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https://vimeo.com/240742679  Clave : papapilla

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Los Ángeles de Rosalía. Hablando sobre rabia y afinidad, creo que el flamenco acierta. https://open.spotify.com/album/7mGsUwMuhsKiOKx9X9k7tj?si=bxPz42viRKm7_Cx9Bxctqg

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Los Ángeles de Rosalía. Hablando sobre rabia y afinidad, creo que el flamenco acierta. https://open.spotify.com/album/7mGsUwMuhsKiOKx9X9k7tj?si=bxPz42viRKm7_Cx9Bxctqg

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Fleabag! La serie surge de un monólogo teatral. Te recomiendo ambas pero el monólogo creo que pega más al palo https://www.cineby.app/movie/620350

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Fleabag! La serie surge de un monólogo teatral. Te recomiendo ambas pero el monólogo creo que pega más al palo https://www.cineby.app/movie/620350

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Libro de Grabados Maman Louise Bourgeois 

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Libro de Grabados Maman Louise Bourgeois 

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Dormidas y despiertas. Por Carolina Sanín | CAMBIO

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On earth we are briefly gorgeous - Ocean Vuong

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On earth we are briefly gorgeous - Ocean Vuong

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On Earth We’re Briefly Gorgeous By Ocean Vuong : Ocean Vuong : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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On Earth We’re Briefly Gorgeous is a letter from a son to a mother who cannot read. Written when the speaker, Little Dog, is in his late twenties, the letter…

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Otra Investigación!

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El tamal tolimense se consolida por tercer año consecutivo como el mejor del mundo, según Taste Atlas

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Taste Atlas posiciona al tamal tolimense sobre variantes de México, Perú y Nicaragua.

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Investigación en curso!

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"El que nace pa' tamal del cielo le caen las hojas"

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Cada país tiene su propia forma de utilizar el lenguaje, que además de servir para comunicarse, es una forma de caracterizar su identidad cultural. Los dichos colombianos son un ejemplo de ello.

Los dichos y frases populares usualmente expresan un pensamiento moral, un consejo o una enseñanza que las gentes aprenden con la experiencia. Es así que frases de abuelos o generaciones anteriores se convierten con el tiempo en una especie de verdades populares, que a su vez reflejan las raíces y el uso de las palabras que cada sociedad le da al lenguaje. Es por esto que por fuera del contexto socio cultural puede ser casi imposible entenderlos.

Por eso, preguntamos a nuestro público cuáles son los dichos colombianos más populares, y estos son algunos de los más destacados.

Lee también → Descifrando el Origen: "Más Perdido que el Hijo de Lindbergh"

Dichos colombianos, tan colombianos como la bandera

"Con hambre, no hay pan duro"

Esta frase hace referencia a que, en momentos de necesidad o hambre, no es sabio reparar en la calidad de lo que hay disponible.

"Mugre que no mata, engorda"

Este refrán se utiliza para expresar que no es tan grave recuperar la comida del piso, pues si no resulta en una tragedia médica, incluso podría aportar a su alimentación.

"Tengo un filo, que si me agacho me corto"

La palabra "filo" se usa coloquialmente para expresar el sentimiento de hambre, a pesar de que su significado formal alude a la arista aguda de un instrumento cortante. De esta manera, esta frase es una expresión hiperbólica para denotar que es tanta hambre (o filo) la que se siente en el estómago, que de agacharse el cuerpo podría cortarse a sí mismo.

"El que tiene tienda que la atienda"

Este dicho expresa un sentido de la responsabilidad, pues denota que si alguien hizo, expresó o se puso en una situación debe hacerse cargo de sus implicaciones, así como el dueño de un negocio se hace cargo de su establecimiento.

"De eso tan bueno no dan tanto"

La sabiduría popular, tal vez por vieja y sabia, invita siempre a desconfiar cuando algo que parece ser demasiado bueno llega a una persona sin mucha justificación, o sin aparente condición a cambio.

"Cuentas claras y el chocolate espeso"

Hablar claro es importante para evitar confusiones entre dos o más partes implicadas. Este dicho colombiano alude a que cuando las cosas se han hablado claro es mejor para entendernos entre personas.

