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O Modernismo foi um dos movimentos literários e artísticos de maior expressão no século XX. Grande parte do que foi produzido, no século passado, tem influência desse movimento que tinha como principal objetivo promover a quebra com o que era tradicional e desenhar uma arte verdadeiramente brasileira.

Linha do Tempo do Movimento Literário e Artístico Modernista

O Contexto Histórico

O Modernismo é o primeiro movimento artístico que não passa pelo processo de simples transposição de movimentos europeus para temáticas brasileiras. Porém, não se pode negar que esse movimento se baseou em outros movimentos de vanguarda da Europa como Cubismo, Dadaísmo, Futurismo, Expressionismo e Surrealismo.

Período Pré-Modernista (1902 a 1922)

Um dos marcos da fase pré-modernista é a exposição dos quadros de Anita Malfatti em 1917. As obras propunham uma pintura não-acadêmica seguindo a mesma linha da exposição, realizada em 1913, por Lasar Segall. Nessa época os escritores de maior destaque nacional eram nomes da literatura entendida como tradicional como Monteiro Lobato (que fez duras críticas a Anita Malfatti), Euclides da Cunha, Lima Barreto, Augusto dos Anjos entre outros.

Essa fase nos mostra que ainda havia algum resquício de influência de movimentos literário artísticos passados como o Parnasianismo, Realismo, Naturalismo e Simbolismo.

A Semana de Arte Moderna de 1922 - O Início do Movimento Modernista

Podemos dizer que a Semana de Arte Moderna de 1922 é o marco histórico do início do Modernismo. Contudo, esse momento tão importante começou a ser desenhado anos antes de 1922. O ano de 1917 marcou a história da arte pela aproximação dos dois maiores expoentes da primeira geração modernista Mário e Oswald de Andrade. Os anos que se seguiram até o ano da semana de arte foram marcados por importantes publicações literárias:

No lançamento desse último título Oswald de Andrade diz que chegou o momento de acontecer a revolução modernista. O ano de 1922 foi um ano bastante simbólico para a realização dessa semana de arte porque comemorava o centenário da independência do Brasil. Um momento em que se mostrava urgente descobrir uma identidade nacional.

O Que Aconteceu na Semana de Arte Moderna?

A Semana de Arte Moderna foi realizada de 13 a 17 de fevereiro de 1922. Nesse evento os artistas que faziam parte do movimento aproveitaram para mostrar sua proposta de arte nacional. Essa apresentação foi feita para os intelectuais paulistanos com a chancela de importante pré-modernista, Graça Aranha. Devemos destacar que os envolvidos na organização do evento tinham como principal objetivo chocar os presentes para que houvesse uma discussão do que era a nova arte e a necessidade da busca de uma identidade nacional.

O local escolhido para receber a semana de arte foi o Teatro Municipal de São Paulo para gerar contraste entre o tradicional do espaço e a arte que estava sendo apresentada. O evento contou com pinturas e esculturas bastante transgressoras assim como uma apresentação de Heitor Villa-Lobos com roupa formal e chinelo e a declamação do poema "Os Sapos" de Manuel Bandeira que era uma ávida crítica aos parnasianos e sua forma de fazer poesia.

As Três Fases do Movimento Literário Modernista

Primeira Fase - Fase Heroica (1922 a 1930)

Os escritores e outros artistas que participaram da Semana de Arte Moderna foram os protagonistas da primeira fase que teve como foco a busca pela renovação do senso estético e o desejo de não mais reproduzir movimentos artísticos europeus. Era essencial encontrar a brasilidade, isto é, o estilo brasileiro de fazer arte.

Características do Movimento Modernista da Fase Heroica

- Liberdade formal

Os escritores dessa fase se permitiram abrir mão de regras de escrita que antes eram muito rígidas. Os textos passaram a ter ausência de pontuação, a linguagem se tornou mais coloquial e até mesmo os poemas deixaram de ter uma forma pré-fixada. Os sonetos passaram a ser vistos com muito menos frequência.

- Cotidiano

A temática do cotidiano passou a ser mais abordada e valorizada.

- Textos passados

Os escritores dessa fase também se ocuparam de reescrever alguns textos do passado com foco no novo estilo imposto pelo movimento modernista.

Principais Escritores da Primeira Fase Modernista

Alcântara Machado

Cassiano Ricardo

Guilherme de Almeida

Manuel Bandeira

Mário de Andrade

Menotti del Picchia

Oswald de Andrade

Os nomes de maior destaque da primeira fase foram Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Manuel Bandeira.

Os Manifestos Modernistas da Fase Heroica

Embora o movimento modernista estivesse propondo a ruptura com os movimentos artísticos europeus aproveitou uma de suas mais importantes lições que consistia em criar manifestos e revistas para divulgar as suas ideologias artísticas. Conheça os principais manifestos da primeira fase do movimento modernista:

Movimento Pau-Brasil

Esse movimento serviu como base para o movimento Antropofágico que veio logo em seguida e que teve em Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral os nomes de maior destaque. O objetivo central era difundir uma postura mais primitiva para a poesia com a rejeição da formalidade anterior.

