou a alguns aspetos da sociedade, é utilizada uma linguagem obscena e a critica feita tem um tema.

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Distinguem-se vários sub-géneros:
• Barcarolas ou marinhas: Ocorrem na presença do mar, que adquire certa personalização ao se lhe dirigir a amiga como seu confidente.
Ex: Ondas do mar de Vigo.
• Cantigas da peregrinação: A amiga está num santuário, ermita ou capela, lugar de reunião que serve de pretexto para o encontro dos apaixonados. Este contexto é exclusivo da literatura galego-portuguesa.
Ex: Eno sagrado em San Simion • Bailada ou bailia:
Composições alegres e festivas nas quais se realiza um convite à dança.
Ex: Bailemos nós já todas três aí amigas • Alvas, albas ou alvoradas: Faz-se referência ao amanhecer; nas "alvas" provençais os amantes separavam-se após terem pernoitado juntos.
Ex: Levad' amigo que dormidas as manhanas frias As cantigas de amigo têm uma estrutura muito formalizada e rígida que se baseia na repetição. Os elementos característicos são:
• Paralelismos: repetição da mesma ideia em duas estrofes sucessivas nas que só mudam as palavras finais de cada verso ou a ordem delas, com o que varia a rima. • Leixa-prem: repetição dos segundos versos de um par de estrofes como primeiros versos do par seguinte, o que acentua o paralelismo entre as estrofes que o possuem
. • Refrão: verso ou versos repetidos ao final de cada estrofe.

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A arte gótica designa uma fase da história da arte ocidental, identificável por características muito próprias de contexto social, político e religioso em conjugação com valores estéticos e filosóficos e que surge como resposta à austeridade do estilo românico.

Este movimento cultural e artístico desenvolve-se durante a Idade Média, no contexto do Renascimento do Século XII e prolonga-se até ao advento do Renascimento italiano, quando a inspiração clássica quebra a linguagem artística até então difundida. Os primeiros passos são dados a meados do século XII em França no campo da arquitetura (mais especificamente na construção de catedrais) e, acabando por abranger outras disciplinas estéticas, estende-se pela Europa até ao início do século XVI, já não apresentando então uma uniformidade. A arquitetura, em comunhão com a religião, vai formar o eixo de maior relevo deste movimento e vai influenciar profundamente todo o desenvolvimento estético do período.Fachada da Catedral de Tours, grande representante da arquitetura gótica.

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A pintura acompanhou em linhas gerais o desenvolvimento estético da escultura. No final do Românico já estavam lançados alguns dos principais núcleos temáticos que a nova escola transformaria e ampliaria. A tendência de buscar uma naturalização das formas também se verifica neste campo, com uma contribuição principal dos mestres italianos, cuja tradição preservara muitos princípios da pintura bizantina, a qual por sua vez era uma herdeira direta da pintura da Antiguidade ClássicaA Madonna Rucellai, 1285, de Duccio, Itália.

A pintura acompanhou em linhas gerais o desenvolvimento estético da escultura. No final do Românico já estavam lançados alguns dos principais núcleos temáticos que a nova escola transformaria e ampliaria. A tendência de buscar uma naturalização das formas também se verifica neste campo, com uma contribuição principal dos mestres italianos, cuja tradição preservara muitos princípios da pintura bizantina, a qual por sua vez era uma herdeira direta da pintura da Antiguidade ClássicaA Madonna Rucellai, 1285, de Duccio, Itália.

Conhecido deste a Antiguidade, o vitral chegou ao seu apogeu durante o Gótico. Este método, de unir pedaços de vidro colorido através de chumbo, foi o que melhor se adaptou à necessidade narrativa do interior da catedral gótica, alinhando-se também perfeitamente à "teologia da luz" proposta pelo abade Suger. Desenvolvendo-se com as inovações técnicas de distribuição de peso das abóbadas, que permitiam a criação de grandes janelas para entrada de luz, esta evolução desafia os mestres-vidreiros obrigando-os a um projecto metodicamente planeado, distanciando-se progressivamente da influência românica e assumindo um estilo pictórico próprio a partir de 1150 e com apogeu até 1500. Tornou-se nesta época uma das formas mais disseminadas de pintura.

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Antes de mais nada, vejamos o que eram os chamados "livros de linhagens". Temos aqui uma modalidade de texto que deve ser inserida no âmbito das genealogias. Os textos genealógicos, correspondem a uma sequência de nomes e de relações entre os nomes que constituem uma rede familiar ou linguística, e o seu objetivo é o de perpetuar  a memória e a historia de uma sucessão familiar, de uma linguagem, ou de uma rede de historias familiares que se entre-cruzam. Na idade média portuguesa, entre os séculos XIII e XIV, os nobiliários  eram conhecidos mais habitualmente como "livros de linhagens", e assumiram feições muito especificas.

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Figuras de linguagem, figuras de estilo ou figuras de retórica são estratégias que o orador (ou escritor) pode aplicar ao texto para conseguir um determinado efeito na interpretação do ouvinte (ou leitor). Podem relacionar-se com aspectos semânticos, fonológicos ou sintáticos das palavras afetadas.

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Querido amigo, ter-te conhecido tornou-se a coisa mais especial que tu possas imaginar. Só tenho a pedir mil obrigados por tudo e mais alguma coisa porque de tudo o que a vida me ensinou uma delas foi que existem amizades verdadeiras e a tua foi e é uma delas. Não tenho palavras para descrever tudo o que fizeste feito por mim, sabes todos os meus medos, pesadelos, sonhos e até sentimentos. Por mais que as coisas me corram mal estávas sempre lá tu para me levantar do chão, estavas sempre la tu que não me deixas sozinha. Nem mil obrigados chegam para todos os sorrisos que me fizeste dar. Mas infelizmente perdi-te e eu não posso simplesmente ignorar tudo o que vivemos. Sinto saudades daquele frio na barriga quando tu sorrias. Dizem que o tempo cura todas as feridas, mas quanto maior é a perda maior é o sofrimento e mais difícil é voltar a ficar bem. A tua ausência faz-me sofrer e ninguém me ensinou a ser forte o suficiente para sentir a dor de uma perda, da tua perda, da tua ausência. Mas sabes que mais? eu sei que tu, meu grande amigo, continuas lado a lado comigo. Olá Leandro.

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Crise 1383-1385- foi um período de guerra civil na História de Portugal, também conhecido como Interregno, uma vez que não existia rei no poder.

·       1383

Em 1383, Fernando I de Portugal estava a morrer. Do seu casamento com Leonor Teles de Menezes apenas uma rapariga, a infanta Beatriz de Portugal, havia sobrevivido à infância. O casamento dela era, por esse motivo, uma questão estratégica para o futuro do reino. Ao sabor das vicissitudes do pai nas suas guerras com Castela (Guerras fernandinas), a infanta foi sucessivamente prometida em casamento a dois príncipes castelhanos, a um inglês e, de novo, a um castelhano, Fernando, filho segundo de João I de Castela. O casamento de Beatriz acabou por ser decidido, por proposta de seu pai, pelo tratado de Salvaterra de Magos, negociado em abril de 1383 e posterior, portanto, ao Tratado de Elvas (1382) que terminou a terceira guerra fernandina contra Castela em agosto de 1382. Pelas disposições do tratado de Salvaterra, João I de Castela desposaria Beatriz de Portugal e o filho varão que nascesse desse casamento herdaria o reino de Portugal, se entretanto Fernando I morresse sem herdeiros.

·       1384

Uma das medidas que o Mestre tomou foi nomear o jovem Nuno Álvares fronteiro do Alentejo. Entregou-lhe 1.000 homens para defender a região. Enquanto se dirigia para lá, o fronteiro foi recrutanto mais homens, num total de 1.200.

Uma força castelhana estava junto do Crato e Nuno Álvares pretendia expulsá-la. No dia 6 de Abril dá-se a batalha dos Atoleiros, a primeira batalha ganha por D. Nuno. De seguida vai conquistando algumas vilas para o partido do Mestre. É-lhe prometida a entrega de Vila Viçosa, mas era uma armadilha onde foi morto o irmão Fernão Pereira.

·       1385

Na Páscoa, chegaram a Portugal as tropas inglesas enviadas em resposta ao pedido de ajuda feito por João de Avis. Apesar de não serem um grande contingente, contavam-se à volta de 600 homens, eram tropas na sua maioria veteranas da Guerra dos Cem Anos, bem treinados nas tácticas de sucesso da infantaria inglesa.

Os partidários de João de Avis organizam uma reunião das Cortes em Coimbra. É aí que, a 6 de Abril, é aclamado João I, Rei de Portugal, primeiro da Dinastia de Avis, afirmando a independência de Portugal. Num dos seus primeiros éditos reais, João I nomeia Nuno Álvares Pereira, Condestável de Portugal. Pouco depois, o Condestável, com duzentos homens de armas, parte dos quais sem montadas, e o rei partem para o Minho, para o libertar em somente dois meses, graças ao apoio dos povos, do domínio de Castela.

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·      Vida

Supõe-se que Fernão Lopes tenha nascido entre os anos de 1380 e 1390, com uma provável origem familiar vilã e mesteiral. Coloca-se a hipotese que tenha nascido e, mais tarde, ter sido sepultado no Alandroal, no Alentejo, com base na inscrição de uma pedra tumular, que lhe poderá ter pertencido, e nas ligações históricas da vila com a Ordem de Avis.

·      Obra

Na Idade Média, iniciando a formação de poderosos reinos na Europa, a realeza entendeu que suas virtudes e conquistas deviam ser consagradas e perenizadas, retomando a antiga tradição das crónicas oficiais, onde de costume pouco se distinguiam factos de mitos e assuntos de Estado de interesses privados da aristocracia, tornando a narrativa histórica claramente um projeto político, manipulando os factos para que se criasse a "verdade" mais conveniente para os detentores do poder. No século XIII o gênero estava em alta, especialmente na França, onde haviam entrado na moda as Grandes chroniques, que traçavam em linguagem retórica a origem dos reis franceses até a mítica Troia.

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A Crónica d’El Rei D. João I, foi escrita em 1443 pelo cronista Fernão Lopes, por ordem do Rei D. Duarte.

·       A crónica é composta por 3 partes:

-1ª parte – descreve o que se passou entre a morte de D. Fernando e a subida ao trono de D. João I, Mestre de Avis.

-2ª parte – descreve os acontecimentos ocorridos durante o reinado de D. João I até 1411, altura em que foi assinada a paz com Castela

-3ª parte – D. João morreu.

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Réplica de um elmo encontrado em Sutton Hoo, na sepultura de um líder anglo-saxão e datado provavelmente de 620, durante a Alta Idade Média.
https://pt.wikipedia.org/wiki/Idade_M%C3%A9dia#Alta_Idade_M%C3%A9dia

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Fachada da Catedral de Tours, grande representante da arquitétura gótica.
https://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tica

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A Fuga para o Egito, de Giotto, Cappella degli Scrovegni , Pádua, Itália
https://pt.wikipedia.org/wiki/Pintura_do_g%C3%B3tico

# data[].attributes.body
http://purl.pt/24165

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=RgKAFK5djSk

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“ | Ai flores, ai flores do verde pino,
se sabedes novas do meu amigo?
Ai Deus, e u é?
Ai flores, ai flores do verde ramo,
se sabedes novas do meu amado?
Ai Deus, e u é?
Se sabedes novas do meu amigo,
aquel que mentiu do que pôs conmigo?
Ai Deus, e u é?
Se sabedes novas do meu amado,
aquel que mentiu do que mi há jurado?
Ai Deus, e u é?
Vós me preguntades polo voss'amigo
e eu bem vos digo que é san'e vivo.
Ai Deus, e u é?
Vós me preguntades polo voss'amado
e eu bem vos digo que é viv'e sano.
Ai Deus, e u é?
E eu bem vos digo que é san'e vivo
e será vosco ant'o prazo saído.
Ai Deus, e u é?
E eu bem vos digo que é viv'e sano
e será vosco ant'o prazo passado.
Ai Deus, e u é? | ”
Autoria do Rei D.Dinis http://www.citador.pt/poemas/ai-flores-do-verde-pino-d-dinis

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Trovadorismo foi um movimento literário e poético que surgiu na idade média no século XI. Foi o primeiro movimento literário da língua portuguesa, pois dele surgiram as primeiras manifestações literárias.

