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Des outils numériques RGPD pour les arts plastiques | Enseignement des ARTS PLASTIQUES

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Le Groupe de Recherche académique en Arts Plastiques (Toulouse) et madame Marianne Pierrot, IA-IPR, présentent

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accueil " Quiz " Quiz niveau 1

Question n°1

Jean DUNAND (1877-1942), La Conquête du Cheval, ca. 1935, panneau de laque, 80 x 170 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Avec quoi ces hommes attrapent-ils les chevaux sauvages dans les laques de Jean Dunand ?

Question n°2

Quel est le continent d'origine des deux modèles de Charles Cordier ?

Question n°3

Kees van DONGEN (1877-1968), La Parisienne de Montmartre, ca. 1907-1908, huile sur toile, 64,5 x 53,2 cm. © MuMa Le Havre / David Fogel - © ADAGP, Paris, 2013

De quelles fleurs est décoré le chapeau de la Parisienne de Montmartre peint par Van Dongen ?

Question n°4

Dans ce tableau de Pierre Bonnard intitulé Intérieur au balcon, différents objets sont posés sur la table de la salle à manger.
On peut y voir des verres, de la vaisselle, un plateau mais aussi :

Question n°5

Ces toiles de Camille Pissarro, représentent différents types de bateaux.
Quel est l'intrus ?

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Site du musée présentant les œuvres majeures des collections et l'actualité du musée (expositions temporaires, activités pédagogiques, événements)...

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EUGÈNE BOUDIN VU PAR LES ÉTUDIANTS DE L'ISCOM LILLEEn collaboration avec l’ISCOM de Lille, le studio Flamboyances a imaginé la création d’un podcast autour des œuvres d’Eugène Boudin, et particulièrement celles présentes au MuMa.

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EUGÈNE BOUDIN VU PAR LES ÉTUDIANTS DE L'ISCOM LILLEEn collaboration avec l’ISCOM de Lille, le studio Flamboyances a imaginé la création d’un podcast autour des œuvres d’Eugène Boudin, et particulièrement celles présentes au MuMa.

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Wivi WebApp - Votre guide personnel au MuMa

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#MuMaChezVous : Ateliers à distance | MuMa Le Havre : site officiel du musée d’art moderne André Malraux

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Site du musée présentant les œuvres majeures des collections et l’actualité du musée (expositions temporaires, activités pédagogiques, événements)…

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Site du musée présentant les œuvres majeures des collections et l'actualité du musée (expositions temporaires, activités pédagogiques, événements)...

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71 coloriages d'œuvres d'artistes peintres à imprimer.

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71 peintures à colorier. Coloriages d' oeuvres de grands peintres comme Van Gogh, Magritte, Cézanne, Matisse, Caillebotte. Coloriage artiste peintre.

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Découvrir les dossiers d'image d'art | panorama de l'art

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Un site exhaustif et pédagogique sur l'histoire de l'art, de la préhistoire jusqu'à l'art moderne : analyse d'œuvres des musées, reproduction en grand format, glossaire ; adapté aux enseignant et élèves.

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Le blog ludique pour faire découvrir l'art aux enfants de 7 à 77 ans.Plusieurs fois par semaine, kART à voir vous propose de découvrir ou redécouvrir une oeuvre d'art. Qu'elle soit célèbre, emblématique, ou méconnue, chaque oeuvre est accompagnée de repères et d'anecdotes.

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Le blog ludique pour faire découvrir l'art aux enfants de 7 à 77 ans.Plusieurs fois par semaine, kART à voir vous propose de découvrir ou redécouvrir une oeuvre d'art. Qu'elle soit célèbre, emblématique, ou méconnue, chaque oeuvre est accompagnée de repères et d'anecdotes.

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n°298
Dans un café (L’absinthe) (1875)
Edgar Degas

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Cliquez sur l’image pour l’agrandir kART d’identité Œ uvre : Dans un café (L’absinthe) Artiste : Edgar Degas Année : 1875…

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Découvrir des tableaux dans leurs moindres détails en gigapixel

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Découvrir des tableaux dans leurs moindres détails en gigapixel

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Plus de 50 œuvres à explorer dans leurs moindres détails ! Voici le défi qu'a relevé le musée des Beaux-Arts pour le plus grand plaisir des yeux. Grâce à la photographie en gigapixel - ultra-haute définition - plongez dans les œuvres et admirez leurs détails, imperceptibles à l'œil nu !

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Réalisé en collaboration avec mille formes, le centre d'initiation à l'art de Clermont Ferrand, Mon Petit Œil est une web-série à l'attention des tout-petits dont les films sont créés par des artistes. Comme une première approche de l'image animée, Mon Petit Œil propose tous les mois, la découverte de quatre films (de 1 à 3 minutes) et un moment dédié aux parents avec le programme " 3 minutes de rien ".

100(0) de dessins, Gâteaux, Geneviève Casterman et Rachel Marino, 2016.

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Réalisé en collaboration avec mille formes, le centre d'initiation à l'art de Clermont Ferrand, Mon Petit Œil est une web-série à l'attention des tout-petits dont les films sont créés par des artistes.

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Les dossiers pédagogiques du Centre Pompidou

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Les dossiers pédagogiques du Centre Pompidou

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Dossiers pédagogiques - Collections du Musée
Monographies - Grandes figures de l'art moderne

Fernand LÉger

La Lecture, 1924

INTRODUCTION
BIOGRAPHIE
LES ŒUVRES Pour un art humaniste TEXTES DE RÉFÉRENCE REPÈRES CHRONOLOGIQUES BIBLIOGRAPHIE SÉLECTIVE La modernité de Fernand Léger

De la tentation de l'abstraction à la guerre
- Le Réveille-matin, 1914
- Soldats jouant aux cartes, 1916

La vie moderne
- Les disques dans la ville, 1920
- Charlot cubiste, 1924
- Le Ballet mécanique, 1923-1924

Figures et objets
- La lecture, 1924
- Composition, 1929

Les grands formats
- Composition aux deux perroquets, 1935-1939 (1940 ?)
- Adieu New York, 1946
- Les calices et l'éponge, maquette de vitrail pour l'Église d'Audincourt, 1950

Introduction

La modernitÉ de Fernand LÉger

De part en part, l'œuvre et les écrits de Fernand Léger font référence à la modernité, au point que cette thématique suffit souvent à le caractériser. Contemporain de Picasso et de Matisse, ami de Duchamp et de Cendrars, Léger est d'abord moderne par son appartenance à une époque riche d'innovations artistiques. Puis il célèbre la machine et la vie urbaine dans de nombreux tableaux. Mais à propos des thèmes qu'il traite, il déclare aussi : " Je ne sais pas ce que c'est un sujet ancien ou moderne ; je ne connais qu'une interprétation nouvelle et c'est tout " (conférence " Les Réalisations picturales actuelles ", 1914, in Fonction de la peinture).
Ses œuvres sont pour la majorité des peintures à l'huile, alors que ses contemporains pratiquent le papier collé, le ready-made, la photographie. Ça et là, des faits mineurs conduisent encore à s'interroger sur la modernité de Léger. Contrairement à des artistes tels que Picabia ou les futuristes qui raffolent des voitures de course, il n'a jamais conduit. Alors que le téléphone se répand depuis le début du XXe siècle, il communique par pneumatique jusqu'à la fin de sa vie. Lorsqu'il séjourne à New York pour la première fois, il lit À la Recherche du temps perdu...

Quelle est donc cette modernité à laquelle Léger se réfère sans cesse et comment s'intègre-t-elle à son travail ? Dans ses écrits, il associe la vie moderne à la complexité des sensations : " Tout ce qui se fait maintenant est plus complexe et malgré tout plus rapide [...] La vie va sans aucun doute du simple au complexe, mais malgré tout elle gagne en rapidité. Le but de la vie a l'air de multiplier les sensations. Le plus heureux, c'est celui qui enregistre le plus dans le minimum de temps. C'est le jouisseur moderne. Toutes les inventions modernes viennent d'ailleurs à lui pour lui permettre de satisfaire son besoin de vitesse " (lettre à Louis Poughon du 8 novembre 1914).

C'est ce qu'il traduit en peinture par ce qu'il appelle, au début des années 10, des " contrastes de formes " qui sont, non plus des " contrastes additionnels ", mais des " contrastes multiplicatifs ", où chaque élément pictural s'oppose à tous les autres. Ce qu'il applique dans une série d'une quarantaine de toiles.
Puis ce sont les contrastes dans le paysage urbain, créés par les affiches, les couleurs vives et la multiplication de signaux visuels et sonores qui, selon Léger, plaisent aussi bien à l'artiste d'avant-garde qu'aux gens du peuple. Comme il l'affirme dans l'une de ses conférences, " ces interminables surfaces que sont les murs administratifs et autres sont-elles ce qu'il y a de plus triste et de plus sinistre que je connaisse. L'affiche est un meuble moderne, que les peintres aussitôt ont su utiliser. C'est le goût bourgeois que l'on retrouve encore là, le goût du monotone qu'ils traînent partout avec eux. Le paysan, lui, résiste à ces amollissements ; il a encore gardé le goût des contrastes violents de ses costumes, et une affiche dans son champ ne l'effraye pas ".

Enfin, Léger construit ses toiles par contrastes entre les postures des personnages, entre les objets, entre les figures et les éléments abstraits, des contrastes simples que chacun peut observer au quotidien. Car, en dernier lieu, la modernité telle qu'il la conçoit est le révélateur d'un lien entre les hommes, les hommes de l'escouade pendant la guerre, ceux du chantier ou ceux du cirque quand revient la paix. Et le peintre moderne est celui qui renverse les traditions académiques convenues pour peindre dans un style universel ce lien universel.

Biographie

Pour Un art humaniste

Fernand Léger est né le 4 février 1881 à Argentan dans l'Orne. Grâce au témoignage de son ami d'enfance, Louis Poughon ( Fernand Léger, une correspondance de guerre, Les Cahiers du Musée national d'art moderne, Hors-série Archives, 1997, pp. 100-106), nous savons que sa mère l'a élevé seule - son père décède lorsqu'il a quatre ans - et qu'elle est une femme très pieuse menant une existence tranquille. Son fils semble avoir été très différent d'elle. À l'école, " il ne fut jamais un élève studieux " et, après plusieurs renvois successifs - il dessine des caricatures de ses professeurs qui amusent beaucoup ses camarades - il entre comme apprenti chez un architecte d'Argentan.

Doué pour le dessin, il s'installe en 1900 à Paris où il fréquente l'École des Arts décoratifs et l'Académie Julian. Dans le quartier de Montparnasse - son atelier est d'abord avenue du Maine puis à la Ruche -, il pénètre le milieu artistique parisien et se lie d'amitié avec Robert Delaunay, Marc Chagall, Blaise Cendrars... À partir de 1910, le Cubisme, qui s'impose de plus en plus dans l'avant-garde artistique, le séduit à son tour et l'amène à rejoindre Albert Gleizes, Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier et les frères Duchamp, fondateur du groupe de la Section d'or. Fort de ces rencontres et d'un premier contrat avec le marchand Daniel-Henry Kahnweiler, il participe à toute une série d'expositions à Paris, à Moscou et même à New York, à l' Armory Show en 1913. C'est la période de ses " Contrastes de formes " qui l'imposent dans l'avant-garde artistique.

Mais la guerre interrompt brutalement et pour quatre ans ces premiers succès. Envoyé sur le front comme sapeur réserviste, puis brancardier, il a conscience de perdre de précieuses années. Toutefois l'expérience qu'il vit, tant l'horreur de la guerre que la fraternité avec les autres soldats, le marque profondément et procure une force nouvelle à son œuvre. A son ami Poughon qui n'a pas fait la guerre, il écrit en effet : " Toi, tu vas rester un homme d'avant-guerre et ce sera ta punition, Louis, mon vieil ami, et moi, malgré mes 34 ans, malgré ma vie déjà commencée comme mon œuvre et que cette tragédie a cassé en deux. Je suis tout de même encore assez jeune, assez vivant pour être, moi aussi, si le Dieu de ma mère me le permet, pour être, tu entends, pour être de la grande génération d'après la guerre ! ".
En 1917, il signe un important contrat avec le galeriste Léonce Rosenberg. Réformé à la fin de cette même année, il entreprend de grandes peintures qui, de plus en plus, sont influencées par le thème de la modernité. Les collaborations se multiplient : avec Rolf de Maré, fondateur des Ballets suédois, pour les décors et costumes d'un ballet, avec Robert Mallet-Stevens et Marcel L'Herbier pour les décors du film L'Inhumaine, ou avec Dudley Murphy pour le film Ballet mécanique. En 1933, il participe au Congrès international des architectes modernes (CIAM) en compagnie de Le Corbusier qu'il fréquente depuis quelques années.

