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una especie de santuarios o lugares solo usados para pintar, de ahí que se defienda su carácter de pintura con fines mágico-religiosos. El tema representado es la fauna de la época, fauna existente en la zona previamente a las glaciaciones, como bisontes, caballos, ciervos y renos. Nunca aparece la figura humana, con la excepción de algunas siluetas de manos. Es una pintura naturalista porque trata de representar las figuras con un dibujo fiel y una policromía adecuada (negros, rojos, ocres...); con frecuencia se aprovechan los abombamientos de las paredes rocosas para pintar en ellos y dotar de relieve a las figuras, que aparecen yuxtapuestas, una al lado de otras, incluso encima de otras, sin formar escenas.
Artistas:
Juan Luis Goenaga, Angel Uranga, Xabier Obeso y Maximina Espeso.

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el período Mesolítico también es conocido como la "Edad Media de la Piedra".

Se entiende por arte mesolítico todas las manifestaciones artísticas desarrolladas en el periodo prehistórico comprendido desde el Paleolítico Superior hasta el Neolítico.
La duración del periodo Mesolítico coincide con el final de la Era Glacial del Pleistoceno. Este periodo esta comprendido entre el año 10.000 a.C. al 5.000 a.C. Durante esta etapa se aprecia un cambio climático progresivo de temperaturas más altas, esto repercute en la inundación de las zonas costeras lo que supone la desaparición de algunas especies animales y un crecimiento de las zonas boscosas.

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La pintura se utilizaba para decorar las paredes de templos y tumbas, así como para ilustrar papiros.
Una técnica muy empleada fue la del fresco. Para conseguir los colores los pigmentos se diluían en agua antes de ser aplicados sobre una pared húmeda.

La temática era muy variada y oscilaba entre las representaciones religiosas de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo. Hay numerosas representaciones de plantas y animales.
Los personajes de mayor importancia (faraón, sacerdotes, etc.) se pintaban en mayor tamaño que los de menor categoría.

Rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco y los ojos. Otra de sus características es la ausencia de perspectiva y el empleo de colores planos, es decir, sin degradar o difuminar.
Por otra parte, los hombres se representaban con piel más oscura que los de las mujeres.

Escultores y pintores no eran considerados artistas sino artesanos anónimos con una función práctica al servicio del cliente. Tan solo los arquitectos obtuvieron un mayor reconocimiento por su labor.

Estos oficios solían pasar de padres a hijos y se enseñaban en talleres donde se aprendían los convencionalismos oficiales. Con un concepto del arte muy diferente al dominante hoy en día, no se buscaba la originalidad sino la precisión en el trabajo artesanal.

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En las pinturas neolíticas se destacan las imágenes del cuerpo humano sin detalles en el rostro, con aspecto algo primitivo y tonos monocromáticos. El asentamiento en ‘Ain Ghazal (ubicado en la actual región de Jordania) es un importante yacimiento arqueológico que contiene una gran cantidad de estas figuras.

En cuanto a la cerámica, se han encontrado evidencias de una amplia gama de objetos y de figuras relacionadas con la fertilidad, en Tell-Halaf, al norte de Siria, y en Tell-al-Ubaid, en la costa del Golfo Pérsico. Los objetos de cerámica eran decorados con diseños geométricos realizados con pintura de color marrón o negra.

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La diversidad de pueblos que dominaron esta región de “entre ríos” por casi tres milenios influyó en las distintas formas artísticas, manteniéndolas a veces muy próximas a los diferentes cultos, y en otros momentos haciéndolas más profanas.

La asimilación de cada religión y cultura por la siguiente que colonizaba fue lo que permitió que en el arte mesopotámico, incluida la mitología, hubiese un hilo conductor capaz de darle cohesión a lo largo de los siglos.

Todas estas manifestaciones artísticas (pintura, arquitectura, escultura y relieve) fueron hechas con una función específica: para los cultos religiosos o la documentación de hechos. A pesar del larguísimo periodo en el que se desarrolló el arte mesopotámico, podemos notar algunas constantes a lo largo de su evolución.
Obras destacadas:
Entre la cerámica se destacan el ritón de cerámica asiria (1860-1780 a.C.), que viene de Kultepe y representa un león. El vaso de Ishtar, procedente de Larsa, o una jarra de tres patas de la Baja Mesopotamia. Asimismo, numerosas jarras, platos y vasos ceremoniales de cerámica de distintos periodos, y que han llegado a nuestros días. Y entre los mosaicos están algunas piezas encontradas en tumbas reales de Ur.

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El arte minoico o cretense es el arte de la civilización minoica, una civilización prehelénica que se desarrolló en la isla de Creta entre el III milenio a. C. y el II milenio a. C.

Puesto que la madera y los textiles han desaparecido, los más importantes supervivientes del arte minoico son la cerámica como vasijas, copas o ánforas con motivos marinos: peces, pulpos, algas, caracoles; la arquitectura palacial con sus frescos, incluyendo los paisajes, petroglifos; y los elaborados sellos de piedra tallados.

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Existen algunas piezas de pintura micénica que se han ido encontrando tanto en Pilos como en Tirinto (en Grecia). Estos fragmentos muestran una pequeña parte de lo que en su día fueron grandes morales micénicos que aunque no eran los típicos frescos estaban representados sobre yeso.

