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Le n° 7 de cette excellente revue suisse de didactique de l'histoire est consacré au cinéma (téléchargeable)

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Extrait d'Elephant man pendant l'étude de Cyrano

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Londres, 1884. Le chirurgien Frederick Treves découvre un homme complètement défiguré et difforme, devenu une attraction de foire. John Merrick, ” le monstre ”, doit son nom de Elephant Man au terrible accident que subit sa mère. Alors enceinte de qu

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...et la géographie...

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Les images de Diên Biên Phu dans les fonds de l’ECPAD

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À l'occasion du soixantième anniversaire de la bataille de Diên Biên Phu, nous proposons un montage de plusieurs séquences, illustrant la variété du corpus d'archives cinématographiques relatives à cette bataille.

Dans le premier extrait, les séquences d'un film amateur réalisé sur le 1er bataillon étranger de parachutistes (BEP) en Indochine offrent des vues en couleur de l'opération Castor (installation des troupes avec l'aide de partisans thaïs, vie quotidienne des soldats), prélude à la bataille de Diên Biên Phu. Le lieutenant Le Boudec filme, quant à lui, les hommes du 6e bataillon de parachutistes coloniaux (BPC), placés sous les ordres du commandant Bigeard, assistant à une messe funéraire en souvenir des soldats tombés lors de l'opération Castor, ainsi qu'une inspection du général Navarre, commandant en chef en Indochine le 29 novembre 1953.

Le film d'actualité qui suit, produit par le service cinématographique des armées (SCA), est destiné aux troupes françaises stationnées en Allemagne. Le commentaire du film, réalisé en avril 1954, met en avant l'héroïsme des soldats qui se battent à Diên Biên phu et résistent aux " ruées " du Viêt-minh. Les images sont anachroniques par rapport au commentaire puisqu'elles montrent une opération menée par le 1er régiment de chasseurs à cheval (RCC) en février 1954, donc avant la première offensive du Viêt-minh sur le camp retranché le 13 mars 1954. Le manque d'images d'actualités sur la bataille est la probable explication : en effet, le dernier film de rushes qui quitte le camp retranché est réalisé par Pierre Schoendoerffer le 8 mars 1954.

Dans le film la Mémoire et l'oubli, les rushes réalisés par le SCA côtoient les films de propagande du service cinématographique de l'armée populaire vietnamienne, dans une rétrospective de la bataille de Diên Biên Phu. Le photographe du Service presse information (SPI) Daniel Camus, présent pendant la bataille, parle de son camarade caméraman Pierre Schoendoerffer tandis que des images du tournage du film de ce dernier, Diên Biên Phu, datant de 1992, montrent le souci d'exactitude du réalisateur dans la reconstitution de la bataille.

Enfin, dans le film les Yeux brûlés de Laurent Roth, Pierre Schoendoerffer témoigne de son expérience en Indochine. Les dernières images connues qu'il réalise à Diên Biên Phu (Attaque du piton sur la cote 781) illustrent son propos.

Extraits :

Réf. : FA 90.
Titre : Le 1er BEP en Indochine.
Réalisateur : inconnu.
Année : 1953.
Origine : ECPAD/collection Le Corre.

Réf. : FA 107-6.
Titre : Archives cinématographiques du général Le Boudec : guerre d'Indochine avec le 6e BPC 1952-1954.
Réalisateur : Le Boudec.
Année : 1953.
Origine : ECPAD/collection Le Boudec.

Réf. : FFA 63.54.
Titre : Les actualités militaires françaises en Allemagne. Indochine.
Réalisateur : SCA.
Année : 1954.
Origine : ECPAD.

Réf. : 92.7.021.
Titre : La Mémoire et l'oubli.
Réalisateur : Yves et Ada Rémy.
Année : 1992.
Origine : ECPAD.

Réf. : 86.2.09.
Titre : Les Yeux brûlés.
Réalisateur : Laurent Roth.
Année : 1986.
Origine : ECPAD.

Informations sur la vidéo

Lieux : Diên Biên Phu

Référence : Réf : FA 90 / FA 107-6 / FFA 63.54 / 92.7.021 / 86.2.09

Copyright : ECPAD

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Les images de Diên Biên Phu dans les fonds de l'ECPAD

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À l'occasion du soixantième anniversaire de la bataille de Diên Biên Phu, nous proposons un montage de plusieurs séquences, illustrant la variété du corpus d'archives cinématographiques relatives à cette bataille.

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De quelle guerre d'Indochine, le film "Diên Biên Phu" est-il le nom ?

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De quelle guerre d'Indochine, le film "Diên Biên Phu" est-il le nom ?

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Les temps modernes suédés par un LP

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Uploaded by festival film suédé on 2017-03-18.