Movimento Antropofágico

O nome mais importante desse movimento foi Oswald de Andrade e aprofundou o que foi proposto no movimento Pau-Brasil. O cerne da questão era encontrar uma nova linguagem literária que fosse brasileira.

Movimento Verde-Amarelo

Também conhecido como Grupo da Anta por usar o animal como seu símbolo foi um movimento de oposição ao Pau-Brasil. Para os integrantes desse movimento era importante promover o destaque de questões ufanistas e nacionalistas. Os principais nomes desse grupo eram Plínio Salgado, Cassiano Ricardo e Menotti del Picchia.

Revistas

As revistas que mais se destacaram na primeira fase do modernismo foram a Klaxon que foi uma publicação usada para veicular informações referentes aos artistas modernistas e a revista Antropofágica que tinha o objetivo de divulgar o movimento homônimo.

Segunda Fase - Fase de Consolidação (1930 a 1945)

Didaticamente a segunda fase do Modernismo começa em 1930 que foi quando Carlos Drummond de Andrade começou a introduzir novos elementos modernistas em sua poesia. Nessa fase as proposições dos modernistas de 22 já tinham se estabelecido e até mesmo se tornado normais de maneira que surge a necessidade de uma busca por novos significados e novas conquistas.

O contexto histórico dessa fase do modernismo é muito importante para entender os novos contornos desenhados. O mundo passo por um momento de grande pessimismo diante de um cenário de guerra que demonstra que quando o conflito eclodir será bem pior que o da Primeira Guerra Mundial. O olhar dos escritores e poetas modernistas então se voltam para um cenário repleto de sofrimento e agruras de nosso país: o Nordeste e seus personagens.

Características da Poesia Modernista da Segunda Fase

Liberdade temática

Gosto pelo cotidiano

Linguagem informal

Escrita não acadêmica

Principais Nomes da Poesia Modernista da Segunda Fase

Características da Prosa Modernista da Segunda Fase

Protagonista - Figura sofrida em muitos romances são nordestinos que sofrem com a seca e a fome.

Denúncia social - A literatura passa a ser usada como ferramenta de denúncia das injustiças sociais.

Linguagem em estilo brasileiro.

Foco nos fatos.

Regionalismo - Essa característica reflete a busca do encontro com o seu próprio eu que foi feita por muitos escritores dessa fase.

Romance urbano - Outra temática recorrente nessa fase.

Narrativas surrealistas.

A Bagaceira

O romance "A Bagaceira" do autor José Américo de Almeida foi publicado no ano de 1928 e para muitos historiadores é o marco dessa segunda fase do modernismo que teve na prosa o seu maior destaque e mostrou uma forte tendência pela busca de romances em estilo documentário.

Vidas Secas

A obra de Graciliano Ramos é uma das mais importantes da literatura brasileira e uma representante dessa fase, sua publicação se deu no ano de 1938. Uma família em busca de fugir da seca em busca de melhores condições de vida nos é apresentada numa linguagem tão concisa e focada nos fatos que faz referência a própria seca que os personagens estão tentando deixar para trás.

Principais Nomes da Prosa Modernista da Segunda Fase

Terceira Fase (1945 a 1960)

A terceira fase do modernismo começa com o final da Segunda Guerra Mundial e o início da tensa Guerra Fria. No Brasil o país acabou de sair da ditadura de Getúlio Vargas e vive um momento de crescimento e modernização na era JK. Alguns estudiosos de literatura consideram que esses autores são pós-modernistas.

Características da Prosa Modernista da Terceira Fase

Principais Nomes da Prosa Modernista da Terceira Fase

Ariano Suassuna

Clarice Lispector

João Cabral de Melo Neto

João Guimarães Rosa

Lygia Fagundes Telles

Mário Quintana

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O Modernismo foi um dos movimentos literários e artísticos de maior expressão no século XX. Grande parte do que foi produzido, no século passado, tem influência desse movimento que tinha como principal objetivo promover a quebra com o que era tradicional e desenhar uma arte verdadeiramente brasileira.

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Sobre os movimentos concomitantes à primeira fase do modernismo

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Sobre os movimentos concomitantes à primeira fase do modernismo

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O Movimento Verde-Amarelo ou Movimento Verde-Amarelismo é um grupo que surgiu na primeira fase do Modernismo e foi constituído por Menotti del Picchia (1892-1988), Plínio Salgado (1895-1988), Guilherme de Almeida (1890-1969) e Cassiano Ricardo (1895-1974).

Resumo

Após a Semana da Arte Moderna, em 1922 - marco do Modernismo no Brasil - os artistas começaram a apresentar novas propostas de arte disseminadas através de publicações, especialmente os manifestos que marcaram a Primeira Fase do Modernismo: Pau-Brasil, Verde-Amarelo, Regionalista e Antropofagia.

Para saber mais leia também: Semana da Arte Moderna.

Crítico e sarcástico, Oswald de Andrade (1890-1954) frequentemente satirizava as suas raízes tanto sociais - burguesas - como acadêmicas. Ao mesmo tempo, pregava o nacionalismo numa linha primitivista, de valorização do nosso passado histórico, mas sempre temperado pela crítica.

