# data[].attributes.body
Fecha de visita: Abril 21/2021

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, recovering Pablo Picasso's Guernica as well as an outstanding representation of the international avant-gardes and neo-avant-gardes. In short, the founding of this museum means the recuperation of the experience of modernity previously missing from the Spanish context and the opportunity to try out new models of narration from a periphery that is neither lateral nor derivative, but is rather an entry way for new stories, historiographic models and artistic episodes that tip the balance of the orthodox canon of the main museums.

Therefore, the Museo Reina Sofía program is three-fold: on the one hand, rethinking the function of the museum today; on the other hand, analysing the mechanisms for mediation between the public and the institution; and finally, proposing new contexts and stories through the collection and exhibits that lead to a new notion of modernity.

The institution no longer considers its task to be simply the transmission of culture. Instead, it works with other agents and institutions, creating networks and alliances that strengthen the public sphere and position Museo Reina Sofía as a reference of prime importance in the geopolitical South. Similarly, the public is no longer conceived of as a homogenous and uniform multitude, but rather as a collective, multiple agent that questions, rejects and forms opinions, that builds, so to speak, its relationship with the Museum through the singularity of the artistic experience.

The building that houses Museo Reina Sofía is comprised of two parts: the museum's new wing, inaugurated in 2005 and built under the direction of the French architect Jean Nouvel, and the part that was originally built as the General Hospital, promoted by Philip II of Spain in the 16th century and later by Charles III of Spain. The original plans were drawn up by the engineer and architect Jose Agustín de Hermosilla in 1756 and continued by the Italian architect Francesco Sabatini during the second half of the 18th century. Today its appearance is far from the initial conception, due to the multiple modifications it has undergone despite the fact that it continued to be used as a hospital until 1968. It was then abandoned, leading to its deterioration during the subsequent years, until it was acquired by the Ministry of Education, in 1976, to be renovated and transformed into a cultural centre. In 1986, as a culmination of Spain's transition to democracy, the Reina Sofia Art Centre (Centro de Arte Reina Sofía) was created. Four years later it would become a National Museum (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), with the founding of the current museum.

The Museum's continual development in terms of its collections and activities led to the decision to study the possibility of increasing its floor area. The studies performed ended in 1999 and, following an international call for bids, the architect Jean Nouvel was chosen to direct the construction of the new building. His plans, in addition to meeting the needs expressed by the Museum, called for playing an active role in the neighbourhood, intervening and transforming the urban surroundings, while generating new services and a public square. The creation of the latter, made possible by the arrangement of new buildings and the southwest façade of the current Museum, gave a new space to the city.

# data[].attributes.attachment_link.title
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, ...

# data[].attributes.body
Es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo, ubicado en la Calle de Santa Isabel en Madrid, España. Fue fundado el 10 de septiembre de 1992. El museo de arte reina Sofia en Madrid tuvo 3 épocas definidas. La primera fue de 1894 a 1951 y correspondió al período del Museo de Arte en el edificio de Bibliotecas y Museos, que en esa época se conoció como la biblioteca nacional “el madrileño Paseo de recoletos”. La segunda época fue entre 1952 y 1968, y correspondió a la separación entre el museo de arte moderno del siglo XIX y el museo de arte contemporáneo; repartiéndose así todas las obras entre ambas instituciones. La última época corresponde de 1968 hasta nuestros días y vino con la reestructuración arquitectónica del museo y un nuevo nombre: Museo Español de arte contemporáneo Reina Sofia.
El museo hoy en día expone una serie de exposiciones temporales que han sido bien acogidas por el publico y dan espacio a artistas de todo el mundo de dar a reconocer su arte. Entre estas la exposición, Cézanne (1984) que fue de especial importancia en la época, ya que fue la primera organizada por la misma institución para dar vista a un maestro del arte posimpresionista en la península ibérica y la región mediterránea. Además de esto, el museo cuenta con pinturas mundiales y nacionales que hacen parte de sus exposiciones permanentes, la mayoría compradas el mismo año que la exposición anteriormente mencionada con un crédito extraordinario por parte del gobierno español por el valor de doscientos ochenta millones de pesetas. Con este capital se compraron pinturas de Bonnard, Picasso, Braque, Juan Gris, Bacon, Alberto Sánchez, Maruja Mallo, Oteyza, Palazuelo y Antonio López García, entre otros muchos.

