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Musée de l'histoire et de l'immigration (Septembre 2022-janvier 2023)

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Dans la première moitié du XXe siècle, Paris est la capitale mondiale des arts, le foyer des avant-gardes vers lequel affluent artistes et intellectuels du monde entier. Après la Seconde guerre mondiale, malgré l’attractivité de plus en plus forte de New York, c’est encore à Paris, et, pour beaucoup, nulle part ailleurs, qu’il faut aller se former, créer, exposer, confronter son travail à celui des autres, écrire l’histoire de l’art.

L’exposition

Sur les 15 000 artistes actifs à Paris à cette époque, 60 à 65 % d’entre eux sont étrangers. Qu’ils ne passent que quelques mois, quelques années, partent et reviennent, ou s’installent définitivement, pour quelles raisons ces artistes sont-ils venus ? Comment leurs œuvres ont-t-elles été marquées par ce changement d’univers, comment l’expriment-elles ? Leurs parcours migratoires sont-ils similaires à ceux de leurs compatriotes ? Paris et nulle part ailleurs s’intéresse à 24 artistes de diverses origines (Europe, Afrique, Amérique latine, États-Unis, Asie) venus à Paris et dont le travail permet de saisir les enjeux de la migration.

Organisée en quatre thèmes : s’exiler, mêler sa culture d’origine et celle d’accueil, réagir à l’étrangeté du monde que l’on découvre, construire un langage universel sans frontières, l’exposition évoque les motivations du départ, l’installation, les sociabilités, un quotidien parfois difficile dans une ville cosmopolite devenue leur nouveau foyer.

L’exposition réunit une centaine d’œuvres de collections privées et publiques - dessins, sculptures, peintures, collages - de Shafic Abboud (Liban), Eduardo Arroyo (Espagne), André Cadere (Roumanie), Ahmed Cherkaoui (Maroc), Carlos Cruz-Diez (Vénézuela), Dado (Monténégro), Erró (Islande), Tetsumi Kudo (Japon), Wifredo Lam (Cuba), Julio Le Parc (Argentine), Milvia Maglione (Italie), Roberto Matta (Chili), Joan Mitchell (États-Unis), Véra Molnar (Hongrie), Iba N’Diaye (Sénégal), Alicia Penalba (Argentine), Judit Reigl (Hongrie), Antonio Seguí (Argentine), Jesús Rafael Soto (Vénézuela), Daniel Spoerri (Roumanie), Hervé Télémaque (Haïti), Victor Vasarely (Hongrie), Maria Helena Vieira da Silva (Portugal), Zao Wou-Ki (Chine).

Commissariat de l'exposition

Jean-Paul Ameline a été conservateur au Musée National d’Art Moderne Centre Pompidou à Paris. Il a, par la suite, été conservateur général du Patrimoine en 2003 et chef de service des Collections modernes jusqu’en 2013. Il a été le commissaire de nombreuses expositions dont Face à l’Histoire. L’artiste moderne devant l’événement historique, 1933-1991 (1996), ainsi que Paris du Monde entier (l’artiste étranger à Paris 1900-2005) pour le National Art Center à Tokyo en 2007.

Catalogue d'exposition

Paris et nulle part ailleurs. 24 artistes étrangers à Paris de 1945-1972
Co-édition Musée national de l’histoire de l’immigration / Éditions Hermann
258 pages - 32 euros € - ISBN : 9791037018632

Le catalogue, sous la direction de Jean-Paul Ameline, fait le point sur ce moment crucial du passage de l’art moderne à l’art contemporain à l’aide d’une chronologie illustrée, de biographies et d’oeuvres de l’exposition. Avec les contributions de :

Jean-Paul Ameline, commissaire de l’exposition.

Fanny Drugeon, docteure en histoire de l’art et co-directrice du colloque Passages à Paris (édition Mare et Martin, en cours de publication).

Béatrice Joyeux-Prunel, professeure à l’Université de Genève et autrice notamment de Naissance de l’art contemporain, 1945-1970, Une histoire mondiale, Paris, CNRS éditions, 2021.

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L'exposition Paris et nulle part ailleurs plonge le public dans les années d'effervescence d'après-guerre qui, de 1945 à 1972, virent l'émergence de nouvelles visions artistiques, que ce soit dans le domaine de l'abstraction, de la figuration ou de l'art cinétique.

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ARTICLE : Exposition d'oeuvres numériques

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ARTICLE : Exposition d'oeuvres numériques

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ART - Une galerie entièrement dédiée à des œuvres numériques dites "NFT" s'est ouverte à New York, se présentant comme le premier espace physique d'exposition au monde consacré à cette technologie qui attire de plus en plus de collectionneurs.

Dès le lendemain de l'ouverture de cette galerie new-yorkaise, jeudi 25 mars, une exposition dédiée au "NFT" a débuté à Shanghai.

Chaque œuvre étant, par nature, dématérialisée, elle est présentée sur écran géant ou par projection, dans un espace situé à deux pas de Union Square, dans le bas de Manhattan.

Les œuvres de cinq artistes seront exposées chaque jour, avec une rotation quotidienne durant 60 jours pour un total de 300 créateurs différents, d'ici au 25 mai.

Le "NFT", jeton non fongible ou "non-fungible token" en anglais, permet d'associer un certificat d'authenticité à tout objet virtuel, qu'il s'agisse d'une image, photo, animation, vidéo, morceau de musique ou d'un article de presse.

Ce certificat est théoriquement inviolable et ne peut pas être dupliqué. Il est conçu grâce à la technologie dite de la "blockchain", qui sert de base aux cryptomonnaies comme le bitcoin.

