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Tema: la representación de las emociones a lo largo de la historia

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Tema: la representación de las emociones a lo largo de la historia

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Editado: expandirlo a las emociones, no solo al enojo

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Alejandra. Escogiste un buen tema. No obstante, no sé que tan limitado resulte si solo trabajas una emoción. Para facilitarte el trabajo, podrías seleccionar las emociones en la historia del arte. De pronto encuentras más información y referentes. Recuerda habilitar los comentarios para hacer la retroalimentación.

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La Cueva de Chauvet, descubierta en 1994 en Francia, es una de las manifestaciones más antiguas del arte, con pinturas que datan de aproximadamente 36,000 años atrás. En este panel se muestra el perfil de un león, cuya expresión podría interpretarse como un gesto de calma y contemplación.

El enfoque en el rostro del león, con su mirada serena pero intensa, sugiere una intención de capturar su presencia y personalidad, más allá de su papel en la supervivencia humana. Es una de las primeras representaciones de un animal con una expresión individualizada, lo que indica un intento temprano de transmitir emociones y sensibilidad, en lugar de una simple observación.

A diferencia de muchas otras pinturas rupestres, no hay signos de caza ni violencia, lo que sugiere que los artistas prehistóricos no solo veían a los animales como presas, sino que también los observaban con admiración y respeto. El realismo en el trazo, con detalles como el pelaje y la forma del hocico, evidencia una exploración temprana de la expresión emocional en el arte, incluso en la representación de animales.

La técnica del sombreado y el uso de líneas dinámicas aportan profundidad y movimiento, generando una sensación de cercanía y conexión emocional entre el observador y el animal. Esta representación sugiere que, desde tiempos prehistóricos, los humanos no solo documentaban su entorno, sino que también buscaban comprender y transmitir la emoción en su arte.

https://archeologie.culture.gouv.fr/chauvet/en/large-lion-panel

https://www.york.ac.uk/research/themes/cave-art-empathy/

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Deseo

https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/54.55.2

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Miedo, devoción

https://www.artic.edu/artworks/805/funerary-papyrus-of-tayuhenutmut

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Adrenalina, valentía

https://es.wikipedia.org/wiki/Taurocatapsia

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Estoico, severidad

https://es.wikipedia.org/wiki/Pericles

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Praxíteles, siglo IV a.C. (Grecia helenística)

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Curiosidad, juego

https://es.wikipedia.org/wiki/Apolo_Saur%C3%B3ctono

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Comparación del busto de Pericles y Apolo Sauróctono

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Comparación del busto de Pericles y Apolo Sauróctono

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El Busto de Pericles (perteneciente a la Grecia clásica) y el Apolo Sauróctono (de la Grecia helenística) reflejan la evolución del arte griego en cuanto a estilo, técnica, expresión y simbolismo. El busto de Pericles sigue el idealismo clásico, con proporciones perfectas, simetría y una expresión seria que transmite autoridad y grandeza, enfatizada por su casco, símbolo de liderazgo militar y político. Su técnica es más rígida y frontal, con superficies pulidas y formas simplificadas que buscan la perfección idealizada. En contraste, el Apolo Sauróctono, atribuido a Praxíteles, introduce una técnica más refinada con curvas suaves, mayor naturalismo y una postura relajada, lo que otorga dinamismo y realismo a la escultura. Apolo aparece juvenil y sereno, cazando un lagarto con una actitud casi juguetona, reflejando la transición del hieratismo clásico a una representación más expresiva y humana. Mientras que la escultura clásica enfatiza la estabilidad y la perfección ideal, el arte helenístico busca capturar el movimiento, la emoción y una anatomía más realista, marcando un cambio significativo en la forma en que los artistas representaban a dioses y figuras importantes.

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Solemnidad, devoción

https://es.wikipedia.org/wiki/Altar_de_Domicio_Enobarbo#:~:text=%E2%80%8B%20El%20relieve%2C%20que%20es,la%20leva%20de%20los%20soldados.