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Application de montage sur smartphone

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Chaque épisode est isolé et anticipe légèrement une dérive numérique... un riche matériau pour l'EMC ou certains OE de français

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Forte de quatre saisons et d'un Christmas special, l'anthologie techno-dystopique de Charlie Brooker nous a offert une belle collection de récits explorant autour d'une même thématique des formes et des genres divers. Comment résister à l'envie de les classer en cette saison de tops ? (Spoilers)

Lancée de manière plutôt confidentielle sur Channel 4 en 2011, la série britannique Black Mirror, désormais produite et diffusée par Netflix, s'est au fil des saisons imposée comme un véritable phénomène de société. En envisageant les écrans de plus en plus présents dans nos vies comme miroirs déformants des dérives de nos sociétés occidentales contemporaines, l'anthologie (chapelet de récits indépendants liés par un thème commun) se pose en vigie inquiète des dangers liés à notre addiction aux nouvelles technologies. Et si elle n'échappe pas à un certain moralisme, et s'égare parfois dans des accès de cruauté cyniques, elle a su jeter des ponts réjouissants entre science-fiction, sociologie et philosophie.

Voici notre classement des épisodes de Black Mirror, toutes saisons confondues, en ordre inversé pour ménager le suspens :
19) Crocodile (S4E3)
En enquêtant sur un accident de la route à l'aide d'un système de matérialisation visuelle des souvenirs des témoins, une détective privée déterre un crime ancien, et enclenche une irrépressible spirale de violence. Lesté par une esthétique sentencieuse, l'épisode échoue à développer les implications de la technologie présentée et à s'en emparer comme matière visuelle, et fait de la violence gratuite son unique moteur scénaristique.

Terrifiée à l'idée de perdre sa fille, une maman poule lui implante une puce permettant de surveiller ses moindres faits et gestes. Jodie Foster, aux commandes de l'épisode, réussit à tirer d'un argument particulièrement prometteur (liant la tendance à la sur-protection des enfants et la prolifération des dispositifs de surveillance privée) un récit domestique d'une banalité effarante.

Un pirate informatique disposant d'informations compromettantes pousse plusieurs individus à suivre des instructions de plus en plus risquées. Si la course contre la montre dans laquelle sont embarqués les personnages est habilement rythmée, la cruauté de l'épisode ainsi que sa pauvreté visuelle en font un coup en l'air assez agaçant.

Une femme amnésique est pourchassée par des individus masqués. Au lieu de lui venir en aide, les témoins la filment avec leurs téléphones portables. Après un premier quart d'heure intriguant, le récit, censé épingler le voyeurisme et la soif de sang du peuple numérique, s'engonce dans un dolorisme gratuit et s'achève sur un retournement grand-guignolesque peu crédible.

D'abord conçu comme une farce, un ours bleu en motion capture et au langage fleuri se présente à des élections locales. Sa popularité inattendue dépasse ses créateurs. Satire de la politique spectacle, l'épisode prend rétrospectivement de nouvelles nuances avec l'élection de Donald Trump. Mais si l'accession au pouvoir de bouffons cathodiques est à la fois fascinante et glaçante, cette parabole peine à décoller et à déclencher le même potentiel de sidération que ses modèles réels.
14) 15 millions de mérites (15 Million Merits, S1E2)
Dans un univers futuriste obsédé par le divertissement, le prolétariat est condamné à pédaler sur des vélos électriques dans l'espoir de gagner le sésame pour une émission de télé-réalité. De cette dystopie kitch et proprette tracée à trop gros trais pour convaincre surnagent un couple d'acteurs attachants (dont Daniel Kaluuya, formidable dans Get Out), et une mémorable tirade finale.

Une unité de soldats d'élite est chargée d'éliminer des humanoïdes mutants. L'une de ses recrues découvre qu'on les manipule. L'épisode prend le parti de ne révéler son argument secret qu'à mi-chemin, et résonne en écho glacial avec la propension toute contemporaine à déshumaniser l'ennemi pour mieux convaincre les foules de l'anéantir sans état d'âme.
12) Black Museum (S4E6)
Un musée perdu au milieu du désert rassemble les reliques de sinistres crimes technologiques. Une automobiliste de passage profite de la visite guidée organisée par le maître des lieux, qui réveille bien des fantômes. Véritable anthologie dans l'anthologie aux airs de miroir méta de la série, l'épisode en propose l'un des récits les plus terrifiants (celui du docteur fou), mais s'encombre de retournements artificiels et inutiles.

Une société futuriste voit le statut social de ses citoyens régi par une application de notation personnelle. Quand Lacie est choisie comme témoin de mariage d'une amie d'enfance, c'est la dégringolade. Réalisé par Joe Wright, cet Instagram in real life peut agacer par son esthétique du dernier chic et les simagrées un peu forcées de ses acteurs. Mais le parti pris de la comédie, ainsi que les résonances très actuelle de la technologie mise en scène (le gouvernement chinois a l'intention de mettre en place un classement de ses citoyens via un procédé similaire) font mouche.

Un tueur en série laisse le choix de ses cibles aux utilisateurs de Twitter, puis les élimine grâce à des abeilles mécaniques. En liant l'appétence pour le lynchage des masses numériques anonymes à un enjeu écologique (la disparition de nos pauvres petites pollinisatrices), l'épisode, exceptionnellement long, prend la forme d'un thriller technologique convainquant.
9) Playtest (S3E2)
Un serial tourist débonnaire est choisi pour tester un jeu vidéo horrifique particulièrement immersif. Expérience narrative plutôt inoffensive (les implications sociétales de la technologie mise en scène sont minimes), cet Inception du jeu vidéo délicieusement geek vaut pour l'intelligence de sa mise en scène (signée Dan Trachtenberg, également réalisateur de 10 Cloverfield Lane) et le charisme de ses interprètes.