Los temas principales de la pintura micénica eran principalmente representaciones de escenas del día a día de las personas, de imágenes bélicas y de cacerías. En este tipo de arte se puede observar que las perspectivas están forzadas y las figuras no tiene un orden espacial. Sin embargo, la pintura tiene dinamismo sobre todo en las escenas en las cuales representa enfrentamientos bélicos.
Las técnicas utilizadas solían ser variadas. A la hora de hablar de los colores solían ser extraídos de minerales y por ello se pueden observar colores como negro, rojo, azul o amarillo. Una de las técnicas más usadas en la pintura era utilizar dichos colores, todavía húmedos, y aplicarlos directamente sobre las paredes de forma precisa.

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El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.
Algunos ejemplos del arte griego son:

El Partenón - Un templo de orden dórico construido en mármol blanco en el siglo V a.C. por los arquitectos Ictinos y Calícrates.

El teatro de Epidauro - Construido en el siglo IV a.C., con capacidad para doce mil espectadores. Se encuentra junto a la ciudad de Epidauro.

La pira - El encendido del fuego en esta pira, se constituyó en un privilegio muy codiciado, por lo que se hacía una carrera y en la meta esperaba un sacerdote al ganador para entregarle la prestigiosa antorcha.

El Discóbolo de Mirón - Realizado en mármol ( bronce ), en la época clásica, por el escultor Mirón, nacido en Eleutera. La escultura muestra al atleta en el momento en que va a soltar el disco.

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En general, fue utilitario. Tendía a expresar la idea de Roma como centro del mundo y a exaltar el poder del Estado romano.

Su gran influencia griega, que se inició a partir del contacto de Roma con las ciudades griegas instaladas en el sur de Italia, se intensificó con la conquista de los reinos macedonios.

La mayoría de los artistas que trabajaban en Roma eran griegos y los coleccionistas adquirían o hacían copiar esculturas de ese origen.

Alcanzó su máximo desarrollo a partir de la constitución del Imperio, bajo el reinado de Augusto, en el año 27 a. C. Entre las clases altas se desarrolló un intenso consumo de obras que estimuló el comercio artístico.

Se destacaron de su arte la arquitectura y la escultura. En ambas disciplinas los romanos introdujeron nuevas tipologías y géneros.

Simultáneamente al arte estatal y monumental, existió un arte popular que se manifestó en los relieves de las tumbas. Estos relieves muestran un gusto por la representación minuciosa de situaciones de la vida cotidiana

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Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales.

Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.

Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo).

Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.

En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados.

En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.

La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano.

Durante los siglos VII a IX  el arte bizantino empezó a tener  influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II.

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El barroco no es sólo un concepto artístico, sino también la definición cultural de la época, que se extendió a lo largo del siglo XVII y hasta mediados del siglo XVIII. La desintegración y las dudas surgidas con el motivo de la Reforma en Europa al final del siglo XVI hacen surgir nuevos planteamientos ideológicos que hicieron necesario una renovada cultura que sirviera como instrumento integrador y ofreciera al ser humano un fundamento seguro de existencia. Había desaparecido el universo renacentista único y había sido sustituido por un pluralismo religioso, económico y político. Esta pluralidad hace que, por primera vez, la opinión pública despierte interés en las autoridades religiosas y civiles, que comprometieron el arte en defensa de sus intereses e ideas, para influir en el pueblo. Al barroco se le exige comunicar y persuadir, actuar sobre el ámbito de la gente para consolidar la Contrarreforma y la monarquía absoluta.
Una lista parcial de los principales autores del barroco incluye:

Literatura

Miguel de Cervantes

Calderón de la Barca

Lope de Vega

Tirso de Molina

Pintura

Caravaggio

Pedro Pablo Rubens

Diego Velásquez

Rembrandt

Johannes Vermeer

Música

Johann Sebastian Bach

Antonio Vivaldi

Georg Friedrich Händel

Escultura

Gian Lorenzo Bernini

Juan Martínez Montañés

Giacomo Serpotta

Alonso Cano

Arquitectura

Fernando de Casas Novoa

Guarino Guarini

Pedro de Ribera

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El surrealismo propone la valorización de la fantasía, la locura y la utilización de la reacción automática. En esa perspectiva, el artista debe dejarse llevar por el impulso, registrando todo lo que le venga a la mente, sin preocuparse por la lógica. Este arte fue una combinación del representativo, del abstracto, del irreal y del inconsciente. Entre muchas de sus metodologías están el collage y la escritura automática.

Según los surrealistas, el arte debe liberarse de las exigencias de la lógica y de la razón e ir más allá de la conciencia cotidiana, buscando expresar el mundo del inconsciente y de los sueños.

Buscaba deliberadamente el bizarro e irracional para expresar verdades ocultas, inalcanzables por medio de la lógica. Fueron dos formas dentro del movimiento: Joan Miró y Max Ernst practicaban el arte improvisado, distanciándose lo más posible del control consciente.

Y otros, como Dali, de Chirico y Magritte, usaban técnicas realistas para presentar escenas alucinatorias que desafiaban el sentido común.