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Terror, furia, agonía

https://en.wikipedia.org/wiki/Ludovisi_Battle_sarcophagus

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Siglo III - IV d.C. (obra paleocristiana)

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Cariño, protección

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/secreto-que-esconden-catacumbas-priscila-roma_18849#twitter

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Poder, dignidad

https://es.wikipedia.org/wiki/Teodora

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El capitel de Pentecostés y la Asunción de la Virgen representa un momento clave dentro de la tradición cristiana, capturando la intensidad emocional de la llegada del Espíritu Santo. En la escena, los apóstoles aparecen postrados de rodillas, con los rostros y manos alzados al cielo, en una actitud de profunda devoción y expectativa.

Las ondulaciones en la parte superior del capitel simbolizan el cielo, de donde descienden las “lenguas de fuego” que marcan la transformación espiritual de los apóstoles. Su disposición dentro de un espacio delimitado por columnillas refuerza la sensación de recogimiento y comunión, enfatizando la unidad del grupo en este momento de revelación.

La composición refleja un equilibrio entre solemnidad y dinamismo: el relieve tallado transmite la intensidad de la experiencia mística, mientras que la disposición de los cuerpos y la expresión de sus gestos evocan una mezcla de asombro, fervor y entrega. A diferencia de otras representaciones más narrativas, aquí la emoción se expresa a través de la gestualidad y la relación entre las figuras, reforzando la idea de una conexión directa entre lo divino y lo humano.

El capitel, con su uso de volúmenes y contrastes, sugiere no solo un episodio bíblico, sino también una exploración del impacto emocional de la fe. A través de la disposición y la expresividad de los apóstoles, la escena captura la espiritualidad de la Alta Edad Media, donde el arte no solo ilustraba la doctrina, sino que también transmitía la emoción y el fervor religioso de la época.

https://www.celandigital.com/huesca/6399-claustro-de-san-pedro-el-viejo

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Maestro de Tahull, hacia 1123 (obra románica)

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Poder, temor reverencial

https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Meister_aus_Tahull_001.jpg

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La Crucifixión de la Catedral de Estrasburgo

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La Crucifixión de la Catedral de Estrasburgo

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Dolor, angustia, compasión

https://en.wikipedia.org/wiki/Strasbourg_Crucifixion

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El Ábside de Sant Climent de Taüll y La Crucifixión de la Catedral de Estrasburgo reflejan dos maneras opuestas de representar a Cristo y la emoción en el arte medieval. En la pintura románica de Sant Climent, Cristo Pantocrátor se muestra como una figura intocable y todopoderosa, un ser divino que trasciende lo humano. Su expresión es solemne y distante, sin señales de sufrimiento o vulnerabilidad. La frontalidad de la imagen, la simetría rígida y el uso de colores planos refuerzan la idea de un Dios omnipotente y eterno, que domina el espacio y el tiempo. En contraste, en la Crucifixión de la Catedral de Estrasburgo, Cristo ya no es solo un príncipe celestial elegido por Dios, sino un ser de carne y hueso que experimenta el dolor y el sacrificio. Su rostro expresa sufrimiento, su cuerpo se muestra vencido por la muerte y las figuras a su alrededor reflejan tristeza y desesperación, especialmente la Virgen, que se desmaya de angustia. En el arte gótico, las emociones se hacen más evidentes a través de expresiones faciales más detalladas y posturas más dinámicas, permitiendo una mayor conexión con la experiencia humana. Mientras que el arte románico enfatiza el poder divino e inmutable, el gótico humaniza a Cristo, mostrando su fragilidad y su sacrificio, acercándolo así más al espectador.

https://study.com/academy/lesson/video/romanesque-vs-gothic-architecture.html

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Botticelli, 1477-1478 (obra del renacimiento italiano)

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He seleccionado La Primavera de Botticelli por su extraordinaria complejidad emocional, donde conviven múltiples estados afectivos en una aparente armonía. La obra despliega un catálogo de emociones renacentistas: desde la alegría serena de las Tres Gracias (cuyo baile circular transmite euforia contenida) hasta la melancolía introspectiva de Mercurio, pasando por el miedo transformado en esperanza (Cloris/Flora) y el deseo caprichoso de Cupido. Botticelli logra algo único: encapsular emociones contradictorias, dolor y gozo, temor y redención, bajo la fachada de un idilio mitológico. La Virgen Venus, como eje central, actúa como moderadora de estos afectos, simbolizando el equilibrio neoplatónico entre lo terrenal y lo divino. Precisamente esta riqueza psicológica sutil, donde nada es explícito pero todo se intuye, hace de la obra un testimonio excepcional de cómo el Renacimiento entendía la psique humana: como un paisaje de emociones entrelazadas, tan vibrantes y cambiantes como la primavera misma.