Avec l'arrivée du Front populaire, son engagement politique se manifeste à travers des conférences et de grandes peintures murales où il réalise son rêve de concilier l'avant-garde et l'art populaire. Mais la guerre interrompt de nouveau son travail. En 1940, il s'installe à New York. La ville moderne lui inspire ses dernières grandes compositions. De retour en France au début de l'année 46, encore très actif, il se consacre notamment à des travaux monumentaux, comme les vitraux de l'Église d'Audincourt, dans le Doubs.

Cinq ans après sa mort, en 1960, ses héritiers inaugurent à Biot le Musée Fernand Léger.
Après ses premières peintures figuratives inspirées de l'Impressionnisme, de Cézanne et du Cubisme, Léger réalise une grande série de toiles à la limite de l'abstraction, construites selon un principe déterminant dans toute son œuvre, le contraste [1]. Ces recherches sont interrompues par la guerre qui marque une rupture dans sa vie et dans son œuvre.
Les Œuvres

De la tentation de l'abstraction À la guerre

Les contrastes de formes

Le réveille-matin, 1914
Huile sur toile, 100 x 81 cm

Entre 1912 et 1914, Léger peint une quarantaine de tableaux qui suggèrent, tous, le mouvement par l'opposition des volumes, des lignes et des couleurs utilisées pures, sur une toile de chanvre qui apparaît en réserve. Il nomme cet ensemble d'œuvres " Contrastes de formes ", et en intitule même certaines " Contrastes de formes ", qui sont des peintures abstraites, ou qui font référence à la réalité quotidienne − tel Le réveille-matin.
Les toiles réalisées en 1912 et 1913 sont composées suivant le principe de l'opposition maximale des éléments picturaux, valeurs, lignes et couleurs, démarche qu'il poursuit en 1914 en réintégrant des éléments reconnaissables, par exemple le réveil et le personnage au chapeau noir dans ce tableau. Car cette série est parcourue par la question de l'abstraction et de la réalité en peinture.

Dans un entretien de 1954 avec Dora Vallier, Léger explique qu'il s'adonne à l'abstraction au moment où, ayant assimilé la leçon de Cézanne, il cherche à se détacher de celle-ci. " En 1912-13, ça a été la bataille pour quitter Cézanne. L'emprise était si forte que pour m'en dégager j'ai du aller jusqu'à l'abstraction. " Mais ce passage par l'abstraction n'est pas pour autant une rupture avec la réalité. Au contraire, l'abstraction de Léger est un réalisme, un réalisme pictural, c'est-à-dire l'affirmation d'une réalité propre à la peinture : " La valeur réaliste d'une œuvre est parfaitement indépendante de toute qualité imitative... En quoi consiste en peinture ce que l'on appelle réalisme ?... Le réalisme pictural est l'ordonnance simultanée des trois grandes qualités plastiques : les Lignes, les Formes et les Couleurs " (" Les Origines de la peinture contemporaine et sa valeur représentative ", conférence de Fernand Léger donnée le 5 mai 1913 à Paris, reproduite dans le recueil Fonction de la peinture).
Une fois conquise cette autonomie de la peinture, l'artiste peut réintégrer des éléments qui l'ouvrent aux problématiques du monde environnant, ici le réveil qui symbolise le dynamisme propre à Léger.

Pour une analyse des premières toiles de Léger, dont Contrastes de formes, 1913, voir le dossier pédagogique : Le Cubisme

" ... une révélation totale, comme homme et comme peintre ", la guerre

Soldats jouant aux cartes, 1916
Dessins de guerre. Dessins du front
Exécuté près de Verdun en 1916
Crayon sur papier, 17 x 12,7 cm

Mobilisé en 1914, Léger est sapeur, puis brancardier sur le Front. Dans les conditions extrêmes de la guerre et des tranchées, il poursuit son travail, exécutant de nombreux dessins. " Il dessinait aux heures de repos, dans le gourbi et quelques fois dans les tranchées. Certains dessins gardent la trace de la pluie, d'autres sont déchirés, presque tous sont faits sur du gros papier d'emballage ", témoigne l'écrivain russe Ilya Ehrenbourg qui a bien connu Léger (cité dans Georges Bauquier, Fernand Léger. Vivre dans le vrai, 1987, p.75).
Comme il le dira rétrospectivement, dans un entretien en 1949, au contact des hommes qu'il rencontre, " des mineurs, des terrassiers, des artisans du bois et du fer ", Léger est touché par " la richesse, la variété, l'humour, la perfection de certains types d'hommes... leur sens exact du réel utile, de sa valeur pratique, son application opportune au milieu de ce drame... ". C'est pourquoi la guerre n'amenuise pas sa foi en l'humanité, ni sa confiance en la capacité des hommes à maîtriser les machines.

Dans ce dessin de 1916, son style pictural ne varie guère par rapport à la période des Contrastes de formes. On y voit des formes schématisées, par endroit grisées au crayon pour donner du volume, un procédé graphique comparable aux tronçons des cylindres colorés qui peuplent ses précédents tableaux. Mais, à la différence de ceux-ci, le dessin se limite à la grisaille de la mine de plomb et, surtout, renoue clairement avec la figuration, les personnages et leur posture typique de joueurs de cartes. " Pendant que les gars jouaient aux cartes, je restais à côté d'eux, je les regardais, je faisais des dessins, des croquis, je voulais les " saisir ", raconte Léger (cité par Georges Bauquier, p.77).
L'une des révélations de Léger pendant la guerre est le constat que le monde a changé. Tout va plus vite, tout est plus complexe, les sensations sont multipliées. C'est l'avènement de la modernité que Léger cherche à exprimer par des moyens plastiques appropriés, en peinture, mais aussi au cinéma.
Léger s'oriente déjà vers un art humaniste. Ce dessin, et d'autres sur le même thème, servira l'année suivante de point de départ à une plus vaste composition à l'huile, La Partie de cartes (Kröller-Müller Museum, Otterlo, Pays Bas). Épuisé par la guerre, il sera en effet hospitalisé en 1917, ce qui lui permettra enfin de peindre à nouveau.

La vie moderne

La ville

En 1918, Léger peint Les Disques dans la ville (Musée d'art moderne de la Ville de Paris), où le disque est traité pour lui-même et le rythme qu'il insuffle à la toile. Puis, en 1919, il réalise La Ville (Philadelphia Museum of Art), une composition où les aplats de couleur se mêlent à des représentations d'affiches et d'éléments architecturaux. Les Disques dans la ville, de 1920, sont une synthèse de ces deux précédentes toiles : les disques transmettent leur dynamisme à la ville comme les engrenages d'une machine. Ce tableau est un hymne à la modernité caractérisée par un foisonnement de stimulations sensorielles. Quelques années plus tard, en 1922, Léger reviendra, d'une manière différente, sur le dynamisme du disque dans la ville avec un article de critique cinématographique consacré à La Roue d'Abel Gance, " La Roue, sa valeur plastique ", qui posera les jalons de sa propre œuvre filmique à venir.

La Ville, Philadelphia Museum of Art

Le cinÉma

Charlot cubiste,1924
Assemblage
Eléments en bois peints, cloués sur contre-plaqué,
73,6 x 33,4 x 6 cm

Découvert grâce à Apollinaire lors d'une permission en 1916, Charlot, le clown de la vie moderne, est à l'origine de l'intérêt que Léger porte au cinéma. En s'inspirant de la maladresse toute mécanique de ce personnage, il rédige en 1920 un " scénario pour un dessin animé " intitulé, dans un syncrétisme qui allie le meilleur du cinéma au meilleur de la peinture, Charlot Cubiste.

Ce scénario raconte les aventures d'un petit pantin en bois à l'effigie de Charlot qui s'éparpille en morceaux et se reconstitue au fil d'une journée agitée. Il se réveille, sort de son lit en rassemblant ses morceaux et, après avoir découvert des tableaux cubistes, se rend au Louvre. Là, la Joconde en tombe amoureuse, au point de fuir avec son cadre sous le bras pour le rejoindre. Mais, rejetée par ce chantre de la modernité, elle se consumera littéralement d'amour pour lui et sera enterrée en grandes pompes. Le projet restera inachevé, deux séquences seulement ayant été tournées. Mais le petit pantin sera reconstruit en 1924 pour être utilisé dans le générique du Ballet mécanique.

Le Ballet mécanique, 1923-1924
Film cinématographique 35 mm noir et blanc, muet
Durée : 16'
Co-réalisation : Dudley Murphy
Photographies : Man Ray et Dudley Murphy
Musique : George Anthiel

Dans son article sur La Roue, où il affirme qu'Abel Gance " a haussé le cinéma au rang des arts plastiques ", Léger propose une réflexion sur ce que doit être le cinéma. Deux ans plus tard, dans Le Ballet mécanique, il applique comme un programme les quelques idées énoncées dans ce texte: " La raison d'être du cinéma, la seule, c'est l'image projetée... Remarquez bien que cette formidable invention ne consiste pas à imiter les mouvements de la nature ; il s'agit de tout autre chose, il s'agit de faire vivre des images, et le cinéma ne doit pas aller chercher ailleurs sa raison d'être. Projetez votre belle image, choisissez-la bien, qualifiez-la, mettez le microscope dessus, faites tout pour qu'elle donne un rendement maximum, et vous n'aurez plus besoin de texte, de descriptif, de perspective, de sentimentalisme et d'acteurs. Soit dans l'infini réalisme du gros plan, soit dans la pure fantaisie inventive (poétique simultanée par image mobile), l'événement nouveau est là avec toute ses conséquences. "
Réalisé en collaboration avec le cinéaste américain Dudley Murphy, spécialisé dans la synchronisation entre images et musique, et avec la participation de Man Ray, Ballet mécanique est, à l'origine, une composition du musicien George Antheil pour laquelle ce dernier recherchait un accompagnement cinématographique. Léger proposa de financer le film et prit l'ascendant dans sa réalisation. Il en résulte une œuvre de 16 minutes des plus audacieuses, le " premier film sans scénario ", comme se plaît à le souligner Léger, qui n'a d'équivalent dans son radicalisme que l'Entr'acte de René Clair tourné la même année sur une idée de Picabia et une musique d'Erik Satie.

Léger décrit son travail ainsi : " J'ai pris des objets très usuels que j'ai transposés à l'écran en leur donnant une mobilité et un rythme très voulus et très calculés. Contraster les objets, des passages lents et rapides, des repos, des intensités, tout le film est construit là-dessus " (conférence " Autour du Ballet mécanique ", 1924-25 in Fonction de la peinture). Montré pour la première fois à Vienne dès 1924, le film fera le tour du monde.
Au milieu des années 20, la plupart des artistes d'avant-garde marquent un temps d'arrêt dans l'exploration de la nouveauté, au profit d'un regain d'intérêt pour le classicisme. Cette période a été qualifiée de retour, voire de " rappel " à l'ordre. Léger, dès 1924, participe de cette tendance en réalisant des œuvres " statiques " par opposition au dynamisme des années précédentes.

Pour approfondir les relations entre cinéma et arts plastiques ainsi que la place de Ballet mécanique dans ces relations,
voir le dossier pédagogiqueLe mouvement des images

Figures et objets

La figure-objet

La Lecture, 1924
Huile sur toile, 113,5 x 146 cm

La Lecture, avec sa composition équilibrée et son atmosphère studieuse, inaugure la nouvelle tendance statique de Léger. A partir de 1923, l'artiste travaille sur ce thème à travers de nombreuses études dessinées ou peintes, mais c'est seulement avec cette grande toile qu'il parvient à créer une œuvre qui impose son silence.
Exposée par Léonce Rosenberg à sa galerie de L'Effort moderne, elle a été vendue en 1926 à " un prix exceptionnel " car elle est " une œuvre exceptionnelle dans toute la production de Fernand Léger ", écrit le marchand (lettre du 27 janvier 1926, Fernand Léger, une correspondance d'affaires, Le Cahiers du Musée national d'art moderne, Hors-série Archives, 1996). Léger lui-même la présente comme son plus beau tableau.