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"Ai, dona fea! Foste-vos queixar
que vos nunca louv'en meu trobar;
mas ora quero fazer um cantar
en que vos loarei toda via;
e vedes como vos quero loar:
dona fea, velha e sandia!

Ai, dona fea! Se Deus me pardon!
pois avedes [a] tan gran coraçon
que vos eu loe, en esta razon
vos quero já loar toda via;
e vedes qual será a loaçon:
dona fea, velha e sandia!

Dona fea, nunca vos eu loei
en meu trobar, pero muito trobei;
mais ora já un bon cantar farei,
en que vos loarei toda via;
e direi-vos como vos loarei:
dona fea, velha e sandia!"
João Garcia de Guilhade
https://pt.wikisource.org/wiki/Ai_dona_feia!_Fostes_vos_queixar

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Na minha opinião este portefólio ajudou-me imenso, aprendi muito e melhorou a minha organização dos trabalhos. Onde tive mais dificuldades foi em resumir alguns textos e saber quais eram as coisas mais importantes.

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A Crónica de el-rei D. Pedro I, ou Crónica de D. Pedro, é um registo histórico do género crónica escrito por Fernão Lopes abarcando o período de tempo correspondente ao reinado de D. Pedro I de Portugal, de cognome o Justiceiro, ou o Cruel, que decorreu entre 1357 e 1367.

A Crónica de D. Pedro I está dividida em quarenta e quatro capítulos sendo iniciada por um Prólogo. Dos inúmeros temas tratados ao longo da Crónica destacam-se a Justiça a que dedicou o Prólogo e seis capítulos, a organização do Estado e as decisões do rei, Inês de Castro a que dedicou seis capítulos, relatando em especial a declaração de D. Pedro sobre o seu casamento com Inês, a perseguição aos seus assassinos e a descrição da trasladação dos restos mortais de Inês de Coimbra para Alcobaça, um capítulo dedicado a D. João I, filho bastardo de D. Pedro e futuro rei, e ainda o Reino de Castela ao qual dedica dezasseis dos capítulos, tratando-se neste caso de decisões ou empreendimentos do rei D. Pedro I de Castela, sobrinho do homónimo rei português, e para cuja história Fernão Lopes deve ter tido acesso às Crónicas sobre a mesma época do cronista castelhano Pedro López de Ayala.

Fernão Lopes, que começou por ter a profissão de tabelião, foi em 1418 nomeado guarda-mor da Torre do Tombo, ou seja, de chefe dos arquivos do Estado, lugar de confiança da corte, e que lhe permitiu o acesso a importante documentação para a elaboração das suas Crónicas. Fernão Lopes inicia provavelmente a escrita da Crónica de D. Pedro em 1434 pois foi neste ano que o rei D. Duarte lhe atribui pelo seu futuro trabalho a tença anual de catorze mil reais.

É a primeira das três grandes crónicas do percursor da história portuguesa, e também a primeira crónica régia com características próximas das que definiram o género cultivado no século XV e nos dois seguintes, sendo as outras duas crónicas da autoria de Fernão Lopes a Crónica de D. Fernando e a Crónica de D. João I.

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A Crónica de D. Fernando é um registo histórico de tipo crónica escrita por Fernão Lopes abarcando o período de tempo correspondente ao reinado de D. Fernando, de cognome o Formoso ou o Inconstante, reinado que decorreu entre 1367-1383.

A Crónica de D. Fernando deve ter sido escrita, ao menos parcialmente, entre 1436 e 1443.[2] A sua redação muito provavelmente seguiu-se à da Crónica de D. Pedro, e esta, acaso, às das sete Crónicas dos reinados anteriores, mais a do Conde D. Henrique.[3]

Os temas principais do reinado de D. Fernando e bem assim da Crónica de D. Fernando são as Guerras Fernandinas com o reino de Castela, a Sucessão, o Grande Cisma do Ocidente e o conflito entre a Nobreza e a Burguesia em ascensão, conforme se pormenoriza a seguir.

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Quem és tu para fazer isso? Quem és tu para me fazer sentir assim? pensas que me podes destruir? Pensas que podes dar cabo de mim? Pensas que me podes tirar tudo? Enganaste sabes? E queres que eu te diga porque? Porque sempre que tu me magoas, podes até deixar-me de rastos, mas tu ensinas-me, ensinas-me a ser mais forte. Ensinas-me que nem tudo é um mar de rosas e que a vida não só nos sorrir, mas também nos faz chorar. Tu não me vais matar vais tornar me mais forte. Tu que me magoas não me fazes sangrar, tu fazes me algo ainda pior, algo que ainda me dói mais, algo tão horrível que faz com que eu me torne uma pessoa tão pequenina mas tão pequenina….mas eu estou a escrever te esta carta porque eu decidi superar a dor que me provocas. Por trás de toda a minha tristeza estou a escrever te isto para te esquecer, para te apagar. Ou talvez, por incrível que pareça não estou a escrever isto para ti estou a escrever para mim e sabes porque? Porque eu preciso de desabafar, e decidi desabafar contigo que me magoas constantemente, preciso de tirar esta descarga tão negativa de cima de mim, descarga esta causada por ti, que me consome e que tu provocas. Não chega já?

Madalena Tarassa

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A carta que eu escrevi para ti, lembraste? Aquela carta que faria com que tu desaparecesses? Essa mesmo. Sabes? Não resultou. Tu voltaste, e voltaste mais forte que nunca. Realmente estás a conseguir mandar me a baixo, estas a conseguir tirar-me as forças, estás a conseguir revoltar me e eu não te perdoou por isso. Será que tu me magoas por isso mesmo? Por eu não te perdoar? Por eu fugir de ti? Por ninguém te querer por perto? É que ninguém quer ser magoado e eu não sou exceção, eu tenho sentimentos e sinto muito por ti. Porque é que me autodestróis? Não sabes manter por perto sentimentos bonitos? Sentimentos os quais que não me matem por dentro? Tu que me magoas, és feliz? O que te leva a fazer me isto? Tens prazer em deixar-me de rastos? Tens prazer em sentir a minha dor a escorrer me pelo rosto? Então fica a saber que eu estou aqui sim, de rastos como tu tanto desejas. Estás mais feliz agora? Então aproveita o teu momento de glória porque eu agora estou a chorar, mas amanhã vou estar a sorrir e vou estar mais feliz que nunca. Desta vez não faço esta carta como uma despedida para ti e sabes porque? porque eu sei que vou voltar.

Madalena Tarassa

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Num dia lindo de verão, uma menina de olhos verdes e muito sorridente foi à fonte.
Pelo caminho encontrou o seu amado que a convidou para ir dar um banho e ela sem hesitar aceitou. Passaram todo o dia juntos, ouve momentos bons, uns muito bons e outros mais intensos. Se o dia lhe estava correndo bem, com o seu amado ainda lhe correu melhor. A menina estava irradiante com o dia que passou quando então foi para casa. Ao chegar a casa a claramente que lhe perguntou onde haveria estado tanto tempo ela, mentindo com todos os dentes disse que tinha ficado pasmada vendo como os veados estavam turvando a água da fonte .A mãe sabendo como era a adolescência disse logo que ela tinha estado com o seu amado.
A menina não conseguiu enganar mais a mãe e contou-lhe realmente como tudo aconteceu, omitindo os pormenores dos momentos mais intensos.

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Vida e obra de Gil Vicente

Poeta e dramaturgo português, Gil Vicente é considerado por muitos estudiosos o pioneiro no teatro de Portugal, chamando-o de “Pai do teatro português”. Ficou famoso por sua obra chamada “A Farsa de Inês Pereira”, e também foi autor de “Auto da Barca do Inferno”. As obras do poeta marcam a fase histórica da passagem da Idade Média para o Renascimento (século XVI). Pouco se sabe sobre a vida pessoal de Gil Vicente, mas alguns estudos recentes afirmam que há grandes possibilidades de o autor ter nascido na cidade de Guimarães, em Portugal, no ano de 1466 e falecido em 1536, pois foi a partir deste ano que deixaram de encontrar qualquer referência ao seu nome nos documentos da época, além de ter parado de escrever durante esse tempo também. Gil se casou duas vezes e teve, ao todo, cinco filhos.

A obra vicentina

Pode-se ter a obra do autor português como um reflexo da mudança dos tempos e da passagem da Idade Média para o Renascimento. Seu primeiro trabalho foi a peça em castelhano “Auto da Visitação”, que também ganhou o título de “Monólogo do Vaqueiro”, foi representada nos aposentos da Rainha D. Maria, a consorte de Dom Manuel, na celebração do nascimento do príncipe que viria a ser o futuro D. João III. Foi essa representação que atribuiu o marco de partida da história do teatro português. Com o grande sucesso do seu trabalho no palácio, Gil Vicente se tornou o responsável pela organização dos eventos da realeza. Podemos lembrar de Vicente como o principal representante da literatura renascentista portuguesa, anterior a Luís de Camões, que influenciou a cultura popular de Portugal.

As peças de Vicente são classificadas, por ele, em três grupos: obras de devoção, farsas e comédias. O filho do dramaturgo acrescentou uma nova classificação: a tragicomédia. Porém em tempos não tão passados, estudiosos resolveram considerar a obra em: autos de moralidade, cavaleirescos, pastoris, farsas e alegorias de temas profundos. No entanto, é importante lembrar que, em algumas peças, é possível encontrar elementos característicos de gêneros em comum.

Principais obras de Gil Vicente

• Auto Pastoril Castelhano (1502)

• Auto da Visitação (1502)

• Auto dos Reis Magos (1503)

• Auto da Índia (1509)

• Auto da Sibila Cassandra (1513)

• Auto da Barca do Inferno (1516)

• Auto da Barca do Purgatório (1518)

• Auto da Barca da Glória (1519)

• Farsa de Inês Pereira (1523)

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É constituído por:

• Texto principal composto pelas falas dos atores que é ouvido pelos espectadores;

• Texto secundário (ou didascálio)  que se destina ao leitor, ao encenador da peça ou aos atores.

É composto:

o Pela listagem inicial das personagens;

o Pela indicação do nome das personagens no início de cada fala;

o Pelas informações sobre a estrutura externa da peça (divisão em atos, cenas ou quadros);

o Pelas indicações sobre o cenário e guarda-roupa das personagens;

o Pelas indicações sobre a movimentação das personagens em palco, as atitudes que devem tomar, os gestos que devem fazer ou a entoação de voz com que devem proferir as palavras;

Acão – é marcada pela atuação das personagens que nos dão conta de acontecimentos vividos.

Estrutura externa  – o teatro tradicional e clássico pressupunha divisões em atos, correspondentes à mutação de cenários, e em cenas e quadros, equivalentes à mudança de personagens em cena.

O teatro moderno, narrativo ou épico, põe completamente de parte as normas tradicionais da estrutura externa.

Estrutura interna:

• Exposição  – apresentação das personagens e dos antecedentes da ação.

• Conflito  – conjunto de peripécias que fazem a ação progredir.

• Desenlace  – desfecho da ação dramática.

Classificação das Personagens:

* Quanto à sua conceção:

• Planas ou personagens-tipo  – sem densidade psicológica uma vez que não alteram o seu comportamento ao longo da ação. Representam um grupo social, profissional ou psicológico);

• Modeladas ou Redondas  – com densidade psicológica, que evoluem ao longo da ação e, por isso mesmo, podem surpreender o espectador pelas suas atitudes.