"El que nace pa tamal, del cielo le caen las hojas"

Esta frase denota que quien está hecho para algún oficio o destino en particular todo se da para que lo logre.

"Le falta pelo pa' moña"

Este dicho colombiano expresa que alguien no cuenta con experiencia, pericia o recursos para lograr algo, pues le falta todavía mucho de eso para lograrlo.

"Al que le van a dar, le guardan"

Esta expresión alude a que si de verdad alguien se merece algo, o ha hecho méritos para lograr u obtener algo solamente debe tener paciencia, pues irremediablemente va a llegar.

"¡Serán guayabas!"

Esta expresión, que se usa después de una frase reveladora, denota que algo o alguien ha sido inminentemente descubierto y no engaña a nadie.

Lee también → "¡A quejarse al Mono de la pila!"

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Dichos colombianos: 10 frases típicas de Colombia

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Cada país tiene su propia forma de utilizar el lenguaje, que además de servir para comunicarse, es una forma de caracterizar su identidad cultural. Los dichos colombianos son un ejemplo de ello.

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Cuando las mujeres negras ocultaban los mapas de escape de la esclavitud en sus peinados

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Hay cierto consenso entre quienes realmente conocen la historia y el significado detrás de estos peinados, en que su uso por parte de otras culturas no es correcto. Eso no quiere decir que nadie pu…

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El ombligo del mundo - Eulàlia Valldosera

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El ombligo del mundo - Eulàlia Valldosera

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Barrer, borrar, desvelando el cuerpo de dolor

Tejo mi destino, como hace la araña, a partir de mi propio material: la experiencia. Las colillas son los restos de una actividad del mismo modo que la obra artística es el final de un proceso que no nos es permitido ver. ¿Y si el acto de fumar fuera una forma de improductividad, creada en resistencia a la convención de fabricar artificialmente objetos de autor?

Reconstruyo mi imagen. ¿Cómo percibe la mujer a su propio cuerpo sin la mediación que la mirada masculina ha construido a lo largo de los siglos? Elijo mi torso, mi pecho, mi trasero, y con este gesto abandono la pintura, la seguridad, dejo atrás la casa del padre, la herencia de la academia, de la moda de los 80.

Después la destruyo, la de-construyo, así pongo en valor el proceso, recupero la naturaleza efímera del hecho artístico. Con el pincel convertido en escoba me dispongo a barrer los residuos del hacer, y tras el polvo y la sequedad de boca, el hedor de la ceniza que impregna la galería, quedan únicamente los documentos de lo que sucedió. El objeto único -y la pintura matérica heredera del informalismo catalán- ha muerto. Ahora permanece digitalizado en un disco que permite la reproducción en papel fotográfico de diversas tomas fotográficas que muestran distintas perspectivas y momentos del proceso, lo que multiplica un única pieza en una miríada de obras.

Cuenta Mircea Eliade en Lo sagrado y lo profano que el axis mundi marcaba el centro fundacional de los asentamientos humanos. El ombligo del mundo -Delfos era un eje vertical que conectaba el submundo y la materia con el misterio de la Luz o el mundo celestial- era un punto central de donde nacían los dos ejes cardinales que, en forma de cruz, marcaban y ordenaban la rejilla del espacio-tiempo.

Así también cada colilla insemina un punto en una trama virtual que toma la forma del vientre materno, del espacio seminal del antiguo arquetipo del Femenino, de la Diosa, del origen de la Vida.

Barrer es un acto cotidiano relegado al invisible e infravalorado territorio de los cuidados que tradicionalmente ha pertenecido a la mujer o el subalterno-. Transformo en un ritual sanador del colectivo el barrido de los cientos de colillas que han sido pacientemente dispuestas en el lienzo por el espacio de varios días, siguiendo diversos patrones realizados previamente en un conjunto de pinturas. Cada colilla ha sido cuidadosamente conservada por los fumadores voluntarios en un contenedor que contiene un texto y una imagen despegable del resultado final que, a modo de intercambio, regalo a los participantes.