Rompant avec sa production antérieure, elle n'en reste pas moins construite sur le principe des contrastes : contraste des couleurs − le bleu de la jupe et de l'oreiller s'oppose au rouge des livres −, contraste des formes − entre les cadres du fond et les arrondis des corps −, et enfin contrastes des détails caractérisant les deux femmes − l'une est couchée et l'autre debout, l'une est nue et l'autre habillée, l'une est chevelue et l'autre chauve. Ce dernier détail n'a pas manqué de choquer, à commencer par Léonce Rosenberg qui demanda à Léger de lui ajouter des cheveux. Léger refusa, sa composition obéissant toujours à sa conception du " réalisme plastique ".
Appliquée à la figure humaine, cette conception devient celle de la " figure-objet " : le corps et le visage sont destitués de leur valeur sentimentale pour devenir un objet à traiter comme un autre en peinture. Les deux femmes de ce tableau acquièrent de ce fait une apparence énigmatique, d'autant plus que leur regard ne se porte pas vers leur livre mais vers le public.

Le triomphe de l'objet

Déjà remis au goût du jour par les cubistes, le genre traditionnel de la nature morte est réinterprété par Léger par le biais de sa théorie de l'objet. Tandis que les surréalistes l'intègrent à leurs œuvres pour sa charge symbolique, lui l'utilise comme point de départ d'une formulation plastique. La nature morte sert de prétexte à l'affirmation radicale de la valeur plastique de l'objet (voir texte de référence : " Un nouveau réalisme, la couleur pure et l'objet ", extrait d'une conférence au MoMA, New York, 1935).
Fernand Léger a toujours été attiré par la peinture murale qui renvoie à l'art éternel des fresques et à l'architecture. Les compositions de très grands formats qu'il commence à réaliser au milieu des années 30 sont un pas vers cet idéal, que l'exigence de formats standard de ses marchands avait jusqu'alors réfréné.
Dans cette composition très équilibrée, les aplats de couleur pure servent de fond au rapprochement incongru de deux bustes stylisés − leurs visages effacés sont proches des têtes peintes par De Chirico −, d'une grappe de raisin, d'une feuille et de serpentins qui procurent de la fluidité à l'ensemble. Suspendus dans l'espace, ces objets sont dépourvus de pesanteur, comme souvent dans les peintures de Léger à cette époque.

Les grands formats

Quand le " tableau commande la pièce "

" Je suis satisfait si dans un appartement mon tableau commande la pièce ; s'il s'impose à tous, gens et meubles. Il doit être le personnage le plus important. J'ai horreur de la peinture discrète. " Cette déclaration de Léger explique les dimensions gigantesques, presque 4 mètres sur 5, de cette toile qui pourrait rivaliser avec les compositions du Louvre. Mais son thème est délibérément moins grandiose.

Les deux perroquets, qui spécifient le titre de la composition, créent un effet de surprise ou de " contraste " inattendu par leur taille modeste. Mais ils apportent aussi à cette vaste toile leurs couleurs vives. Peut-être sont-ils un clin d'œil à une vieille recette d'atelier selon laquelle un perroquet suffisait à attirer l'œil du public sur un tableau
Les autres éléments de la composition présentent, quant à eux, de nombreuses similitudes avec Composition aux trois figures de 1932. [1] L'échelle et la corde, le nuage, les personnages massifs, la composition partagée entre des figures et des motifs abstraits rappellent en effet cette précédente peinture comme s'il s'agissait ici de l'amplification d'un même modèle. Mais, ici, les personnages semblent sans poids comme dans les tableaux consacrés aux acrobates que Léger commence à réaliser autour de 1933 et qu'il développera pendant la guerre aux Etats-Unis. Après l'avoir exposée à Paris en avril 40, Léger emportera d'ailleurs cette toile aux Etats-Unis, pour l'offrir au Musée national d'art moderne à son retour.

[1]. Pour une exploration de l'œuvre de Fernand Léger, Composition aux trois figures, 1932

New York

L'intérêt de Fernand Léger pour la ville moderne ne pouvait que le conduire aux Etats-Unis et surtout à New York. S'il participe, par un envoi, à l' Armory Show en 1913 et se lie d'amitié avec le peintre américain Gerald Murphy, ce n'est qu'en 1931 qu'il s'y rend pour la première fois. Il y retourne en 1935 pour sa rétrospective au MoMA, en 1938 pour donner des conférences dans plusieurs universités américaines, et enfin y séjourne pendant la guerre, d'octobre 1940 à décembre 1945.
Dernier hommage à cette ville stimulante, Adieu New York est réalisé à la fin de son dernier séjour et terminé en France. Lors d'une visite de Pierre Descargues à son atelier, il le commente ainsi : " Ça c'est l'Amérique, ma dernière toile Adieu New York écrit sur la banderole. Vous savez les USA sont un pays où les décharges sont innombrables. On jette tout plutôt que de réparer. Alors, vous voyez ici, il y a des morceaux de ferraille, des bras de machine et même des cravates. Ce que j'aimais à-bas, c'était faire des toiles éclatantes avec tout cela. "
Ce thème du rebus lui permet d'organiser une fois de plus un contraste, entre la ferraille et la végétation qui l'envahit. Mais c'est aussi l'occasion d'innovations stylistiques comme la dissociation des couleurs et du dessin qui lui aurait été inspirée par les lumières de Broadway.

Le monumental

Les calices et l'éponge.
Maquette de vitrail pour l'Église d'Audincourt (1950)
Gouache sur papier, 37 x 92 cm

Après les grands formats réalisés au retour des Etats-Unis, Léger se rapproche de plus en plus de l'architecture et se consacre à des œuvres monumentales. Le Père Couturier, grand commanditaire d'œuvres religieuses, rencontré pendant la guerre au Canada, fait appel à lui pour décorer l'Église Notre-Dame de Toute Grâce du plateau d'Assy.
Léger réalise une fresque en mosaïque sur le mur situé derrière les colonnes du porche. D'autres artistes de renom participent également à l'ouvrage, tels que Matisse, Braque ou encore Chagall... L'église terminée, le Père Couturier n'en est cependant pas satisfait : " Elle est loin d'être sans défaut : on en trouvera dans son architecture comme dans sa décoration et dans ses vitraux... Eh bien ! si c'était à recommencer, on irait encore plus loin. On serait encore plus absolus, plus durs. Mais ce serait dans cette même direction ".

En 1949, le Père Couturier pense de nouveau à l'architecte Maurice Novarina et à Fernand Léger pour le chantier de l'Église du Sacré-Cœur à Audincourt (près de Montbéliard).
Ainsi, au moment où Matisse décore la chapelle du Rosaire à Vence [1], Léger peint, sur le thème des instruments de la Passion, les maquettes des 17 vitraux qui seront réalisés en dalle de verre et ciment pour entourer le chœur et la nef de l'Église d'Audincourt.
Le style pictural qu'il pratique alors, des formes cernées de noir et des couleurs vives, convient particulièrement au vitrail et lui procure une puissance surprenante. Les habitants d'Audincourt, en voyant les maquettes, auraient dit à Léger si l'on en croit le témoignage de Pierre Descargues : " Ça va péter le feu, ça sera du tonnerre " !
Quant au thème, il convient aussi parfaitement à l'artiste qui a fait de l'objet sa préoccupation principale : " Magnifier les objets sacrés, clous, ciboires ou couronnes d'épines, traiter le drame du Christ, cela n'a pas été pour moi une évasion... j'ai simplement eu là l'occasion inespérée d'orner de vastes surfaces selon la stricte conception de mes idées plastiques ". Il réalise, ensuite, une tapisserie pour la décoration de l'autel.
Après cette commande qui, cette fois-ci, satisfera entièrement le Père Couturier, Léger sera appelé pour la réalisation d'autres vitraux, par exemple pour l'Université de Caracas en 1953.

[1] En savoir plus sur la Chapelle du Rosaire, voir le dossier pédagogiqueHenri Matisse

Conférence donnée à l'Académie d'art Marie Wassilieff, le 5 mai 1913, reproduit dans Fonction de la peinture, édition revue et augmentée, Gallimard, 2004, pp. 25-26
Textes de rÉfÉrence

Fernand LÉger, " Les origines de la peinture contemporaine et sa valeur représentative " (extrait)
Fernand Léger, une correspondance de guerre, Les Cahiers du Musée national d'art moderne, Hors-série Archives, 1997, pp. 11-12
" Sans avoir la prétention d'expliquer le but et les moyens d'un art arrivé déjà à une réalisation assez avancée, je vais tâcher de répondre, autant que cela est possible, à une des questions les plus souvent posées devant les tableaux modernes. Je transcris cette question dans toute sa simplicité : " qu'est-ce que cela représente ? ". Je me fixe donc comme but cette simple interrogation et je vais m'efforcer dans un exposé très court d'en éprouver la parfaite inanité.
Si l'imitation de l'objet dans le domaine de la peinture avait une valeur en soi, tout tableau du premier venu ayant une qualité imitative aurait plus de valeur picturale. Comme je ne crois pas qu'il soit nécessaire d'insister et de discuter un cas semblable, j'affirme donc une chose déjà dite, mais qu'il est nécessaire de redire ici : la valeur réaliste d'une œuvre est parfaitement indépendante de toute qualité imitative.
Il faut que cette vérité soit admise comme un dogme et fasse axiome dans la compréhension générale de la peinture.
J'emploie à dessein le mot réaliste dans son sens le plus propre, car la qualité d'une œuvre picturale est en raison directe de sa qualité de réalisme.
En quoi consiste en peinture ce que l'on appelle réalisme ?
Les définitions sont toujours dangereuses, car pour enfermer en quelques mots tout un concept, il faut une concession qui souvent manque de clarté ou est trop simpliste.
J'en risquerai une malgré tout et je dirai qu'à mon sens, le réalisme pictural est l'ordonnance simultanée des trois grandes quantités plastiques : les Lignes, les Formes et les Couleurs.
Aucune œuvre ne peut prétendre au pur classicisme, c'est-à-dire à la durée indépendamment de la période de création, si l'on sacrifie complètement une de ces quantités au détriment des deux autres.
Je sens très bien le côté dogmatique d'une pareille définition, mais je la crois nécessaire pour bien différencier les tableaux à tendance classique d'avec ceux qui ne la réalisent pas. "

Lettre de Fernand Léger à Louis Poughon, le 5 octobre 1914, Forêt de l'Argonne (extrait)
Conférence au MoMA de New York, lors de la première rétrospective de son œuvre en 1935, reproduit dans Fonction de la peinture, édition revue et augmentée, Gallimard, 2004, pp. 187-188.
" ...je ne suis ni déshabillé ni débarbouillé depuis 3 semaines. Je n'insiste pas ; tu ne me reconnaîtrais pas, encore 3 mois de cette vie-là et, ou j'en crèverai, ou j'en reviendrai avec des idées bizarres. L'égoïsme s'exaspère à un tel point que cela devient splendide. On pense terriblement à soi, comme jamais on ne peut y penser autrement et dans d'autres circonstances. Et malgré cela, on a la frousse de l'isolement, voilà ce qui remplace la discipline. C'est l'escouade, la petite famille de 10 bonshommes qui est l'armature de toute la machine. Cela a l'air d'être vu par le petit côté, mais je suis sûr de ce que j'avance, car je l'ai expérimenté personnellement et constaté toujours. C'est malgré tout l'esprit de sociabilité qui sauve tout. J'ignore presque les autres escouades de ma compagnie. Ce sont pour moi des étrangers desquels je ne puis rien attendre et que je connais à peine de vue. Je ne connais que 10 types, mais je les connais bien. Il y en a d'admirables. Toute l'humanité y est représentée et tout le monde est tellement nature que c'est un plaisir de les voir agir tous suivant leur tempérament. Quel livre à faire : " Mon escouade ". Je mettrais en relief un certain " Chouya l'arbi ", surnom d'un gars de l'escouade, ancien colonial qui a fait le Maroc et qui détient toute mon admiration, c'est le grand " démerdard ", c'est lui qui sauve toujours la situation quand la distribution est en retard et que l'on risque de " bouffer avec les chevaux de bois " suivant sa belle expression. Il a toujours un lapin ou un poulet dans sa musette, toujours un bout de bougie quand personne n'en a plus, et pense que nous roulons dans un département où les villages ont été brûlés, pillés et bombardés par les Allemands pendant notre retraite. Il ne reste rien ; mais " Chouya " y trouve quand même quelque chose. Cet animal-là, c'est l'ordre personnifié. Il a un sac qui contient mille choses sans être lourd. Il sait exactement la valeur des choses premières. Il ne se trompe jamais sur le bois qui va s'allumer vite ou qui n'est pas bon. Chez des hommes comme cela, je les admire surtout à cause du parfait rapport entre eux et leur situation - il n'y a aucun déchet, ils ne perdent pas leur temps en discussion. "