* Quanto ao relevo ou papel na obra:

• Protagonista ou personagem principal Individuais

• Personagens secundárias ou

• Figurantes Coletivas

Tipos de caracterização:

• Directa  – a partir dos elementos presentes nas didascálias, da descrição de aspetos físicos e psicológicos, das palavras de outras personagens, das palavras da personagem a propósito de si própria.

• Indireta  – a partir dos comportamentos, atitudes e gestos que levam o espectador a tirar as suas próprias conclusões sobre as características das personagens.

Espaço  – o espaço cénico é caracterizado nas didascálias onde surgem indicações sobre pormenores do cenário, efeitos de luz e som. Coexistem normalmente dois tipos de espaço:

• Espaço representado  – constituído pelos cenários onde se desenrola a ação e que equivalem ao espaço físico que se pretende recriar em palco.

• Espaço aludido  – corresponde às referências a outros espaços que não o representado.

Tempo:

• Tempo da representação  – duração do conflito em palco;

• Tempo da ação ou da história  – o(s) ano(s) ou a época em que se desenrola o conflito dramático;

• Tempo da escrita ou da produção da obra  –altura em que o autor concebeu a peça.

Discurso dramático ou teatral:

• Monólogo  – uma personagem, falando consigo mesma, expõe perante o público os seus pensamentos e/ou sentimentos;

• Diálogo  – falas entre duas ou mais personagens;

• Apartes  – comentários de uma personagem que não são ouvidos pelo seu interlocutor.

Além deste tipo de discurso, o tecto dramático pressupõe o recurso à linguagem gestual, à sonoplastia e à luminotécnica.

Intenção do autor - pode ser:

• Moralizadora;

• Lúdica ou de evasão;

• Crítica em relação à sociedade do seu tempo;

• Didática.

Formas do género dramático:

• Tragédia

• Comédia

• Drama

• Teatro Épico.

Outras características:

• Ausência de narrador.

• Predomínio do discurso na segunda pessoa (tu/vós).

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Resumo
Inês Pereira é uma moça bonita e solteira que se vê obrigada a passar o dia em meio às tarefas domésticas. Inês sempre fica se queixando e vê no casamento a chance de se livrar dessa vida. Ela idealiza o noivo como sendo um moço bem educado, cavalheiro, que soubesse cantar e dançar, enfim, que fosse um fidalgo capaz de lhe dar uma vida feliz.

Um dia, Lianor Vaz, a casamenteira, chega na casa de Inês dizendo que havia sido atacada por um clérigo, mas que conseguira escapar. Lianor, porém, foi à casa da moça para relatar que Pero Marques, um rico camponês, quer se casar com Inês. A moça, então, lê a carta que Pero escreveu com suas intenções de casamento, mas ela não se conforma com a rusticidade do moço e concorda em recebe-lo só para rir da cara dele.

Lianor vai então buscar Pero e, enquanto isso, a mãe de Inês a aconselha a receber bem o pretendente. Quando o moço chega, ele se comporta de modo ridículo e demonstra não ter nenhum traquejo social. Vendo-se à sós com Pero, Inês o desencoraja quanto ao casamento e o moço vai embora. Nisso, ela informa à mãe que havia contratado dois judeus casamenteiros para encontrar um noive que tivesse boas maneiras.

Entra em cena Latão e Vidal, os dois judeus casamenteiros, que vieram oferecer Brás da Mata, um escudeiro. Armado o encontro entre os dois jovens, Brás da Mata planeja ir à casa de Inês acompanhado de seu criado, o Moço, e os dois combinam contar uma série de mentiras para enganar a moça e conseguirem dar o “golpe do baú”. Já na casa de Inês, Brás da Mata age conforme ela queria: a trata de modo distinto com belas palavras, pega a viola e canta. Ele a pede em casamento, mas a mãe diz que a moça não deve fazê-lo, ao que os judeus contra-argumentam elogiando Brás de todas as formas.

Os dois se casam e a mãe presenteia os noivos com a casa. À sós com Brás, Inês começa a cantar de felicidade, mas ele se irrita e manda que ela fique quieta. Brás começa, então, a impor uma série de regras e exige que a moça fique trancada o dia inteiro em casa, proibindo-a até mesmo de olhar pela janela e de ir à missa. Pouco tempo depois, Brás informa ao Moço que partiria para a guerra, ordenando que ele vigiasse Inês e que ela deveria ficar trancada à chaves dentro de casa. Trancada em casa e não fazendo nada além de costurar, Inês lamenta e sua sorte e deseja a morte do marido para que pudesse mudar seu destino.

Passado algum tempo, Moço aparece com uma carta do irmão de Inês onde ele informa que Brás havia morrido covardemente tentando fugir do combate. Feliz, Inês despede Moço, que vai embora lamentando seu azar. Então, sabendo que Inês havia ficado viúva, Lianor Vaz retorna oferecendo novamente Pero Marques como novo marido. Dessa vez Inês aceita e os dois se casam.

Com a ampla liberdade que o marido lhe dava, Inês parecia levar a vida que sempre desejou. Um dia, chega em sua casa um Ermitão a pedir esmola e Inês vai atende-lo. Porém, este é um falso padre e o deus que ele venerava, na realidade, ela o Cupido. Inês reconhece o moço, que havia sido um antigonamorado seu. Ele diz que só havia se tornado ermitão porque ela o havia abandonado e começa a se insinuar para Inês, acariciando-a e pedindo um encontro entre os dois. Ela aceita e os dois marcam um encontro.

No dia marcado, Inês pede a Pero Marques que a levasse à ermida dizendo que era por devoção religiosa. O marido consente e os dois partem de imediato. Para atravessar um rio que havia no meio do caminho, Pero Marques carrega a mulher nas costas e essa vai cantando uma canção alusiva à infidelidade dela ao marido e à mansidão dele. Pero segue cantando o refrão, terminando como um tolo enganado.

Lista de personagens
As personagens do teatro vicentino não têm profundidade psicológica e são tipos ou alegorias, ou seja, são como representações de grupos, instituições ou ideias abstratas. Servem, assim, a uma finalidade moral preconcebida pelo autor. O modo de falar das personagens reproduz a maneira típica com que as camadas sociais e profissões que essas personagens representam falavam.

Inês Pereira: moça bonita e solteira, que para se livrar dos afazeres domésticos sonhava em se casar com um fidalgo.

Mãe: típica dona de casa preocupada com a educação e o futuro da filha.

Lianor Vaz: casamenteira que só respeita a opinião pública quando lhe convém.

Latão e Vidal: caricaturas do judeu espertalhão e hábil no comércio.

Pero Marques: camponês rico, porém, ignorante e sem nenhum traquejo social.

Brás da Mata (Escudeiro): escudeiro pobre que mal tinha dinheiro para se sustentar.

Moço (Fernando): criado de Brás da Mata, é humilde e se deixa explorar pelo patrão, sempre acreditando nas mentiras que ele conta.

Ermitão: falso monge que declara ter se tornado ermitão por desilusão amorosa.

Sobre Gil Vicente
Até lançar sua primeira obra em 1502, nada se sabe sobre Gil Vicente. A hipótese mais difundida é que ele nasceu por volta de 1465 na região da Beira, em Portugal. Em documentos do século XVI aparecem referências a três pessoas chamadas Gil Vicente: um que participava de torneios poéticos na corte, outro que era ourives, e mais um que era Mestre da Balança da Casa da Moeda de Lisboa. Alguns teóricos defendem que todos se tratam da mesma pessoa, mas não há provas suficientes que comprovem estas hipóteses. Do mais, sabe-se que ele foi casado duas vezes e que teve cinco filhos.

A primeira de suas obras, “Auto da Visitação” (ou “Monólogo do vaqueiro”), data de 1502 e foi encenada pelo próprio Gil Vicente na câmara da rainha D. Maria em comemoração ao nascimento de D. João, futuro rei D. João III. A peça divertiu e agradou sua plateia, e depois vieram muitas outras peças que foram representadas para a corte.

Apesar de boa parte de sua obra ainda ser presa a algumas temáticas medievais, como por exemplo os valores religiosos, o teatro de Gil Vicente também apresenta características do movimento Humanista, principalmente a forte crítica à nobreza, ao clero e à burguesia. Portanto, pode-se dizer que sua obra é de transição entre a Idade Média e o Renascimento.

Gil Vicente foi quem desenvolveu e fixou o gênero do auto na dramaturgia de língua portuguesa, vindo a influenciar toda a geração posterior de escritores. Além disso, sua obra é uma fonte rica para se entender a língua e sociedade portuguesa do século XVI, com seus pensamentos, costumes e vícios.

Tipos de cómico:

Cómico de carater

Ex: concretiza-se nas figuras de Pêro Marques  (provinciando e bronco nitidamente deslocado junto de Inês e da mãe) e do Escudeiro probre e cobarde mas dissimulando na elegância do seu discurso, na variedade das suas prendas (canta e toca) e na fafarronice solene todas as suas fraquesas e misérias.

Cómico de situação

Ex: quando Pêro Marque se senta na cadeira ao contrário e de costas para Inês e para a mãe;

Na fala dos judeus casamenteiros, que, na sua sofreguidão e calculismo para conseguirem casa Inês com Escudeiro, se interropem, repetem e atropelam constantemente;

No episódio final quando Pêro Marques, descalço, transporta Inês às costas, mais duas lousas que lhe agradam e para cúmulo, aceita cantar uma cantiga que o apelida de “marido cuco”.

Cómico de linguagem

Ex: quando Pêro Marques entra com a sua liguagem recheada de termos e expressões provincianas;

Quando os judeus produzem o seu discurso repetitivo e arrastado;

Quando Inês se refere a Pêro Marques dizendo: “ Ei-lo se vem  penteando/será com algum ancinho?”;

Na ironia do moço desmascarando a pelintrice de Escudeiro;

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Tu, mãe, que tens um coração enorme. Tu, mãe, desculpa pelas noites que por vezes passas em claro, desculpa por algumas deceções, desculpa por algumas irresponsabilidades, desculpa pelas preocupações (...) Desculpa por tudo e mais alguma coisa.

Tu, mãe, tens o olhar mais sincero, o abraço mais sincero, o beijo mais sincero, o amo-te mais sincero (...) Tu, mãe, és feita de luz, és feita de segurança.

Tu mãe, como é que consegues ser tão forte? Tão forte..tão guerreira?

Tu mãe, eu amo-te, a todos os segundos, posso até não dizê-lo todos os dias mas tu sabes que és tudo o que há em mim.

Tu, mãe, és a minha melhor amiga, a melhor mãe, a melhor conselheira.. és também a melhor mulher, a melhor trabalhadora, a melhor estudante, a melhor cozinheira, és a melhor em tudo aquilo que fazes.

Tu mãe, consegues sempre ser melhor a cada dia que passa, consegues sempre ter mais coragem, consegues sempre, todos os dias ter um coração mais infinito ainda.

Tu mãe, consegues sempre.

Tu mãe, és o meu amor mais puro e bonito.

Amo-te mãe, sou completamente apaixonada por ti.

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A poesia palaciana foi desenvolvida a partir do século XV dentro do movimento literário denominado Humanismo.

Recebeu esse nome pois ela era produzida nos palácios e estava destinada aos nobres. Ou seja, tinham o intuito de entreter os membros da Corte.

Os principais temas explorados pela poesia palaciana eram: costumes da corte, temas religiosos, satíricos, líricos e heroicos.

A poesia palaciana foi reunida pelo poeta português Garcia Resende (1482-1536) no “Cancioneiro Geral” (1516). O cancioneiro reunia cerca de 900 produções poéticas da época.

Os principais escritores reunidos no cancioneiro foram:

Garcia de Resende

João Ruiz de Castelo Branco

Nuno Pereira

Fernão da Silveira

Conde Vimioso

Aires Teles

Diogo Brandão

Gil Vicente

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Principais características

A poesia é separada da música, pois a primeira é destinada à leitura, de forma que a própria linguagem é responsável pelo ritmo e pela expressividade. Com o passar do tempo o termo trovador assume caráter pejorativo, fazendo com que surja a imagem do poeta. Além disso, o lirismo amoroso trovadoresco, por meio de influência de Petrarca, assume uma conotação que tem a mulher idealizada, inatingível, e a sensualidade que era reprimida nas cantigas de amor passa a ser frequente. Entre as temáticas, tinha ainda o retrato dos usos e costumes da corte.