Fumar nos conecta con el instinto de la nutrición y la supervivencia, pero el bebé que succiona no solamente se nutre de la lecha materna sino del calor afectivo que le transmite el contacto corporal de la madre. Los pulmones acunan el corazón, y el humo inspirado y retenido momentáneamente transmite calor a ese centro de la volición. Con esta obra iniciática acepto y reviso esta carencia de nutrición afectiva, la absorción del líquido que me transmitía la difícil aceptación de mi cuerpo de mujer cuando de mi se esperaba ver nacer a un niño. A partir de este trabajo, los líquidos, los tóxicos y su limpieza empiezan a formar parte de mi labor como artista.

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2. El ombligo del mundo (1990-91) - Eulalia Valldosera

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Barrer, borrar, desvelando el cuerpo de dolor Tejo mi destino, como hace la araña, a partir de mi propio material: la experiencia. Las colillas son los restos de una actividad del mismo modo que la obra artística es el final de un proceso que no nos es permitido ver.

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Havana, Cuba, 1994; 4:24 min

Public domain videos can be downloaded and shared with others as long as the authorship is credited and there is a link back to the website of the author. These videos cannot be altered in any way or used for commercial purpose nor cannot be displayed or exhibited without the consent of the artist.

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Havana, Cuba, 1994; 4:24 min Zapatos magnéticos (Magnetic Shoes) Havana, Cuba, 1994; 4:24 min Public domain videos can be downloaded and shared with others as long as the authorship is credited and there is a link back to the website of the author. These videos cannot be altered in any way or used for commercial purpose...

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Rolf Schock Prize in Visual Arts

Francis Alÿs (Amberes, 1959) es un artista belga que reside en México. Su trabajo surge del espacio interdisciplinario que comparten el arte, la arquitectura y las prácticas sociales. En 1986 dejó atrás su profesión como arquitecto y se reubicó en la Ciudad de México. Desde entonces ha creado arte performático y un cuerpo de obra diverso, que explora tensiones urbanas y geopolíticas. Sus obras examinan la tensión entre política y poética, acciones individuales e impotencia, por medio de una amplia gama de técnicas que van desde la pintura hasta el performance. Alÿs con frecuencia representa paseos -o caminatas que se resisten a ser sometidas por el espacio común.​ Las repeticiones cíclicas y las mecánicas de progresión y regresión, también comunican el carácter de las acciones de Alÿs y su mitología (en su trabajo suele contrastar el tiempo geológico y el tecnológico a través de prácticas sociales y "land-based" que examinan la memoria individual y la mitología colectiva). En ocasiones Alÿs ha utilizado el rumor como herramienta artística, diseminando obras efímeras, basadas en la práctica, de boca en boca y por medio de la narración de cuentos.

El cuerpo de obra de Alÿs abarca múltiples técnicas. Mientras que en los primeros años el propio artista protagonizaba la mayoría de sus acciones, en la última década los niños se han convertido en los principales protagonistas de sus proyectos. Estas acciones públicas son documentadas en video, instalaciones, pinturas y dibujos. A lo largo de su práctica, Francis Alÿs ha dirigido sistemáticamente su distintiva poética y su ingeniosa sensibilidad hacia cuestiones antropológicas y geopolíticas centradas en observaciones de -y entrelazadas con- la vida diaria, que él mismo ha descrito como "una suerte de argumento discursivo compuesto por episodios, metáforas o parábolas".​

Gran parte de sus obras implican una observación aguda y el registro del tejido social, cultural y económico de sitios específicos, y comúnmente suceden durante caminatas en áreas urbanas. En relación con el acto de caminar como modus operandi principal de su práctica, en su primera acción The Collector (1991), el artista arrastró un pequeño perro magnético con ruedas por las calles de la Ciudad de México para recolectar cualquier residuo metálico que se atravesara por su camino. En Fairy Tales (1995), realizó un paseo mientras el suéter que llevaba puesto se desintegraba, dejando a su paso un sendero sin fin de hilo azul.​ También en 1995, Alÿs realizó una acción en Sao Paulo llamada The Leak, en la que trazó en su camino una línea azul con un bote que chorreaba pintura. Aunque la acción se desarrolla en el ruidoso ambiente de un barrio popular, empieza y concluye en el cubo blanco de una galería de arte. Esta acción se repitió en 2004, cuando Alÿs trazó una línea de pintura verde siguiendo la frontera de alto al fuego de 1948 en Jerusalén, conocida como la "línea verde". El fondo de la lata estaba perforado con un pequeño orificio para que la pintura fuera goteando en el suelo en una línea continua y serpenteante mientras caminaba.​

Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing) documenta una acción de 1997 realizada en las calles de la Ciudad de México. En la película se observa una tarea simple y aparentemente inútil: un gran bloque de hielo es empujado por las calles de la ciudad durante nueve horas hasta que se derrite por completo en un charco de agua.