Decorrente dessas suas características, em 1924 Oswald de Andrade escreve o Manifesto da Poesia Pau-Brasil - afrancesado - conforme foi apontado pelo Movimento Verde-Amarelo que despontava em São Paulo.

Assim, o surgimento do Movimento Verde-Amarelo decorre como forma de reação ao modelo nacionalista preconizado pelo escritor Oswald de Andrade. O Movimento Verde-Amarelo defendia o patriotismo em excesso e teve clara tendência nazifascista.

Em 1927 o Movimento Verde-Amarelo transformou-se na Escola da Anta, ou Grupo Anta e, em 1928 é a vez de Oswald de Andrade, em parceria com Tarsila do Amaral (1886-1973) e Raul Bopp (1898-1984), lançarem o movimento Antropofagia.

Veja também o artigo: Movimento Antropofágico.

Principais Características

Ufanismo é a característica que melhor define o movimento da Escola da Anta. Trata-se de uma exaltação do Brasil e, ao mesmo tempo, hostilidade às proveniências estrangeiras. A ideologia fascista - baseada no racismo - também estava presente nesse manifesto.

A Escola da Anta recebeu esse nome como representação da nacionalidade brasileira, dado o contexto mítico desse animal na cultura tupi - principal tribo indígena brasileira.

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Movimento Verde-Amarelo e a Escola da Anta

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O Movimento Verde-Amarelo ou Movimento Verde-Amarelismo é um grupo que surgiu na primeira fase do Modernismo e foi constituído por Menotti del Picchia (1892-1988), Plínio Salgado (1895-1988), Guilherme de Almeida (1890-1969) e Cassiano Ricardo (1895-1974). Resumo Após a Semana da Arte Moderna,...

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O movimento modernista como memória de Mário de Andrade

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O movimento modernista como memória de Mário de Andrade

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The modernist movement as Mário de Andrade memoirs

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curiosidades sobre a semana de arte modern

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curiosidades sobre a semana de arte modern

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O maior marco do movimento modernista brasileiro completa 93 anos! A Semana de Arte Moderna teve início no dia 11 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo, e seus efeitos e repercussões marcaram definitivamente a arte, a arquitetura e a cultura brasileira dos anos seguintes.

A intenção dos seus organizadores era renovar e recriar uma arte genuinamente brasileira, mas, ao mesmo tempo, de acordo com as novas tendências que já estavam a todo vapor na Europa. A Semana de Arte Moderna trouxe inovações na música, na literatura, na escultura e na pintura, com nomes como Oswald de Andrade, Mário de Andrade, Anita Malfatti, Heitor Villa-Lobos, Tarsila do Amaral e Victor Brecheret. Por promover mudanças um tanto radicais para a época, acabou sendo alvo de críticas e polêmicas.
Capa do catálogo da exposição, desenhado por Di Cavalcanti. (Imagem: Acervo/Theatro Municipal de São Paulo)
Veja quatro fatos curiosos sobre a Semana:
1. Monteiro Lobato foi ferrenho opositor dos modernistas
As raízes do Modernismo brasileiro, e da própria Semana, vêm de um acontecimento de cinco anos antes. Em 1917, Anita Malfatti, recém-chegada da Europa, montou uma exposição com suas obras em São Paulo, considerada a primeira exposição modernista do Brasil. No dia 20 de dezembro, o escritor Monteiro Lobato publica um artigo no jornal O Estado de S. Paulo que sacudiu a sociedade e a crítica.

Com o título de "Paranoia ou mistificação?", o artigo-bomba critica ferozmente a exposição de Malfatti, apesar de reconhecer seu talento. Ao longo do texto, ele diz que as formas distorcidas e abstratas representadas nas obras modernistas seriam fruto de "cérebros transtornados por psicoses" e defende a arte tradicional da época, dizendo que "todas as artes são regidas por princípios imutáveis". O resultado: uma extensa briga entre defensores dos movimentos modernistas e apoiadores da arte clássica.

Mário de Andrade (sentado, à frente), Anita Malfatti (sentada, à direita) e Zina Aita (ao lado de Anita). ( Imagem: Wikimedia Commons)
2. A Semana foi financiada pela oligarquia paulista

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Com o artigo de Monteiro Lobato, os autores e artistas modernistas começaram a planejar os próximos passos para a difusão do movimento no cenário brasileiro. Mário de Andrade e Oswald de Andrade, que também eram jornalistas, usavam de seu espaço nos jornais para expor o Modernismo e defendê-lo das críticas. Surgiu, então, a ideia de fazer a Semana de Arte Moderna, no suntuoso Theatro Municipal de São Paulo e no mesmo ano em que a declaração de Independência completaria 100 anos. A data escolhida foi simbólica e representaria a "segunda" independência do Brasil - mas, desta vez, no sentido artístico.