Marcada por ambiguidades, conotação, aliteração e jogo de palavras, a poesia palaciana foi pouco popular na época em que foi criada. Seu valor literário, no entanto, é inquestionável, fazendo com que seu estudo seja essencial para a história da literatura. Sua análise torna possível perceber como era o comportamento artístico e a cultura durante diversos reinados.

Métrica

Os versos utilizam as redondilhas menores, com cinco silabas poéticas, ou redondilhas maiores, com sete sílabas poéticas. Com temática variada, a poesia palaciana abrange composições religiosas, satíricas, didáticas, heroicas e líricas.

Em vários estilos, a poesia palaciana tinha quase como regra o uso de um mote, que era um tema ou motivo apresentado. Entre seus estilos estão o vilancete, que é composto por um mote de dois ou três versos, seguido de glosa, que é a composição poética que desenvolve o mote; a esparsa era composta de oito a dezesseis versos em somente uma estrofe, sem mote nem repetição de versos. Era usada para expressar a tristeza ou melancolia; a cantiga era usada para expressar os temas amorosos com o mote de quatro ou cinco versos ou de uma glosa de oito a dez versos; a trova, sem tema definido, deveria ter quatro ou oito versos e eram utilizadas tanto em poemas curtos como em longos; e a redondilha maior era a métrica comum usada para esses subgêneros.

Contraste entre poesia palaciana e trovadoresca

Durante o reinado de D. Afonso V em Portugal, no século XV, a poesia e o canto se desvincularam, passando a primeira a ser elaborada com ritmo, musicalidade e métrica bem acentuados. Feita para ser declamada ou lida individualmente, a poesia palaciana se contrapunha ao trovadorismo, que era feito para ser cantado dependendo de acompanhamento musical.

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O renascimento
Movimento cultural que se desenvolveu na Europa ao longo dos Séc. XV e XVI;
Não surgiu ao mesmo tempo em toda a Europa;
Com reflexos das artes, nas ciências e em outros ramos da atividade humana;
A atenção é de novo voltada para as grandes obras da antiguidade clássica grego-romana.

Renascimento em Portugal
A chegada a Portugal foi tardia:
Nasceu da mistura do estilo gótico com as novas inovações do séc. XV;
Aparece como forma ornamental associada à arquitetura da ultima fase do gótico;
No reinado de D. João I verificava-se o contacto de artistas portugueses com as inovações técnicas e estéticas estão emergentes em Itália;
Artistas italianos (ou de formação italiana) eram convidados a trabalhar em Portugal como Francisco Holanda (1517-1584).

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O Humanismo é o nome dado a uma corrente filosófica e artística que surgiu no século XV na Europa.

Na literatura, ele representou o período de transição (escola literária) entre a lírica trovadoresca e o Classicismo, bem como da Idade Média para a Idade Moderna.

Note que o termo “Humanismo” abriga diversas concepções. No geral, corresponde ao conjunto de valores filosóficos, morais e estéticos que focam no ser humano, daí surge seu nome. Do latim, o termo humanus significa “humano”.

Trata-se de uma ciência que permitiu ao homem compreender melhor o mundo e o próprio ser. Isso ocorreu durante o período do Renascimento Cultural.

Características do Humanismo

As principais caraterísticas do humanismo são:

Racionalidade

Antropocentrismo

Cientificismo

Modelo Clássico

Valorização do corpo humano e das emoções

Busca da beleza e

Principais Humanistas
Os humanistas eram os estudiosos da cultura antiga que se dedicavam, sobretudo, aos estudos dos textos da antiguidade clássica greco-romana.
Petrarca, Dante Alighieri e Boccaccio são certamente os poetas italianos humanistas que merecem destaque.
Todos eles foram influenciados por características do período como o culto às línguas e às literaturas greco-latinas (modelo clássico).
Além deles, grandes representantes da literatura humanista foram:

o teólogo holandês Erasmo de Roterdã (1466-1536);

o escritor inglês Thomas More (1478-1535);

o escritor francês Michel de Montaigne (1533-1592).

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Homem Vitruviano (1590) de Leonardo da Vinci: Símbolo do antropocentrismo humanista

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Homem Vitruviano (1590) de Leonardo da Vinci: Símbolo do antropocentrismo humanista

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https://www.todamateria.com.br/humanismo/

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O Classicismo corresponde a um movimento artístico cultural que ocorreu durante o período do Renascimento (a partir do século XV) na Europa.

O nome do movimento que marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna, faz referência aos modelos clássicos (greco-romano).

No campo da literatura, Classicismo é o nome dado aos estilos literários que vigoravam no século XVI, na época do Renascimento. Por isso, a produção desse período também é chamada de literatura renascentista.

Classicismo em Portugal

Em Portugal, o Classicismo compreende o período literário do século XVI (entre 1537 e 1580). O marco inicial do movimento foi a chegada do poeta Francisco Sá de Miranda à Portugal.

Ali, ele se inspirou no humanismo italiano, trazendo uma nova forma de poesia: o “dolce stil nuevo” (Doce estilo novo).Esse novo modelo estava baseado na forma fixa do soneto (2 quartetos e 2 tercetos), nos versos decassílabos e na oitava rima.

Além de Sá de Miranda merecem destaque os escritores portugueses classicistas:

Bernardim Ribeiro (1482-1552), com sua novela “Menina e Moça” (1554);

António Ferreira (1528-1569), com sua tragédia “A Castro” (1587).

No entanto, foi a partir de Luis de Camões, um dos maiores poetas portugueses e da literatura mundial, que a literatura portuguesa ganha notoriedade.Sua grande obra "Os Lusíadas” (1572), é uma epopeia classicista onde ele narra a viagem de Vasco da Gama às Índias. Ela foi escrita em 10 cantos e está composta de 8816 versos decassílabos em oitava rima distribuídos em 1120 estrofes.

O Classicismo em Portugal permaneceu até 1580. Esse é o ano da morte de Camões e também da União das Coroas Ibéricas, aliança estabelecida até 1640 entre Espanha e Portugal.
As principais características do classicismo são:

Antiguidade clássica

Antropocentrismo

Humanismo

Universalismo

Racionalismo

Cientificismo

Paganismo

Objetividade

Equilíbrio

Harmonia

Rigor formal

Mitologia greco-romana

Ideal platônico e de beleza

Principais autores e suas obras

Decerto que na literatura portuguesa o autor que recebe destaque é Luís Vaz de Camões, com sua obra “Os Lusíadas” (1542). Já na Espanha, Miguel de Cervantes (1547-1616) com sua obra mais notável “Dom Quixote” (1605).

Destacam-se também os escritores humanistas italianos:

Dante Alighieri 1265-1321), com sua obra mais popular “A Divina Comédia” (1555);

Francesco Petrarca (1304-1374), pai do humanismo e inventor do soneto;

Giovanni Boccacio (1313-1375), com sua obra Magma “Decamerão” (1348 e 1353).

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Luís de Camões (1524-1580) foi o maior destaque da literatura classicista em Portugal

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Luís de Camões (1524-1580) foi o maior destaque da literatura classicista em Portugal

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Pintura

Talvez nenhuma época artística tenha sido igualmente rica e tão talentosa com grandes pintores como o Renascimento.

Piero dela Francesca, Fra Angelico, Botticelli, Mantegna, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Antononello da Messina, isto para citar só alguns. E depois, Masaccio, Perugino, o supremo Rafael, os Bellini, Giorgione, Ticiano, Paolo Uccello, Lucas Signorelli, os dois Lippi, Ghirlandaio, Carpaccio, Cosmè Tura. Qualquer um deles bastaria para nobilizar um período e uma nação. Mas, todos eles viveram no mesmo país e na mesma época, ou quase.

As principais características da pintura são:

Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas distâncias e proporções que têm entre si os objetos vistos à distância, segundo os princípios da matemática e da geometria;

Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume dos corpos;

Realismo: o artista do Renascimento não vê mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus, mas como a expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade a ser compreendida cientificamente, e não apenas admirada;

Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo;

Tanto a pintura como a escultura que antes apareciam quase que exclusivamente como detalhes de obras arquitetônicas, tornam-se manifestações independentes;

Surgimento de artistas com um estilo pessoal, diferente dos demais, já que o período é marcado pelo ideal de liberdade e, consequentemente, pelo individualismo.

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Nome completo | Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi
Nascimento | 1 de março de 1445
Florença
Morte | 17 de maio de 1510 (65 anos)
Florença
Nacionalidade | italiano
Ocupação | Pintor
Principais trabalhos | Primavera
O Nascimento de Vênus
A Adoração dos Magos
Outros trabalhos

O Nascimento de Vênus é uma pintura de Sandro Botticelli, encomendada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médicipara a Villa Medicea di Castello.

A obra está exposta na Galleria degli Uffizi, em Florença, na Itália. Consiste de têmpera sobre tela e mede 172,5 cm de altura por 278,5 cm de largura.

A pintura representa a deusa Vênus emergindo do mar, já mulher adulta, conforme descrito na mitologia romana.

É provável que a obra tenha sido feita em 1485, sob encomenda para Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, que a teria pedido para enfeitar sua residência, a Villa Medicea di Castello. Alguns estudiosos sugerem que a Vênus pintada para Pierfrancesco, e mencionada por Giorgio Vasari, teria sido outra que não a obra exposta em Florença e estaria perdida até o momento.

Alguns acreditam que a obra seja homenagem ao amor de Juliano de Médici (que morreu em 1478, na Conspiração dos Pazzi) por Simonetta Vespúcio, que viveu em Portovenere, uma cidadela à beira-mar. Qualquer que tenha sido a inspiração do artista, parecem haver influências de obras como "Metamorfoses" e "Fasti", ambas de Ovídio, e "Versos", de Poliziano.

No quadro, a deusa clássica Vênus emerge das águas em uma concha, sendo empurrada para a margem por Zéfiro, o Vento Oeste, símbolos das paixões espirituais, e recebendo, de uma Hora (as Horas eram as deusas das estações), uma manto bordado de flores. Alguns especialistas argumentam que a deusa nua não representaria a paixão terrena, carnal, e sim a paixão espiritual. Apresenta-se de forma similar a antigas estátuas de mármore (cujo candor teria inspirado o escultor do século XVIII Antonio Canova), esguia e com longos membros e traços harmoniosos.

O efeito causado pelo quadro, no entanto, foi um de paganismo, já que foi pintado em época em que a maioria da produção artística se atinha a temas católicos. Por isso, chega a ser surpreendente que o quadro tenha escapado das fogueiras de Savonarola, que consumiram outras tantas obras de Botticelli que teriam "influências pagãs".

A anatomia da Vênus, assim como vários outros detalhes menores, não revela o estrito realismo clássico de Leonardo da Vinci ou Rafael. O pescoço é irrealisticamente longo e o ombro esquerdo posiciona-se em ângulo anatomicamente improvável. Não se sabe se tais detalhes constituiram erros artísticos ou licença artística, mas não chegam a atrapalhar a beleza da obra, e alguns chegam a sugerir que seriam presságios do vindouro Maneirismo.

As principais caraterísticas da pintura são:
Perspetiva;
Uso do claro-escuro;
Realismo;
Tela e tinta a óleo;
Manifestações independentes;
Artistas com um estilo pessoal.

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https://pt.wikipedia.org/wiki/O_Nascimento_de_V%C3%AAnus

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David ou Davi é uma das esculturas mais famosas do artista renascentista Michelangelo. O trabalho retrata o herói bíblico com realismo anatômico impressionante, sendo considerada uma das mais importantes obras do Renascimento. A escultura encontra-se em Florença, Itália, cidade que originalmente encomendou a obra.