Dans un univers post-apocalyptique, une femme est poursuivie par un robot chien tueur particulièrement coriace. Un peu à part dans le série, l'épisode fait figure de trip esthétique minimaliste (en Scope noir et blanc et quasiment muet) et convoque tout un imaginaire de cinéma, de Terminator à Duel de Spielberg. Efficace à défaut d'être innovant.

Une application de rencontre extrêmement élaborée promet à ses clients de trouver l'âme soeur en passant par une série de relations-test extrêmement codifiées. Ou comment la drague contemporaine risque de se déshumaniser en étant tamisée par trop de filtres numériques. Le couple d'acteurs principaux est tout simplement craquant, et le twist final malin sans être tape à l'oeil.

Des preneurs d'otages exigent, en échange de la vie d'une duchesse populaire, que le premier ministre britannique ait un rapport sexuel filmé et retransmis avec une truie. Véritable shot d'amoralité, le pilote de la série lui a insufflé sa couleur licencieuse, et se montre extrêmement efficace dans sa manière de figurer le concept d'acrasie (l'attirance visuelle pour quelque chose qui nous révulse) à l'échelle d'une société entière. On a rarement vu pitch aussi barré.
5) USS Callister (S4E1)
Un concepteur de jeu vidéo mal à l'aise socialement s'immerge dans un univers virtuel de science-fiction vintage sur lequel il règne en maître - et en despote. Esthétiquement réjouissante et soutenue par un casting au top, cette parodie de Star Trek saute allègrement de la comédie bouffonne à la tragédie glaçante, jongle habilement avec les niveaux de réalité, et étrille sauvagement les conventions du monde de l'entreprise.

Enfermé dans un chalet isolé, l'intriguant Matt se livre sur son passé et ses nombreuses activités liées aux technologies, du coach de drague intrusif au fabriquant d'esclaves virtuels. Ce premier épisode produit par Netflix synthétise le virage opéré par la série entre les saisons 2 et 3 : ambitions formelles plus abouties et schéma dramaturgique implacable, parfois au dépend de la fraicheur provocante des débuts. D'une gourmandise presque écœurante, ce mille-feuille narratif ne manque ni d'inventivité, ni de générosité.

Persuadé que sa compagne le trompe, un homme mène l'enquête à l'aide d'un dispositif d'enregistrement continu de sa mémoire sensorielle. Il en perd peu à peu la raison. Porté par une écriture d'orfèvre et des acteurs saisissants de justesse, l'épisode réussit à allier dérive technologique et drame personnel tout en restant à hauteur humaine. Le premier coup de maître de la série, assurément.
2) San Junipero (S3E4)
Dans une petite ville côtière délicieusement rétro, deux jeunes femme tombent amoureuses au fil de soirées où le temps et l'espace semblent suspendus. L'an dernier, la romance 2.0 de San Junipero avec éclipsé en un tour de main le reste de la saison 3, et pour cause : en se jetant à corps perdu dans un lyrisme déchirant, Charlie Brooker avait brisé nos petits cœurs. De l'atmosphère au couple d'actrices en passant par le retournement de situation au milieu du récit, l'épisode est un vrai bijou.

Une jeune veuve découvre un site internet permettant de créer un simulacre de l'être aimé à partir de ses traces virtuelles. Difficile de départager celui-ci d'avec San Junipero tant les deux épisodes sont bouleversants. Ils prouvent en tout cas que plus que l'esbroufe ou la cruauté, ce sont le lyrisme et l'humanité qui sient le mieux à Charlie Brooker. Hayley Hatwell est déchirante de justesse dans ce récit sur l'impossibilité du deuil qui entremêle tristesse cotonneuse, intelligence artificielle et amour fou.

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On a classé les épisodes de "Black Mirror", toutes saisons confondues

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Forte de quatre saisons et d'un Christmas special, l'anthologie techno-dystopique de Charlie Brooker nous a offert une belle collection de récits explorant autour d'une même thématique des formes et des genres divers. Comment résister à l'envie de les classer en cette saison de tops ? (Spoilers)

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Le parcours d'Avril, une patiente adolescente (saison 2), pourrait être suivi au fil de certains des 7 épisodes de 30mn qui lui sont consacrés

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C'est une autre façon de raconter des histoires. Une manière que l'on avait presque fini par oublier. En n'utilisant que des mots. En ne s'appuyant que peu ou presque pas sur les images. Les premiers épisodes d' In Treatment tels qu'ils furent (très tôt) mis à disposition sur iTunes avaient de quoi dérouter, car le projet de Rodrigo Garcia (qui avait participé notamment à Six Feet Under) rompait bigrement avec les habitudes prises depuis quelques années.

Une caméra qui bouge peu, se déplace rarement, tourne dans le vase clos d'un cabinet de consultation et qui, par moments, se fige comme pour mieux saisir l'expression des acteurs. D'emblée, on est plongé dans un univers intimiste (confiné ou étouffant ?) qui rend justice aux textes, aux dialogues, aux silences et au jeu des protagonistes, le Dr. Paul Watson, ses quatre patients, sa femme Kate et sa psychanalyste, le Dr. Gina Toll.