# data[].attributes.headline
Gran joya del museo; Guernica - Pablo Picasso

# data[].attributes.subject
Gran joya del museo; Guernica - Pablo Picasso

# data[].attributes.body
Tamaño: 3,49 m x 7,77 m
Períodos: Cubismo y surrealismo
Óleo sobre lienzo

Fue pintado en Paris en 1937. Aludiendo al bombardeo de Guernica el 26 de abril del mismo año, durante la guerra civil española. Realizó varios viajes por Europa y América, antes de finalmente haber sido establecida en España en 1981, dando como destino final al Museo Reina Sofía en 1992. Se convirtió en un símbolo político a tal punto que aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia.

# data[].attributes.body
Fecha de creación: 1913
Estilo: Cubismo

Dimensiones: w600 x h810 mm
Técnica artística: Óleo sobre lienzo

Esta pintura captó mucho más mi atención, puesto que, a primera vista, lo que se hace notar más son las cuerdas de la guitarra en todo el centro de la pintura, son estas líneas en forma horizontal. Sin embargo, al detallarla más, hay más partes del violín en la pintura, es decir, se ve más clara la figura del violín que la de la guitarra. Los colores predominantes son el azul en pequeña porción, pero se distingue del resto de la pintura, puesto que el resto de los colores utilizados en la pintura son tierra. Estos colores tipo madera fueron utilizados para reflejar los instrumentos y el espacio en el que estos se encuentran. Los cuadros rojos en la parte inferior e izquierda de la pintura, parecen mostrar un mantel, en donde los instrumentos están posicionados. Asimismo, Juan Gris dividió el lienzo y las partes de la pintura en secciones verticales, evidenciando claramente los cuadros que se forman. El aplica este método cubista, mezclándolo un poco con características del realismo, para dar esta impresión de que no hay simetría alguna, puesto que se puede también reflejar algo de abstracción en la pintura.

# data[].attributes.attachment_link.title
Repensar Guernica. La obra-icono del siglo XX de Picasso en detalle

# data[].attributes.attachment_link.description
Una investigación sobre Guernica de Pablo Picasso llevada a cabo por el Museo Reina Sofía y compuesta por alrededor de 2000 documentos

# data[].attributes.attachment_link.title
Repensar Guernica. La obra-icono del siglo XX de Picasso en detalle

# data[].attributes.attachment_link.description
Una investigación sobre Guernica de Pablo Picasso llevada a cabo por el Museo Reina Sofía y compuesta por alrededor de 2000 documentos

# data[].attributes.body
Respecto a las obras, mis primeras impresiones fueron que la gran mayoría de pinturas tienen maneras diferentes de ser interpretadas, puesto que son del estilo del cubismo, por ende son algo complicadas de entender a primera vista. Asimismo, son pinturas con tonalidades muy oscuras y con figuras abstractas dentro de ellas. Me pareció muy interesante ver como también el museo también está muy enfocado en mostrar estos períodos de guerra civil, y en intentar reflejar lo que se sintió haber vivido durante esa época.
Por otro lado, la manera en la que está construido, y en su diseño como tal, me gusto mucho que por fuera es muy simplista, pero al verlo por dentro, tiene está organización, en donde a cada pintura se le da su propio espacio para ser protagonista, sin importar ni tamaños, ni colores.

# data[].attributes.headline
Musée d'Orsay.           Paris, Francia.

# data[].attributes.subject
Musée d'Orsay.           Paris, Francia.

# data[].attributes.body
Fecha de visita: Abril 26/2021

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum was installed in the former Orsay railway station, built for the Universal Exhibition of 1900. So the building itself could be seen as the first "work of art" in the Musee d'Orsay, which displays collections of art from the period 1848 to 1914.

Open from 9.30am to 6pm daily, except Mondays
Late night on Thursdays until 9.45pm
Last tickets sold at 5pm (9pm Thursdays), museum cleared at 5.30pm (9.15pm Thursdays)
Closed on Mondays, on 1 January, 1 May and 25 December

# data[].attributes.attachment_link.title
Musée d'Orsay, Paris, Paris, France - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum w...