The Rehearsal (1999) consiste en una toma estática de 30 minutos de un VW Beetle rojo que recorre la cuesta de un camino de tierra en un barrio de Tijuana mientras el espectador escucha a músicos ensayando una canción. Cada vez que dejan de tocar, el auto rueda hacia a atrás por la pendiente, como si se hubiera quedado sin gasolina, y cuando la música comienza de nuevo, el auto asciende una vez más.

En Tornado (2000-2010), secuencias consecutivas muestran a Alÿs persiguiendo enormes remolinos de polvo que se levantan en la temporada anual de sequía del centro de México. Sobre la pieza, Kara L. Rooney escribe en The Brooklyn Rail: "Mirar esa delgada figura corriendo en dirección a los tornados es al mismo tiempo ridículo y perturbador -hilarantes cualidades que muy pronto dan paso a la gravitas mientras el artista se introduce físicamente en el ojo de la tormenta. Dentro, el caos reina y Alÿs, desprotegido excepto por su cámara de mano, es envuelto y golpeteado por pedazos voladores de arena, polvo y tierra."​

En una de sus obras más conocidas, When Faith Moves Mountains (2002), Alÿs reclutó a 500 voluntarios del distrito Ventanilla, en las afueras de Lima, Perú. Los participantes fueron equipados con palas, y formando una sola línea, fueron moviéndolas llenas de arena por los 500 metros de largo de una duna, recorriéndola algunas pulgadas de su posición original. El crítico de arte Jean Fisher escribe que "un evento artístico radical, precipita una crisis de significado o, mejor dicho, expone el vacío de significado medular de una situación social dada, que es su verdad."​

Entre 2004 y 2005, Alÿs colaboró con Artangel en diferentes proyectos agrupados bajo el título de ( Seven Walks. En uno de ellos, The Nightwatch (2004), un zorro salvaje llamado Bandit fue liberado en la National Portrait Gallery enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial, la primera versión y la última). en Londres, mientras que las cámaras de seguridad del museo grababan sus trayectos errantes.

En Don't Cross the Bridge Before You Get to the River (2008), una línea de niños con barquitos hechos de zapatos abandonan Europa y se dirigen hacia Marruecos, mientras que otra línea de niños también con barquitos abandonan África y se dirigen hacia España. Ambas líneas eventualmente se encuentran en el horizonte. Como en muchos de los videos de Alÿs, sus colaboradores fueron Rafael Ortega, Julien Devaux, Felix Blume e Iván Boccara.

En Manifiesta 10 en San Petersburgo, Alÿs participó con Lada Kopeika Project (2014), un "road trip" que termina con un automóvil Lada impactándose en un árbol del patio central del Hermintage. The Silence of Ani fue realizado en 2015 con un grupo de adolescentes de Kars, Turquía. La acción se desarrolla en la frontera turca-armenia actual, ubicada en la alguna vez Ciudad de Ani de Armenia, que después de siglos consecutivos de invasiones y saqueos, se encuentra en un estado de abandono y decadencia absolutos. Alÿs repartió entre los jóvenes señuelos diseñados para imitar pájaros, y escondidos entre las ruinas, se llamaron con los silbatos para crear la ilusión de que la ciudad volvía a tener vida.