Quand on regarde un épisode d'In Treatment, on a le sentiment de se couler dans une nouvelle de l'immense Raymond Carver. On est rappelé à la vie de tous les jours, aux préoccupations quotidiennes, aux maux qui ne s'expriment qu'insuffisamment par la parole, à ces minuscules détails de l'existence qui font les grandes histoires anonymes. On se retrouve dans ces aventures ordinaires qui pourraient être les nôtres et que l'on découvre avec une lenteur consommée et exquise. Il faut du temps et bien de la patience pour mettre au jour des secrets. On n'est pas là dans un spectacle de strip-tease. La série diffusée par le HBO avec pour producteur exécutif Mark Wahlberg (également producteur d' Entourage) ne racole pas. Elle se mérite. A raison de cinq séances de divan chaque semaine (du lundi au vendredi) et ce, pendant près de neuf semaines.

Le concept a été repris d'une série israélienne intitulée Be' Tipul, et il constituait un pari audacieux pour la chaîne câblée, car le risque est grand de lasser le spectateur plus habitué à des rendez-vous hebdomadaires ponctuels d'une demi-heure ou d'une heure.

Le Dr. Weston ( Gabriel Byrne) reçoit en consultation une jeune femme médecin, Laura, (la superbe Melissa George), le lundi, un ancien pilote de chasse de l'US Army, Alex, ( Blair Underwood), le mardi, une adolescente pré-sélectionnée pour l'équipe olympique de gymnastique, Sophie ( Mia Wasikowska), le mercredi, un couple, Jake ( Josh Charles) et Amy ( Embeth Davidtz), qui se déchire, le jeudi, avant lui-même d'aller consulter son thérapeute, le Dr. Gina Toll ( Dianne Wiest), le vendredi.

Evidemment, chacun peut y trouver ce qu'il y cherche, en fonction de sa sensibilité, de son parcours personnel ou de ses pathologies (si on admet que nous sommes tous des malades qui nous ignorons). On peut, au fil du temps, se focaliser sur un ou deux patients et occulter les autres car ce qu'ils ont à dire ne nous intéresse plus, une fois passée les chapitres d'introduction. Il est donc tout à fait possible de regarder In Treatment de manière verticale, de ne prendre rendez-vous que certains jours. Toutefois, on se rend compte qu'au bout d'un temps, toutes ses histoires, bien que parallèles, finissent par se rejoindre : elles sont toutes entendues par le Dr. Weston et elles font l'objet d'un " debriefing " avec Gina.

Lors de la sortie de la série, le magazine Variety s'était montré relativement réservé quant à l'intérêt d'un tel programme, mais aussi quant à son traitement.

" Similarly, the patients are almost uniformly too bizarre to be particularly relatable, indicating they were either unnecessarily exaggerated for effect or something was (literally) lost in translation. Only the bickering Jake and Amy approach a recognizable level of humanity, and even they succumb to their share of false-ringing notes. Through four weeks of episodes, the strongest chapter centers on Paul's visits to Gina, as the two therapists engage in a kind of intellectual chess match - her probing to reveal what's gnawing at him; him recognizing the various feints and traps and still occasionally falling into them. "

Le jugement paraît quelque peu sévère. D'abord, parce qu'il convient de saluer la performance des acteurs. Tout repose sur le dialogue et sur la manière dont le texte est restitué en mots, mais également en émotions, en silences, en hésitations, en explosions et parfois en excuses. L'évolution de chacun est soignée, elle ne souffre d'aucune précipitation. Les personnages s'ouvrent lentement avec malgré tout de brusques accélérations et d'inattendus rebondissements dans la conversation.

Ensuite parce que le Dr. Weston est très loin de l'image préconçue du psychanalyste tout puissant, dont chaque question sousentend qu'il a une réponse à toute chose. Au contraire, il est souvent déstabilisé, placé en porte à faux par ses patients qui l'interrogent et le remettent en cause. On se parle sans complaisance, comme si la maladie servait d'alibi pour renoncer aux conventions. On se dit ce que l'on pense, même lorsque cela n'est pas agréable à proférer et encore moins à entendre.

On en vient à faire une petite parenthèse pour aborder la question de l'interprétation, cruciale dans In Treatment, et telle qu'elle est traitée en philosophie. Pour Aristote qui en ce domaine incarne la tradition, le désir de connaître la vérité va de soi. " L'homme désire naturellement savoir. " Cette tradition qui reste dogmatique trouve un opposant en la personne de Nietzsche. " Votre jugement (...) a une préhistoire dans vos impulsions, vos penchants, vos répulsions, vos expériences, vos manques d'expérience. Comment ce jugement a‑t‑il pu se produire ? devez‑vous vous demander, et ensuite : Qu'est‑ce qui me pousse en somme à l'écouter ? Vous pouvez obéir à son impératif comme un brave soldat qui perçoit le commandement de son officier. Ou bien comme une femme qui aime celui qui commande. Ou encore comme un flagorneur, un lâche qui craint celui qui commande. Ou enfin comme un imbécile qui obéit parce qu'il ne trouve rien à dire là contre. Bref, vous pouvez écouter votre conscience de cent manières différentes. "

En clair, l'interprétation, par son caractère variable, va à l'encontre de notre besoin de simplification et de détermination. De ce point de vue, In Treatment fait la part belle au père de Zarathoustra. Fin de la parenthèse.