Nesse momento, o apoio da elite paulista foi fundamental. À época, em pleno auge do período das oligarquias na República Velha, a oligarquia paulista tinha interesse em tornar São Paulo uma referência em criação cultural, posto que era ocupado pelo Rio de Janeiro. Além disso, o início da efervescência paulista passou a se contrapor ao conservadorismo carioca, que era bem mais tradicional no ramo das artes e, por isso mesmo, tinha um estilo mais consolidado e conservador. Assim, a Semana de Arte Moderna foi amplamente financiada pela elite cafeeira, que tomou a frente do evento que teria projeção nacional.
"O homem amarelo" e "A estudante russa", obras de Anita Malfatti que foram expostas na Semana. (Imagens: divulgação)3. Era para ser uma semana, mas só durou três dias
Talvez porque a intenção fosse, de fato, experimentar e provocar mudanças, a Semana de Arte Moderna, na verdade, durou apenas três dias, alternados. O evento esteve anunciado e programado para ocorrer entre os dias 11 e 18 de fevereiro, mas o Theatro foi aberto para as exposições nos dias 13, 15 e 17.

Em cada dia, as apresentações foram divididas por tema: no dia 13, pintura e escultura; no dia 15, a literatura; e no dia 17, a música. Ironicamente, alguns dos nomes mais importantes do Modernismo não estiveram presentes na Semana. É o caso de Tarsila do Amaral, provavelmente a pintora mais conhecida do movimento, que estava em Paris, e Manuel Bandeira, que ficou doente e faltou à declamação do seu próprio poema, Os sapos, no segundo dia.
4. O público não gostou
Toda aquela modernidade não agradou o público. As pinturas e esculturas, de formas estranhas, fizeram os visitantes se perguntarem se os quadros estavam pendurados da maneira certa. Os poemas modernistas eram declamados entre vaias e gritos da plateia. Conta-se, inclusive, que no último dia o músico Heitor Villa-Lobos entrou para sua apresentação calçando sapato em um pé e chinelos no outro, o que foi considerado um desrespeito pelo público presente. Não deu outra: ele foi vaiado furiosamente. Depois, o maestro explicou que fora calçado assim porque estava com um calo no pé.

A reação dos visitantes ecoou entre os especialistas, que tratou o movimento como desimportante e retomou as críticas vorazes de Monteiro Lobato. De fato, à época, a Semana de Arte Moderna não teve tanta importância. Mas, nos anos seguintes, o evento passou a ser considerado o marco que inaugurou o Modernismo no país e provocou os efeitos sentidos em todos os aspectos da cultura brasileira.
LEIA MAIS
>> GALERIA: O que você precisa saber sobre o Modernismo
>> JOGO: Você sabe o que foi a Semana de Arte Moderna de 1922?
>> Mário de Andrade, a face do Modernismo
>> SIMULADO: Modernismo (1o questões)

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Veja 4 curiosidades sobre a Semana de Arte Moderna de 1922

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O maior marco do movimento modernista brasileiro completa 93 anos! A Semana de Arte Moderna teve início no dia 11 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo, e seus efeitos e repercussões marcaram definitivamente a arte, a arquitetura e a cultura brasileira dos anos seguintes.

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Abaporu e sua relação com o modernismo

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Doutora em Estudos da Cultura

Abaporu é uma clássica pintura do modernismo brasileiro, da artista Tarsila do Amaral. Considerada uma obra-prima da autora, a tela foi pintada a óleo em 1928 para ser oferecida ao seu então marido, o escritor Oswald de Andrade.

No quadro vemos a valorização do trabalho braçal (observe o pé e a mão enormes) e a desvalorização do trabalho mental (repare na cabeça minúscula).

O nome da obra é de origem tupi-guarani e significa " homem que come gente" (canibal ou antropófago). O título da tela é resultado de uma junção dos termos aba (homem), pora (gente) e ú (comer).

Abaporu, de Tarsila do Amaral.

A tela foi pintada por Tarsila em janeiro de 1928 e oferecida ao seu marido, o escritor Oswald de Andrade, como um presente de aniversário.

Quando Oswald recebeu a tela ficou imediatamente encantado e disse que aquele era o melhor quadro que Tarsila já havia pintado. Os elementos que constam na tela, especialmente a inusitada figura ao centro, despertaram em Oswald a ideia da criação do Movimento Antropofágico.

O Movimento consistia na deglutição da cultura estrangeira, incorporando-a na realidade brasileira para dar origem a uma nova cultura transformada, moderna e representativa da nossa cultura.

Conheça um pouco mais da vida e obra de Tarsila do Amaral.

Análise da Obra Abaporu

Esta obra marca a fase antropofágica da pintora Tarsila de Amaral que ocorreu entre 1928 e 1930. É possível identificar traços característicos da artistas como a escolha de cores fortes, a inclusão de temas imaginários e a alteração da realidade.

Na pintura vemos um homem com grandes pés e mãos, e ainda o sol e um cacto. Estes elementos podem representar o trabalho físico que era o ofício da maior parte da população brasileira naquele período.

Por outro lado, a cabeça pequena pode significar a falta de pensamento crítico, que se limita a trabalhar com força, mas sem pensar muito, sendo então uma possível crítica à sociedade daquela época.

O homem em Abaporu representado transmite uma certa melancolia, pois o posicionamento da cabeça e expressão denotam alguma tristeza ou depressão. Além disso, o pé grande também pode revelar uma forte conexão do ser humano com a terra.