"Les gens qui collectionnent (ces œuvres) veulent vivre avec"

La popularisation du "NFT" ces six derniers mois a transformé le marché de la collection numérique, au point d'attirer des milliards de dollars d'investissement.

Chaque œuvre présentée dans la galerie sera ensuite mise aux enchères, a expliqué Ed Zipco, co-fondateur et directeur des galeries Superchief, qui présentent des œuvres numériques depuis 2016.

Pourquoi présenter physiquement des œuvres virtuelles? "Le but d'une galerie est de montrer à quoi ça ressemble en personne, dans les conditions imaginées par l'artiste", a décrit le galeriste, avec un écran à résolution 4K, de grande taille. "Les gens qui collectionnent (ces œuvres) veulent vivre avec."

Environ 70% des artistes qui seront présentées dans l'espace dédié ne sont pas, à l'origine, des créateurs numériques, selon Ed Zipco, notamment sculpteurs, peintres ou photographes. "De plus en plus d'artistes suffisamment connus pour être exposés dans des musées s'y mettent."

"C'est tellement nouveau que c'est encore difficile à saisir pour les gens", reconnaît le galeriste. "C'est technologique, donc il y a toujours un peu d'apprentissage, de pédagogie à faire. (...) Mais ça va très rapidement devenir tout à fait normal."

L'art numérique existe depuis plusieurs décennies, mais l'arrivée du "NFT" a permis de rassurer les collectionneurs quant au risque de copie. Il est possible de dupliquer une œuvre numérique, mais le certificat "NFT" vendu avec est, lui, infalsifiable.

Le 11 mars, une œuvre numérique de l'artiste américain Beeple, intitulée "Everydays: The First 5000 Days", a été vendue 69,3 millions de dollars chez Christie's.
À voir également sur Le HuffPost: Dernière folie des NFT, cette œuvre d'art réalisée par un humanoïde vendue 700.000$ aux enchères

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Une galerie physique d'œuvres numériques "NFT" ouvre à New York, une première

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ART - Une galerie entièrement dédiée à des œuvres numériques dites "NFT" s'est ouverte à New York, se présentant comme le premier espace physique d'exposition au monde consacré à cette technologie qui attire de plus en plus de collectionneurs. Dès le lendemain de l'ouverture de cette galerie new-yorkaise, jeudi 25 mars, une exposition dédiée au "NFT" a débuté à Shanghai.

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L'événement a eu lieu le 15 avril dernier: Les arts primitifs provenant du monde entier ont fait leur entrée au Louvre, jusqu'alors gardien de l'art occidental. Maintenant que l'affluence est moins grande, il est temps d'aller admirer les 120 oeuvres d'art qui viennent d'Afrique, d'Asie, d'Océanie et des deux Amériques. Sous l'impulsion de Jacques Chirac, le futur musée du quai Branly, destiné à donner aux arts premiers ou arts primitifs, leur juste place, doit voir le jour en 2004. En attendant son ouverture, une sélection d'oeuvres est présentée dans le pavillon des Sessions.
Justice culturelle
Ces chefs d'oeuvre sont enfin exposés à égalité avec les dieux grecs, des sarcophages égyptiens et des toiles de maîtres. Les pièces sont principalement des sculptures en bois, choisies par Jacques Kerchache, grand spécialiste d'art africain. L'exposition s'ouvre sur une statuette égyptienne en schiste datant du V e -IV e millénaire avant Jésus-Christ. Enveloppée d'une cape qui descend jusqu'aux pieds, elle frappe par la modernité de sa forme abstraite. Plus loin, un masque-lame s'élance sur plus de deux mètres de hauteur. Ce mbanchong représentait le génie du serpent python qui veillait sur le village. Plus loin encore, une autre sculpture représente un homme aux seins de femme, qui chevauche un cheval aux pattes cassées. Les bras levés, ce personnage androgyne, semble implorer quelque chose... peut-être est-ce la pluie qui sauvera de la famine. Parmi les chefs d'oeuvre du Mexique, on trouve une terre cuite de Chupicuaro qui représente un petit homme rouge et trapu, strié de tatouages géométriques noirs sur fond blanc. Cette statuette, qui remonte à 600 à 100 avant J.C. , est devenue l'emblème du Musée du quai Branly.
L'art primitif et le XX e siècle
Au XX e siècle, cet art sauvage passionna de nombreux artistes. Dans le pavillon des Sessions, plusieurs pièces ont fait partie de la collection André Breton, comme cette statue d'ancêtre en bois d'Indonésie, qui apporte à la maison bénédiction et prospérité, ou encore ce masque rouge, rempli de symboles, en provenance de l'Alaska, qui représente la machoire d'une baleine croquant un frêle cygne. Max Ernst fut lui aussi un grand amateur de ces arts lointains. On peut admirer un pilier de maison en cèdre sculpté, représentant une ogresse géante de plus de 3 mètres, qu'il a acquis en Colombie-Britannique en 1942. Quant à Picasso, il détenait lui aussi de nombreuses sculptures dont une statue du Sépik en provenance de la Papouasie-Nouvelle Guinée et un masque nimba que portaient les danseurs. Cette magnifique exposition répond aux souhaits de Guillaume Apollinaire qui écrivait en 1909: " Le Louvre devrait recueillir certains chefs d'oeuvre exotiques dont l'aspect n'est pas moins émouvant que les plus beaux spécimens de la statuaire occidentale ".

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Les Primitifs au Louvre. L'émotion venue d'Afrique, d'Asie, d'Océanie et d'Amérique

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L'événement a eu lieu le 15 avril dernier: Les arts primitifs provenant du monde entier ont fait leur entrée au Louvre, jusqu'alors gardien de l'art occidental. Maintenant que l'affluence est moins grande, il est temps d'aller admirer les 120 oeuvres d'art qui viennent d'Afrique, d'Asie, d'Océanie et des deux Amériques.