A escultura possui 5,17 metros de altura e representa o herói bíblico David, um dos personagens mais frequentes na arte florentina. Originalmente encomendada como parte de uma série de outras estátuas de profetas e heróis bíblicos, Davidestava cotado para decorar uma das fachadas de Santa Maria del Fiore. No entanto, após sua conclusão, a escultura foi posicionada em frente ao Palazzo della Signoria, sede da governadoria de Florença, onde foi revelada ao público oficialmente em 8 de setembro de 1504.

Por conta da natureza heroica representada, a estátua simbolizou o sentimento de liberdades civis que dominava a República de Florença à época. Os olhos de David, com semblante sério e cauteloso, estavam posicionados em direção a Roma. Em 1873, a escultura foi transferida para o interior da Galeria da Academia de Belas Artes enquanto a praça pública recebeu uma réplica em seu lugar.

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https://pt.wikipedia.org/wiki/David_(Michelangelo)#/media/File:%27David%27_by_Michelangelo_JBU0001.JPG

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A Arquitetura do Renascimento ou Arquitetura Renascentista é a arquitetura europeia do período entre o início do século XIV e início do século XVII em diferentes regiões (período conhecido como Renascimento Europeu), demonstrando um reavivamento consciente e o desenvolvimento de certos elementos do pensamento e da cultura material grega e romana antigas. Estilisticamente, a arquitetura renascentista veio após a Arquitetura Gótica e foi sucedida pela Arquitetura Barroca. Desenvolvido primeiro em Florença, com Filippo Brunelleschi como um dos seus inovadores, o estilo renascentista rapidamente se espalhou para outras cidades italianas. O estilo foi levado para a França, Alemanha, Inglaterra, Rússia e outras partes da Europa em datas diferentes e com diferentes graus de impacto.

O estilo renascentista enfatiza a simetria, a proporção, a geometria e a regularidade das partes, como são demonstradas na arquitetura da antiguidade clássica e, em particular, na arquitetura romana antiga, da qual muitos exemplos permaneceram. Arranjos ordenados de colunas, pilastras e lintéis, bem como o uso de arcos semicirculares, cúpulas hemisféricas, nichos e edículas substituíram os sistemas proporcionais mais complexos e os perfis irregulares dos edifícios medievais.

É também um momento em que as artes manifestam um projeto de síntese e interdisciplinaridade bastante impactante, em que as Belas Artes não são consideradas como elementos independentes, subordinando-se à arquitetura.

As principais características da arquitetura renascentista são:

Retomada dos modelos clássicos

Visão humanista e racionalista

Uso da matemática e da geometria

Busca da perfeição e da beleza

Preocupação com a proporção

Formas equilibradas e harmoniosas

Burca da simetria e da ordem

Estilo formal e individual

Temas religiosos, mitológicos e da natureza

Uso dos arcos, abóbodas, cúpulas e colunas

Predomínio das linhas horizontais

Principais Arquitetos e Obras Renascentistas

FilippoBrunelleschi (1377-1446): arquiteto e escultor italiano. De suas obras arquitetônicas merecem destaque a Cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore, o Hospital dos Inocentes, o Palácio Pitti e a Capela Pazzi, todas em Florença.

Michelangelo di Lodovico (1475-1564): pintor, escultor e arquiteto italiano. De suas obras arquitetônicas destacam-se a fachada para a Basílica de São Lourenço, a Biblioteca Laurenciana, ambas em Florença. Além disso, participou da reforma da Basílica de São Pedro, em Roma.

Rafael Sanzio (1483-1520): pintor e arquiteto italiano que também colaborou no projeto arquitetônico da Basílica de São Pedro, em Roma. Além disso, projetou a Villa Madama, um bairro da capital italiana.

Donato Bramante (1444-1514): arquiteto italiano que contribuiu para a construção da Basílica de São Pedro, em Roma. Além disso, trabalhou no projeto da Igreja de São Pedro em Montorio na capital italiana.

Leon Battista Alberti (1404-1472): arquiteto e teórico italiano que trabalhou na reforma da Basílica de Santo Estêvão Redondo, em Roma; e na fachada da Igreja de Santa Maria Novella, em Florença.

Andrea Palladio (1508-1580): arquiteto italiano que projetou diversas obras no período da renascença, da qual se destaca o edifício da Villa Capra (La Rotonda), na região de Veneto, em Vicenza.

Giulio Romano (1499-1546): pintor e arquiteto italiano, participou do projeto do Palácio do Té (Palazzo del Te), em Mântua, uma de suas obras mais emblemáticas.

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Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença, Itália

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Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença, Itália

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https://www.todamateria.com.br/arquitetura-renascentista/

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O Renascimento foi um movimento cultural, econômico e políticoque surgiu na Itália do século XIV, se consolidou no século XV e se estendeu até o século XVII por toda a Europa.

Inspirado nos valores da Antiguidade Clássica e gerado pelas modificações estruturais da sociedade, resultou na reformulação total da vida medieval, dando início à Idade Moderna.

Origem do Renascimento
O Renascimento originou-se na Itália, devido ao florescimento de cidades como Veneza, Gênova, Florença, Roma e outras

Elas enriqueceram com o desenvolvimento do comércio no Mediterrâneo dando origem a uma rica burguesia mercantil que, em seu processo de afirmação social, se dedicou às artes, juntamente com alguns príncipes e papas.

Cultura Renascentista

A cultura renascentista teve quatro características marcantes, a saber:

Racionalismo - os renascentistas estavam convictos de que a razão era o único caminho para se chegar ao conhecimento, e que tudo podia ser explicado pela razão e pela ciência.

Experimentalismo - para eles, todo conhecimento deveria ser demonstrado através da experiência científica.

Individualismo - nasceu da necessidade do homem conhecer a si próprio, buscando afirmar a sua própria personalidade, mostrar seus talentos, atingir a fama e satisfazer suas ambições, através da concepção de que o direito individual estava acima do direito coletivo.

Antropocentrismo - colocando o homem como a suprema criação de Deus e como centro do universo.

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O homem vitruviano de Leonardo da Vinci sintetiza o ideário renascentista humanista e clássico

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O homem vitruviano de Leonardo da Vinci sintetiza o ideário renascentista humanista e clássico

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https://pt.wikipedia.org/wiki/Renascimento

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Provável autorretrato de Botticelli, em Adoração dos Magos (Uffizi, Florença)

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Provável autorretrato de Botticelli, em Adoração dos Magos (Uffizi, Florença)

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Amor é fogo que arde sem se ver;
É ferida que dói e não se sente;
É um contentamento descontente;
É dor que desatina sem doer;

É um não querer mais que bem querer;
É solitário andar por entre a gente;
É nunca contentar-se de contente;
É cuidar que se ganha em se perder;

É querer estar preso por vontade;
É servir a quem vence, o vencedor;
É ter com quem nos mata lealdade.

Mas como causar pode seu favor
Nos corações humanos amizade,
Se tão contrário a si é o mesmo Amor?

                           Luís de Camões

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Análise e interpretação

O poema de Camões é um soneto italiano. O soneto é uma forma fixa de poesia que consiste em quatro estrofes: os dois primeiros com quatro versos (quartetos) e os últimos com três versos (tercetos). A estrutura costuma ser a mesma. Começa com a apresentação de um tema, que passa a ser desenvolvido, e, geralmente no último verso, contém uma conclusão que esclarece o tema.

A poesia de Camões segue a fórmula do soneto clássico. É decassílabo, o que significa que contém dez sílabas poéticas em cada estrofe. A sílaba poética, ou sílaba métrica, se diferencia da gramatical  porque ela é definida pela sonoridade. A contagem das sílabas em uma estrofe termina na última sílaba tônica.

/é/ um/ con/ten/ta/men/to/ des/con/ten/te
1 / 2   / 3  / 4  /  5 / 6   / 7  / 8  / 9  / 10 / x

Nas primeiras onze estrofes podemos observar uma cesura na sexta sílaba poética. A cesura é uma pausa rítmica no meio da estrofe. O poema possui um esquema rímico clássico, formado por ABBA, ABBA, CDC, DCD.

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Lembranças, que lembrais o bem passado
Para que sinta mais o mal presente,
Deixae-me, se quereis, viver contente,
Morrer não me deixeis em tal estado.

Se de todo, comtudo, está do Fado,
Que eu morra de viver tão descontente,
Venha-me todo o bem por accidente,
E todo o mal me venha por cuidado.

Que muito melhor he perder-se a vida,
Perdendo-se as lembranças da memoria,
Pois fazem tanto damno ao pensamento.

Porque, em fim, nada perde quem perdida
A esperança tẽe ja daquella gloria
Que fazia suave o seu tormento.

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Tema: sofrimento causado pela lembranças

Estrutura externa: 2quadras com o esquema rimático interpolada (a,b,a,b) e 2tercetos com o esquema rimático cruzada (c,d,c)

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Luís Vaz de Camões (Lisboa, 1524 — Lisboa, 10 de junho de 1579 ou 1580) foi um poeta nacional de Portugal, considerado uma das maiores figuras da literatura lusófona e um dos grandes poetas da tradição ocidental.

Pouco se sabe com certeza sobre a sua vida. Aparentemente nasceu em Lisboa, de uma família da pequena nobreza. Sobre a sua infância tudo é conjetura mas, ainda jovem, terá recebido uma sólida educação nos moldes clássicos, dominando o latim e conhecendo a literatura e a história antigas e modernas. Pode ter estudado na Universidade de Coimbra, mas a sua passagem pela escola não é documentada. Frequentou a corte de D. João III, iniciou a sua carreira como poeta lírico e envolveu-se, como narra a tradição, em amores com damas da nobreza e possivelmente plebeias, além de levar uma vida boémia e turbulenta. Diz-se que, por conta de um amor frustrado, autoexilou-se em África, alistado como militar, onde perdeu um olho em batalha. Voltando a Portugal, feriu um servo do Paço e foi preso. Perdoado, partiu para o Oriente. Passando lá vários anos, enfrentou uma série de adversidades, foi preso várias vezes, combateu ao lado das forças portuguesas e escreveu a sua obra mais conhecida, a epopeia nacionalista Os Lusíadas. De volta à pátria, publicou Os Lusíadas e recebeu uma pequena pensão do rei D. Sebastião pelos serviços prestados à Coroa, mas nos seus anos finais parece ter enfrentado dificuldades para se manter.

Logo após a sua morte a sua obra lírica foi reunida na coletânea Rimas, tendo deixado também três obras de teatro cómico. Enquanto viveu queixou-se várias vezes de alegadas injustiças que sofrera, e da escassa atenção que a sua obra recebia, mas pouco depois de falecer a sua poesia começou a ser reconhecida como valiosa e de alto padrão estético por vários nomes importantes da literatura europeia, ganhando prestígio sempre crescente entre o público e os conhecedores e influenciando gerações de poetas em vários países. Camões foi um renovador da língua portuguesa e fixou-lhe um duradouro cânone; tornou-se um dos mais fortes símbolos de identidade da sua pátria e é uma referência para toda a comunidade lusófona internacional. Hoje a sua fama está solidamente estabelecida e é considerado um dos grandes vultos literários da tradição ocidental, sendo traduzido para várias línguas e tornando-se objeto de uma vasta quantidade de estudos críticos.

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A anunciação, de Sandro Botticelli, 1489-1490.

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A anunciação, de Sandro Botticelli, 1489-1490.