" Un nouveau réalisme, la couleur pure et l'objet " (extrait)

" L'on peut considérer l'évolution actuelle artistique comme une bataille qui se livre et qui dure depuis cinquante années entre la conception du sujet comme l'a conçue la Renaissance italienne et l'intérêt pour l'objet et le ton pur qui s'affirme de plus en plus dans nos idées modernes.
Cette bataille vaut la peine d'être suivie, étudiée, observée de très près, car elle est toujours très actuelle. C'est une espèce de révolution dont les conséquences sont très importantes. Ce sentiment de l'objet est déjà dans les tableaux primitifs - dans les œuvres des Hautes Époques égyptienne, assyrienne, grecque, romaine, gothique.
Les modernes vont le développer, l'isoler et en sortir toutes les conséquences possibles. L'obligation du sujet n'est plus acceptée. Cette armature qui domine tout l'art de la Renaissance a été brisée.
Le sujet détruit, il fallait trouver autre chose, c'est l'objet et la couleur pure qui deviennent la valeur de remplacement.
Dans cette nouvelle phase, la liberté de composition devient infinie. Une liberté totale qui va permettre des compositions d'imagination où la fantaisie créatrice va pouvoir se révéler et se développer.
Cet objet qui était enfermé dans le sujet devient libre, cette couleur pure qui ne pouvait s'affirmer va sortir. Il devient le personnage principal des nouvelles œuvres picturales. Par exemple, je me trouve devant un paysage composé d'arbres, de ciel, de nuages. Je vais m'intéresser à l'arbre seul, l'étudier et en sortir toutes les possibilités plastiques qu'il comporte : son écorce qui a un dessin souvent expressif, ses branches dont le mouvement est dynamique, ses feuilles qui peuvent valoir décorativement. Cet arbre si riche en valeur plastique est sacrifié dans le tableau à sujet. Isolé, étudié à part, il va nous fournir du matériel pour renouveler l'expression picturale actuelle.
Je dois reconnaître que dans cette histoire si passionnante de l'objet, le cinéma avec ses gros plans nous a permis d'"aller plus vite". "

RepÈres chronologiques

1881
Naissance de Fernand Léger à Argentan en Normandie.

1900
A dix-neuf ans, il s'installe à Paris où il suit des cours de peinture, notamment à l'Académie Julian, et travaille chez un architecte et un photographe.

1907
Expose pour la première fois au Salon d'automne.

1909
S'installe à la Ruche où il rencontre Delaunay, Archipenko, Soutine, Chagall, Cendrars

1912
Ses expositions se multiplient, à Paris comme à l'étranger.

1914
Léger est mobilisé le 2 août et part au front dix jours plus tard.

1917
Hospitalisation à Paris puis à Villepinte. Signature de son contrat avec la Galerie de l'Effort moderne de Léonce Rosenberg qui le représentera pendant dix ans.

1918
Léger est réformé. Collaboration avec Blaise Cendrars pour l'illustration d'un ouvrage.

1921
Il se lie d'amitié avec le peintre américain Gérald Murphy.

1925
Collabore avec Delaunay, Barillet, Laurence et Mallet-Stevens à la réalisation du hall d'entrée du pavillon français pour l' Exposition internationale des arts modernes décoratifs et industriels de Paris. Il participe aussi à la Revue L'Esprit nouveau de Le Corbusier et Ozenfant.

1928
Parution de la première monographie Fernand Léger écrite par Tériade, et éditée par les Cahiers d'art.

1931
Premier voyage aux Etats-Unis à l'invitation de Gérald Murphy. Rencontre avec Simone Hermann.

1933
Participe au CIAM, Congrès international d'architecture moderne.

1937
Participation à l' Exposition internationale des arts et des techniques de la vie moderne où il réalise des panneaux muraux pour la CGT. Exposition Léger-Calder à Helsinki et rencontre avec Alvar Aalto.

1938
Exposition à Bruxelles, à Londres... Il voyage aux Etats-Unis où il fait la connaissance de John Dos Passos, des Rockefeller dont il décore l'un des appartements.

1940
Il s'embarque pour New York où il séjournera durant les années de guerre et sera très actif.

1943
Rencontre avec le Père Couturier à Montréal.

1946
Retour en France et exposition des œuvres réalisées aux Etats-Unis à la galerie Louis Carré. Il commence le chantier de la façade de l'Église Notre-Dame de Toute Grâce du plateau d'Assy, près de Chamonix.

1948
Commande des vitraux de l'Église du Sacré-Cœur à Audincourt, prés de Montbéliard.

1949
Rétrospective au Musée national d'art moderne à Paris.

1950
Il commence à réaliser des céramiques à Biot.

1954
Nombreux chantiers monumentaux, par exemple pour l'Université de Caracas ou pour Gaz de France à Alfortville.

1955
Il meurt le 17 août.

1960
Inauguration du Musée national Fernand Léger à Biot construit sur une propriété qu'il avait acquise pour sa villégiature.

Bibliographie sÉlective

Liens internet

- Dossier pédagogique Le Cubisme

- Fernand Léger, Composition aux trois figures, 1932
Ronan Le Grand, conférencier au Centre Pompidou, explore l'œuvre du peintre,Composition aux trois figures, 1932.En écho à la voix du conférencier, sous-titrée en français, des animations graphiques complètent les explications apportées

- Pour consulter toutes les œuvres de Fernand Léger dans la collection du Musée national d'art moderne

- Site du Musée national Fernand Léger à Biot

Essais

- Eric Michaud, Fabriques de l'homme nouveau : de Léger à Mondrian, Paris, Carré, 1997
- Pierre Descargues, Fernand Léger, Paris, Cercle d'art, 1997
- Serge Fauchereau, Fernand Léger, un peintre dans la cité, Paris, Albin Michel, 1994
- Georges Bauquier, Fernand Léger. Vivre dans le vrai, Paris, A. Maeght, 1987

Catalogues d'exposition

- Fernand Léger. Paris - New York, Bâle, Fondation Beyeler, 2008
- Léger monumental, Les Abattoirs, Toulouse, 2005
- Fernand Léger, Musée des Beaux-arts, Lyon, 2004
- Fernand Léger et les arts décoratifs, Biot, Musée national Fernand Léger, 2002
- Fernand Léger : " de la couleur, de la couleur et des couleurs... ", Belfort, Musée d'art et d'histoire, 2002
- Léger : la céramique, Musée national Fernand Léger, Biot, 2000
- La Création du monde : Fernand Léger et l'art africain dans les collections Barbier-Müller, Paris, Adam Biro, 2000
- Charlotte Perriand : Fernand Léger, une connivence, Paris, Réunion des musées nationaux, 1999
- Fernand Léger, Paris, Centre Pompidou, 1997

Écrits de l'artiste

- Fonction de la peinture, édition augmentée, Paris, Gallimard, 2004
- Mes voyages, Paris, L'Ecole des Loisirs, 1997

Correspondances

- Fernand Léger, une correspondance d'affaires, Les Cahiers du Musée national d'art moderne, Hors-série Archives, 1997 (lettres à Léonce Rosenberg, 1917-37)
- Fernand Léger, une correspondance de guerre, Les Cahiers du Musée national d'art moderne, Hors-série Archives, 1997 (lettres à Louis Poughon, 1914-18)
- Fernand Léger, une correspondance poste restante, Les Cahiers du Musée national d'art moderne, Hors-série Archives, 1997 (lettres à Simone 1931-41)

Pour consulter les autres dossiers sur les collections du Musée national d'art moderne
En français
En anglais

Contacts
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Crédits
© Centre Pompidou, Direction de l'action éducative et des publics, avril 2008
Œuvres de Fernand Léger © Adagp, Paris 2010. Ballet Mécanique : © Adagp © Droits réservés
Texte : Vanessa Morisset
Maquette : Michel Fernandez
Mise à jour : Florence Thireau, 2010
Coordination : Marie-José Rodriguez, responsable éditoriale des dossiers pédagogiques

# data[].attributes.attachment_link.description
Dossiers pédagogiques - Collections du Musée Monographies - Grandes figures de l'art moderne Fernand LÉger La Lecture, 1924 INTRODUCTION BIOGRAPHIE LES ŒUVRES Pour un art humaniste TEXTES DE RÉFÉRENCE REPÈRES CHRONOLOGIQUES BIBLIOGRAPHIE SÉLECTIVE La modernité de Fernand Léger De la tentation de l'abstraction à la guerre - Le Réveille-matin, 1914 - Soldats jouant aux cartes, 1916 La vie moderne - Les disques dans la ville, 1920 - Charlot cubiste, 1924 - Le Ballet mécanique, 1923-1924 Figures et objets - La lecture, 1924 - Composition, 1929 Les grands formats - Composition aux deux perroquets, 1935-1939 (1940 ?)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The abstract artist Vassily Kandinsky's world of sounds, shapes, and colors
"Color is the keyboard, the eyes are the harmonies, the soul is the piano with many strings. The artist is the hand that plays, touching one key or another, to cause vibrations in the soul."

"The artist must train not only his eye but also his soul."

Inside Kandinsky's Studio in Neuilly

A private visit to the place where the artist created his last masterpieces

Keep exploring his legacy

Discover how he impacted the art world through his teaching and legacy

Which painting by Monet was a great inspiration to Kandinsky?

Explore Centre Pompidou

The Centre Pompidou is an unmissable place for modern and contemporary art located in the heart of Paris. The Pompidou Center has quickly become one of the most visited cultural sites in the world and one of the most visited monuments in France.

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Sounds Like Kandinsky - Google Arts & Culture

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The abstract artist Vassily Kandinsky's world of sounds, shapes, and colors "Color is the keyboard, the eyes are the harmonies, the soul is the piano with many strings. The artist is the hand that plays, touching one key or another, to cause vibrations in the soul."

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Abordez les grandes questions de société à travers une œuvre et son auteur.

L'émission " Un podcast, une œuvre " vous propose d'explorer une œuvre phare de la collection, à partir d'archives, d'interviews inédites, de points de vue détonants et de musiques actuelles.

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Les œuvres sélectionnées dans nos séries de podcasts ne sont pas nécessairement exposées en ce moment dans le Musée.
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9 - Fernand Léger, Les Loisirs, 1948-1949 | #PompidouVIP

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Écoutez 9 - Fernand Léger, Les Loisirs, 1948-1949 de #PompidouVIP .

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Avec les Promenades imaginaires, plongez dans les œuvres du musée d'Orsay grâce aux histoires imaginées par Béatrice Fontanel autour des œuvres. https://www....

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Crystel Labasor :
Le graffiti pur nous intéressait, mais pas que...
[Musique en fond sonore]
José Marinho :
En 14 ans, tous les styles de l'art urbain ont tapissé les murs de Sète.
Crystel Labasor est la directrice du MaCO.

Crystel Labasor :
On peut voir des artistes qui travaillent une abstraction géométrique, d'autres qui sont sur le pochoir, d'autres sur le collage. Certains qui ont un travail très figuratif, d'autres encore qui pourraient être considérés comme les nouveaux peintres muralistes.
Donc il y a en effet un éclectisme, un choix d'artistes très divers, que nous avons voulu représenter.

José Marinho :
Avec un principe cardinal : liberté de création absolue...

Crystel Labasor :
Il y a à Sète un vent de liberté, en tout cas une création bien vivante.
Le fait que nous offrions des cartes blanches aux artistes leur permet peut-être d'aborder ces grandes façades à peindre un peu différemment que lorsqu'ils sont dans un contexte dans lequel ils doivent présenter une maquette, soumettre cette maquette. Et je pense que cette carte blanche leur permet une libre expression.
Parce que le festival existe quand même depuis 14 ans et qu'il a acquis une certaine reconnaissance.

José Marinho :
Une reconnaissance qui repose sur la notoriété de quelques grands noms du street art.
Parmi eux : C215. Ses portraits aux rides apparentes, d'une précision redoutable, ont fleuri à Paris avant de s'exporter dans le monde entier.

Crystel Labasor :
C215, dont la présence et la générosité nous ont permis en quelque sorte d'asseoir ce projet de MaCO, de Musée à Ciel Ouvert.
D'ailleurs, nous avons créé un jeu de piste pour les enfants, autour de certaines peintures murales. Un peu comme une chasse au trésor et des indices leur permettent de découvrir des peintures.
Et c'est bien aussi d'être surpris.