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Première déclinaison d'un musée célèbre, le Guggenheim de Bilbao va fêter ses vingt ans. Une implantation réussie pour ce pionnier, suivi depuis par le Centre Pompidou et le Louvre avec des formules très différentes.

Guggenheim

Le 20 octobre 1997, était inauguré dans la cité industrielle basque un bâtiment à l'architecture révolutionnaire, signée Frank Gehry, le Musée Guggenheim.

A l'origine de cette installation dans une ville en crise, absente depuis longtemps des radars de la culture, Thomas Krens, directeur depuis 1988 de la Fondation Solomon R. Guggenheim. Animé de grandes ambitions, il prévoit déjà d'ouvrir des "Guggenheim" sur d'autres continents, du Mexique à Abou Dhabi.

Vingt ans plus tard, le Guggenheim Bilbao est un succès populaire avec un million de visiteurs en moyenne par an. Il a contribué à transformer l'image de la ville et de la province, devenues des destinations touristiques recherchées.

Un modèle pour les autres grands musées mondiaux ? Plutôt "une exception", estime Jean-Michel Tobelem, auteur d'un ouvrage sur le Guggenheim Bilbao. Pour expliquer cette réussite, ce professeur à Paris-1 pointe l'implication des autorités locales et régionales, et les importants financements dont a bénéficié le musée.

Quant aux autres projets de Guggenheim: Guadalajara (Mexique) a été abandonné et Las Vegas a fermé en 2008. Restent les Emirats Arabes Unis : conçu également par Frank Gehry, un Guggenheim doit voir le jour à quelques encablures du Louvre Abu Dhabi sur l'île Saadiyat. Mais son ouverture est sans cesse repoussée.

Pompidou

Avec trois implantations provisoires en cinq ans, le Centre Pompidou est le grand musée le plus offensif à l'international.

Une première création en mars 2015 à Malaga a attiré 500.000 personnes depuis son ouverture. Une déclinaison du Centre ouvrira ses portes en 2019 à Shanghai au West Bund Art Museum, édifice de près de 25.000 m2 conçu par l'architecte britannique David Chipperfield.

Enfin en 2020, un espace réservé à Beaubourg devrait être créé à Bruxelles dans un ancien garage Art déco transformé en musée d'art moderne et contemporain.

A chaque fois, il s'agit d'une implantation provisoire - dix ans à Malaga, cinq ans renouvelable à Shanghai. Façon pour le centre de valoriser son savoir-faire et sa collection, une des plus importantes avec celle du MoMA à New York. Une source aussi de revenus comparable à celle d'une grande exposition itinérante, mais qui "offre beaucoup plus de prévisibilité et de sécurité financière", explique le président du centre, Serge Lasvignes.

Le Louvre et les autres

Si le Louvre a créé une implantation à Lens, il n'avait en revanche aucun projet à l'étranger. Son implication dans le projet d'Abou Dhabi s'inscrit dans le cadre d'un accord intergouvernemental entre la France et les Emirats Arabes Unis. Le Louvre Abu Dhabi "est un musée émirati qui dépend du gouvernement émirati", déclare à l'envi le président du Louvre, Jean-Luc Martinez.

Les oeuvres exposées sont prêtées par plusieurs musées français (Pompidou, Guimet, Quai Branly, Orsay...), mais le Louvre est au coeur du projet : il est le premier prêteur et a cédé l'utilisation de sa "marque" pendant trente ans et six mois moyennant une redevance de 400 millions d'euros.

Si Jean-Luc Martinez écarte toute vente d'une stratégie de développement du musée, il n'exclut pas d'autres accords : "c'est une première. Si elle est réussie, ça suscitera peut-être des demandes".

Mis à part le Guggenheim, les autres grands musées, notamment anglo-saxons, se montrent pour l'instant plutôt réservés en matière de développement international.

Le MoMa n'a aucun projet en la matière. "Nous avons bien assez à faire avec les nouvelles salles du musée", affirme son directeur Glenn Lowry, qui rappelle que l'établissement ne reçoit pas un centime de l'Etat, de la ville ou du gouvernement fédéral.

Quant à la Tate, elle a créé deux implantations régionales, à Liverpool et St Ives, et s'en tient là pour l'instant.

fa/ial/nm

À découvrir

À l'occasion des Journées du patrimoine, les 18 et 19 septembre, la rédaction de " La Croix " a

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Les grands musées s'exportent, les français en pointe

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Première déclinaison d'un musée célèbre, le Guggenheim de Bilbao va fêter ses vingt ans. Une implantation réussie pour ce pionnier, suivi depuis par le Centre Pompidou et le Louvre avec des formules très différentes. Guggenheim Le 20 octobre 1997, était inauguré dans la cité industrielle basque un bâtiment à l'architecture révolutionnaire, signée Frank Gehry, le Musée Guggenheim.

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DOC : Années 50 : L'artiste face à l'histoire

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DOC : Années 50 : L'artiste face à l'histoire

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Éditeur de livres d’art pour enfants et adolescents, découverte de l’histoire de l’art et initiation aux arts plastiques. Catalogue, collections, actualités, auteurs.