https://es.wikipedia.org/wiki/La_primavera_(Botticelli)

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Alberto Durero, 1507 (obra del renacimiento nórdico)

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Curiosidad, inquietud

https://es.wikipedia.org/wiki/Ad%C3%A1n_y_Eva_(Durero)

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Rodrigo de Sajonia, 1515-1519 (obra del renacimiento del siglo XVI)

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Solemnidad, apoyo

http://museodehuesca.es/colecciones/renacimiento/

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Georges de La Tour, 1642-1644 (obra del estilo barroco)

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Nostalgia, ensismismada

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Magdalena_penitente_de_la_lamparilla

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Joseph-Marie Vien, 1763 (obra al estilo neoclasicista)

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Tranquilidad, confianza, feminidad

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Dos_mujeres_en_el_baño

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Francisco de Goya, 1801 (obra del romanticismo)

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Arrogancia

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Manuel_Godoy

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Las obras Magdalena penitente de la Lamparilla (Barroco) y Dos mujeres en el baño (Neoclasicismo) reflejan claramente las diferencias estilísticas y emocionales entre ambos movimientos. El Barroco se caracteriza por una fuerte carga emocional, dramatismo y uso del claroscuro para intensificar los sentimientos, como se ve en la figura de la Magdalena, absorta en su dolor y reflexión espiritual. En cambio, el Neoclasicismo busca la armonía, la claridad y el equilibrio racional, como se aprecia en Dos mujeres en el baño, donde las emociones están contenidas y la escena transmite serenidad y cotidianeidad. Aunque ambas obras representan figuras femeninas en momentos íntimos, el impacto emocional es muy distinto. Personalmente, me conmovió más la obra barroca, porque el uso de la luz, la expresión facial y la postura de la Magdalena logran transmitir una profundidad emocional que el estilo barroco maneja con gran intensidad, y que resuena mucho más cuando se analiza el arte desde la perspectiva de las emociones.

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Honoré Daumier, 1862–1864 (obra del realismo del siglo XIX)

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Cansancio, resignación, dignidad silenciosa

https://es.wikipedia.org/wiki/El_vag%C3%B3n_de_tercera_clase

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Claude Monet, 1875 (obra del movimiento impresionista)

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Claude Monet, uno de los principales exponentes del impresionismo, pintó Mujer con sombrilla en 1875, capturando a su esposa Camille y su hijo durante un paseo al aire libre. Esta escena, aparentemente sencilla, transmite una emoción sutil pero poderosa: una sensación de ligereza, alegría efímera y conexión con el entorno natural.

La figura de Camille, vista desde un ángulo bajo y ligeramente en movimiento, está envuelta por la brisa que agita su vestido y la vegetación. Esta elección compositiva y el dinamismo del trazo sugieren un instante suspendido en el tiempo, como si el espectador compartiera ese paseo íntimo bajo el cielo luminoso. La técnica de Monet, con pinceladas sueltas, rápidas y fragmentadas, permite que la luz se descomponga sobre las formas, creando una atmósfera vibrante y espontánea que evoca la emoción del momento más que la descripción exacta de la figura.

La obra no retrata una emoción dramática, sino una forma de felicidad tranquila, que nace del contacto con la naturaleza y de la fugacidad del instante. Es una emoción suave, casi introspectiva, que se aleja del sentimentalismo para acercarse a una forma de contemplación. En lugar de centrarse en los rasgos faciales, Monet transmite el estado emocional a través del movimiento, el color y la atmósfera.

Mujer con sombrilla representa así cómo el impresionismo transformó la manera de expresar las emociones en el arte: ya no a través de gestos exagerados o narrativas religiosas, sino mediante la captación de la experiencia sensible y la luz como vehículo de lo emotivo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mujer_con_sombrilla

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Henri Matisse, 1952 (obra de arte de las vanguardias artísticas del siglo XX, fauvismo)

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Melancolía, contemplación serena

https://es.wikipedia.org/wiki/La_tristeza_del_rey