A técnica do gigantismo já havia sido praticada antes por Tarsila na tela A negra, pintada em 1923:

O quadro A negra, pintado anos antes de Abaporu, já trazia traços de gigantismo que viriam a ser intensificados posteriormente.

Quanto às cores usadas em Abaporu, parece haver uma clara alusão à cultura brasileira pois há destaque para o verde, o amarelo e o azul, cores predominantes da bandeira do Brasil.

O cacto faz uma referência à vegetação de regiões secas, como é o caso da nordestina, e o sol simboliza a dura rotina do trabalhador rural.

Tarsila, em correspondência trocada em 1924, deixou claro a sua vontade de se tornar uma pintora da sua terra:

Sinto-me cada vez mais brasileira: quero ser a pintora da minha terra. Como agradeço poder ter passado na fazenda minha infância toda. As reminiscências desse tempo vão se tornando preciosas para mim. Quero, na arte, ser a caipirinha [da fazenda] de São Bernardo, brincando com bonecas de mato, como no último quadro que estou pintado.

Muitos críticos de arte costumam associar a tela de Tarsila do Amaral a célebre escultura O Pensador, de Rodin, alguns chegam a sugerir que Abaporu é mesmo uma releitura da famosa peça do escultor francês.

Fato é que em ambas as criações vemos apenas um único protagonista, solitário, com um ar pensativo e com a mão apoiada na cabeça com uma postura corporal semelhante.

O pensador, de Rodin. Muitos críticos observam uma semelhança entre a escultura do artista francês e a tela Abaporu, de Tarsila do Amaral.

Observação detalhada de Abaporu

1. Cacto

O cacto é um elemento característico da flora nordestina e, portanto, uma imagem empregada simbolicamente para retratar a brasilidade.

Como é uma planta típica de lugares áridos, o cacto é uma lembrança da seca e da resistência e estabelece um paralelo com o povo brasileiro, celebrado pela sua capacidade de resiliência.

Vale lembrar que o cacto retratado por Tarsila é, assim como o chão, verde, uma cor muito cara à identidade nacional devido à sua forte presença na bandeira.

2. Sol

Símbolo do calor e da energia que propicia a vida, o sol pintado por Tarsila também impõe condições de trabalho duras aos funcionários rurais.

Na tela é curioso que a figura do sol seja semelhante à representação de um olho, que está posicionado acima da figura e do cacto, parecendo observar a cena.

Na composição da obra, o local escolhido para o sol é de centralidade e intermédio entre o cacto e o rosto humano. Parece que a luz emana e permite a vida tanto da flora quanto da fauna.

O amarelo do sol - assim como o azul do céu - está também presente na cor da bandeira nacional imprimindo à obra mais um traço de brasilidade.

3. Cabeça pequena

A cabeça deformada é dos elementos que mais chama a atenção diante do corpo desproporcional imaginado por Tarsila. Não por acaso, a pintora nomeou o sujeito como "figura monstruosa".

Não se consegue distinguir bem as feições da criatura em questão, por isso não sabemos se se trata de um homem ou de uma mulher.

Sem boca, não é possível interpretar com segurança a expressão da personagem com cabeça de alfinete, exceto pelo fato de estar com a face apoiada no braço (seria um sinal de cansaço?).

Alheio(a) ao que se passa ao redor, o rosto também não apresenta orelhas e se encontra muito próximo do sol. Uma das teorias mais divulgadas entre os especialistas é que a cabeça pequena é um sinal da condição da desvalorização do trabalho intelectual no nosso país.

4. Pé e mão enorme

O protagonista (ou a protagonista?) escolhida por Tarsila é uma figura extremamente desproporcional, especialmente se formos comparar as dimensões da cabeça e dos membros direitos (os membros esquerdos estão omitidos).

Ele(a) brota da Terra, assentado(a) no chão, assim como o cacto, mostrando-se intimamente ligado(a) ao solo.

Os pés e as mãos ampliados destacam o sofrimento do trabalhador brasileiro, a demasiada importância dada à força braçal e ao trabalho físico em oposição à desvalorização do trabalho intelectual.

Outra leitura possível para o tamanho enorme do pé é o desejo da pintora sublinhar a conexão do homem com a Terra.

Contexto histórico

Abaporu foi pintado nos anos 1920, um período especial para o país que vivia o encerramento da República Velha.

A República Velha durou longos anos, tendo se iniciado no dia 15 de novembro de 1889 (com a proclamação da República) e se encerrado com a Revolução de 1930, que veio a depor Washington Luís, o último presidente da República Velha.

Tanto o Brasil quanto especialmente a cidade de São Paulo caminhavam a passos largos rumo ao desenvolvimento. A década de 1920 foi marcada fortemente pela industrialização.

Em termos artísticos, 1922 foi um ano chave para os intelectuais brasileiro. Em fevereiro de 1922, o o Teatro Municipal de São Paulo abrigou a Semana de Arte Moderna, um evento que reuniu pintores, escultores, compositores, músicos e escritores. O evento havia sido planejado desde o final do ano anterior - 1921 - por Di Cavalcanti e Marinette Prado (esposa de Paulo Prado).