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http://histoblogsu.blogspot.com/2009/09/renascimento-artes-plasticas.html

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https://pt.wikipedia.org/wiki/Lu%C3%ADs_de_Cam%C3%B5es

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Nunca estamos preparados para perder alguém. Dizem que o tempo cura todas as feridas, mas quanto maior é a perda maior é o sofrimento e mais difícil é voltar a ficar bem. Sentimos q a dor n desaparece. Enquanto o tempo passa sentimo-nos frustados, sentimos q nada faz sentido e por mais que todos digam que tudo vai ficar bem na prática tudo fica pior, tudo fica horrível..sofremos, não temos opções menos dolorosas nem menos insuportáveis. A ausência faz-nos sofrer e ninguém nos ensinou a ser fortes o suficiente para sentir a dor de uma perda, duma ausência...custa a acreditar que tudo aconteceu, descansa em paz. És a estrela mais mais brilhante do céu Leandro ⭐️

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Estruturado em redondilha maior com sete sílabas (sendo a última, forçada) e estrofe única. Em “Ao desconcerto do Mundo” o eu-lírico relata como sempre vira pessoas boas passarem por situações de dificuldade, enquanto pessoas “más”, conseguiam dar se bem na vida. O eu-lírico aparenta pensar que, os bons nunca serão felizes por terem consciência do que é certo ou errado a se fazer, já os maus, como não importam se com as consequências, conseguem o que querem, da forma que for preciso.

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Aquela triste e leda madrugada,
cheia toda de mágoa e de piedade,
enquanto houver no mundo saudade
quero que seja sempre celebrada.

Ela só, quando amena e marchetada
saía, dando ao mundo claridade,
viu apartar-se de üa outra vontade,
que nunca poderá ver-se apartada.

Ela só viu as lágrimas em fio,
de que uns e outros olhos derivadas
se acrescentaram em grande e largo rio.

Ela viu as palavras magoadas
que puderam tornar o fogo frio,
e dar descanso às almas condenadas

Luís de Camões

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Verdes são os campos,
De cor de limão:
Assim são os olhos
Do meu coração.

Campo, que te estendes
Com verdura bela;
Ovelhas, que nela
Vosso pasto tendes,
De ervas vos mantendes
Que traz o Verão,
E eu das lembranças
Do meu coração.

Gado que pasceis
Com contentamento,
Vosso mantimento
Não no entendereis,
Isso que comeis
Não são ervas, não:
São graças dos olhos
Do meu coração.

Luís de Camões

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TEMÁTICA: Os olhos verdes da mulher amada.

·         Expressão da “vassalagem amorosa”

·         Cenário bucólico – 1º, serve de comparação com o estado de espírito saudoso do Poeta;  2º, identifica-se com a própria beleza da amada ausente.

os anteriores

·         Provoca saudades e lembranças no sujeito poético; (1º)

·         Provoca alegria e “contentamento” na Natureza. (2º)

·         Confidentes do Poeta – Campo e Gado (Apóstrofe e Vocativo)

·         do meu coração. – é o mesmo que da minha amada.

·         1ª Volta – como o gado (ovelhas) se alimenta dos prados, ele alimenta-se das memórias da sua amada.

·         2ª Volta – o mantimento do gado não são ervas mas o verde dos olhos da amada.

·         As belezas da amada não são acidentes da Natureza, atributos físicos com que a Natureza a beneficiasse; antes é a dama que distribui pela Natureza essa mesma beleza… dir-se-ia que a Natureza é bela na medida em que participa das belezas da senhora.

·          Estamos em presença de uma cantiga - mote de 4 versos (quadra) e voltas de 8 versos (oitavas).

·         Mote – rima cruzada e dois versos soltos ou brancos: ABCB

·         Volta 1 – DEEDDBFB – rima interpolada, emparelhada, cruzada e um verso solto ou branco.

·         tendes / mantendes – rima consoante ou perfeita.

·         Versos pentassílabos ou de redondilha menor (5 sílabas).

·         … co contentamento, - personificação (atribuição de reações; sentimentos próprios dos humanos).

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Estrutura externa

Soneto em verso decassílabo heróico (acentuado nas 6.ª e 10.ª sílaba). A rima é interpolada e emparelhada nas quadras e cruzada nos tercetos, segundo o esquema rimático ABBA/ABBA/CDC/DCD.

Estrutura interna

O soneto divide-se em duas partes:

A 1.ª quadra, a introdução, expõe a ideia dum eu que manifesta o desejo (quero) de que «aquela madrugada […] seja sempre celebrada.».

Esta parte é mais descritiva, passa-se no presente (quero) e o sujeito projecta os seus desejos no futuro (houver, seja), usando o futuro e o presente do conjuntivo.

A 2.ª quadra e os dois tercetosconstituem a segunda parte, a justificação para a necessidade da celebração dessa madrugada.

A segunda parte é mais narrativa, evoca um acontecimento, daí o predomínio do pretérito perfeito (viu; ouviu; acrescentaram).

Tema: a saudade / a separação (despedida)

Sentimentos expressos: a saudade / o amor / a tristeza

Como o poeta expressa os sentimentos:

pela antítese – aquela triste e leda madrugada

pelo vocabulário – triste, mágoa, piedade, lágrimas magoadas.

pela hipérbole – As lágrimas em fio / Que de uns e outros olhos derivadas/ se acrescentaram em grande e largo rio.

pelo paradoxo – as palavras magoadas que puderam tornar o fogo frio e dar descanso às almas condenadas.

Pelo paradoxo – viu apartar-se de uma outra vontade/ que nunca poderá ver-se apartada.

Pela personificação / animização – (a madrugada)

viu apartar-se de uma a outra vontade

viu as lágrimas em fio

ouviu as palavras magoadas.

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Bocage foi um poeta português do período neoclássico (setecentismo ou do arcadismo) e um dos precursores do Romantismo em Portugal. Foi considerado um dos mais importantes poetas e sonetistas portugueses do século XVIII. Junto aos poetas Camões e Antero de Quental, Bocage forma o trio dos maiores sonetistas líricos da literatura portuguesa.

BIOGRAFIA:

Manuel Maria de Barbosa l'Hedois du Bocage nasceu em Setúbal, dia 15 de Setembro de 1765. Filho do advogado José Luís Soares de Barbosa e de Mariana Joaquina Xavier l'Hedois Lustoff du Bocage, ambos descendentes da região da Normandia.

Bocage era um dos seis filhos do casal e como previsto, teve uma boa educação, estudando línguas (francês, latim, italiano) e literaturas.

A despeito disso, o poeta apresentava um comportamento inquieto, aventureiro e polêmico, e mais tarde chegou a ter uma vida boemia.

Na infância passou por momentos difíceis, posto que seu pai foi preso quando tinha apenas seis anos e ficou órfão de mãe, aos 10 anos.

Fez parte do exército e da marinha portuguesa. Viajou para o Brasil, África, China e na Índia e exerceu o posto de guarda-marinha. Em 1790, retorna a Lisboa iniciando sua vida literária, da qual se dedicou até o resto de seus dias.

Nesse mesmo ano, participou das Arcádias, denominadas as associações literárias da época, onde foi convidado e aderindo à "Academia das Belas Letras" ou "Nova Arcádia".

Foi um dos mais influentes poetas portugueses donde adota o pseudônimo Elmano Sadino. Foi perseguido e preso pela Inquisição, de forma que satirizou a Igreja e o poder clerical. Nesse momento sua obra reflete tendências pré-românticas.

Faleceu em Lisboa, dia 21 de Dezembro de 1805, vítima de aneurisma. Na casa onde arrendou e viveu com sua irmã, no Bairro Alto, em Lisboa, localizada na Travessa André Valente, n.º 25, possui uma lápide dedicada ao poeta: “Aos 21 de Dezembro de 1805 faleceu nesta casa o poeta Manuel Maria de Barbosa l'Hedois du Bocage”.

Principais Obras

Já dizia o próprio poeta: “Rasga meus versos. Crê na eternidade”. A obra de Bocage está repleta de lirismo, erotismo, individualismo e sátiras com uma linguagem neoclássica, ou seja, clara, abreviada, correta e pomposa. Os temas mais explorados são: bucólicos, pastoris e da mitologia clássica.Além disso, realizou traduções e escreveu poesias eróticas, burlescas e satíricas e outros gêneros literários como odes, canções, idílios, epístolas, fábulas. Algumas de suas obras:

Morte de D. Ignez de Castro

O Triunfo da Religião

A Pavorosa Ilusão

A Virtude Laureada

À Puríssima Conceição de Nossa Senhora

Elegia

Convite à Marília

Improvisos de Bocage

Idílios Marítimos

Mágoas Amorosas de Elmano

Queixumes do Pastor Elmano Contra a Falsidade da Pastora Urselina

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Bocage na nota de 100 escudos (1981), Portugal

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Bocage na nota de 100 escudos (1981), Portugal

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Neoclassicismo foi um movimento cultural nascido na Europa Ocidental em meados do século XVIII, que teve larga influência na arte e cultura de todo o ocidente até meados do século XIX. Teve como base os ideais do iluminismo e um renovado interesse pela cultura da Antiguidade Clássica, advogando os princípios da moderação, equilíbrio e idealismo como uma reação contra os excessos decorativistas e dramáticos do Barroco.

Principais características:

- Valorização de temas e padrões estéticos da arte clássica antiga. Heróis e seres da mitologia grega, por exemplo, foram temas recorrentes nas pinturas e esculturas neoclássicas.

- Forte influência das ideias filosóficas do iluminismo, principalmente as ligadas à razão.

- Na pintura, o uso de cores frias e a valorização da perspectiva foram recursos muito utilizados.

- Valorização da simplicidade e pureza estética (principalmente na pintura) em contraste com os rebuscamentos, dramaticidades e complexidades do Barroco e do Rococó.

- Na Literatura, os textos apresentam como características principais a síntese, clareza e perfeição gramática.

- Na escultura, forte influência das formas clássicas do Renascimento. Ao contrário dos escultores barrocos, que pintavam suas obras, os artistas neoclássicos optaram pela cor branca natural do mármore (como os escultores gregos e romanos).

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Pré-Romantismo ou Primeiro Romantismo foi um movimento literário dos fins do século XVIII que se distancia das características neoclássicas e que começa a evidenciar características temáticas próprias com o surgimento do
Romantismo. Este movimento surgiu na Inglaterra com Young, Richardson e Gray; na Alemanha, com o movimento Sturm und Drang; em  Portugal, não chegou a constituir-se como movimento, manifestou-se em escritores como Bocage, a marquesa de Alorna, Filinto Elisio e José Anastácio da Cunha, entre outros, alguns deles ainda ligados ao arcadismo.

É também chamado de sentimentalismo por apresentar como características fundamentais a valorização do sentimento e da sensibilidade individuais face à moral social e às convenções, tem a ver com o aproximar do passado histórico e da literatura tradicional, além do amor à natureza e da notação da paisagem como locus horrendus, ambientação do Mal-do-Século. O pré-romantismo está ligado, do ponto de vista histórico, à emancipação da burguesia, que, por via da sua ascensão económica e social, se liberta progressivamente de alguns dos valores dominantes da cultura aristocrática, a que está associada a arte do classicismo.

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O Juramento dos Horácios, uma das obras mais conhecidas e influentes da escola neoclássicapor Jacques-Louis David, 1784, Museu do Louvre

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O Juramento dos Horácios, uma das obras mais conhecidas e influentes da escola neoclássicapor Jacques-Louis David, 1784, Museu do Louvre

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O movimento literário do século XVII constitui, de certa maneira, a natural evolução do século anterior: continua vigoroso o prestigio e a imitação dos clássicos, intensifica-se o requinte formal. A arte barroca representa em profundidade a angustia do fugaz, do inconstante e a tentativa desesperada para fixar a realidade em permanente mobilidade. (...)
Os homens do século XVII fundam as primeiras academias, isto é, agremiações com a função primordial de estimular e aperfeiçoar as manifestações literárias. (...)

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Magro, de olhos azuis, carão moreno,

Bem servido de pés, meão na altura,

Triste de facha, o mesmo de figura,

Nariz alto no meio, e não pequeno;

Incapaz de assistir num só terreno,

Mais propenso ao furor do que à ternura,

Bebendo em níveas mãos por taça escura

De zelos infernais letal veneno;

Devoto incensador de mil deidades

(Digo, de moças mil) num só momento,

E somente no altar amando os frades;

Eis Bocage, em quem luz algum talento;

Saíram dele mesmo estas verdades

Num dia em que se achou mais pachorrento.