Pour faire court, In Treatment, sans être élitiste, n'est pas une série qui se laisse regarder facilement. Elle exige de l'attention, et elle prend le risque d'apparaître bavarde, vide, creuse, remplie seulement de mots. On peut lui faire ce reproche, mais ce serait rester à la surface des choses. Derrière le texte qui maintient une grande simplicité, et surtout une grande clarté, il y a plus que cela. On se trouve presque devant une pièce de théâtre, et la relation aux acteurs est d'autant plus forte qu'il n'y a aucune action, qu'il n'existe pas de moyens de diversion. On est soi-même enfermé dans le cabinet du Dr. Weston. On entre par la grande porte au début de la séance et on sort par celle du jardin à la fin. Il y a là tout un symbole, on n'emprunte pas le même chemin en arrivant et en partant, parce qu'on n'est plus tout à fait la même personne à la fin d'une séance.

Deux Emmy Awards ont récompensé In Treatment en 2008. Celui de meilleur second rôle féminin dans une série dramatique pour Dianne Wiest et celui de meilleur invité dans une série dramatique pour Glynn Turman.
Fiche technique
Tournée à Los Angeles par HBO. Producteurs exécutifs: Stephen Levinson, Rodrigo Garcia, Hagai Levi, Mark Wahlberg. Producteurs: Sarah Lum, Leonard Torgan, Joanne Toll. Scénariste et réalisateur: Garcia. Inspirée de la série " Be'Tipul, " écrite par Yael Hedaya, Ari Folman, Nir Bergman, Daphna Levin, Asaf Zippor. Genre: drame psychologique. Durée épisode: 30 minutes. Début saison 1: 28 janvier 2008.

Casting: Dr. Paul Weston ( Gabriel Byrne), Laura ( Melissa George), Alex ( Blair Underwood), Sophie ( Mia Wasikowska), Amy ( Embeth Davidtz), Jake ( Josh Charles), Dr. Gina Toll ( Dianne Wiest), Kate Weston ( Michelle Forbes)
Liens utiles Le site officiel sur le HBO

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C'est une autre façon de raconter des histoires. Une manière que l'on avait presque fini par oublier. En n'utilisant que des mots. En ne s'appuyant que peu ou presque pas sur les images.

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Les spots de prévention : un message audible pour les adolescents?

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Le festival international du court métrage

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Le festival international du court métrage

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Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand

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10 longs métrages pour aborder les valeurs de la République

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- le CNC
- site CICLIC (cours de cinéma en ligne)
- le Clemi dont Mag Film
- l'INA
- le forum des images
- la cinémathèque française
- les dispositifs de sensibilisation au cinéma
- le kinétoscope (courts métrages)
- des sites académiques comme celui de Reims ou le portail d'HG des CFA

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Un film d'animation pour approcher Candide et l'absurdité de la guerre. Disponible sur une liste d'autres courts métrages.

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Le cinéma est considéré comme un outil pédagogique intéressant dans la progression des élèves allophones : un site lui consacre de nombreuses ressources.

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La Fête du court métrage - du 20 au 26 mars 2024

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La Fête du court métrage permet à tous et toutes de découvrir le court métrage, partout en France et à l'international grâce à des projections mais aussi rencontres, ateliers, masterclass pour aller à la rencontre des publics.

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Le réseau des cinémas indépendants d'Alsace.

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Une démarche à réactualiser et réinventer

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de Franck Dion

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Le géographe qui analyse films et séries

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"Game of Thrones a une géographie réactionnaire"

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Bertrand Pleven, géographe du cinéma contemporain, décrypte pour Libération le générique de la célèbre série de fantasy médiévale de 2011 de la chaîne HBO.

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Géographie et "La ville des séries télé"

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Géographie et "La ville des séries télé"

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▼ Voir le sommaire du dossier ▼

Loin de s'apparenter à ce " chewing-gum mental " que dénonçait l'architecte Frank Lloyd Wright, reléguant le spectateur à la passivité et à l'impuissance, les séries apparaissent aujourd'hui comme un formidable moyen d'explorer la ville et l'urbanité états-uniennes que ne proposent pas d'autres médias, notamment en raison de leur traitement spécifique de l'espace et du temps. En nous confrontant régulièrement aux mêmes lieux, les séries posent un cadre d'analyse à partir duquel il est possible d'observer, de façon quasi sociologique, les faits et gestes des divers protagonistes. C'est le cas de The Wire où le long déclin de Baltimore constitue le véritable sujet de la série. De plus, le suivi dans le temps long, parfois sur plusieurs années, permet aux séries de montrer l'évolution des cadres bâtis liés aux mutations urbaines ou paysagères, comme la désindustrialisation de Détroit ou des small towns ( Hung, Supernatural), la suburbanisation ( Desperate Housewives, Breaking Bad) ou la reconstruction de la Nouvelle-Orléans après une catastrophe ( Treme). Dans ce cadre mouvant, les protagonistes sont à la fois les acteurs et souvent les victimes d'événements et de politiques qui les dépassent. Au rythme des épisodes et des saisons, le spectateur accède à une compréhension non immédiate mais diachronique ou narrative de l'urbanité contemporaine, dont le sens n'est pas donné une fois pour toute.