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Apprivoiser le monde
- Terra incognita
- Les grandes explorations
- Des fleurs et des monstres
- Voyages spirituels et fantastiques
- Le monde est à nous !
- Étranges étrangers
- Cartes de Tendre et mondes imaginaires
L'Occident épris d'exotisme
- L'invention du paysage
- Les voyages forment la jeunesse
- Carnets de voyage
- L'Orient rêvé
- Chinoiseries et japonisme
- Le mythe du bon sauvage
- Vers l'abilition de l'esclavage
- Phénomènes de foire
- Portrait de l'artiste en aventurier
Révolution de la peinture et voyages immobiles
- Sortir de l'atelier
- Voyages immobiles
- La conquête des étoiles
- Voyages sous influence
- Les îles ou l'Eden
- L'art moderne s'empare des arts premiers
- La fascination du mouvement
- La guerre et l'exil
- Errance et solitude
Un autre regard sur le monde
- Redessiner la carte
- Repousser les frontières
- À même le paysage
- Souvenirs, souvenirs
- Migrations, trajectoires
- Témoins voyageurs
- Le tourisme revisité
- L'illusion du voyage
- Le voyage impossible
- Mondes contemporains
- Les nouveaux explorateurs : le voyage expérimental
- Voyages de deuil, voyages d'amour
- Ailleurs, c'est ici : voyages en bas de chez toi

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Apprivoiser le monde - Terra incognita- Les grandes explorations- Des fleurs et des monstres- Voyages spirituels et fantastiques- Le monde est à nous !- Étranges étrangers- Cartes de Tendre et mondes imaginaires L'Occident épris d'exotisme - L'invention du paysage- Les voyages forment la jeunesse- Carnets de voyage- L'Orient rêvé- Chinoiseries

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L'art face à l'Histoire - Éditions Palette

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50 événements racontés par les artistesCet ouvrage nous fait découvrir 50 événements, de 1789 à nos jours, racontés par des artistes qui nous révèlent la face cachée de l'Histoire !

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EXPO : Sans les mains (Limoges - Bernardaud)

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EXPO : Sans les mains (Limoges - Bernardaud)

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Avec la volonté de porter un nouveau regard sur la porcelaine, la Fondation d'entreprise Bernardaud s'est donné pour mission de valoriser la création contemporaine à travers des expositions temporaires. Alors que s'ouvre l'exposition " Sans les mains ! ", la fondation s'intéresse à ce nouveau lexique artistique que constituent les nouvelles technologies.
Avec la volonté de porter un nouveau regard sur la porcelaine, la Fondation d'entreprise Bernardaud s'est donné pour mission de valoriser la création contemporaine à travers des expositions temporaires. Alors que s'ouvre l'exposition " Sans les mains ! ", la fondation s'intéresse à ce nouveau lexique artistique que constituent les nouvelles technologies.
Créée en 2003 par Michel Bernardaud, la Fondation d'entreprise Bernardaud se présente comme un lieu culturel installé dans une partie des anciens ateliers de sa manufacture historique à Limoges. Ce parcours ouvert aux visiteurs, présente l'histoire et les secrets de fabrication de la porcelaine de Limoges avant de mettre en lumière la céramique contemporaine.

Chaque année, les expositions temporaires de la Fondation d'entreprise Bernardaud accueillent des œuvres venues du monde entier, témoignant ainsi de l'activité foisonnante et internationale de la céramique contemporaine. Des expositions régies par deux seules exigences, l'œuvre ne doit avoir encore jamais été présentée en France et l'artiste invité ne sera pas représenté pendant une période de 10 ans. " Les artistes jouent vraiment le jeu, c'est le moment pour eux de se dépasser " confie Hélène Huret, directrice de la Fondation Bernardaud. " C'est très important pour nous de s'assurer que nos visiteurs découvriront toujours de nouveaux artistes et de nouvelles œuvres. C'est une chance de pouvoir organiser des expositions de cette qualité, et ainsi de fidéliser nos publics au fil des expositions ".

Le fil conducteur de cette exposition, c'est vraiment le savoir-faire des artistes.

Hélène Huret, directrice de la Fondation Bernardaud

Crédit photo : Fondation Bernardaud

L'innovation et l'inattendu au rendez-vous
Longtemps associée aux arts de la table, la céramique en temps que médium de la création contemporaine est encore assez méconnue en France. C'est de ce constat qu'est née la fondation qui dès sa création affiche la volonté de montrer ce qu'il y a de plus innovant, intéressant et inattendu dans le monde de la céramique contemporaine. " Tous les artistes que nous présentons ont des savoir-faire exceptionnels. Les visiteurs les admirent sans comprendre comment l'œuvre a été faite, et c'est cela qui les enchante. Le fil conducteur c'est vraiment le savoir-faire " constate Hélène Huret.

Présentées et créées par la fondation à Limoges, les expositions sont pour la plupart ensuite accueillies par de grandes institutions internationales comme le Museum of Arts and Design de New York, le Musée des Arts Décoratifs de Paris, le Gardiner Museum de Toronto, le Yingge Museum à Taipei, le CODA aux Pays-Bas ou le Victoria and Albert Museum à Londres.
" Sans les mains ! ", un nouveau chapitre dans l'histoire de la céramique
Nouvelle saison, nouvelle exposition à la fondation d'entreprise Bernardaud qui a choisi de s'intéresser à travers l'exposition " Sans les mains ! " aux liens qui se tissent aujourd'hui entre technologie numérique et céramique. Un ensemble d'œuvres provenant de treize artistes-céramistes, parmi les plus importants de la scène internationale, ont été réunies par le commissaire de l'exposition, Michael Eden, artiste lui-même formé à la 3D Royal College of Art de Londres. " Son regard sur ces nouvelles technologies m'a semblé être une évidence, je savais qu'il saurait choisir avec pertinence chaque artiste " commente Hélène Huret.