Bocage, in 'Rimas'

Tema: Auto-retrato
Assunto: o autor de texto descreve-se

Estrutura externa
Esquema romântico:abba/abba/cdc/dcd
A rima é emparelhada em (bb), interpolada (aa) e cruzada (cdcdc)

O poema é um soneto constituído por duas quadras e dois tercetos em que todos os versos tem 10 sílabas métricas ou seja decassílabico

Estrutura interna
1 parte:
Neste parte o autor retrata o seu auto-retrato
Há dois momentos distintos:
1-quadra que representa o seu retrato físico;
2-quadra e o 1 terceto representa o retrato psicológico;

2 parte:
Nesta parte do poema o sujeito poético demonstra a sua identidade e as circunstâncias que proporcionaram a criação do soneto.

Recursos expressivos:
Adjetivação (“magro, de olhos azuis, carão moreno”)
Hipérbole “mil deidades (digo de moças mil)”

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Já Bocage não sou!... À cova escura

Já Bocage não sou!... À cova escura

Meu estro vai parar desfeito em vento...

Eu aos Céus ultrajei! O meu tormento

Leve me torne sempre a terra dura.

Conheço agora já quão vã figura

Em prosa e verso fez meu louco intento;

Musa!... Tivera algum merecimento

Se um raio de razão seguisse pura!

Eu me arrependo; a língua quase fria

Brade em alto pregão à mocidade,

Que atrás do som fantástico corria.

Outro Aretino fui... A santidade

Manchei - ... Oh! Se me creste, gente ímpia,

Rasga meus versos, crê na eternidade!

Recursos estilísticos:

** À cova escura / Meu estro vai parar desfeito em vento... - anástrofe;

** Eu aos Céus ultrajei! - metonímia;

** Conheço agora já quão vã figura / Em prosa e verso fez meu louco intento; - anástrofe;

** Se me creste, gente ímpia, / Rasga meus versos, crê na eternidade!   ///   Musa!...- apóstrofe;

** Que atrás do som fantástico corria. - metáfora.

Elementos clássicos:

#  a forma - soneto;

#  a presença da mitologia - Musa!...;

#  a presença de vocabulário alatinado (estro, fantástico);

#  a alusão à Razão.

Elementos românticos:

#  o tom confessional do poema;

#  o tema do arrependimento;

#  a alusão à morte;

#  o tom declamatório;

#  a pontuação expressiva associada à função emotiva.

https://sentirportugus.blogspot.com/2015/05/ja-bocage-nao-sou-cova-escura-bocage.html

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Camões, Grande Camões, quão Semelhante

Camões, grande Camões, quão semelhante
Acho teu fado ao meu, quando os cotejo!
Igual causa nos fez, perdendo o Tejo,
Arrostar co'o sacrílego gigante;

Como tu, junto ao Ganges sussurrante,
Da penúria cruel no horror me vejo;
Como tu, gostos vãos, que em vão desejo,
Também carpindo estou, saudoso amante.

Ludíbrio, como tu, da Sorte dura
Meu fim demando ao Céu, pela certeza
De que só terei paz na sepultura.

Modelo meu tu és, mas... oh, tristeza!...
Se te imito nos transes da Ventura,
Não te imito nos dons da Natureza.

Bocage, in 'Rimas'

Podemos  considerar a existência de duas partes neste texto.

1ª parte - constituída pelas duas quadras e pelo primeiro terceto. O sujeito poético compara-se a Camões, enumerando os aspetos  que os aproximam.

2ª parte - constituída pelo segundo terceto. Inesperadamente, o s. p. dá-nos conta do seu desgosto ao verificar que apenas se assemelha a Camões nas desgraças e não no génio criativo, da escrita.

No entanto, se pensarmos em termos de introdução, desenvolvimento e conclusão como momentos distintos no texto, concluímos que, embora os dois primeiros pontos, correspondam às duas primeiras partes já no que diz respeito à conclusão há que distinguir a importância da parte do texto introduzida pela adversativa "mas" e que corresponderá à conclusão. Nela, Bocage reconhece humildemente o Génio de Camões e a sua superioridade, causadores da tristeza que sente ao tomar consciência de que as semelhanças abrangem principalmente os aspetos negativos das suas existências.

Na globalidade, o tema do soneto assenta no descontentamento de Bocage ao verificar que a Infelicidade é o único elo entre os dois poetas. No entanto, e psicologicamente, sente-se algum conforto pela parte de Bocage nesta sua semelhança com Camões que ele considera o seu modelo.

"pela certeza
De que só terei paz na sepultura." - solução apresentada que se enquadra na mentalidade pré-romântica.

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Olha, Marília, as flautas dos pastores

Olha, Marília, as flautas dos pastores
Que bem que soam, como estão cadentes!
Olha o Tejo a sorrir-se! Olha, não sentes
Os Zéfiros brincar por entre as flores?

Vê como ali beijando-se os Amores
Incitam nossos ósculos ardentes!
Ei-las de planta em planta as inocentes,
As vagas borboletas de mil cores.

Naquele arbusto o rouxinol suspira,
Ora nas folhas a abelhinha para,
Ora nos ares sussurrando gira.

Que alegre campo! Que manhã tão clara!
Mas ah! Tudo o que vês, se eu não te vira,
Mais tristeza que a noite me causara.

- apóstrofe;

- personificação;

- anáfora;

- anástrofe; (o rouxinol suspira naquele arbusto)

- hipérbole.

Interpretação do poema

Assistimos à descrição de um locus amoenus ao longo de todo o soneto.

No entanto, é possível estabelecer dois momentos distintos ou, pelo menos, um momento característico do gosto romântico já no final do texto.

Analise

Assim, numa primeira parte constituída pelas duas quadras, pelo primeiro terceto e pelo primeiro verso do segundo terceto, o sujeito poético, num claro apelo aos sentidos, à Natureza, ao colorido, à música, ao movimento, transmite-nos a ideia de uma Natureza que é o reflexo do seu estado de alma sendo que o amor nasce através da visão: "Olha" (três ocorrências na primeira quadra) e "Ver" ("Vê"; "vês" e "vira"). Temos, afinal, o mundo sensível predominando sobre o mundo inteligível. O tom utilizado é coloquial; há uma sensação de

Naquela a que chamaremos segunda parte, constituída pelo dois últimos versos do soneto, o sujeito poético apresenta uma condição para que a Natureza mantenha a alegria e a luz com que a descreve e que é a presença da amada. Parte então para a ideia de uma paisagem bem ao gosto romântico caracterizada por uma atmosfera sombria e melancólica: "o rouxinol suspira" ( a referência ao rouxinol é uma marca romântica assim como à "tristeza" e à "noite").

**A tristeza em Bocage é exagerada, desmedida, ao gosto romântico.

Elementos neoclássicos presentes no texto:

- a forma: soneto;

- vocabulário alatinado: "cadentes"; "Zéfiros"; "ósculos";

- mitologia: Amores (Cupido)

Elementos pré-românticos presentes no texto:

- a Natureza como reflexo do estado de alma do sujeito poético [presença ou ausência do sujeito da amada];

- pontuação subjetiva  [recorrência a frases exclamativas];

- presença do rouxinol [associado ao amor fatal, de perdição] e da noite;

- o amor sensual.

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Sempre q me perguntam se estou bem eu vou responder q sim.. n vou querer estar a expor tudo o que se passa comigo, não vou querer desfazer-me em lágrimas ao dizê-lo, não vou querer dar parte fraca. Vou querer demonstrar que as mulheres não choram, vou querer demonstrar que sou mais forte que tudo sabendo q na verdade não estou bem. A minha auto-estima está de rastos, não me sinto bem, sinto que preciso de gostar de mim e sinto que ligo muito à opinião das outras pessoas. Sinto-me triste. Sinto falta de mim quando era mais nova. Quando olho para as minhas fotografias antigas vejo sempre o meu sorriso, vejo que estava realmente feliz e penso o q é q mudou, encaro isto como uma derrota pelo facto de já não me sentir tão feliz agr como era antes. Não me preocupava com a aparência, nng se preocupava, éramos todas umas meninas que crescemos e já somos umas mulheres. Agr para q uma mulher se sinta bem vai rebaixar alguém para q a sua auto-estima esteja bem em cima, enquanto quem é rebaixado vai cair no fundo do poço. Vai criar complexos, vai achar-se inferior, vai achar-se feia. Não vai querer vestir um biquíni no verão, não vai querer sair de casa, vai ficar trancada no quarto, poderá até cortar-se, não vai querer ir a festas e só vai à escola por obrigação. Vai sentir um sofrimento constante. Enquanto isso vocês que a meteram lá em baixo vão estar a rir-se até que ela se suicide. E depois? Vão sentir-se bem com o que fizeram? Vão sentir-se bem com a culpa de uma perda provocado por vocês?

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Andavam as caravelas portuguesas na epopeia dos Descobrimentos, quando Fernão Mendes Pinto decide embarcar à procura de novas oportunidades de negócio. A viagem encetada em 1537 irá durar 21 anos, um tempo de venturas e desventuras nos confins da Ásia, onde por 13 vezes é cativo e 17 vezes vendido. O que nenhum ocidental tinha até então observado é por ele relatado na primeira pessoa, espetador e personagem principal  de uma realidade exótica, com povos, culturas , paisagens e animais fantásticos de terras que ficavam do outro lado do mundo.

Fernão Mendes Pinto escreve “Peregrinação”, uma narrativa descritiva, dinâmica e colorida da presença portuguesa no oriente, com informações importantes sobre a história e a geografia de outras civilizações, a que não faltam episódios de crueldade e duras críticas à atuação dos portugueses naquelas paragens e à desmesurada ganância dos homens. A veracidade de alguns relatos foi no entanto posta em causa e, o seu autor, desacreditado e rotulado de mentiroso. Realidade misturada com alguma ficção, certo é que este livro do aventureiro português é comparado em grandiosidade ao poema épico de Luís de Camões, seu contemporâneo.

Seguimos a história desta “Peregrinação” de uma vida, obra-prima publicada no início do século XVII, com sucesso imediato e traduções para as principais línguas europeias, no excerto do documentário “Grandes Livros”.

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Apenas vi do dia a luz brilhante

Lá de Túbal no empório celebrado,

Em sanguíneo carácter  foi marcado

Pelos Destinos meu primeiro instante.

Aos dois lustros a morte devorante

Me roubou, terna mãe, teu doce agrado;

Segui Marte depois, e enfim meu fado,

Dos irmãos e do pai me pôs distante.

Vagando a curva terra, o mar profundo,

Longe da Pátria, longe da ventura,

Minhas faces com lágrimas inundo.

E enquanto insana multidão procura

Essas quimeras, esses bens do mundo,

Suspiro pela paz da sepultura.

Consideramos dois momentos neste soneto. O primeiro englobando as duas quadras e o primeiro terceto e o segundo, o segundo terceto.

No primeiro momento, são apresentados aspetos biográficos de Bocage como: exílio afastado da Pátria; local de nascimento, Setúbal; morte da mãe e vida militar.

O primeiro momento do texto é constituído pelas duas quadras e pelo primeiro terceto. Nele, o sujeito poético apresenta acontecimentos da sua vida que foram a causa da sua Dor que teve início logo no dia em que nasceu (1ºv.).

Nesta primeira parte, o s.p. dá-nos conta do infortúnio com que o Destino o marcou à nascença, ao ter-lhe roubado a mãe e por tê-lo afastado da sua família.

Aspectos psicológicos implícitos:

(1) carácter impulsivo, violento; (2) carente de afetos; (3) desejo de morrer.

De salientar o contraste entre o modo como refere a morte da mãe, morte devorante, e a sua própria e que deseja, Suspiro pela paz da sepultura.

Nota: note-se a presença de um EUFEMISMO  se atentarmos nos vocábulos Suspiro e paz para classificar a Morte, substituída pela expressão  paz da sepultura.

Este contraste justifica-se, no caso do último verso, pelo facto de o s.p. desejar a sua própria morte.