Les séries constituent ainsi de véritables terrains d'observation des villes nord-américaines et, peut-être au-delà, des miroirs tantôt déformants, tantôt grossissants où se reflète une condition urbaine, dans laquelle nous nous reconnaissons confusément. On comprend alors mieux pourquoi elles nous fascinent, à défaut de nous rassurer.
Au sommaire de ce dossier :

" Southland, ou la traversée des frontières à Los Angeles ", Marjolaine Boutet, 31 octobre 2011

" Agrestic, ton univers impitoyable. La série américaine Weeds ", Anne Bossé & Laurent Devisme, 4 novembre 2011

" Supernatural small-town America. Errance hantée dans les vestiges de l'Amérique industrielle ", Élisabeth Tovar, 7 novembre 2011

" The Wire sur écoute ", Amélie Flamand, 11 novembre 2011

" Urbanités et conquête de l'Ouest. Deadwood versus La petite maison dans la prairie ", Jean-Michel Roux & Nicolas Tixier, 14 novembre 2011

" The Wire au coin de la rue. Quand une série télévisée fait de la sociologie ", Thibault Cizeau, 18 novembre 2011

" The Chicago Code : une série à Chicago, sur Chicago ", Ludivine Gilli, 21 novembre 2011

" Quand la critique des suburbs " envahit les séries télévisées américaines ", Gérald Billard & Arnaud Brennetot, 23 novembre 2011

" Miami, un décor à l'envers. Géographie comparée de la métropole à travers Miami Vice et Dexter ", Bertrand Pleven, 2 décembre 2011

" Paris plein, Paris vide. Les paysages de périphéries dans les séries policières françaises ", Ioanis Deroide, 25 janvier 2012

" Du foyer au bureau : " Mad Men " ou l'irrésistible ascension des femmes ", Nicole Rudolph, traduit par Alice Delarbre, 14 mars 2012

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▼ Voir le sommaire du dossier ▼ Loin de s'apparenter à ce " chewing-gum mental " que dénonçait l'architecte Frank Lloyd Wright, reléguant le spectateur à la passivité et à l'impuissance, les séries apparaissent aujourd'hui comme un formidable moyen d'explorer la ville et l'urbanité états-uniennes que ne proposent pas d'autres médias, notamment en raison de leur traitement spécifique de l'espace et du temps.

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Retrouver les formulaires pour les ateliers artistiques, les ateliers scientifiques, les classes à projet artistique et culturel et les classes à...

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Mobile Film Festival 13e édition : Mobile Film Festival 13e édition

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Vote for the audience award and win prizes everyday until 27th February. The rules are simple: 1 MOBILE - 1 MINUTE - 1 FILM

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A qui s'obstine à croire que c'est par la facilité qu'on incite les jeunes à s'ouvrir à ce qu'ils ne calculent pas, " Le lycée pro crève l'écran ! ", auquel nous avions consacré une chronique l'an passé, apporte un brillant démenti. Pour la deuxième année consécutive, ce concours de critiques proposé à des classes de la filière professionnelle affronte sans barguigner deux difficultés majeures, en offrant à des élèves souvent fâchés avec l'écriture de mettre des mots sur leur perception d'un film relevant du genre documentaire qu'ils ne connaissent pas. Conçue et portée par Hélène Kuhnmunch, professeure de français et d'histoire-géographie au lycée Anatole-France de Colombes (92), cette initiative pédagogique les confronte à des œuvres singulières et fortes. C'était plus particulièrement le cas cette année, où les classes candidates ont eu à choisir entre Chante ton bac d'abord, de David André, La Gueule de l'emploi, de Didier Cros et La Permanence, d'Alice Diop.

Faire le tri et travailler

Lauréate de ce concours doté par la Scam (Société civile des auteurs multimédias) et donnant lieu à une publication ci-après (1), la trentaine de lycéennes de première pro esthétique du lycée Antoine-Lomet d'Agen a signé une critique collective de ce dernier film, dans lequel Alice Diop s'attache à des migrants reçus gratuitement et sans rendez-vous dans un service de l'hôpital Avicenne de Bobigny (93). Sa rédaction a suivi un processus consistant, dans un premier temps, à susciter des phrases chez les unes et les autres, puis à les saisir sur ordinateur. " On a mis toutes nos idées ensemble, explique une élève, puis on a fait le tri et on a tout retravaillé. " " Je n'avais jamais expérimenté cette forme d'écriture collective, qui passe par l'oralité, reconnaît de son côté leur professeur Frédéric Le Bail, qui a mené le projet avec la documentaliste Carole Jean Feidt, en s'aidant des préconisations d'Hélène Kuhnmunch. Elle suppose une bonne entente et, dans cette classe, cela a fonctionné. " Non sans quelques disputes, est-on tenté de préciser, sur certaines formulations, mais aussi sur le choix du film retenu par la classe.

" Quand nos professeurs nous ont parlé du concours, se souvient l'une des lycéennes, on n'était pas toutes emballées. On se disait que ça allait nous prendre du temps, en plus des cours et de la préparation de l'examen de fin d'année. Et puis on avait peur que le film ne nous plaise pas et qu'on ne sache pas quoi écrire. On a regardé les extraits des trois films et on a retenu celui qui intéressait le plus grand nombre d'entre nous. " Si La Permanence a recueilli une forte majorité des voix, deux, trois élèves s'y sont montrés franchement hostiles. Ce désaccord et sa gestion éclairent une troisième vertu pédagogique de cette initiative. Outre l'occasion de découvrir une forme cinématographique inconnue et de favoriser l'expression écrite (2), " Le lycée pro crève l'écran ! " met à l'épreuve les capacités d'échange et de débat dans le respect du point de vue, de la parole de l'autre.