"Durante mis años de universidad en Italia estuve profundamente hechizado por la pintura prerrenacentista: desde Lorenzetti hasta Fra Angelico. Incluso hasta el día de hoy, mi iconografía es una combinación entre ese imaginario y el lenguaje de rotulistas mexicanos. Esta mezcla me ha permitido encontrar una forma personal de materializar imágenes. Nunca he estado interesado en un estilo pictórico particular. Mis imágenes con frecuencia se resuelven mentalmente -'se imaginan'- en el momento en el que llegan al lienzo."​

A principio de los noventa, Alÿs colaboró con rotulistas mexicanos para que pintaran versiones ampliadas y más elaboradas, y bajo sus propios gustos, de sus pequeñas pinturas. El nombre genérico de este proyecto fue The Liar, the Copy of the Liar (1997). Su intención era desafiar la idea de originalidad en las obras de arte, hacer más anónimo el proceso de creación y así cuestionar el valor comercial propio de los objetos artísticos.​

Las pinturas de la serie Le temps du sommeil comenzaron en 1996 y por lo regular son trabajadas de noche. Presentan escenas oníricas visionarias con pequeños hombres y mujeres de traje actuando en rituales extraños reminiscentes a juegos de niños y experimentos gimnásticos. Muchas de estas imágenes anticipan y recuerdan formas que el artista ha empleado en sus acciones, sin embargo las pinturas conectan también de otras maneras con sus acciones porque las superficies son trabajadas y re-trabajadas.​ El hecho de que las imágenes nunca son concluidas, sino palimpsestos, sugiere la profunda conexión entre pintura figurativa y arte acción que descansa en el corazón del trabajo de Alÿs.

"Lo que justifica mi recurrencia a la pintura es que es el camino más rápido -o en ocasiones el único- para traducir ciertos escenarios o situaciones que no pueden enunciarse, que no pueden filmarse o representarse. Se trata de entrar en una situación que no podría existir en ningún otro sitio, sólo en el papel o en el lienzo. [...] También, la pintura me da un refugio del algunas veces agitado ritmo de las acciones y las producciones de cine, y me permite distanciarme sin perder el contacto con todo ello. [..] Cuando estoy traduciendo en una imagen una película en desarrollo, intento que refleje la intención que hay detrás del argumento en lugar de ilustrar los hechos de la película. Funciona más como una correspondencia, un collar."​

Desde 1994, Alÿs ha coleccionado reproducciones del retrato realizado por Jean-Jacques Henner de Santa Fabiola, mujer patricia romana del siglo IV quien, después de su divorcio y segundas nupcias, hizo tal ferviente penitencia que fue recibida de vuelta en la fe y santificada después de su muerte. A la mitad del siglo XIX, Santa Fabiola recobró popularidad gracias a una novela escrita por el cardenal Nicholas Wiseman. Pintadas por aficionados, Alÿs encuentra estas reproducciones en mercados de pulgas o tiendas de antigüedades de lugares tan variados como México, Chile, Brasil, Holanda, Alemania, Líbano y Rusia. Las pinturas se han dejado en su estado original. La mayoría de los artistas, fechas y lugares de origen de las reproducciones, son desconocidos.

En 1994 se exhibieron por vez primera 24 Fabiolas en Curare: espacio crítico para las artes, en la Ciudad de México. En 1997, 60 de ellas se mostraron en la Whitechapel Art Gallery en Londres. Y entre 2007 y 2018, estuvieron exhibidas en los siguientes lugares: Dia Art Foundation en The Hispanic Society of America, Nueva York; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); National Portrait Gallery, Londres; Monasterio de Santo Domingo de Silos, Burgos, España (organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid); Haus sum Kirschgarten, Basel (organizada por Schaulager); Museo de Arte de Lima; Museo Amparo, Puebla, México; Pinacoteca do Estado de Sao Paulo; Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, México. Las Fabiolas se exhibieron por última vez en la Capilla del fresco bizantino de la colección Menil, en Houston, y desde entonces ha crecido hasta albergar 514 reproducciones del retrato original.