Os artistas se reuniram com o desejo de travar o rompimento radical com a arte em vigência, que consideravam conservadora. Em comum, os intelectuais traziam uma bagagem cultural repleta de ensinamentos aprendidos na Europa. Uma boa parcela dos artistas havia passado temporadas no velho continente e, após regressarem à casa, desejavam por em prática as novidades que haviam visto.

Da Semana de Arte Moderna participaram grandes nomes do cenário cultural nacional como:

Mário de Andrade (literatura);

Oswald de Andrade (literatura)

Sérgio Milliet (literatura);

Menotti Del Picchia (literatura);

Ronald Carvalho (literatura);

Villa Lobos (música);

Victor Brecheret (escultura);

Di Cavalcanti (pintura);

Anita Malfatti (pintura)

Vicente do Rego Monteiro (pintura)

Tarsila do Amaral não participou do evento porque encontrava-se em Paris, mas, quando retornou ao Brasil, se integrou ao Grupo dos Cinco. Anita Malfatti, sua amiga das aulas de pintura, foi quem a introduziu ao grupo que também possuía como integrantes Mário de Andrade, Menotti del Picchia e Oswald de Andrade.

Tarsila se apaixonou pelo escritor Oswald de Andrade e os dois acabaram por se casar. Em 1923, o Grupo dos Cinco se dissolveu porque tanto Anita quanto o casal Tarsila e Oswald imigraram para Paris.

Informações práticas sobre o quadro

O quadro Abaporu foi adquirido no ano de 1995 pelo colecionador argentino Eduardo Constantini através de um leilão realizado em Nova York. O valor da venda? Meros 1,5 milhões de dólares.

Atualmente a tela encontra-se exposta no MALBA (Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires). Especula-se que a obra-prima de Tarsila seja a obra brasileira mais valorizada no mundo, tendo alcançado o valor mais alto de venda na história dos negócios da pintura no país.

Durante as Olimpíadas de 2016, sediada no Brasil, Abaporu participou da exposição chamada A cor do Brasil, realizada no Rio de Janeiro.

Em março de 2011, o Abaporu foi novamente emprestado ao governo brasileiro pelo MALBA. Dessa vez a tela veio integrar a exposição Mulheres, Artistas e brasileiras, idealizada pela então presidente Dilma Rousseff. A mostra foi realizada no Salão Oeste do Palácio do Planalto, em Brasília, e reuniu 80 obras do século XX pertencentes a 49 artistas mulheres do Brasil.

Em termos de dimensões, o óleo sobre tela Abaporu tem oitenta e cinco centímetros de altura e setenta e três centímetros de largura. Abaporu é considerado por muitos historiadores da arte como a pintura mais importante produzida no Brasil.

Releitura de Abaporu por Romero Britto

O Abaporu teve grande influência em vários artistas brasileiros. Romero Britto, pintor e escultor do Recife (Pernambuco) estabelecido nos Estados Unidos, por exemplo, produziu um quadro que é uma releitura da obra Abaporu, de Tarsila do Amaral.
Conheça também

Releitura de Abaporu feita por Romero Brito.

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Abaporu de Tarsila do Amaral: significado da obra

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Abaporu é uma clássica pintura do modernismo brasileiro, da artista Tarsila do Amaral. Considerada uma obra-prima da autora, a tela foi pintada a óleo em...

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Registro das origens nacionais

heroitização

Liberdade de expressão

Despreocupação com a métrica

Ruptura com o passado

linguagem coloquial

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5 Minutos sobre:  1a Geração Modernista - Características

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Os manifestos Antropofágico e Manifesto da poesia do pau brasil

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Sobre modernusmo, informações sobre os Manifestos

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Abaporu, quadro de Tarsila Amaral que representa um marco do movimento antropofágico

O Modernismo foi criado no período compreendido entre 1922 a 1930 e teve início com o marco da Semana de Arte Moderna em fevereiro 1922, no teatro Municipal de São Paulo e pretendia fazer com que a população, de modo geral, tomasse consciência da realidade brasileira. Este movimento cultural foi idealizado e liderado por um grupo de artistas integrado pelos escritores Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia e pela pintora Anita Malfatti, além de contar com várias participações artísticas.
É considerado um movimento não só artístico como também político e social, já que se opunha à política totalitária da época, bem como da contradição social entre os proletários e imigrantes e as oligarquias rurais.

A Semana de Arte Moderna trouxe um rompimento, uma destruição das estruturas clássicas, acadêmicas, harmônicas, e por esse motivo tem caráter anárquico e destruidor. Mário de Andrade chamou a primeira fase do Modernismo de "fase da destruição", já que é totalmente contraditória ao parnasianismo ou simbolismo das décadas anteriores. Os artistas têm em comum a busca pela origem, daí vem o nacionalismo e acarreta a volta às origens e valorização do índio brasileiro.