José Marinho :
Des graffitis au détour d'une rue : l'idée d'un Musée à Ciel Ouvert a conquis les habitants de Sète. Ils sont les premiers à proposer des façades à peindre.

Crystel Labasor :
Vivre parmi des œuvres, c'est bon pour la psyché de chacun d'entre nous ! Ça vient comme ça éveiller notre part sensible, ça peut nous interpeller.
Et je trouve important qu'il y ait comme ça des œuvres dans l'espace public. Les artistes sont en prise directe avec les populations des villes.

José Marinho :
Le MaCO, le musée qui ne ferme jamais, a anticipé et soutient l'essor de l'art urbain.
[Bruit de bombe de peinture, puis musique]

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Street art : un musée qui ne ferme jamais

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Musée à Ciel Ouvert, le MaCO accueille chaque année depuis 14 ans un festival d'art urbain dans les rues de Sète. Une quarantaine d'œuvres de street art sont ainsi exposées dans cette ville du sud de la France. Cette activité est proposée en partenariat avec le numéro 436 de la revue " Le français dans le monde ".

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Bienvenu(e) l'artiste dans l'atelier de bande dessinée ! Avec Ma BD Hopper, tu es scénariste de bande dessinée. Tu as carte blanche pour créer ta propre bande dessinée à partir des œuvres de l'exposition "Hopper".

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Otto | Enseigner le français avec TV5MONDE

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1 minute et 3 activités par fiche pour découvrir une œuvre d'art en vidéo, tout simplement.

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1. Sur les sites des musées, des chefs-d'œuvre par milliers

Bonne nouvelle : depuis le 8 janvier dernier, les Demoiselles des bords de la Seine (1857) de Gustave Courbet comme environ 150 000 œuvres des musées municipaux de Paris (musée d'Art moderne, musée de la Vie romantique, Petit Palais, musée Carnavalet...), sont mises à disposition en haute définition (300 dpi) et sans aucune limite (même les usages commerciaux sont permis) par Paris Musées. Un signal fort en France où les institutions sont plutôt frileuses en matière d'Open Content (même en ce qui concerne des artistes appartenant au domaine public, donc décédés depuis plus de 70 ans). Cette initiative emboîte le pas à de nombreux musées étrangers comme l'Art Institute of Chicago qui permet, depuis 2018, aux passionnés et amateurs d'art de télécharger gratuitement et en haute définition plus de 52 000 œuvres : Seurat, Hopper, Le Greco et Grant Wood, mais aussi des œuvres moins connues accessibles dans les moindres détails. Et les musées américains font figures d'autorité en la matière : le MET de New York, la National Gallery de Washington, ou le J. Paul Getty Museum (pour ne citer qu'eux) diffusent désormais leurs collections en libre accès, sans restriction. Avant eux, le pionnier Rijksmuseum d'Amsterdam avait, dès 2010, mis à disposition sur son site, le Rijksstudio, les chefs-d'œuvre de sa collection invitant même les usagers à les transformer et les reproduire avec inventivité sur divers supports. Même topo désormais à Copenhague, où le (Statens Museum for Kunst) a lancé fin 2019 une plateforme dédiée encourageant le téléchargement et l'utilisation créative de ses collections.

Le site de la National Gallery of Art - NGA Images

2. Affiches rétro et inspirations déco

Besoin d'inspiration, d'un nouveau fond d'écran ou à la recherche d'une affiche pour décorer votre intérieur ? Le site Free Vintage Posters fera le bonheur des mordus de culture pop et rétro. Avec son catalogue de centaines d'affiches en libre accès et en libre usage, la plateforme propose en très haute définition aussi bien des publicités emblématiques (Perrier, Orangina, Dubonnet...) que des posters de voyages et des affiches de films vintage. Un seul regret : le manque d'informations associées aux images. Ce qui n'est pas le cas sur le site très référencé de la Jet Propulsion Laboratory : ce centre de recherches de la Nasa consacré aux missions spatiales robotiques a commandé à l'agence de design Invisible Creature une série de posters rétro-futuristes qui nous invitent à explorer les recoins de la galaxie et imaginer l'univers de demain. À télécharger en super HD pour une déco cosmique à souhait.

À gauche : poster de la Nasa / À droite : Alaska via Canadian Pacific - Vintage Travel Poster

3. Des collections particulières en libre accès

À la tête d'une entreprise de numérisation d'ouvrages, David Rumsey est un amoureux des cartes anciennes. Cet ancien membre fondateur de la Yale Research Associates in the Arts a rassemblé, au cœur de l'université de Stanford, une des plus grandes collections de cartes privées aux États-Unis. On y retrouve des cartes rares allant du XVI e siècle à aujourd'hui, de l'Amérique du Nord à l'Océanie. Au total, un ensemble vertigineux de plus de 150 000 documents d'exception, dont près de 90 000 ont été mis en libre accès sur un site dédié : le David Rumsey Map Center. Cerise sur le gâteau, la résolution permet de zoomer parfois jusque dans le grain du papier et une notice descriptive (en anglais) accompagne chaque document. Autre plongée dans une collection particulière : celle des estampes japonaises de Vincent Van Gogh, achetées en 1886 au marchand d'art Siegfried Bing à Paris, en pleine vague du japonisme. Téléchargeables en très haute définition sur le site du Musée Van Gogh d'Amsterdam, ces gravures offrent un aperçu précieux de l'impact de l'art nippon sur ce génie de la peinture.

À gauche : Caspar Merian, Paris wie solche Ao. 1620 im wessen gestanden, 1655 / À droite : Utagawa Hiroshige, The Famous Kites of Enshū, n°28 from the series Collection of Illustrations of Famous Places near the Fifty-Three Stations [Along the Tōkaidō], 1855

© David Rumsey Historical Map Collection / Coll. Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

4. Beaux livres et revues d'art en digital

Dada, Surréalisme, Action, L'Élan, Nord-Sud... Le projet de l'université de Princeton, Blue Mountain, a pour objectif de donner une seconde vie, du moins numérique, aux revues clés de l'avant-garde artistique et littéraire du début du siècle dernier. Un panel d'universitaires, de chercheurs, conservateurs et bibliothécaires se sont regroupés pour mettre en ligne des collections de documents relatifs à l'histoire de l'art, de la musique et des périodiques littéraires publiés entre 1848 et 1923. Autres témoignages de l'effervescence créatrice d'une époque : depuis 2012, le MET de New York propose, sur une plateforme dédiée, une partie de ses publications depuis sa création en 1870. Suivront le Musée Guggenheim de New York et le Getty Museum, offrant ainsi l'accès à plus de 1000 ouvrages d'art moderne et catalogues des grandes expositions, consultables en ligne ou téléchargeables dans différents formats, et toujours gratuits. S'inspirant de ce dernier, le musée Saint-Raymond de Toulouse a récemment mis en ligne le très beau catalogue numérique des sculptures antiques de la villa romaine de Chiragan que l'on peut explorer (et télécharger !) dans les moindres détails.

5. De fabuleuses bibliothèques numériques

À l'heure du numérique, les bibliothèques ont à cœur de dépoussiérer leur image, et leurs fonds ! En Europe, la British Library a été une des premières institutions culturelles à ouvrir un compte sur la plateforme Flickr, en 2007. Depuis, elle y verse régulièrement ses collections d'ouvrages du XVII e au XIX e siècle (plus d'un million d'images aujourd'hui), téléchargeables en très haute résolution. " Pour que n'importe qui puisse les utiliser, les retravailler ou les détourner de leur usage ", peut-on lire sur le site de la bibliothèque britannique. Résultat : le compte est aujourd'hui suivi par plus de 40 000 abonnés. De l'autre côté de l'Atlantique, on n'oubliera pas de citer le fonds d'exception de la New York Public Library ou encore les 25 millions de documents de la Library of Congress. Internet, la plus grande bibliothèque du monde !

Maître des Initiales de Bruxelles, Bréviaire à l'usage de Paris dit de Louis de Guyenne [détail] L'Annonciation, un chat et un chien jouent au premier plan; enluminure décorée avec feuillages, oiseaux et personnages, 1407

© Public Domain, from the British Library's collections, 2013

6. Des trésors d'archives

Amateurs de clichés centenaires, votre bonheur est peut-être dans votre ordinateur. Depuis 2016, le musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône invite les internautes à découvrir une partie de sa collection avec plus de 20 000 photographies libres de droit et gratuitement téléchargeables. Un regard complet sur l'histoire de la photographie, avec tout de même une restriction : obtenir une image haute définition et sans contremarque nécessite de remplir un formulaire en ligne. Sans conditions, la bibliothèque numérique des Arts et Métiers propose quant à elle de retrouver ses ouvrages numérisés issus de ses fonds anciens (cours, revues, dessins...). L'objectif : offrir aux professionnels et au grand public un accès à la connaissance en histoire des techniques et du génie industriel.

G. Devred, Paris 22/11. Un groupe de concurrentes du concours de bonnets de catherinettes qui a eu lieu aujourd'hui au Moulin de la Galette, 1931

Tirage sur papier au gélatino-bromure d'argent - noir et blanc * Coll. musée Nicéphore Niépce, Ville de Chalon-sur-Saône

Open Culture
http://www.openculture.com/
À lire aussi : Petit guide des expos et musées gratuits en France

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Où trouver des images d'art gratuitement (et en HD) ?

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Bonne nouvelle : depuis le 8 janvier dernier, les Demoiselles des bords de la Seine (1857) de Gustave Courbet comme environ 150 000 œuvres des musées municipaux de Paris (musée d'Art moderne, musée de la Vie romantique, Petit Palais, musée Carnavalet...), sont mises à disposition en haute définition (300 dpi) et sans aucune limite (même les usages commerciaux sont permis) par Paris Musées .

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Georges de la Tour   Le Tricheur à l'As de Carreau Clip41

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Trois enfants cartoon, Mona, Rafaël et Nabi, visitent des musées pour observer des œuvres appartenant au patrimoine artistique, en vues réelles celles-ci. En une min

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podcasts du musée d'Orsay

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Des histoires fascinantes pour les enfants inspirées des œuvres du musée d'Orsay. Découvrez les tableaux comme vous ne les avez jamais entendus.
Une coproduction Musée d'Orsay et Création Collective.

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Des histoires fascinantes pour les enfants inspirées des œuvres du musée d'Orsay. Découvrez les tableaux comme vous ne les avez jamais entendus.
Une coproduction Musée d'Orsay et Création Collective.

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Cloé

🥇🥈🥉🏅🎖🏆🏵🇫🇷🩰10ans . Bonjour je trouve ça poétique.

Sublime !

Après avoir écouté ces histoires, on a une seule envie: voir le tableau ! Une excellente sensibilisation à l'art ! Pour enfants comme pour adultes !

Tout simplement génial !

Grâce à ce podcast, ce sont les enfants qui poussent les parents à aller au musée ! Et finalement, même les parents se prêtent au jeu et cherchent avec attention les petits détails des tableaux. C'est une approche ludique qui nous permet de voir l'art autrement et de se plonger dans chaque tableau !
Une vrai réussite, bravo !!

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‎Promenades imaginaires au musée d'Orsay sur Apple Podcasts

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Des histoires fascinantes pour les enfants inspirées des œuvres du musée d'Orsay. Découvrez les tableaux comme vous ne les avez jamais entendus.Une coproduction Musée d'Orsay et Création Collective. See acast.com/privacy for privacy and opt-out information. Des histoires fascinantes pour les enfants inspirées des œuvres du musée d'Orsay.

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Comment faire découvrir et aimer l’art, faire connaître les mouvements artistiques, apprendre à analyser une œuvre et à en réaliser ? Destinée aux enseignants de section bilingue francophone enseignant les arts comme DNL mais aussi aux enseignants de FLE.

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Comment faire découvrir et aimer l’art, faire connaître les mouvements artistiques, apprendre à analyser une œuvre et à en réaliser ? Destinée aux enseignants de section bilingue francophone enseignant les arts comme DNL mais aussi aux enseignants de FLE.

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Comment faire découvrir et aimer l'art, faire connaître les mouvements artistiques, apprendre à analyser une œuvre et à en réaliser ? Destinée aux enseignants de section bilingue francophone enseignant les arts comme DNL mais aussi aux enseignants de FLE, cette sélection propose des centaines de ressources francophones gratuites : 1) des ressources didactiques pour accompagner l'enseignement ; 2) des outils (accès aux collections de musées, lexiques, logiciels et applications...) ; 3) des ressources ludiques pour découvrir l'art en s'amusant ; 4) des ressources pédagogiques d'enseignants ; 5) des ressources pédagogiques institutionnelles (musées, ministère de l'éducation nationale, TV5MONDE, RFI...) ; 6) des ressources pour les enfants.