Invitado inicialmente por dOCUMENTA(13), Alÿs ha viajado en numerosas ocasiones a Afganistán entre 2010 y 2014. En colaboración con Julien Devaux y Ajmal Maiwandi, produjo Reel-Unreel (2011), una película de 20 minutos donde la cámara sigue a dos niños afganos que se encuentran persiguiendo un carrete de película cuesta abajo por las colinas de Kabul.​​ Uno de ellos desenrolla la cinta y hace de guía, mientras que el otro lo sigue, rebobinando la cinta. El título Reel-Unreel alude a la imagen real/irreal de Afganistán diseñada por la prensa occidental: cómo el estilo de vida afgano, junto con su población, han sido gradualmente deshumanizados y, después de décadas en guerra, se han convertido en una ficción occidental. En 2013 se incorporó a las fuerzas armadas del Reino Unido como artista de guerra en la provincia de Helmand ( Adrenalotourism, 2013).​

A partir de la invitación que recibió de la Ruya Foundation, en Bagdad, para hacer un proyecto en los campos de refugiados yazidíes, entre 2015 y 2020 el principal foco de producción de Alÿs tomó lugar en Irak. Nuevamente como artista de guerra, acompañó a un batallón peshmerga durante la ofensiva kurda para liberar Mosul de la ocupación del estado islámico. En esa región, Alÿs también ha realizado proyectos como (2016), producido en colaboración con el campo de refugiados de Sharya, Duhok, Irak; Color Matching (2016), filmada mientras acompañaba a las fuerzas kurdas como artista de guerra; Salam Tristesse (2018), producida en colaboración con el campo de refugiados de Kabarto, y finalmente Sandlines, el cuento de la historia (2020), largometraje donde los niños de un poblado en las montañas cerca de Mosul, recrean un siglo de historia iraquí, desde el acuerdo secreto Sykes/Picot firmado en 1916, hasta la campaña de terror establecida por el Estado Islámico en 2016. Sandlines se estrenó en 2020 en festivales de cine como Sundance, el International Film Festival Rotterdam, y Ficunam, de la Ciudad de México.​​​​

El trabajo de Francis Alÿs ha sido un objeto de estudio exhaustivo en exposiciones como A Story of Deception, que de 2010 a 2011 se mostró en el Tate Modern, Londres; Wiels Centre d'Art Contemporain, Bruselas; The Museum of Modern Art, Nueva York y MoMA PS1, Long Island City, Nueva York; o A Story of Negotiation, que viajó entre 2015 y 2017 del Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Ciudad de México, al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) - Fundación Costantini, Buenos Aires; Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana; y la Art Gallery of Ontario, en Toronto.

A lo largo de la última década, ha presentado exhibiciones individuales en espacios como el Rockbund Art Museum (RAM), Shanghái (2018); Art Sonje Center, Seúl (2018); Museum of Contemporary Art, Tokio (también viajó al Hiroshima City Museum of Contemporary Art, ambos en 2013); Irish Museum of Modern Art, Dublín (2010); The Renaissance Society en la University of Chicago (2008); Hammer Museum, Los Ángeles (2007); Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (2006); y Portikus, Fráncfort (2006). Alÿs ha participado en la Bienal de Venecia de 1999, 2001, 2007 y 2017, y en el Carnegie International de 2004.

Ha sido galardonado con el premio Blue Orange en 2004, el Vincent Award en 2008, el premio BACA-laureate en 2010, el premio EYE Art & Film del EYE Filmmuseum en 2018. En 2020 ha recibido el Art Icon Award Archivado el 12 de octubre de 2020 en Wayback Machine. otorgado por la Whitechapel Gallery y el Rolf Schock Prize, de la Real Academia Sueca de Artes.

Francis Alÿs fue seleccionado como representante de Bélgica para el Pabellón de la Bienal de Venecia 2022. Allí se pueden vídeos cortos, filmados desde 2017 en Hong Kong, Congo, Bélgica y México, que indagan en la naturaleza del juego, particularmente infantil. Sin interferir en él, estas piezas buscan desvelar sus reglas no escritas y los mecanismos de complicidad, amistad y compañerismo que genera entre los niños. El visitante puede deambular entre un sinnúmero de pantallas que, a modo de plaza global, proponen un diálogo imaginario entre participantes de todo el mundo. Paralelamente, se muestran una serie de pinturas, realizadas desde los años noventa, en las cuales se despliegan las diferentes visiones que el artista ha dado de muchas de las cuestiones sociales y políticas que aún quedan por contestar en la actualidad.​