A primeira fase modernista também é marcada pelos manifestos nacionalistas: do Pau-Brasil, da Antropofagia, do Verde-Amarelismo e o da Escola da Anta. Podemos destacá-los da seguinte forma:

* Manifesto Pau-Brasil: escrito por Oswald de Andrade, publicado no jornal "Correio da Manhã", em 18 de março de 1924, apresentou uma proposta de literatura vinculada à realidade brasileira e às características culturais do povo brasileiro, com a intenção de causar um sentimento nacionalista, uma retomada de consciência nacional.

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* Antropofagia: publicado entre os meses de maio de 1928 e fevereiro de 1929, sob direção de Antônio de Alcântara Machado, surgiu como nova etapa do nacionalismo "Pau-Brasil" e resposta ao "Verde-Amarelismo". Sua origem se dá a partir de uma tela feita por Tarsila do Amaral, em janeiro de 1928, batizada de Abaporu ( aba= homem e poru = que come). Assinado por Oswald de Andrade, tinha, como diz Antônio Cândido, "uma atitude brasileira de devoração ritual dos valores europeus, a fim de superar a civilização patriarcal e capitalista, com suas normas rígidas no plano social e os seus recalques impostos, no plano psicológico"

* Verde-Amarelismo: este movimento surgiu como resposta ao "nacionalismo afrancesado" do Pau-Brasil, em 1926, apresentado, principalmente, por Oswald de Andrade, liderado por Plínio Salgado. O principal objetivo era o de propor um nacionalismo puro, primitivo, sem qualquer tipo de influência.

* Anta: parte do movimento Verde-Amarelismo, representa a proposta do nacionalismo primitivo elegendo como símbolo nacional a "anta", além de vangloriar a língua indígena "tupi".

Através das características desses manifestos, temos por análise a identificação de duas posturas nacionalistas distintas: de um lado o nacionalismo consciente, crítico da realidade brasileira, e de outro um nacionalismo ufanista, utópico, exacerbado.

Os principais escritores da primeira fase do Modernismo são: Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Manuel Bandeira, Antônio de Alcântara Machado.

Trecho do Manifesto Antropófago - Oswald de Andrade

"Nunca fomos catequizados. Fizemos foi Carnaval. O índio vestido de senador do Império. Ou figurando nas óperas de Alencar cheio de bons sentimentos portugueses."

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Modernismo - Primeira fase literária - Mundo Educação

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Abaporu, quadro de Tarsila Amaral que representa um marco do movimento antropofágico O Modernismo foi criado no período compreendido entre 1922 a 1930 e teve início com o marco da Semana de Arte Moderna em fevereiro 1922, no teatro Municipal de São Paulo e pretendia fazer com que a população, de modo geral, tomasse consciência da realidade brasileira.

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Macunaíma e a influência modernista na obra

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Com uma narrativa de caráter mítico, em que os acontecimentos não seguem as convenções realistas, a obra procura fazer um retrato do povo brasileiro, por meio do "herói sem caráter".

- Leia o resumo de Macunaíma

Rapsódia
"Macunaíma" é fruto do conhecimento reunido por Mario de Andrade acerca das lendas e mitos indígenas e folclóricos. Dessa forma, pode-se dizer que a obra é uma rapsódia, que é uma palavra que vem do grego e designa obras tais como a Ilíada e a Odisséia de Homero. Para os gregos, uma rapsódia é uma obra literária que condensa todas as tradições orais e folclóricas de um povo. Além disso, na música (Mario de Andrade tinha formação musical também) uma rapsódia utiliza contos tradicionais ou populares de certo povo em temas de composição improvisada.

Há, ainda, uma aproximação ao gênero épico: à medida que o livro narra, em trechos fragmentados, a vida de um personagem que simboliza uma nação. Sobre a acepção musical dada pelo dicionário, chama atenção o improviso da narrativa, que impressiona e surpreende a cada momento, tendo como pano de fundo a cultura popular.

O enredo dessa rapsódia pode tornar-se confuso ao leitor acostumado ao pacto de verossimilhança realista. Por exemplo, é necessário aceitar o fato de o protagonista morrer duas vezes no romance; ou, então, que Macunaíma, em uma fuga, possa estar em Manaus e, algumas linhas depois, aparecer na Argentina; ou ainda o fato de o herói encontrar uma poça que embranquece quem nela se banha.

A verossimilhança em questão é surrealista e deve ser lida de forma simbólica. A cena em que Macunaíma e seus dois irmãos se banham na água que embranquece pode ser entendida como o símbolo das três etnias que formaram o Brasil: o branco, vindo da Europa; o negro, trazido como escravo da África; e o índio nativo. Nessa cena, Macunaíma é o primeiro a se banhar e torna-se loiro. Jiguê é o segundo, e como a água já estava "suja" do negrume do herói, fica com a cor de bronze (índio); por último, Manaape, que simboliza o negro, só embranquece a palma das mãos e a sola dos pés.

Retrato do povo brasileiro
O livro faz parte da primeira fase modernista - a fase heroica. A influência das vanguardas europeias é visível em várias técnicas inovadoras de linguagem que a obra apresenta. Por isso, "Macunaíma" pode oferecer algumas dificuldades ao leitor desavisado.