Des nouvelles technologies au service de l'art et de la poésie
L'exposition assume son ton novateur, on y parle d'impression 3D, de fichier open source data, de découpe laser ou jet d'eau ou encore de stéréographie, mais surtout beaucoup de création artistique. Les nouvelles technologies, aussi incroyables soient elles, complètent la boite à outils que les artistes vont utiliser pour créer des œuvres qu'ils n'auraient pas pu faire une décennie auparavant. " Nous souhaitions que cette exposition reste extrêmement poétique et artistique " insiste Hélène Huret. " Ce nouveau lexique artistique n'est qu'un instant "T" dans l'histoire de la céramique vieille de 25 000 ans ". A travers les œuvres de Bryan Czibesz, Jennifer Gray ou Toshiya Masuda, l'exposition met remarquablement en lumière cette nouvelle liberté créatrice.
Informations pratiques :
Exposition " Sans les mains ! ", du 15 juin 2018 au 30 mars 2019.

Fondation d'entreprise Bernardaud : 27, avenue Albert-Thomas, 87000 Limoges

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L'exposition "Sans les mains" #lesartsdelatable

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Avec la volonté de porter un nouveau regard sur la porcelaine, la Fondation d'entreprise Bernardaud s'est donné pour mission de valoriser la création contemporaine à travers des expositions temporaires. Alors que s'ouvre l'exposition " Sans les mains ! ", la fondation s'intéresse à ce nouveau lexique artistique que constituent les nouvelles technologies.

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Heather Dewey-Hagborg, Stranger Visions, Portraits and samples from New York, 2012

Galerie 4 - Centre Pompidou, Cinéma 2

Les technologies numériques ont bouleversé la conception et la fabrication des objets, transformant la pratique des architectes, des designers, des artistes. Quel est le statut de l'auteur à l'ère de la production d'objets " non standards ", à la fois uniques et produits industriellement ? Quel est le statut de cet objet " imprimé " en 3D, tout à la fois objet du quotidien, objet technologique, œuvre d'art, objet de design, prototype d'architecture ? Comment expliquer sa généralisation à l'ère du numérique à tous les domaines de production ? Qualifiée de " technologie disruptive ", l'impression 3D se diffuse depuis une quinzaine d'années à une large échelle à travers les plates-formes de logiciels " open source " et se développe dans l'industrie, de l'aéronautique aux biotechnologies.

Les origines de l'impression 3D remontent à la photosculpture (inventée par François Willème vers 1860) qui inaugure une captation photographique tridimensionnelle ainsi qu'aux cartes topographiques en relief de Joseph E. Blanther à la fin du 19e siècle. Dans les années 1960, l'avènement de l'informatique, des machines à commande numérique et de l'automatisation ouvre un nouvel espace numérique. " Hackers " et " makers ", issus d'une culture communautaire aux États-Unis, lancent une économie collaborative où l'artisanat et les technologies numériques s'hybrident. Dans les années 1980, le premier objet par fabrication additive (stéréolithographie) est imprimé. Au tournant des années 2000, de nouveaux logiciels permettent des modélisations numériques 3D. Aujourd'hui, designers et architectes interviennent sur les langages de programmation comme sur les processus de production.

De l'objet de design au prototype architectural, de l'atelier de production aux projets innovants de laboratoire, cette exposition réunit une jeune génération d'artistes, designers et architectes qui s'est emparée de l'impression 3D comme outil critique d'expérimentation. À travers la sélection d'une trentaine de créateurs, Imprimer le monde éclaire les mutations des formes au sein d'une " matérialité digitale " où une nouvelle typologie d'objets a fait son apparition et dont l'impression 3D est le dénominateur commun.
Les modes de représentation à l'ère du numérique sont au cœur de démarches réflexives sur le statut de l'image (Achraf Touloub, Jon Rafman). L'impression 3D a débouché sur la création d'un nouvel artefact où s'imbriquent savoir-faire artisanaux et technologies numériques. Le designer Joris Laarman réalisera bientôt à Amsterdam le premier pont en métal imprimé en 3D. Mathias Bengtsson a conçu la première table en fabrication additive de titane dont les formes complexes s'inspirent des processus évolutionnaires de la nature. Dirk Vander Kooij recourt à des fils de plastique recyclé pour la fabrication de ses objets de design. Les architectes se sont emparés de ces technologies pour développer de nouveaux process de construction qu'ils expérimentent à travers des prototypes ou des objets de mobilier. Du micro (imprimer des cellules vivantes) au macro (imprimer des architectures à l'échelle 1 :1), du visible à l'infra-visible, la fabrication additive questionne tant le statut de l'œuvre, que le monde de l'industrie et de la recherche scientifique.
Comment interpréter ou recomposer un espace par la musique ? Les installations, produites par l'Ircam pour l'exposition, réalisent la simulation en 3D de l'espace sonore. Dans Disenchanted Islands, la compositrice Olga Neuwirth entraîne virtuellement le visiteur-spectateur à San Lorenzo de Venise, lieu de la création de Prometeo de Luigi Nono dans une scénographie de Renzo Piano. Par le procédé de convolution 3D, l'empreinte sonore de l'église vénitienne est transférée dans l'espace du musée. Pour Jardin d'Éden, les artistes Raphael Thibault et Hyun-Hwa Cho ont imaginé une installation immersive, sous la forme d'une double projection vidéo, de sculptures réalisées en impression 3D et d'un panorama sonore et musical. La spatialisation des sons est ici composée selon les images
Les artistes, designers et architectes présentés dans l'exposition :