Si les arts plastiques (dessin, peinture, sculpture) sont majoritairement représentés, les autres arts visuels (cinéma, architecture, photographie...) et les arts vivants (danse, musique, théâtre...) ne sont pas oubliés.

Nous espérons que la cinquantaine de sources sélectionnées (des centaines de documents !) vous sera utile ! Bonne lecture !

Cette " boite à outils " vous a intéressé ? Vous voudriez découvrir d'autres ressources ? Abonnez-vous à la sélection de nouveautés mensuelle " Ressources pédagogiques pour l'enseignement du/en français (FLE, FOS, DNL...) " à partir de votre compte lecteur.

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Dossier mis en ligne en janvier 2021.
Sophie Condat et Haydée Maga, chargées d'études documentaires

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Centre de ressources et d’ingénierie documentaires de France Éducation international

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Comment faire découvrir et aimer l’art, faire connaître les mouvements artistiques, apprendre à analyser une œuvre et à en réaliser ?

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Agenda Expositions Musée Expositions virtuelles Spectacles / Concerts Cinéma / Vidéo Conférences / Débats De 0 à 18 ans Scolaires Festivals / Soirées Expositions hors-les-murs

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Un site indispensable si vous ne savez pas quoi faire en arts plastiques demain .

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Joue avec des œuvres et des artistes sur les sites que nous avons sélectionnés pour toi.

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Par BLANDINE BULTE, publié le vendredi 9 octobre 2020 14:11 - Mis à jour le dimanche 11 octobre 2020 16:51 Travail mené par la classe développement durable Les élèves de la classe développement durable (5E) viennent d'achever un travail de retouche d'images grâce à l'utilisation du logiciel Photofiltre.

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Le rouge dans l'art

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Fondé par le groupe financier Pictet en 2008, le prix Pictet récompense chaque année des photographes qui abordent des problématiques environnementales et sociales sur un thème donné (le thème 2015 est « disorder »).

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Prix Pictet | The global award in photography and sustainability

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Prix Pictet has announced Human as the theme for the 10th cycle of the award. The announcement was made at a presentation at the Théâtre Antique of the work of Sally Mann, Prix Pictet Laureate…

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Après une édition 2020 sous le signe du Vivant, le Prix COAL consacre son édition 2021 à l’enjeu crucial des forêts au centre de la crise climatique et de la transition écologique. Face à une situation aussi complexe qu’urgente, le Prix COAL invite une nouvelle fois les artistes du monde entier à se mobiliser pour rendre compte d’un monde encore vivant, pour sentir et expérimenter la forêt, mais enfin et surtout pour agir et s’impliquer aux côtés des acteurs de la protection de la nature.

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Après une édition 2020 sous le signe du Vivant, le Prix COAL consacre son édition 2021 à l'enjeu crucial des forêts au centre de la crise climatique et de la transition écologique. Face à une situation aussi complexe qu'urgente, le Prix COAL invite une nouvelle fois les artistes du monde entier à se mobiliser pour rendre compte d'un monde encore vivant, pour sentir et expérimenter la forêt, mais enfin et surtout pour agir et s'impliquer aux côtés des acteurs de la protection de la nature. LA FORÊT En quelques décennies, la forêt est devenue le symbole et le point de convergence des convoitises, des catastrophes environnementales et des luttes qui agitent le monde contemporain en crise. Treize millions d'hectares de forêts disparaissent chaque année, sous la pression de l'agriculture, du surpâturage, de l'exploitation du bois, et de l'urbanisation ; des pans entiers des forêts d'Amazonie, d'Australie, d'Afrique subsaharienne brûlent tandis que d'autres meurent sur pied sous l'effet du réchauffement climatique, privant ainsi la faune de ses habitats naturels. Partout dans le monde, des peuples luttent pour défendre ces réserves de vie et de culture et en faire les modèles de nouveaux mondes à bâtir.
Les forêts abritent à elles seules 80 % de la biodiversité terrestre mondiale. Régulatrices du climat, elles contribuent à la production de l'oxygène et constituent le deuxième puits de carbone après les océans. Elles règlent le débit des cours d'eau et l'élévation du niveau de la mer, maintiennent la fertilité des sols, protègent les côtes des événements climatiques extrêmes ou encore créent des couloirs migratoires pour les espèces animales et végétales. À la fois chaîne et maillon de l'écosystème planétaire, la forêt, préservée et restaurée, est l'une des premières Solutions fondées sur la Nature capable d'enrayer la crise de la biodiversité et du climat.

Vitale pour l'équilibre global des écosystèmes, la forêt l'est tout autant pour les sociétés humaines qui, depuis des millénaires, vivent directement ou indirectement de ses ressources. Les dérives de la gestion et de l'exploitation forestières, telles que la monoculture, doivent être endiguées à l'heure où le bois est en passe de redevenir l'une des premières ressources naturelles considérée comme renouvelable, pour l'énergie et les matériaux, de la construction des habitats à la fabrication du papier.

Source de revenu, moyen de subsistance, la forêt est aussi un lieu de vie pour de nombreux peuples autochtones qui mènent aujourd'hui une guerre à mort pour défendre un autre rapport à la nature et au vivant. Le " bois " est ce lieu politique, refuge historique pour les libertaires et les résistants. Marginaux, proscrits et sorcières, qui cohabitent avec le loup et le maudit, hantent l'imaginaire de la forêt. Objet de crainte ou havre de paix, elle véhicule une multitude de récits et de savoirs qui nous renvoient aux confins de l'humanité.

Le Prix COAL 2021 invite les artistes du monde entier à révéler ces richesses sylvestres, pour sentir et expérimenter les équilibres écologiques des forêts, pour promouvoir la diversité des êtres et des cultures qui les habitent, pour raviver leurs savoirs ancestraux et en faire naître de nouveaux, pour nourrir les mouvements de résilience qu'elles inspirent, agir avec leurs protecteurs et inventer d'autres manières d'être ensemble dans les bois.

Créé en 2010 par l'association COAL, le Prix COAL est un vecteur d'identification, de promotion et de diffusion des artistes qui, à travers le monde, témoignent, imaginent et expérimentent des solutions de transformation des territoires, des modes de vie, des organisations, et des modes de production. Ensemble, ils contribuent à rendre visible les changements, à construire un nouveau récit collectif, un nouvel imaginaire, patrimoine commun en développement, cadre positif, optimiste et nécessaire pour que chacun trouve les moyens et l'inspiration de mettre en œuvre les changements vers un monde plus durable et plus juste.
CALENDRIER
Lancement de l'appel à projets : 1er décembre 2020
Clôture de l'appel à projets : 1er mars 2021
Cérémonie de remise du Prix : été 2021
DOTATION
Le lauréat du Prix COAL bénéficie d'une dotation de 10 000 euros allouée par la Fondation François Sommer et COAL, répartie en une dotation et une aide à la production dans le cadre d'une résidence animée par le musée de la Chasse et de la Nature au Domaine de Belval, propriété de la Fondation François Sommer.

La Fondation François Sommer, reconnue d'utilité publique dès sa création le 30 novembre 1966, a été voulue par François et Jacqueline Sommer, pionniers de la mise en oeuvre d'une écologie humaniste. Fidèle aux engagements de ses fondateurs, elle oeuvre pour la protection d'une biodiversité où l'homme trouve sa juste place, pour l'utilisation respectueuse des ressources de la nature et le partage des richesses du patrimoine naturel, artistique et culturel.

Le domaine de Belval est situé sur la commune de Belval-Bois-des-Dames, dans les Ardennes françaises. D'une superficie de près de 1000 hectares clos, il est essentiellement forestier et parcouru de prairies et de 40 hectares d'étangs. Véritable observatoire de la ruralité et de la vie sauvage, il accueille chaque année des artistes sélectionnés pour l'intérêt de leur contribution au renouvellement de la vision du rapport de l'homme à son environnement naturel. Témoin de l'attachement de la Fondation à soutenir la création artistique contemporaine, la résidence au domaine de Belval contribue à la diffusion des oeuvres des artistes auprès d'un large public. Elle met également au service de la création un réseau de compétences complémentaires portées par les équipes scientifiques et pédagogiques du musée de la Chasse et de la Nature et celles du domaine de Belval. Nous vous invitons à en consulter la charte sur le site de COAL.
> Voir la charte de résidence
FONCTIONNEMENT
Chaque année, dix projets sont nommés par un comité de professionnels parmi l'ensemble des candidatures reçues dans le cadre d'un appel à projets international. L'un d'entre eux se voit décerner le Prix COAL par un jury composé de représentants des organismes partenaires et de personnalités de l'art et de l'écologie.

En outre, toutes les candidatures considérées par COAL et le comité de sélection permettent de faire connaître des artistes et des projets qui pourront être sollicités ou promus selon les autres opportunités et actions menées par l'association et ses partenaires.
CRITÈRES DE SÉLECTION
Les critères de sélection des projets prennent en compte la valeur artistique, la pertinence (compréhension des enjeux), l'originalité (capacité à proposer des approches, des thématiques ou angles de vue inédits), la pédagogie (capacité à faire passer un message, à sensibiliser), la démarche sociale et participative (engagement, témoignage, efficience, dynamique sociétale), l'éco-conception, la faisabilité des projets et la collaboration avec des acteurs de protection de la nature.

Le Prix COAL apporte son soutien à des projets artistiques en cours de réalisation ou à venir. Sa dotation n'entend pas couvrir la totalité des frais de production du projet et doit être considérée comme une aide à son développement.
DOSSIER DE CANDIDATURE
Le dossier de candidature doit être constitué des documents suivants rassemblés dans un seul fichier au format pdf, nommé NOM_Prénom_2021_Titre-du-projet (le dossier de candidature ne doit pas dépasser 30 Mo) :
- la fiche de candidature dûment remplie, à télécharger- un descriptif détaillé du projet proposé présentant sa dimension artistique, sa mise en perspective avec la thématique du vivant ainsi qu'une note technique et une estimation budgétaire
- au moins deux visuels illustrant le projet
- un Curriculum Vitae et un dossier artistique

Toutes les propositions devront être déposées avant le 1er mars 2021 à 23h59, sur le serveur de COAL : upload.projetcoal.org

En participant à cet appel les auteurs des projets autorisent expressément l'association COAL et ses partenaires à publier, reproduire et diffuser publiquement tout ou partie des éléments de leur projet, à toute fin liée à la promotion et à la communication du Prix COAL, sur tout support, par tout média, dans tout pays. Les projets soumis et non sélectionnés resteront dans les archives de l'association COAL. Ils demeurent la propriété de leurs auteurs. La participation à cet appel à projets entraîne l'acceptation complète des conditions précitées.
PARTENAIRES 2021
Le Prix COAL bénéficie du soutien du ministère de la Transition écologique et solidaire, du ministère de la Culture, de l'Union Européenne via le programme de coopération européenne ACT - Art Climate Transition, du Musée de la Chasse et de la Nature et de la Fondation François Sommer et de Rei Habitat.

REI Habitat est un groupe de promotion immobilière écologique, spécialisé dans la construction d'immeubles collectifs en structure bois depuis 2009. En privilégiant du bois local issu de forêts gérées durablement, en renouvelant les forêts via une stratégie de reboisement, REI Habitat entend renouveler les forêts autant que les villes. REI Habitat est le premier promoteur certifié PEFC et labellisé Bois de France.

PRIX ÉTUDIANT COAL - CULTURE & DIVERSITÉ
En parallèle, COAL et la Fondation Culture & diversité lancent la seconde édition du Prix étudiant COAL - Culture & Diversité à l'attention des étudiants des Écoles du champ artistique et culturel.
> Voir l'appel à projets du Prix étudiant CONTACT
Pour toutes questions, merci de nous écrire à contact@projetcoal.fr
Crédit image : Camille Plancher, 22 ans. Activiste français. Il mène des actions de désobéissance civiles en s'attachant aux arbres durant la nuit pour empêcher les forestiers d'accéder aux zones de coupe. Bialowieza, Pologne. Octobre 2017 © Andrea Olga Mantovani
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Prix COAL 2021 - FORÊT : Appel à projets ouvert jusqu'au 1er mars

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Après une édition 2020 sous le signe du Vivant, le Prix COAL consacre son édition 2021 à l'enjeu crucial des forêts au centre de la crise climatique et de la transition écologique.