2004. Francis Alÿs: The Modern Procession. Textos por Francis Alÿs, Lynne Cooke, Alejandro Díaz, Tom Eccles, Dario Gamboni, RoseLee Goldberg, Laurence Kardish, Harper Montgomery y Francesco Pellizzi. Entrevista con el artista por Tom Eccles y Robert Storr. Public Art Fund, Nueva York

2005. When Faith Moves Mountains/Cuando la fe mueve montañas. Textos por Susan Buck Morss, Gustavo Buntinx, Lynne Cooke, Corinne Diserens, Cuauhtémoc Medina y Gerardo Mosquera. Turner, Madrid

2006. Francis Alÿs: The Historic Centre of Mexico City. Texto por Carlos Monsiváis. Turner, Madrid

2006. Diez cuadras alrededor del estudio, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México

2006. Francis Alÿs: A Story of Deception - Patagonien 2003-2006. Textos por Francis Alÿs y Olivier Debroise. Revolver, Fráncfort (catálogo de exposición)

2007. Francis Alÿs: Politics of Rehearsal. Texto por Russell Ferguson. Steidl, Göttingen, Alemania y Hammer Museum, Los Ángeles (catálogo de exposición)

2010. In A Given Situation/Numa Dada Situação. Textos por Ton Marar, Cuauhtémoc Medina y Alfonso Reyes. Cosac Naify, Sao Paulo

2010. Francis Alÿs: A Story of Deception. Editado por Mark Godfrey, Klaus Biesenbach y Kerryn Greenberg. Textos por Eduardo Abaroa, Francesco Careri, T.J. Demos, Carla Faesler, Laymert Garcia dos Santos, Mark Godfrey, Boris Groys, Miwon Kwon, Tom McDonough, Lorna Scott Fox, Eyal Weizman, et al. Tate Publishing, Londres (catálogo de exposición)

2011. Sign Painting Project. Editado por Theodora Vischer. Textos por Francis Alÿs, Néstor García Canclini, Monika Kästli y Cuauhtémoc Medina. Steidl, Göttingen, Alemania y Schaulager, Basel

2013. Francis Alÿs: schilder van luchtspiegelingen. Texto por Paul de Moor. Ludion, Amberes

2013. Don't Cross the Bridge Before You Get to the River. Textos por Yukie Kamiya y Kazuhiko Yoshizaki. Seigensha Art Publishing, Kioto (catálogo de exposición)

2014. Francis Alÿs: REEL-UNREEL. Editado por Andrea Viliani. Textos por Francis Alÿs, Carolyn Christov-Bakargiev, Mario García Torres, Mariam Ghani, Ewa Gorządek, Ajmal Maiwandi, Amanullah Mojadidi, Robert Slifkin y Michael Taussig. Entrevista con el artista por Ajmal Maiwandi y Andrea Viliani. Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina Napoli (MADRE), Nápoles, y Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia (catálogo de exposición)

2015. Relato de una negociación: pintura y acción en la obra de Francis Alÿs/A Story of Negotiation: Painting and Action in the Work of Francis Alÿs, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Ciudad de México (catálogo de exposición)

2016. Le temps du sommeil. Textos por Francis Alÿs y Catherine Lampert. Secession, Viena

2019. Francis Alÿs: La dépense, Rockbund Art Museum, Shanghái (catálogo de exposición)

Francis Alÿs es representado por David Zwirner en Nueva York, Galerie Peter Kilchmann en Zúrich, y Jan Mot en Bruselas.

1. Carlos, Basualdo. "Head to Toes: Francis Alys's Paths of Resistance." ArtForum (April 1999).

2. Cotter, Holland (13 de marzo de 2007). "Thoughtful Wanderings of a Man With a Can (Published 2007)". The New York Times (en inglés estadounidense). .

3. Francis Alÿs, Russell Ferguson, Jean Fisher, Cuauhtémoc Medina, Michael Taussig (2019). "Russell Ferguson in Conversation with Francis Alÿs". Francis Alÿs - Revised and Expanded Edition (Phaidon Contemporary Artist Series). Phaidon Press. p. 26. .

4. "Francis Alÿs to work with refugees in Iraq and meet Isil's victims". www.theartnewspaper.com.