Additivism (Morehshin Allahyari et Daniel Rourke) ; Aleksa Studio (Aleksandrina Rizova); Alisa Andrasek (Biothing) ; Aldo Bakker ; Mathias Bengtsson ; Henriette Bier et Sina Mostafavi ; Erwan et Ronan Bouroullec ; François Brument et Sonia Laugier, Ammar Eloueini ; Thibault Brunet ; Heather Dewey-Hagborg ; Dong Lin et Chi Zhou ; Goliath Dyèvre et Grégory Chatonsky ; Hyun-hwa Cho et Raphaël Thibault ; Jean-Baptiste Fastrez ; Vincent Fournier ; Laureline Galliot ; Dov Ganchrow et Ami Drach ; Gramazio Kohler Research ; Michael Hansmeyer et Benjamin Dillenburger ; Brian Harms ; Jesse Howard ; Hiroshi Ishii, Lining Yao, Jifei Ou (Tangible Media Group, MIT) ; Joris Laarman ; Achim Menges ; EZCT Architecture & Design Research (Philippe Morel : EZCT / XtreeE ; Felix Agid) ; Nendo (Oki Sato) ; Nervous System (Jessica Rosenkrantz et Jesse Louis-Rosenberg) ; Olga Neuwirth ; Neri Oxman ; Matthew Plummer-Fernandez ; Jon Rafman ; Gilles Retsin et Manuel Jiménez García ; Jenny Sabin ; Neta Soreq ; Studio A2 et New North Press ; Studio Swine (Azusa Murakami et Alexander Groves) ; Skylar Tibbits et Christophe Guberan (Self-assembly Lab, MIT) ; Achraf Touloub ; Unfold (Claire Warnier et Dries Verbruggen) ; University of Tokyo Advanced Design Studies Unit (Yusuke Obuchi, Kengo Kuma, Jun Sato, Kevin Clement, Anders Rod) ; Lilian van Daal ; Olivier Van Herpt ; Dirk Vander Kooij ; Woody Vasulka ; Daniel Widrig ; Hongtao Zhou.

Qu'est-ce qu'un Fab Lab ?

Au début des années 2000, dans le contexte du MIT aux États-Unis, sont créés les FabLab, contraction de l'anglais " Fabrication Laboratory ", lieu ouvert au public donnant accès à des outils de conception et de fabrication d'objets pilotés par ordinateur : fraisage, découpe laser, imprimante 3D. Ces espaces sont liés à l'innovation numérique dans le sillage du mouvement des " makers ", émergent dans les années 1960, " fabricateurs " numériques prônant le " Do-It-Yourself ", à mi-chemin entre l'artisanat et la manipulation d'outils numériques. L'impression 3D est devenue, à travers les Fab Lab, le symbole d'une nouvelle économie du partage et des échanges.

Source :

in Code Couleur, n°27, janvier-avril 2017, pp. 22-25

Histoire de l'impression 3D

Les origines de l'impression 3D remonteraient à la photosculpture, invention de François Willème vers 1860 qui inaugure une captation photographique tridimensionnelle ainsi qu'aux cartes topographiques en relief de Joseph Blanther, réalisées couche par couche, à la fin du 19 e siècle. Dans les années 1960, l'avènement de l'informatique, des machines à commande numérique, de l'automatisation débouche sur un nouvel espace numérique. À la même époque, les " hackers " et " makers ", issus d'une culture communautaire aux États-Unis, redonnent naissance à une économie collaborative : l'artisanat s'hybride avec les technologies numériques émergentes. Dans les années 1980, le premier objet par fabrication additive (procédé de stéréolithographie) est imprimé. Au tournant des années 2000, des logiciels ouvrent la voie aux modélisations numériques 3D. Aujourd'hui, designers et architectes interviennent directement sur les langages de programmation et sur les processus de production.

Source :

in Code Couleur, n°27, janvier-avril 2017, pp. 22-25

Qu'est-ce que l'impression 3D ?

Terme générique qui recouvre différentes technologies, l'impression 3D est un mode de fabrication additive par dépôt de matière, couche par couche. Le concepteur modélise son objet à partir d'outils CAO (Conception assistée par ordinateur) puis le fichier numérique est envoyé à une imprimante 3D qui réalise un objet physique en trois dimensions. L'impression 3D appartient au domaine de la production digitalisée et du prototypage rapide, allant de la stéréolithographie au frittage sélectif par laser ou au dépôt de plastique fondu. Ce mode de production associe le développement logiciel et l'automatisation à une imprimante 3D et à des outils de scannage.

Source :

in Code Couleur, n°27, janvier-avril 2017, pp. 22-25

Partenaires

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Aller au contenu principal Heather Dewey-Hagborg, Stranger Visions, Portraits and samples from New York, 2012 Galerie 4 - Centre Pompidou, Cinéma 2 Les technologies numériques ont bouleversé la conception et la fabrication des objets, transformant la pratique des architectes, des designers, des artistes.

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Une machine peut-elle vraiment comprendre ce qu'elle voit et peut-elle réinterpréter de façon créative ce qu'elle croit comprendre ? Ça ressemble à une question du Bac Philo mais pas du tout ! C'est juste la question que pose l'oeuvre de Memo Akten dans l'expo Artistes & Robots !

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ARTICLE : Un ordinateur compose comme les Beatles

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ARTICLE : Un ordinateur compose comme les Beatles

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325-Technologie un ordinateur compose comme les Beatles

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DOC : Brunelleschi, l'invention de la perspective

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DOC : Brunelleschi, l'invention de la perspective

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DOC : Ethnocentrisme : L'usage du monde (Nicolas Bouvier)

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DOC : Ethnocentrisme : L'usage du monde (Nicolas Bouvier)

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DOC : Poésie de l'objet technique (Saint Exupéry)

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DOC : Poésie de l'objet technique (Saint Exupéry)

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318-Saint Exupéry machine objet technique

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FILM : Ethnologie "Exploration inversée"

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FILM : Ethnologie "Exploration inversée"

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Deux hommes Papous viennent explorer la France
Un film de Jean-Marie Barrère et Marc Dozier
Production : Bonne Pioche (Paris).