Comment dire ce qui s'est joué à l'occasion de ce vif désaccord ? Et la difficulté avec laquelle les unes et les autres m'en ont soufflé les circonstances au mois de mai, lorsque je suis venu à Agen pour leur donner leur prix ? A travers une transcription à peine aménagée d'une partie de notre échange...

La Permanence, documentaire de Alice Diop.

© Athenaïse - Arte France / DR

- J'ai voté pour La Permanence parce que, si l'on entend souvent parler des réfugiés dans les médias, on les évoque surtout collectivement. On parle de " vagues ", de " déferlement " ; on ne s'intéresse pas aux personnes elles-mêmes. On ne montre pas ce qui leur arrive après leur arrivée en France. Certaines d'entre nous trouvaient le sujet hyper important ; d'autre l'ont trouvé lassant et pas adapté au cadre scolaire.

- Qui ?

- Moi ! Je trouve inapproprié de parler de ça en classe, alors qu'on en parle partout et que pas mal de choses ont été faites pour aider ces gens. On parle beaucoup moins de la situation des SDF, qui sont pourtant là depuis bien plus longtemps. En nous amenant sur un terrain politique, on ne pouvait que provoquer des disputes entre nous.

- Ça a produit de la polémique dans la classe ?

- Oui, au sens propre du terme. On en est presque venues aux mains un jour après la classe, près d'une machine à café.

- On n'en est pas mortes ! Oui, on s'est disputées ; mais on est aujourd'hui capables d'en parler calmement, d'écouter le point de vue des unes comme celui des autres. Cette discussion, on n'aurait pas pu l'avoir il y a deux mois. On se seraient toutes foutu sur la gueule. Ça nous a enrichies. Depuis, on s'ouvre plus entre nous.

- Vous qui étiez résolument contre le choix de ce film, vous reconnaissez-vous malgré tout dans la critique produite par la classe ?

- Sur certains points. Sur le côté répétitif du film - beaucoup trop long. Pour le reste, je me suis un peu mise à l'écart.

- Ce qui était dommage dans le fait qu'on soit 31, c'était de ne pas pouvoir inclure l'avis de tout le monde. Au final, c'est la critique de 28 ou 29 élèves. Pas celle des 2 ou 3 qui n'étaient pas d'accord. Mais on a eu besoin de ça. On a aussi besoin de vivre ce conflit pour aprendre à nous contenir, à exprimer nos avis sans nous énerver, ni chercher à les imposer.

"La Permanence", d'Alice Diop, par la classe de première esthétique du lycée professionnel Antoine Lomet, à Agen

C'est dans le cadre du projet " Le lycée pro crève l'écran ! " que nous, élèves de première esthétique, avons écrit la critique du film documentaire La Permanence. C'est un sacré challenge car premièrement c'est notre première fois et secondement le thème de ce film n'est pas anodin. Pour certaines d'entre nous, le choix de le critiquer n'a pas été facile, les commentaires loin d'être positifs : " Encore un film sur les réfugiés ! " Le choix du documentaire a permis à la classe de débattre avec ardeur, beaucoup d'entre nous ont été touchées par le sujet et nos arguments pour ont fait pratiquement l'unanimité !

1. "La Permanence"

La réalisatrice Alice Diop présente le documentaire La Permanence, dans lequel des médecins reçoivent des patients réfugiés dans l'hôpital Avicenne, à Bobigny. Ce film a été diffusé en 2016.

L'enjeu est de montrer comment dans notre pays sont pris en charge des réfugiés. Nous avons par habitude une vue globale sur l'arrivée des immigrés en France : les médias nous montrent une masse de réfugiés (sur des bateaux pneumatiques surchargés, dans des camps insalubres comme la Jungle de Calais ou entassés et dissimulés dans des camions). Ce documentaire apporte un point de vue différent sur leurs situations de vie. Il " ré-humanise " le réfugié : chaque individu a un nom, une histoire, un parcours à l'inverse de ce que nous montrent les médias. Il nous permet de rentrer dans l'intimité des patients réfugiés. Cela montre également la différence entre notre confort et leur situation extrêmement difficile.

2. Les patients réfugiés

Grâce au travail de la réalisatrice, le spectateur n'a pas le sentiment d'être un voyeur dans la permanence de cet hôpital, qui ne respire pas la modernité : la peinture murale est passée, le mobilier vétuste, et même le médecin n'est pas tout jeune. Le témoin que nous sommes a le sentiment que les patients ne jouent aucun rôle : ils sont eux-mêmes, naturels. Le réfugié a confiance envers le médecin, il réagit simplement comme un patient, sans hésitation, sans dissimuler ses douleurs, son mal-être. Ainsi ce documentaire nous permet de rentrer dans le huis clos d'un cabinet médical et pour ainsi dire de briser le tabou du secret médical. Par exemple, le spectateur ressent la douleur et l'angoisse d'un patient tamoul victime d'une injustice - Il a des vertiges, troubles de la mémoire, difficultés à respirer - on apprend qu'il s'est fait battre par les soldats sri lankais. Il a été obligé de laisser derrière lui sa famille et tout ce qu'il possédait, ce qui est la principale cause de son stress. On remarque, dans la majorité des scènes, que les plans sont rapprochés et c'est ce qui donne la proximité et l'intimité avec les patients. Cette méthode de mise en scène nous intègre dans le cabinet du médecin.