Há inúmeras referências ao folclore brasileiro. A narrativa se aproxima da oralidade - no capítulo "Cartas pras Icamiabas", Macunaíma ironiza o povo de São Paulo, que fala em uma língua e escreve em outra. Além disso, não existe verossimilhança realista.

Alguns aspectos históricos motivaram Mário de Andrade a criar tais "empecilhos". A referência ao folclore brasileiro e à linguagem oral é manifestação típica da primeira fase modernista, quando os escritores estavam preocupados em descobrir a identidade do país e do brasileiro. No plano formal, essa busca se dá pela linguagem falada no Brasil, ignorando, ou melhor, desafiando o português lusitano. No plano temático, a utilização do folclore servia como matéria-prima dessa busca.

"Macunaíma" é, portanto, uma tentativa de construção do retrato do povo brasileiro. Essa tentativa não era nova. O autor romântico José de Alencar, por exemplo, tivera a mesma intenção ao criar, no romance O Guarani, o personagem Peri, índio de aspirações nobres, que se assemelhava, em relação a sua conduta ética, a um cavaleiro medieval lusitano. Não é exagero dizer, se compararmos Peri a Macunaíma, que esse é o oposto daquele. Enquanto o primeiro é valente, extremamente perseverante e encontra suas motivações nos valores da ética e da moral, Macunaíma, além de indolente, conduz a maioria de seus atos movido pelo prazer terreno, mundano. É "o herói sem nenhum caráter".

Assim, "Macunaíma" é uma obra que busca sintetizar o caráter brasileiro, segundo as convicções da primeira fase modernista. Uma leitura possível é a de que o povo brasileiro não tem um caráter definido e o Brasil é um país grande como o corpo de Macunaíma, mas imaturo, característica que é simbolizada pela cabeça pequena do herói.

Narrador
A crítica literária contemporânea faz questão de considerar a diferença entre o autor e o narrador: esse é tido como uma criação daquele. No caso de "Macunaíma", no entanto, essa distinção pode ser questionada, quando o narrador aparece no último capítulo. No "Epílogo", o narrador revela que a história que acabara de narrar havia sido contada por um papagaio, que, por sua vez, a tinha ouvido de Macunaíma: "Tudo ele - o papagaio - contou pro homem e depois abriu asa rumo a Lisboa. E o homem sou eu, minha gente, e eu fiquei pra vos contar a história". Essa interferência do narrador, da forma como foi feita, aproxima-o do autor, no caso Mário de Andrade.

Tempo e espaço
Por tratar-se de uma narrativa mítica, o tempo e o espaço da obra não estão precisamente definidos, tendo como base a realidade. Pode-se dizer apenas que o espaço é prioritariamente o espaço geográfico brasileiro, com algumas referências ao exterior, enquanto o tempo cronológico da narrativa se mostra indefinido.

Comentário do professor
O prof. Marcílio Lopes Couto, do Colégio Anglo, ressalta que "Macunaíma" é uma obra inserida nas propostas da Semana de Arte Moderna de 1922. Mario de Andrade, assim como outros modernistas, busca resgatar a imagem do Brasil, sendo, portanto, uma obrar com caráter nacionalista. Porém, esse nacionalismo não é dado da mesma forma que o nacionalismo dos escritores do Romantismo, que usavam a figura idealizada do índio. Em Macunaíma o nacionalismo tem um caráter crítico e a figura do índio aparece causando uma reflexão sobre o que é ser brasileiro.

Além disso, o prof. Marcílio também destaca que pretendia-se criar uma literatura brasileira, resgatando a brasilidade através das lendas e folclores de raiz latino-americana (principalmente indígenas), e moderna. O caráter "moderno" da obra se dá principalmente através do aspecto formal do texto, com uma linguagem coloquial, que foge da norma culta e de qualquer erudição vazia. Outro ponto destacado pelo professor, é que o estranhamento causado pela leitura de "Macunaíma" muitas vezes se deve ao distanciamento que temos das lendas e folclores latino-americanos.

Por fim, o prof. Marcílio acredita que, devido à importância que o aspecto formal tem na obra, o vestibular pode exigir conhecimentos referentes a linguagem utilizada e a própria maneira como o autor escreve o livro. Um exemplo seria a utilização do famoso capítulo IX, "Carta para Icamiabas", para discutir estes aspectos formais. Nesse capítulo, Macunaíma está em São Paulo e escreve uma carta para as Icamiabas (índias da qual Macunaíma seria o rei) utilizando o português erudito. Porém, Macunaíma não domina as normas da língua escrita e acaba cometendo alguns deslizes, o que causa um efeito cômico. O vestibular poderia pedir para o aluno justificar a presença dessa carta no livro e qual a coerência com o restante da obra.s

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"Macunaíma" - Análise da obra de Mario de Andrade

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Com uma narrativa de caráter mítico, em que os acontecimentos não seguem as convenções realistas, a obra procura fazer um retrato do povo brasileiro, por meio do "herói sem caráter". - Leia o resumo de Macunaíma Rapsódia "Macunaíma" é fruto do conhecimento reunido por Mario de Andrade acerca das lendas e mitos indígenas e folclóricos.

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(1922 a 1930)