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- Le nombre d'or,
- L'invention de la perspective,
- François Morellet,
- Peter Eisenman (architecture),
- Manfred Mohr,
- Peter Kogler,
- Xavier Veilhan,
- GPS Art,
- LawickMüller,
- Alisa Andrasek,
- Panamarenko,
- Nicolas Darrot,
- Stelarc,
- Vera Molnar,
- BioArt (Eduardo Kac, Art orienté Objet, Laura Cinti),
-

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- Kimsooja,
- Mona Hatoum,
- Barthélémy Toguo,

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- Mounir Fatmi,
- Kader Attia,
- Jochen Gerz et Esther Shalev-Gerz (monument),
- Hans Haacke,
- Banksy,
- Guerillas Girls,
- Valie Export,
- Woman house project - 1972 - Los Angeles,
- Atlas Group,
- Anselm Kiefer,
- Georg Baselitz,
- Ghada Amer,
- Barbara Kruger,
- Dubossarsky et Vinogradov,
- Les artistes chinois contemporains (Zhang Xiaogang - la famille-, Yue Minjun - réalisme cynique-, Wang Guangyi - Pop politique...)
- Kara Walker,

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EXPO : Persona Grata, l'art contemporain interroge l'hospitalité

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EXPO : Persona Grata, l'art contemporain interroge l'hospitalité

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Les galeries d'exposition permanente du Musée sont actuellement en travaux. Elles rouvriront leurs portes au printemps 2023.
En savoir plus

Musée de l'histoire de l'immigration

Persona grata

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Expositions

Persona grata

Du 16 octobre 2018 au 20 janvier 2019

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Une exposition. Deux lieux.

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Appels d'urgence

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Désenchantement

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La main (dé)tendue

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Should I stay or should I go ?

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Désirs d’horizons

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Persona grata : ressources

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CANOPÉ : de l'internationalisation de l'art à sa mondialisation

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CANOPÉ : de l'internationalisation de l'art à sa mondialisation

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À se procurer

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De l’internationalisation de l’art à sa mondialisation

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Affirmer que l’art est désormais sous l’emprise d’un phénomène de mondialisation peut soulever de nombreuses interrogations. Pourtant aujourd’hui la réalité de la création artistique n’échappe pas à un tel processus et le déploiement mondial de phénomènes culturels est une réalité ici démontrée.

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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L'exposition est ainsi conçue comme une confrontation, un dialogue contradictoire et complémentaire, entre Raymond Depardon, cinéaste et photographe, qui depuis toujours a fait le choix du politique et du poétique et dont on connaît l'attachement au natal, à la parole, à l'écoute et à la terre, et Paul Virilio, urbaniste et philosophe, qui depuis longtemps travaille sur la vitesse, l'exode et la disparition de l'espace géographique.

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Tandis que le monde est à un moment critique de son histoire, où l'environnement conditionne ce que l'homme fait et ce qu'il va devenir, l'exposition Terre Natale, Ailleurs commence ici propose une réflexion sur les notions d'enracinement et de déracinement et les questions identitaires qui leur...

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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Géométries Sud, du Mexique à la Terre de Feu

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La Fondation Cartier pour l'art contemporain célèbre, avec l'exposition Géométries Sud, du Mexique à la Terre de Feu, la richesse et la variété des motifs, coul

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EXPO : Afriques Capitales (La Villette - 2017)

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EXPO : Afriques Capitales (La Villette - 2017)

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100 % Afriques - Journal vidéo de l'expo Afriques Capitales

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Parcours Expositions 25 mai - 8 août 2005 INTRODUCTION FICHE D'IDENTITÉ DE L'AFRIQUE RESSOURCES AFRICA REMIX AUTOUR DE L'EXPOSITION INTRODUCTION L'exposition Africa Remix présente, du 25 mai au 8 août 2005, près de 200 œuvres de 87 artistes africains contemporains de tout le continent, du Maghreb à l'Afrique du Sud.

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ARTICLE : L'art au régime de la mondialisation

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ARTICLE : L'art au régime de la mondialisation

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Si la Triennale, qui se tient au Palais de Tokyo jusqu'au 26 août, est l'une des manifestations d'art actuel les plus remarquables que l'on ait vues à Paris ces dernières années, c'est parce qu'elle réunit des artistes de qualité de générations et de nationalités très variées et parce que son commissaire général, Okwui Enwezor, a fait en sorte qu'ils présentent des oeuvres dont le rapprochement ait du sens. Mais c'est aussi parce qu'elle prend acte sans équivoque d'une évolution du monde de l'art qui apparaît à la fois considérable du point de vue de la création elle-même et simplement logique du point de vue de la géopolitique et de la géographie des pouvoirs et des échanges : la notion de centre est morte (on ne fait évidemment ici aucune allusion au paysage politique français).

Or, en art, le centre a longtemps été une notion essentielle. L'histoire apprend que Florence, Venise ou Rome ont été des centres, à partir et autour desquels des mouvements et des modes artistiques se sont développés. Elle observe comment, vers le milieu du XVII e siècle, Paris a pris ce titre à Rome et l'a conservé et renforcé jusqu'aux premières décennies du XX e siècle, sans subir de concurrence sérieuse. Qu'il l'ait perdu après la seconde guerre mondiale - et pour beaucoup à cause d'elle - au profit de New York est tout aussi connu.