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Francis Alÿs - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Una familia disfuncional  es cualquier familia con  más de un integrante. Mary Karr

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Familias | Revista de la Universidad de México

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Animales | Revista de la Universidad de México

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Comida | Revista de la Universidad de México

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Capsula Mundi - The biodegradable urn to become a tree after death

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Discover Capsula Mundi the Italian project which envisions an eco-sustainable approach to the way we think about death. Let’s plant a tree for each of us and cemeteries will become forests.

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Comunidad | Revista de la Universidad de México

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Silentes, la piel como palimpsesto del dolor

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Silentes, la piel como palimpsesto del dolor

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Esta no es la del tatuaje jaja también me acordé de esta

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Silentes, la piel como palimpsesto del dolor

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Tamales colombianos: recetas y tradición auténtica | Señal Colombia

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Descubre la variedad de tamales 🫔 en Colombia 🇨🇴, su historia, ingredientes y tradición culinaria en cada región del país

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Cap 1. Amazon Customer Service

Ver Pg 9

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BUENA MEMORIA: 4. NANDO, MI HERMANO • Marcelo Brodsky

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La deshumanización del otro, antesala de la agresión - Ethic

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A lo largo de la historia, en diversos conflictos se ha utilizado la deshumanización del otro para generar un clima permisivo con la violencia.

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#5 GEORGES PEREC | Grandes Infelices. Luces y sombras de grandes novelistas

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Huesos de bolsillo | Proyectos | Estudio María Marín de Buen

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Diseño editorial10.5 x 17.5 cm, pasta blanda con dos camisas reversibles, 264 páginasIlustraciones: Santiago MarínEdición: Anna GarbusCorrección de estilo: Aida BlancoImpresión: Offset RebosánFotos del libro: Naso Vargas

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La Red Cultural del Banco de la República

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“Paraísos y jardines. La naturaleza representada” De la nostalgia del Edén al jardín florido | La Red Cultural del Banco de la República

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La exposición Paraísos y jardines. La naturaleza representada es en sí misma un jardín compuesto, no por plantas y flores, sino por un conjunto de 147 obras de la Colección de Arte del Banco de la República con la curaduría de…

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Book by T. M. Scanlon

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Cildo Meireles - Espaços virtuais. Cantos II B (Espacios virtuales. Rincones II B)

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Meireles, Cildo: Espaços virtuais. Cantos II B (Espacios virtuales. Rincones II B)

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La arquitectura moderna aparece de manera simultánea a la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, sus lazos con las cuestiones bélicas son más profundos, intrínsecos. La arquitectura moderna toma prestadas -más bien recicla- las técnicas, los materiales y los sistemas desarrollados por el ejército. En aquella época, la nueva forma de domesticidad resulta ser un arma poderosa. Imágenes habilidosamente diseñadas de felicidad doméstica fueron lanzadas por todo el mundo como parte de una campaña de propaganda cuidadosamente orquestada. Los edificios se convirtieron en imágenes y las imágenes a su vez en una suerte de edificios, ocupados como cualquier otro espacio arquitectónico. La importancia de los arquitectos como Charles y Ray Eames reside en su particular sensibilidad frente a esta transformación. La domesticidad asediada es la marca de fábrica de los años de la posguerra y también el tema central de este estudio arqueológico. El libro de Colomina explora este fenómeno único desde ángulos diversos para construir una imagen polifacética de los tiempos, un retrato de ese estado de ánimo que nos sigue obsesionando.

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Este año, en el Taller de Arte y Naturaleza, queremos rendir tributo al agua de Bogotá en la Reserva Umbral Cultural Horizontes de la Fundación Cerros de Bogotá. Invitamos a los ciudadanos a acompañarnos en un canto al agua, luego de un taller de creación de palos de lluvia y la instalación de una obra poética en el lugar.

📅 Fecha: Sábado 3 de mayo

⏰ Hora: 9:00 a.m. - 12:00 p.m.

📍 Lugar: Reserva Umbral Cultural Horizontes

¡Los esperamos para celebrar juntos la conexión con el agua y la naturaleza!

Diana Wiesner

instagram - @cerrosdebogota

info@cerrosdebogota.org