Nous ne sommes pas habitués à visionner ce type de films. Même si nous y avons porté de l'intérêt, nous l'avons trouvé parfois un peu long et répétitif. Chaque consultation a le même déroulement/scénario : le réfugié arrive, il raconte son histoire et donne ses symptômes, le médecin pose toujours les mêmes questions au cours des visites médicales.

L'intérêt du spectateur peut s'essouffler au fur et à mesure des consultations. Certains patients reviennent plusieurs fois et suscitent notre curiosité. Par exemple monsieur Joginder vient une première fois pour un certificat médical pour sa trottinette ! Plus tard dans le film, on le voit remercier le médecin en lui offrant une tour Eiffel, ce qui est sa seule source de revenu, malgré cela il lui offre ce qu'il peut lui offrir. Nous sommes touchés par la générosité de certains patients envers le médecin. Ces patients servent de fil rouge et permettent d'assumer la répétition des scènes. L'apothéose est la dernière scène où l'on peut voir une femme avec son bébé : elle est désespérée, en pleine crise d'angoisse, hantée par ses souvenirs. Si nous devions retenir une scène marquante c'est bien celle de cette femme qui a quitté son pays en laissant derrière elle deux de ses enfants et en prenant avec elle seulement le plus petit. Elle parle de ses brûlures au médecin puis finit par craquer. A ce moment-là, tout comme la patiente, le dispositif de la réalisatrice s'effondre également : le hors champ fait soudainement irruption dans le champ. Après un moment d'hésitation, la psychiatre a demandé à quelqu'un de venir la réconforter. Mais ce documentaire offre une certaine retenue dans les émotions, que ce soit dans la joie ou dans la tristesse. Ce n'est pas larmoyant.

3. L'équipe médicale

Le médecin est le protagoniste principal. On l'aperçoit dans toutes les séquences, il fait preuve d'une grande maîtrise de soi, il est sérieux et droit, il accompagne ses patients dans n'importe quelle situation. Alice Diop ne filme pas le médecin en tant que personne mais en action avec ses patients. Il est souvent silencieux, cela crée un malaise quand on le voit écrire sans bruit. On peut constater que pour soulager ce stress présent chez les patients il est nécessaire de leur prescrire des antidépresseurs. Encore une fois, elle nous montre ce que nous n'avons jamais vu dans les médias : que les réfugiés prenaient des médicaments pour tenir le coup et gérer le stress.

Durant tout le documentaire, nous avons l'impression de faire partie de l'équipe de réalisation, d'être intégré dans les murs du cabinet avec la petite équipe du docteur (deux psychiatres et une secrétaire) et lorsque la barrière se brise pour la dernière patiente, cette impression est renforcée.

En conclusion, ce documentaire est captivant malgré la mise en scène répétitive. La réalisatrice réussit à nous transmettre et à nous faire partager son point de vue : les réfugiés sont des hommes comme nous qui ont vécu l'horreur mais qu'il faut traiter en êtres humains. Cette proximité avec des réfugiés nous est inconnue, ici, à Agen ; nous ne connaissions les réfugiés que par les médias. Pour nous, ce documentaire nous a ouvert les yeux sur une situation complexe et nous ne dirons plus " Encore un reportage sur les réfugiés ! "

Remerciements : nous remercions le prix " Le lycée pro crève l'écran ! " d'avoir sélectionné ce documentaire, qui nous a permis de nous ouvrir aux autres.

(1) Jury : Anne Georget, autrice-réalisatrice et présidente de la Scam ; Florence Martin-Kessler, autrice-réalisatrice et Rémi Lainé, auteur-réalisateur, membres du conseil d'administration de la Scam ; Annie Couderc, inspectrice de l'Education nationale, Hélène Kuhnmunch et moi-même.

(2) Lors de ma rencontre avec cette classe des plus vivante et sympathique, deux, trois élèves m'ont confié envisager de se (re)mettre à écrire (pour soi), après cette expérience qui leur a plus.

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Le lycée pro crève de nouveau l'écran ! - Télévision - Télérama.fr

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A qui s'obstine à croire que c'est par la facilité qu'on incite les jeunes à s'ouvrir à ce qu'ils ne calculent pas, " Le lycée pro crève l'écran ! ", auquel nous avions consacré une chronique l'an passé, apporte un brillant démenti.

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Les propositions du groupe de travail LAAC (Lycéens et Apprentis au Cinéma)

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Les propositions du groupe de travail LAAC (Lycéens et Apprentis au Cinéma)

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Pour obtenir l'accès au cloud académique où sont stockées ces ressources,  adresser un courriel à l'un des deux IEN ou demander le lien à l'un des membres du groupe de travail.

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Travailler sur "La grande vadrouille" et "Le pantalon": deux approches complémentaires