Mais ces déplacements, s'ils ont suscité querelles et rancoeurs nationales, ne changent rien au modèle : il y a toujours un centre et il se situe dans un pays occidental, moderne et prospère. On vient de loin y faire ses études artistiques. On s'efforce d'y obtenir expositions et succès. Ses musées sont des panthéons. Autour de lui s'étend sa périphérie, autre terme usuel des historiens d'art.

A la fin des années 1980, cette zone couvre l'Europe que l'on dit encore "de l'Ouest" et le continent nord-américain. Excentrés, lointains mais cependant rattachés à cet ensemble, le Japon et la Corée du Sud en sont les marches extrêmes-orientales. Et le reste du monde ? Il existe à peine. Qu'il puisse y avoir des artistes dans ce "tiers-monde" est, au mieux, une hypothèse, que nul ne cherche à vérifier, ni à Paris vers 1920 ni à New York vers 1960.

Il en est ainsi jusqu'en 1989, date décisive. C'est l'année de la chute du mur de Berlin, qui annonce l'effondrement de l'Union soviétique et de sa zone d'influence, jusqu'alors extérieure à l'actualité artistique pour cause d'idéologie. Et c'est aussi l'année où se tient à Paris, au Centre Pompidou et à la Grande Halle de La Villette, l'exposition "Les magiciens de la terre". Pourquoi lui accorder tant d'importance ? Parce que, pour la première fois dans le monde occidental, sont montrés ensemble des artistes européens et nord-américains, mais aussi d'autres venant d'Amérique centrale, d'Inde, d'Afrique ou d'Océanie.

C'est là l'amorce d'un changement, mais d'un changement inachevé et qui ne remet pas encore en cause la notion de centre. Les créateurs "d'ailleurs" ont été choisis depuis Paris et la plupart d'entre eux relèvent de genres considérés comme traditionnels, mandalas tibétains, écorces peintes des Aborigènes australiens, fers vaudous d'Haïti, cercueils du Ghana en forme d'éléphant ou de poisson.

Le titre de l'exposition est explicite : des "magiciens de la terre", des créations liées à des croyances et des rites. Elles viennent à Paris montrer leur étrangeté et se confronter à celles d'artistes occidentaux issus d'une histoire tout autre, celle de la modernité. Le schéma n'est pas si différent de celui selon lequel les "fétiches des Nègres" - vocabulaire de l'époque - étaient venus alimenter les primitivismes des avant-gardes au début du XX e siècle. Evidemment, en 1989, nul ne parle plus de "sauvages", tout juste d'"autochtones".

Mais, en 2000 encore, le commissaire des "Magiciens de la terre", Jean-Hubert Martin, organisant la cinquième Biennale de Lyon, l'intitule "Partage d'exotisme". Partage certes, mais exotisme néanmoins : exotisme ressenti en raison de la distance qui sépare, si curieux d'esprit soient-ils, les Occidentaux de ceux qui viennent les rejoindre depuis l'Afrique ou la Chine. Le constat, à cette date, est encore juste.

Or, de cet exotisme, il ne reste plus trace dans "Intense proximité", dont le titre a valeur de programme. Qui vient d'où ? Ce ne sont pas les oeuvres qui le signalent, ni leurs matériaux, ni leurs techniques. Il n'y a pas de tendance plastique, pas de style à la mode qui s'imposerait depuis New York ou Berlin. Mais il y a un sujet de réflexion commun, qu'il se découvre dans des sculptures, des vidéos, des travaux plutôt documentaires ou plutôt allégoriques : ce sujet, c'est justement la circulation permanente des références, des images - y compris celles de l'actualité planétaire et des journaux -, des idées et des interrogations.

Inutile d'aller rechercher dans ces travaux des signes de spécificités locales, inutile de chercher à les inscrire dans des passés particuliers, car ils participent du même présent général. Il en va ainsi de l'artistique, aujourd'hui, comme de l'économique, du politique ou du religieux. Cette évolution était donc éminemment prévisible. Il aura fallu attendre néanmoins 2012 pour qu'elle apparaisse comme une évidence. L'art est passé à son tour dans le régime de la mondialisation : plus de centre ni de périphérie.

dagen@lemonde.fr

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Si la Triennale, qui se tient au Palais de Tokyo jusqu'au 26 août, est l'une des manifestations d'art actuel les plus remarquables que l'on ait vues à Paris ces dernières années, c'est parce qu'elle réunit des artistes de qualité de générations et de nationalités très variées et parce que son commissaire général, Okwui Enwezor, a fait en sorte qu'ils présentent des oeuvres dont le rapprochement ait du sens.

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L'évènement Magiciens de la terre, retour sur une exposition légendaire - Centre Pompidou

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L' ART, LES SCIENCES ET LES TECHNOLOGIES

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L' ART, LES SCIENCES ET LES TECHNOLOGIES

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Dialogue ou hybridation

Assimilation, appropriation, réorientation de connaissances scientifiques et de technologies pour créer.
Collaborations entre artistes et scientifiques, connaissances en partage, influences réciproques
L’artiste chercheur, ingénieur, inventeur, explorateur.

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MONDIALISATION DE LA CRÉATION ARTISTIQUE

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MONDIALISATION DE LA CRÉATION ARTISTIQUE

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Métissage ou relativité des cultures du monde

Créer dans l’itinérance du voyage personnel, d’une carrière artistique, d’un exil
Relier les dimensions locales et mondiales des ressources, des pratiques, des cultures
Hybridation des cultures dans leur diversité artistique, historique et géographique.

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Faire oeuvre face à l'histoire et à la politique *

Engagement artistique spontané ou documenté dans les débats du monde.
Recours aux documents, aux archives et aux traces
L’ art et le travail de mémoire, le témoignage d’événements du passé et du présent.