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A THOUSAND STONES JAMES COHAN GALLERY SHANGHAI 2010 (30 images)

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Olivier Ploux - Graphisme & Illustration | Annecy

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Notre monde est submergé d'images dépourvues de sens et l'actualité fiévreuse d'instantanéité. C'est dans cette source intarissable d'informations que je puise l'ensemble de mes sujets : un mot, une expression, un évènement, un personnage, etc.

illustre sujets d'actualité avec une approche graphique volontairement minimaliste et interroge l'absurdité, la cruauté, la poésie, l'ironie, les paradoxes de l'humanité et du monde moderne.

L'exercice du beau n'est pas ma finalité. Je veux être le plus direct et le plus évident possible.
"Le grand ennemi de l'art, c'est le bon goût"
Marcel Duchamp

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Illustration | Olivier Ploux - Graphisme & Illustration | Annecy

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Notre monde est submergé d'images dépourvues de sens et l'actualité fiévreuse d'instantanéité. C'est dans cette source intarissable d'informations que je puise l'ensemble de mes sujets : un mot, une expression, un évènement, un personnage, etc. illustre sujets d'actualité avec une approche graphique volontairement minimaliste et interroge l'absurdité, la cruauté, la poésie, l'ironie, les paradoxes de l'humanité et du monde moderne.

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Giuseppe Penone - 23 œuvres d'art - sculpture

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Proposition d'une création collective grand format Atelier animé par Sérgio BELLO (Plasticien)
Une création avec des éléments recyclés : comme une démarche " Naturaliste " .

Avec le principe du " Mandala " , nous pourrions procéder par une réalisation à partir du centre de la composition, ronde comme la Terre.

Quatre grands supports rigides, carrés de 1m x 1m, formeront un polyptyque de 2m x 2m. Chaque support représentera le quart de la Planète (4 supports en bois recomposé " medium " fixés sur châssis en bois).

Nous proposerons aux participants de récolter des matériaux naturels, qu'ils pourront stocker en amont, et d'apporter avec eux afin d'avoir les matières nécessaires pour le travail collectif en atelier. (Estoquer à partir de maintenant).

Progressivement, nous allons fixer les éléments naturels, qui feront partie intégrante d'une œuvre monumentale. Ces éléments naturels sont végétaux, minéraux et animaux. ( Végétaux : feuilles séchées, pétales et fleurs séchées, ramures, racines, copeaux de bois, écorces d'arbres, ceps de vignes, fibres, graines, ... Minéraux : sables, argiles, galets, cailloux, petits rochers, coraux ... Animaux : plumes, peaux, os, coquillages, fossiles ...).

Consigne : Les feuilles, les pétales et les fleurs peuvent sécher bien aplaties dans de vieux bottins téléphoniques. (A partir de maintenant).

Pour la participation des enfants, d'autres éléments pourront intégrer la composition, comme des tout petits animaux en plastiques , qui représenteraient la Biodiversité sur Terre.

Matériel de travail : 8 litres de Colle blanche à bois (SADER R.22 ou BOSTIK PRO), 12 rouleaux de papier toilettes (blanc) - pour faire du papier mâché (pour fixer les éléments en volumes), plusieurs pinceaux et 12 Couleurs Acryliques (CREA ou PHÉBÉO - tubes de 100 ml) : vert clair, vert foncé, bleu clair, bleu foncé, jaune, rose, rouge, ocre, marron, noir, blanc et doré).

Motivation :
Je suis toujours heureux de pouvoir animer un atelier collectif en contact direct avec des enfants et avec des adultes. Cela, me rend extrêmement sensible, avec des enfants, car ils représentent l'avenir.

Je souhaiterais, dans la mesure du possible, pouvoir esquisser, avec eux, un dialogue utile et nécessaire : comme un écho logique entre nous.

Artiste peintre, j'ai décidé de peindre le sort de la biodiversité terrienne menacée par notre évolution galopante : Edgar Morin en appelle à " une prise de conscience de la communauté du destin terrestre, véritable conscience planétaire ".

La série picturale que je présente, s'intitule " Cris de la Terre " . Cette Terre est la nôtre. C'est notre terroir qui appelle le futur. Des œuvres comme des cris au secours, comme un avertissement, comme des interrogations artistiques, belles et rebelles !

Français, Brésiliens, que l'on soit du Nord ou du Sud, nos origines terriennes et nos destinées sont les mêmes. Nos intérêts doivent être semblables.

Pour la réalisation de ces compositions picturales, technique mixte, je pratique un vrai recyclage. Je récupère des éléments naturels végétaux, minéraux, animaux, et je les intègre à ces créations personnelles.

Ces œuvres " Naturalistes ", où j'intègre des tranches de troncs d'arbres, morceaux d'écorces, bois morts, ceps, brindilles, feuilles, cailloux, pierres semi-précieuses, sables volcaniques, peaux de fruits, peaux de serpents, plumes d'oiseaux tropicaux ... sont des œuvres avec des mixtures bariolées, comme une alchimie, plus que baroques, presque rococos.

La biodiversité est ainsi suggérée par des compositions qui sont des " Natures-mortes " , des " Natures-mourantes " : un " Echo logique " .

Notre Terre-mère a besoin de nos regards protecteurs.

Je représente ainsi la Terre en Cris et comme si elle appelait nos regards complices les plus affables !
Sérgio Bello

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Proposition d'une création collective grand format Atelier animé par Sérgio BELLO (Plasticien) Une création avec des éléments recyclés : comme une démarche " Naturaliste " . Avec le principe du " Mandala " , nous pourrions procéder par une réalisation à partir du centre de la composition, ronde comme la Terre.

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Environnement et FLE : les objets trouvés de la mer. Activités A2

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Et si les déchets rejetés par la mer se transformaient en tableaux ?

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Œuvres à la loupeLes Œuvres à la loupe sont conçues dans l'esprit de deux collections : Palettes, bien connue du grand public et l'Œuvre en scène, présentée à l'Auditorium du musée. Dans ces dossiers multimédias interactifs, vous pourrez aller au plus près des détails de l'œuvre grâce à l'outil Loupe et en approfondir tous les aspects historiques et artistiques grâce aux commentaires et animations.

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Œuvres à la loupeLes Œuvres à la loupe sont conçues dans l'esprit de deux collections : Palettes, bien connue du grand public et l'Œuvre en scène, présentée à l'Auditorium du musée. Dans ces dossiers multimédias interactifs, vous pourrez aller au plus près des détails de l'œuvre grâce à l'outil Loupe et en approfondir tous les aspects historiques et artistiques grâce aux commentaires et animations.

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La base de données Collections présente plus de 480 000 œuvres du musée du Louvre et du musée national Eugène-Delacroix. Enrichie quotidiennement, elle est issue d'un travail continu de recherche et de documentation mené par le personnel scientifique des deux musées.

Elisabeth-Louise Vigée Le Brun, La Paix ramenant l'Abondance Salle 933, Aile Sully, 2e étage

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Explorez la richesse des lieux et des collections du domaine du Louvre : le palais, les œuvres, les jardins et les parcours de visite.

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Activités Enfants Archive - Page 2 à 2 - DADA

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La Grande Lessive® Installation artistique éphémère faite par tou·te·s autour de la Terre La Grande Lessive®, c'est quoi ? La Grande Lessive® est une œuvre d'art participatif multimédia qui détourne le dispositif

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Lumni est une offre de contenus multimédias gratuits pour les élèves, parents, enseignants et médiateurs, qui permet un accès à la culture, au savoir et à la connaissance.

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Pars à la découverte des œuvres des musées d'Orsay et de l'Orangerie dispersées dans Paris !

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Musée de l'Orangerie

Amedeo Modigliani. Un peintre et son marchand

L'exposition du musée de l'Orangerie " Modigliani, un peintre et son marchand ", aborde les liens entre le peintre Amedeo Modigliani et son ami le marchand d'art Paul Guillaume. Modigliani fait partie des artistes les plus appréciés de la collection de l'Orangerie.

Découvrir l'exposition

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Musée de l'Orangerie Amedeo Modigliani. Un peintre et son marchand L'exposition du musée de l'Orangerie " Modigliani, un peintre et son marchand ", aborde les liens entre le peintre Amedeo Modigliani et son ami le marchand d'art Paul Guillaume. Modigliani fait partie des artistes les plus appréciés de la collection de l'Orangerie.

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Les pistes d'écriture créative présentées ici reposent toutes le lien étroit entre une œuvre et un regardeur. Le regard sur l'œuvre facilite l'entrée en écriture et l'écriture permet
de s'approprier l'œuvre de façon intime.

Une phase d'approche de l'œuvre est tout de même nécessaire avant d'écrire. Elle ne doit pas être savante et rébarbative mais basée sur l'expression des ressentis, le croquis, le jeu. La structuration des connaissances liées à l'œuvre viendra ensuite pour confirmer les ressentis et les intuitions révélés par dessins et textes produits.

Les listes sont une forme idéale pour entamer un processus d'écriture avec des élèves. Chacun participe à leur élaboration en fonction de son inspiration et de son niveau de maîtrise de la langue et l'ensemble des propositions, de la plus simple à la plus élaborée, forme le matériau d'un poème collectif que l'on peut s'amuser à composer ensuite selon des critères variables (rimes, thèmes, sonorités, anaphores, etc.).

L'écriture des propositions sur des étiquettes facilement manipulables facilitent ce travail de composition postérieur. Une même série d'étiquettes peut d'ailleurs donner lieu à la rédaction de plusieurs poèmes qui différeront par les critères de composition retenus pour chacun.
Idées de listes :

Faire l'inventaire de ce qu'on ne voit pas dans l'image (c'est souvent très révélateur des choix de son producteur)

Faire l'inventaire de ce qu'on aimerait demander à l'artiste (ou à l'auteur).

Faire l'inventaire de ce que pourrait être tel ou tel élément (si image abstraite).

Faire l'inventaire des couleurs (et de leurs nuances) / des gestes... (en fonction de la production plastique ou de l'œuvre observée).

... (à vous de jouer)

On part de l'observation d'une œuvre, d'une image ou d'une production plastique.
On nomme un des éléments de l'image (chacun peut choisir un élément différent).
Puis, de ligne en ligne, on affine la description en rajoutant de plus en plus d'éléments au groupe nominal initial.

Idéal pour travailler les TICE une fois les textes produits au brouillon (copier-coller, mise en page...)

Exemple à partir de l'oeuvre de Canaletto, Vue de l'église de la Salute depuis l'entrée du Grand Canal, Vers 1727, ,45 x 60 cm, Musée des Beaux-Arts de Strasbourg.

Un nuage Un nuageUn nuage crémeux dans un ciel vaporeux au dessus du canal glauque
crémeux
Un nuage crémeux dans un ciel
Un nuage crémeux dans un ciel vaporeux
Un nuage crémeux dans un ciel vaporeux au dessus du canal

On donne aux élèves (ou on pioche ou on fait choisir) des débuts de phrases à compléter en regardant une image.
Pour que les textes soient intéressants, il faut que l'approche soit subjective et que l'élève soit impliqué dans son observation. On lui proposera alors de s'imaginer entrer dans l'image ou d'incarner un des personnages s'il y en a.
Quelques exemples de débuts de phrases :

Je suis... / Je pense à... / J'aimerais tellement... / Mais...

J'entends... / Je me sens... / Bientôt je...

J'aimerais vous dire / Je me souviens...

Imagine / Ecoute / Souviens-toi...

Et si c'était...

Parfois / Jamais / Toujours / Avant / Il y a longtemps / de temps en temps / bientôt/ Quelquefois / En ce moment / Maintenant...

Ici / En ce lieu/ Ici même / Très loin / Sur le banc, là / ailleurs / loin / A cet endroit...

A partir d'une image ou d'une oeuvre, et d'un début de phrase que l'on propose en reprise anaphorique on demande aux élèves de réaliser un poème (des réponses individuelles peuvent s'agréger et devenir un poème collectif).

Exemples d'anaphores intéressantes à utiliser devant des images :

Exemple de production d'une classe de CE2-CM1 (école Sainte-Madeleine, ) à partir d'un tableau de Corot, " Coup de vent " (1865-1870) conservé au Musée des beaux-Arts de Reims.

Coup de vent

Peut-être que le vent est infini.
Peut-être que les arbres sont des génies endormis.

Peut-être que la femme cherche son enfant.
Peut-être que cet homme est le dieu du vent.

Peut-être que la femme pleure
car une fleur fane dans son cœur.

