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El reajuste que se experimentó a través de cómo era percibido lo artístico como algo de contemplación fue esencial, ya que alentó a los artistas a promover una interacción con el público, que éstos se volvieran parte de la misma pieza. Un ejemplo es el performance “Imponderabilia”, donde la artista Marina Abramovic junto con su pareja Ulay se colocan desnudas en una angosta entrada de la galería y el público tiene que pasar entre ellos. Esta pieza se construye a partir de la manera en que los espectadores pasan por en medio, a quién miran, a quién no miran y todas aquellas expresiones generadas a partir de esta inevitable interacción: la reacción es el fin último.

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Performance concebido por Carolee Schneemann y presentado en el Centro Americano de París durante el festival de la libre expresión el 29 de mayo de 1964.

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Carolee Schneemann Meat Joy 1964 online video cutter com

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Uploaded by adrian Gómez Faro on 2015-04-23.

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Lo que se percibe como artístico se ve modificado al empezar a considerar situaciones cotidianas como piezas de arte, pues estos círculos primarios como la familia y los amigos, para después pasar al trabajo, se vuelven el punto de partida para exhibir y trastocar a manera de quiebre con los estándares establecidos. Lo cotidiano se vuelve arte con la finalidad de provocar la emancipación en la sociedad, reivindicar su lugar como seres libres y sexuales, alejados del puritanismo que manejaba el pancapitalismo.

El cuerpo, al devenir el espacio social de acción, trastoca los términos tradicionales de arte. El artista deja de ser el ente ajeno para convertirse en el propio espacio de acción. Lo cotidiano y personal se vuelve público con el fin de promover reacciones en el espectador y mutar su papel en las piezas artísticas. La noción de juicio estético se abandona para dar pie a un campo trascendental que es la manifestación social y reivinidicación de los diferentes sectores de la sociedad en un sistema que se rechaza.

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Por otra parte está el caso del artista Chris Bürden, quien a través del performance “Shoot” hace alusión y critica a cómo se percibía la violencia y el empleo de las armas durante la guerra de Vietnam, donde la indiferencia hacia la agresión y el conflicto armado comenzaba a ser un problema social. Esta intención marca incluso el poder y la vulnerabilidad del cuerpo frente a las guerras y movimientos sociales de liberación y reconocimiento. En esta obra, el mismo Bürden es la pieza, el acto de infringirse dolor cuando un compañero le dispara marca una reivindicación del papel del artista en la propia pieza.

Estas dos acciones de Schneemann y Bürden marcan esta transformación del objeto artístico, donde deja de ser un ente de apreciación para convertirse en un “vehículo de experiencia corporal” como lo menciona Lygia Clark, por lo tanto, este elemento corpóreo se vuelve un vínculo social cargado de memorias y simbolismos. También renueva la percepción que se tiene del propio artista ‘genio’ que había creado el modernismo a través del sistema capitalista, ya no son piezas de inspiración sino de exploración y manifestación social.

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Uno de los planteamientos del pancapitalismo es la pérdida de identidad de la población, y los artistas comenzaron a actuar contra dicho concepto a través del cuerpo, ya que como seres sociales, como lo maneja Henri Lefebvre, el cuerpo es el medio a través del cualnos materializamos. El tener presencia y poder exhibirse a través de acciones era una noción que los artistas comenzaron a comprender y apropiarse para generar sus cuestionamientos a través de sus piezas, debido a que sabían el efecto que podrían tener en el espectador.

Quien comprendía muy bien esta función del cuerpo es la artista Carolee Schneemann, quien en sus piezas buscaba reivindicar el papel de la mujer por medio de performances feministas donde el cuerpo o los cuerpos son los protagonistas. La cosificación del cuerpo de la mujer a través de papeles del hogar o en revistas y publicidad, eran conceptos contra los que se expresaba Schneemann. En su trabajo “Meat Joy”, colaboró con una compañía de bailarines en donde ellos estaban en juego constante entre sus cuerpos y con pedazos de carne, perscado, salchichas y pollo para de cierta manera honrar esa carne material que los hace corpóreos y presentes en esta realidad. Dicho ‘statement’ de Schneemann refleja esa tensión muy marcada que representa el cuerpo al albergar tanto la resistencia contra el sistema como el poder que puede controlar y liberar. La artista no se centra en la mera creación de imágenes, sino que es la carne y sus atributos el material que elige para trabajar.

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No es novedad el hecho que el gobierno, las empresas privadas y los medios de comunicación busquen controlar a los ciudadanos a través de políticas, leyes, estudios y mensajes. Una de las principales actividades del ser humano como ser político, es el encontrar el beneficio para si mismo y su comunidad a través de la emancipación de los organismos que intentan dominarlo. Este tipo de ideología era popular dentro de algunos círculos de la sociedad durante la segunda mitad del siglo XX, lo cual provocó el movimiento de contracultura en Estados Unidos y otras partes del mundo.

A partir del rompimiento del arte con la concepción de estética formal, los artistas comenzaron a inmiscuirse en movimientos sociales y empezaron a indagar, a través de prácticas artísticas, la manera en que pudieran liberar a su entorno y a si mismos del pancapitalismo que intentaba abarcar a todos para generar una sociedad de consumo uniforme.