No segundo momento, o s.p. utiliza uma comparação antitética que estabelece com a "insana multidão", confessando apenas suspirar pela paz na sepultura.

Este soneto caracteriza-se por uma forte adjetivação que se esbate ao longo do texto.

Recursos estilísticos...

*Apenas vi do dia a luz brilhante - anástrofe e perífrase;

*Lá de Túbal no empório celebrado, - metonímia;

*e enfim meu fado,/ Dos irmãos e do pai me pôs distante. - anástrofe;

*Longe da Pátria, longe da ventura, - anáfora;

*Minhas faces com lágrimas inundo. - hipérbato.

Presentes neste soneto:

1. Elementos clássicos

# a forma - o soneto;

# o vocabulário alatinado (empório, devorando, vagando, insana);

# a presença da mitologia - Túbal, Destinos, Marte;

2. Elementos românticos

# a aguda consciência do "eu";

# o exílio;

# o desejo da morte;

# o carácter autobiográfico;

# o individualismo;

# o tom confessional;

# a crença no fatalismo de que é vítima.

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O Romantismo foi um movimento artístico que surgiu na Europa no século XVIII e durou até meados do século XIX. Ele influenciou a literatura, a pintura, a música e a arquitetura.

Como escola literária, as bases do sentimentalismo romântico e do escapismo pelo suicídio foram estabelecidas pelo romance "Os sofrimentos do jovem Werther", de Goethe, publicado na Alemanha em 1774.

Na Inglaterra, o Romantismo se manifesta nos primeiros anos do século XIX, com destaque para a poesia ultra-romântica de Lord Byron e para o romance histórico Ivanhoé, de Walter Scott.

Também figuram entre as primeiras obras do início da revolução romântica na Europa os livros Manon Lescut, do árabe Prévost (1731), e a História de Tom Joses, de Henry Fielding (1749).

O romance, contudo, já era utilizado no Império Romano, cuja palavra romano era aplicada para designar as línguas usadas pelos povos sob o seu domínio. Tais idiomas eram, na verdade, uma forma popular do latim.

As composições de cunho popular e folclórico escritas em latim vulgar, em prosa ou em verso e que relatavam fantasias e aventuras, também eram chamadas de romance.

E foi no século XVIII, que tomou o sentido atual, após passar pelas formas de "romance de cavalaria, romance sentimental, romance pastoral", na Europa. O romance pode ser considerado o sucessor da epopeia.
Principais Características

Na literatura, as

Principais características do romantismo são:

Oposição ao modelo clássico;

Estrutura do texto em prosa, longo;

Desenvolvimento de um núcleo central;

Narrativa ampla refletindo uma sequência de tempo;

O indivíduo passa a ser o centro das atenções;

Surgimento de um público consumidor (folhetim);

Uso de versos livres e versos brancos;

Exaltação do nacionalismo, da natureza e da pátria;

Idealização da sociedade, do amor e da mulher;

Criação de um herói nacional;

Sentimentalismo e supervalorização das emoções pessoais;

Subjetivismo e egocentrismo;

Saudades da infância;

Fuga da realidade.

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Primeira edição da obra Os Sofrimentos do Jovem Werther (1774), livro que deu início ao movimento romântico

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Primeira edição da obra Os Sofrimentos do Jovem Werther (1774), livro que deu início ao movimento romântico

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https://www.todamateria.com.br/romantismo-caracteristicas-e-contexto-historico/

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Palácio Nacional da Pena em Sintra, uma das expressões do Romantismo arquitectónico do século XIX no mundo.

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Palácio Nacional da Pena em Sintra, uma das expressões do Romantismo arquitectónico do século XIX no mundo.

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https://pt.wikipedia.org/wiki/Romantismo_em_Portugal

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Almeida Garrett (1799-1855) foi jornalista, legislador, poeta e escritor. Foi percursor do Romantismo em Portugal. Envolve-se nas guerras liberais ao lado de D. Pedro, razão porque se viu obrigado a procurar o exílio por duas vezes.

Nasceu no Porto em 4 de Fevereiro de 1799 com o nome João Baptista da Silva Leitão. Estudou Direito em Coimbra, onde adoptou o nome Almeida Garrett, destacando-se como orador notável, batendo-se por causas.

Como autor tem uma vasta bibliografia onde se destacam “Frei Luís de Sousa” e “Viagens na minha Terra”, mas Garrett foi também ministro e par do reino, desenvolvendo uma carreira política após as guerras liberais, chegando a receber o título nobiliárquico de Visconde.

Enquanto membro do Governo é responsável pela criação do Teatro Nacional D. Maria II e do Conservatório de Arte Dramática.

Os períodos de exílio levaram-no a contactar com outros autores de origem britânica e francesa que tiveram forte influência na sua obra. É recordado aqui por Natália Correia.

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Nas artes plásticas, o romantismo deixou importantes marcas. Artistas como o espanhol Francisco Goya e o francês Eugène Delacroix são os maiores representantes da pintura desta fase. Estes artistas representavam a natureza, os problemas sociais e urbanos, valorizavam as emoções e os sentimentos em suas obras de arte. Na Alemanha, podemos destacar as obras místicas de Caspar David Friedrich, enquanto na Inglaterra John Constable traçava obras com forte crítica à urbanização e aos problemas gerados pela Revolução Industrial.
A pintura foi o ramo das artes plásticas mais significativo, foi ela o veículo que consolidaria definitivamente o ideal de uma época, utilizando-se de temas dramatico-sentimentais inspirados pela literatura e pela História. Procura-se no conteúdo, mais do que os valores de arte, os efeitos emotivos, destacando principalmente a pintura histórica e em menos grau a pintura sagrada. Novamente a revolução Francesa e seus desdobramentos servem de inspiração; agora para uma arte dramática como pode ser percebida em Delacroix e Goya. Podemos dizer que este último, manifestou uma tendência mais politizada do romantismo, exceção para a época e que tornou-se valorizada no século XX.
Na França e na Espanha, o romantismo produziu uma pintura de grande força narrativa e de um ousado cromatismo, ao mesmo tempo dramático e tenebroso. É o caso dos quadros das matanças de Delacroix, ou do Colosso de Goya, que antecipou, de certa forma, a pincelada truncada do impressionismo.
As cores se libertaram e fortaleceram, dando a impressão, às vezes, de serem mais importantes que o próprio conteúdo da obra. A paisagem passou a desempenhar o papel principal, não mais como cenário da composição, mas em estreita relação com os personagens das obras e como seu meio de expressão.
O romantismo foi marcado pelo amor a natureza livre e autêntica, pela aquisição de uma sensibilidade poética pela paisagem, valorizada pela profusão de cores, refletindo assim o estado de espírito do autor.

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Espanhol: A maja nua       Pintura de Francisco de Goya 

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Espanhol: A maja nua       Pintura de Francisco de Goya 

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Francês: A Liberdade guiando o povo             Pintura de Eugène Delacroix

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Francês: A Liberdade guiando o povo             Pintura de Eugène Delacroix

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Alemão: Os penhascos de Rügen            Pintura de Caspar David Friedrich 

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Alemão: Os penhascos de Rügen            Pintura de Caspar David Friedrich 

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Inglês: O campo de milho            Pintura de John Constable 

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Inglês: O campo de milho            Pintura de John Constable 

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O Auto de Gil vicente representado na corte de D. Manuel por ocasião do casamento de D. Beatriz com o duque da Saboia surge, portanto, como o centro estruturador da acção, à volta do qual e através do qual se constrói a intriga dos amores entre Bernardim e da Infanta, cimento aglutinador dos vários conflitos que compõem a ação.

A representação da ultima cena, ainda no II Ato, e às diversas referencias que lhe são feitas ao longo do III Ato. Não se trata em ultimas estancias, de um encaixe; o drama de Garrett é a própria representação do Auto de Gil Vicente, tornando-se assim o teatro metáfora da própria vida – e esse foi o processo que Garrett encontrou de ressuscitar o teatro português: reaproxima-lo da vida, povoa-lo de factos reais e de pessoas reais, dotadas de sentimentos comuns, como amor, a paixão, o ciúme, a suspeita, o orgulho…

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Drama histórico da autoria de Almeida Garrett, representado pela primeira vez em agosto de 1838, no Teatro da Rua dos Condes, e publicado posteriormente em volume. No prefácio teórico do autor, este debate o problema do declínio da arte dramática em Portugal e defende a urgência de se fazer ressuscitar o teatro nacional, projeto a que a obra se encontra concretamente ligada: "o drama de Gil Vicente que tomei para título deste não é um episódio, é o assunto mesmo do meu drama; é o ponto em que se enlaça e do qual se desenlaça depois a ação; (...) Mas eu não quis só fazer um drama, sim um drama de outro drama, e ressuscitar Gil Vicente a ver se ressuscitava o teatro".
Nesta peça, evoca-se a corte de D. Manuel I e as duas grandes individualidades literárias que nela evoluíram: Bernardim Ribeiro (representante da poesia aristocrática) e Gil Vicente (defensor do teatro). Garrett conseguiu, assim, a proeza de abordar o Teatro através do teatro, tendo como pano de fundo os ensaios para a peça Cortes de Júpiter, escrita por Gil Vicente para celebrar a partida da Infanta D. Beatriz para Saboia, onde se casaria com Carlos III.

A peça é dividida em três atos, sendo que cada um se desenrola num espaço diferente. O primeiro passa-se em Sintra onde Pero Çafio, um dos frequentes atores das peças de Gil Vicente, ensaia a sua participação nas Cortes de Júpiter. É então que surge Bernardim Ribeiro a quem Çafio confidencia que durante a representação, uma moura de nome Taes, envergando uma máscara, entregaria um anel a D. Beatriz. Bernardim, apaixonado por D. Beatriz, arquiteta o plano de assumir a personagem de Taes para se poder aproximar da Infanta. No mesmo ato, contracenam Paula Vicente e Dona Beatriz, confessando esta última o grande amor que nutre pelo poeta de Menina e Moça. No segundo ato, desenrolado nos Paços da Ribeira, assistem-se aos preparativos da representação: Gil Vicente e Paula Vicente não gostam do ensaio de Joana do Taco, destacada para interpretar Taes. Bernardim aparece disfarçado e pede para falar com Gil Vicente, pedindo-lhe o papel da moura. Mediante a interferência de Paula, Gil acede. Inicia-se a apresentação da peça com a presença de D. Manuel I e dos altos dignatários da Corte, entre os quais Garcia de Resende. Quando Bernardim entra em cena, modifica as falas da moura, conferindo-ioum grande lirismo. O Rei percebe que se trata de Bernardim e manda interromper a representação, retirando-se com enfado, sem se aperceber que D. Beatriz tinha desmaiado. O terceiro ato passa-se a bordo do Galeão Santa Catarina que levará a Infanta ao seu destino. D. Manuel vem despedir-se da sua filha e traz consigo Chatel, o seu Secretário, que demonstra algumas desconfianças sobre a postura da Infanta. Por intermédio de Paula Vicente, Bernardim consegue visitar D.Beatriz a quem declara o seu amor.

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Como referenciar: Um Auto de Gil Vicente in Artigos de apoio Infopédia [em linha]. Porto: Porto Editora, 2003-2019. [consult. 2019-10-17 09:10:40]. Disponível na Internet: https://www.infopedia.pt/apoio/artigos/$um-auto-de-gil-vicente

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Como referenciar: Um Auto de Gil Vicente in Artigos de apoio Infopédia [em linha]. Porto: Porto Editora, 2003-2019. [consult. 2019-10-17 09:10:40]. Disponível na Internet: https://www.infopedia.pt/apoio/artigos/$um-auto-de-gil-vicente

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Insegura;
Comediante;
Limitada, por estar apaixonada e não ser correspondida;
Pobre.

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Saudosa;
Emotiva;
Reservada;
Compreensiva;
Dramática;
Nostálgica;
Boa amiga;
Honrada;
Misteriosa;
Prototipo de heroína romântica;
Expressiva.