Peut-être que sous le chemin il y a de l'or.
Peut-être que cette campagne existe encore.

A partir d'une image ou d'une œuvre, on lance les élèves dans l'écriture d'un texte en leur en imposant la structure.

Exemple : Kandinski, Vers le bleu, MAMCS

Pour aller vers le bleu il faut :
D'abord...
Ensuite...
Enfin....
1e phase - description
La description d'une production ou d'une œuvre sera l'occasion d'une recherche d'expressions de natures différentes qui pourront servir à la composition de phrases :

Liste de sujets potentiels : groupes nominaux que les élèves seront invités à enrichir par des adjectifs qualificatifs ou par des subordonnées (éléments observés dans l'image)

Liste de verbes à l'infinitif éventuellement accompagnés de compléments du verbe (actions observées dans l'image ou simplement suggérées, voire verbes d'état)

Liste de compléments circonstanciels inspirés par l'observation de l'image.

2e phase : composition
Dans les deux cas, les élèves sont invités à composer des phrases poétiques, indirectement inspirées par l'image, en puisant dans les listes établies au moment de la recherche.

Soit, en utilisant le hasard : en piochant et en assemblant les étiquettes (une de chaque couleur) pour tenter de composer une phrase poétique (si l'image ainsi obtenue n'est pas intéressante, on repioche...)

Soit chacun puise dans toutes les expressions notées au tableau pour composer librement un poème personnel.

Les ajouts de mots sont bien sûr permis (et encouragés), les contraintes et les règles du jeu étant toujours là pour libérer l'écriture et la créativité et non la bloquer.

Et si l'image était...

un sentiment/ un personnage (sauf s'il s'agit d'un portrait) / un lieu (sauf s'il s'agit d'un paysage) / une odeur / une musique / une recette de cuisine...

C'est une manière détournée d'exprimer ses ressentis que l'on peut ensuite interroger pour déterminer ce qui, dans l'image a suscité telle ou telle réponse.

L'enseignant donne un début de phrase puis donne un mot supplémentaire toutes les minutes (on limite le 1er jet à 5 mots, donc 5 minutes). La contrainte est d'inventer l'histoire en y incluant au fur et à mesure les mots imposés. Chaque mot est intégré dans l'histoire avant que l'auteur connaisse le mot suivant.

Les élèves ont écrit à partir du tableau d'Antoine Van Dyck, Portrait d'une dame de la famille Durazzo, (1621-1623) conservé au Musée des Beaux-Arts de Strasbourg.

Début de phrase imposé : " Jamais je ne vous dirais... " (c'est le portrait qui parle)

Mots donnés : clé, chaussure, ombre, vert pistache, paravent.
L'enseignant invente un sujet qui implique l'élève qui écrit dans son observation de l'œuvre.
L'idée est d'engager l'élève qui écrit à s'impliquer émotionnellement dans l'observation de l'image et dans l'écriture de son texte. Pour cela on peut lui suggérer d'incarner un personnage ou de s'imaginer vivre la situation montrée par l'image...

- Par exemple, face au portrait de ce jeune homme peu séduisant peint par Barocci au XVI e siècle et conservé au Musée des Beaux-Arts de Strasbourg, on peut penser au sujet suivant : Imaginez que vous êtes une jeune fille noble mais pauvre et que vos parents ont décidé de vous marier à un jeune homme riche. On vient de vous apporter son portrait. Après l'avoir longuement regardé, vous écrivez une lettre à votre meilleure amie...

Un ebook à lire en ligne en suivant le lien

La même chose en PDF à télécharger : Écriture créative devant des œuvres

Page proposée par Anne Matthaey, CPD Arts Plastiques, dernière mise à jour octobre 2019

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DES SITUATIONS D'ÉCRITURE CRÉATIVE | Arts Visuels 67

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Les pistes d'écriture créative présentées ici reposent toutes le lien étroit entre une œuvre et un regardeur. Le regard sur l'œuvre facilite l'entrée en écriture et l'écriture permet de s'approprier l'œuvre de façon intime. Une phase d'approche de l'œuvre est tout de même nécessaire avant d'écrire.

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Compréhension orale: visite virtuelle de l'exposition

Comme à chaque fois, nous te conseillons de procéder dans l'ordre des activités qui sont classées dans un ordre de difficulté croissant. Si tu n'as pas réalisé les première, deuxième et troisième parties de l'activité, nous te conseillons de cliquer sur les liens correspondants afin de connaître un peu mieux l'œuvre de Hiroshige et de Van Gogh avant de passer à cette compréhension orale.

Écoute le document ci-dessus et dis si les affirmations suivantes sont vraies ou fausses.
Pour réaliser cet exercice il est conseillé d'écouter le document 2 fois sans faire de pause. Toutefois, si tu en ressens le besoin, tu peux interrompre le document ou le réécouter afin de mieux comprendre certains éléments.

Tu peux aussi découvrir comment le à influencé les peintres impressionnistes en cliquant sur ce lien:

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Comme à chaque fois, nous te conseillons de procéder dans l'ordre des activités qui sont classées dans un ordre de difficulté croissant. Si tu n'as pas réalisé les première, deuxième et troisième parties de l'activité, nous te conseillons de cliquer sur les liens correspondants afin de connaître un peu mieux l'œuvre de Hiroshige et de Van Gogh avant de passer à cette compréhension orale.

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Art et FLE : utiliser un programme court d'Art d'art pour découvrir des oeuvres d'art

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La petite histoire des grands tableaux... Découvrir une oeuvre, son époque et son auteur et apprendre du vocabulaire relatif à l'art.

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L'application Petit Louvre est destinée aux enfants. Elle propose des histoires et des contes autour des oeuvres parmi les plus fascinantes du musée du Louvre, ainsi que des jeux de pistes pour visiter le Louvre et le jardin des Tuileries en s'amusant.

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Découvrez toutes les collections sur Google Arts & Culture.

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A Musée Vous, A Musée Moi - de Warhol à Vermeer - Séries et fictions | ARTE

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Cette série courte revisite avec humour les tableaux les plus célèbres du monde entier. De “La Joconde” à la “Marilyn” d’Andy Warhol, les personnages de ces toiles de maîtres s’animent au travers de sketchs loufoques et décalés, dans des décors et costumes scrupuleusement reconstitués.

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Longtemps, les graffitis et autres peintures urbaines ont été considérés comme du vandalisme. Pourquoi certaines œuvres murales se négocient-elles aujourd'hui à prix d'or ? Comment expliquer le succès de ces artistes ? Cette activité est proposée en complément de la méthode de français Édito B1 - Unité 9 des éditions Didier.

► EXERCICE - Extrait de 7 milliards de voisins du 9 janvier 2017

► LEXIQUE

Le street art : un graffiti ; un/une street artiste ; un graffeur/une graffeuse ; créatif/créative ; embellir.

► DOCUMENTS À TÉLÉCHARGER

► TOUS LES ÉPISODES DU PODCAST SUR RFI

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Le street art, un cauchemar pour l'urbanisme?

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Longtemps, les graffitis et autres peintures urbaines ont été considérés comme du vandalisme. Pourquoi certaines œuvres murales se négocient-elles aujourd'hui à prix d'or ? Comment expliquer le succès de ces artistes ? Cette activité est proposée en complément de la méthode de français Édito B1 - Unité 9 des éditions Didier.

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Musée à Ciel Ouvert, le MaCO accueille chaque année depuis 14 ans un festival d'art urbain dans les rues de Sète. Une quarantaine d'œuvres de street art sont ainsi exposées dans cette ville du sud de la France. Cette activité est proposée en partenariat avec le numéro 436 de la revue Le français dans le monde.

► EXERCICE - Extrait de Rendez-vous culture du 17 juillet 2022

► LEXIQUE

Le street art : un graffiti ; l'art urbain ; tapisser (un mur) ; un artiste ; une abstraction ; géométrique ; un pochoir ; un collage ; figuratif/figurative ; un/une peintre ; muraliste ; l'éclectisme ; une façade ; peindre ; (présenter/soumettre) une maquette ; un festival ; un portrait ; un musée à ciel ouvert ; une peinture murale ; une œuvre ; l'espace public.

La créativité : la liberté de création ; un vent de liberté ; une création bien vivante ; (avoir/donner) carte blanche ; la libre expression ; la reconnaissance ; la notoriété ; un grand nom ; fleurir ; s'exporter ; la générosité ; la présence ; un jeu de piste ; une chasse aux trésor ; des indices ; être surpris/surprise ; la psyché ; (éveiller) la part sensible de chacun ; interpeller.

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Street art: un musée qui ne ferme jamais

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Un compte instagram d un lycée en France très inspirant

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Rendez-vous Culture du 12 février 2021
Ernest Pignon-Ernest :
Banksy disait : " mais en France, Ernest Pignon a fait ça 30 ans avant moi. "

José Marinho :
Inspirateur de Banksy ou de JR, Ernest Pignon-Ernest est leur père à tous. Même s'il ne travaille pas à la bombe aérosol, il a fait, lui aussi, de la rue son champ d'action. Ce fils d'une coiffeuse et d'un ouvrier, peintre à ses débuts, délaisse vite les toiles au profit du dessin.

Ernest Pignon-Ernest :
On n'a jamais eu un livre à la maison. Par hasard, je trouve dans Paris Match, en août 1954, la série de Picasso sur Sylvette. Je suis devenu artiste à cause de Picasso et je ne fais pas de peinture parce que les thèmes que je voulais aborder, le matériau peinture ne correspondait pas.

José Marinho :
Dès le départ, il embrasse plusieurs causes. En 1966, la force de frappe atomique française s'installe dans sa région du Vaucluse. Il déniche alors une photo choc de la catastrophe d'Hiroshima qu'il redécoupe au pochoir. Sans le savoir, il fonde le street-art.

Ernest Pignon-Ernest :
Je découvre cette photo qui a été provoquée par l'éclair nucléaire. C'est la silhouette d'un homme qui a été désintégré. Je fais des pochoirs et je vais imprimer cette image d'homme comme une alerte sur les routes. C'est la première fois que je vais utiliser les lieux mêmes pour leur potentiel poétique, dramatique, symbolique.

José Marinho :
Dans ses créations, souvent politiques, les hommes sont au centre de ses préoccupations comme ici dans " Le cortège des absents ". Avec cette œuvre engagée, il s'en est pris à sa ville de Nice qui, en 1974, s'était jumelée avec Le Cap, en Afrique du Sud, en plein apartheid.

Ernest Pignon-Ernest :
Je dessine une famille de Noirs derrière des barbelés, j'en imprime plusieurs centaines et puis dans la nuit, on va coller cette image sur tout le parcours des représentants de l'apartheid qui vont passer devant.

José Marinho :
Il en a vu des pays depuis qu'il colle en franc-tireur ses dessins en noir et blanc partout dans le monde. C'est sa période rebelle où la police l'arrête une cinquantaine de fois.
[NDLR: Artemisia Lomi Gentileschi (1593-1656) est une artiste peintre italienne de l'école Caravagesque. Le Caravage (1571-1610) est un artiste peintre italien qui révolutionne la peinture du 17e siècle par le naturalisme et le réalisme de son œuvre.]
Ernest Pignon-Ernest :
Une nuit, j'ai collé avec des échelles, très haut. Et les gens ont dû croire que c'était un voleur, ils ont appelé les flics de Naples et ils m'applaudissent. Le flic me dit : C'est une citation d'Artemisia que tu colles ! Classe ! ". Moi, j'offre à la rue des dessins originaux qui sont chargés de références à l'histoire de l'art, à Caravage.

José Marinho :
Passionné par les peintres, il rend un hommage appuyé aux écrivains, poètes qu'il admire, d'Arthur Rimbaud à Pier Paolo Pasolini portant son propre cadavre. L'exposition montre les portraits les plus connus au monde de ce pionnier de l'art urbain de 78 ans.

Ernest Pignon-Ernest :
Je n'ai pas de saint pour incarner des valeurs. Les poètes inventent leur pays.

José Marinho :
Érudit et avant-gardiste, Ernest Pignon-Ernest utilise l'espace public pour réveiller les consciences sur une histoire commune, celle de l'humanité.

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Ernest Pignon-Ernest, fondateur du street art

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Rendez-vous Culture du 12 février 2021 Ernest Pignon-Ernest : Banksy disait : " mais en France, Ernest Pignon a fait ça 30 ans avant moi. " José Marinho : Inspirateur de Banksy ou de JR, Ernest Pignon-Ernest est leur père à tous.

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Autoportraits vivants animés | lecoindesarts