# data[].attributes.body
El museo está situado a lo largo del Sena frente al jardín de las Tuileries, el museo fue instalado en la antigua estación de Orsay, en un edificio construido para la Exposición universal de 1900. De cierto modo el edificio es la primera “obra” de las colecciones del museo de Orsay, que presenta el arte de las últimas décadas, transcurridas entre 1848 y 1914, y enfocado en las artes plásticas del siglo XIX. De 1900 a 1939, la Estación de Orsay desempeñó el papel de cabeza de la línea suroeste de Francia. A partir de 1939, la estación dejaría de comunicar con los alrededores, sus andenes resultaban demasiado cortos debido a la electrificación progresiva de las líneas férreas y de la prolongación de los trenes. La estación fue utilizada eventualmente como centro de expedición de los paquetes postales para los prisioneros durante la guerra, luego como centro de acogida de los prisioneros. La transformación de la estación en museo fue gracias a los arquitectos del grupo ACT-Architecture, Sres. Bardon, Colboc y Philippon. Este proyecto debía respetar la arquitectura de Victor Laloux, esto fue realizado en el año 1979. Tres niveles diseñan el recorrido del museo: en la planta baja, las salas están distribuidas a ambos lados del patio central. En el nivel intermedio, las terrazas dominan el patio e introducen a las salas de exposición. El piso superior está acondicionado encima del vestíbulo que bordea el muelle y que se prolonga en la parte más alta del hotel que da a la calle de Bellechasse, creando una unificación harmónica dentro del museo.
Edificio

Longitud sin marquesina: 173 metros
Longitud con marquesina incluida: 188 metros
Ancho: 75 metros
Vestíbulo bajo la nave

Longitud: 138 metros
Ancho: 40 metros
Altura: 32 metros

Materiales

12 000 toneladas de estructuras metálicas
35 000 m2 de cristaleras y paredes acristaladas
1 600 artesones con rosetas en la nave

# data[].attributes.headline
Gran joya del museo; Autorretrato - Vincent Van Gogh

# data[].attributes.subject
Gran joya del museo; Autorretrato - Vincent Van Gogh

# data[].attributes.body
Dimensiones: 65.0 centímetros x 54.0 centímetros
Material: Óleo y Lienzo
Fecha de creación: Septiembre de 1889

Esta obra es uno de los 40 autorretratos que Van Gogh produjo en un período de 10 años, se pintaba a si mismo ya que en su momento el no tenia como pagarle a modelos. No es seguro si fue pintado antes o después de haberse  mutilado la oreja. Le envío este cuadro a su hermano, el marchante de arte Theo, y le escribió en la carta lo siguiente; "necesitarás estudiar [el cuadro] por un tiempo. Espero que notes que mis expresiones faciales se han vuelto mucho más tranquilas, aunque mis ojos tienen la misma mirada insegura que antes, o eso me parece a mí." La obra es exhibida en el Museo d'Orsay desde 1986.

# data[].attributes.headline
Noche estrellada sobre el Ródano - Vincent Van Gogh

# data[].attributes.subject
Noche estrellada sobre el Ródano - Vincent Van Gogh

# data[].attributes.body
Fecha de creación: 1888
Tamaño: 72 cm x 92 cm
Género: Pintura del paisaje
Períodos: Arte moderno, posimpresionismo
Técnica artística: Óleo sobre lienzo

Esta pintura siempre ha sido una de mis obras favoritas, pues siempre me llamo la atención la simplicidad de la pintura como tal, pero también el detalle que se le da a cada cosa. Por un lado, en la pintura los colores predominantes son el amarillo, que es utilizado para la iluminación, para el reflejo en el agua de las luces y también como tal las luces de las casas en la parte de atrás, asimismo, el azul oscuro representando la noche y el agua del rio (el reflejo de la noche en este), también colores como el verde y sus diferentes tonalidades utilizados para el piso y para detallar más el fondo de la pintura. Se logra captar la manera en la que el pincel fue utilizado al reflejar la iluminación en el agua y darle este efecto del reflejo como tal. El uso de líneas verticales se representa en los barcos y también líneas horizontales para hacer los barcos, y también para mostrar como el horizonte al fondo, como lo que bordea al rio. Ahora, se aprecia como el pincel fue utilizado en varías direcciones para poder darle este impresionismo y este realismo que caracteriza a la pintura. La pareja en la esquina inferior derecha, no considero que sean el objeto principal de la obra, pero si es importante porque representan a estos amantes que caminaban juntos por la noche, dando un paseo por el Ródano. Considero que el objetivo de la obra es mostrar en sí la noche estrellada, la cual puede ser una noche romántica e inspiradora, no solo para parejas, también para los artistas como Van Gogh. En esta obra no importa la simetría, importa es el espacio y como los colores y las pinceladas son las características que le dan unidad a la pintura, mostrando este hermoso paisaje nocturno.

# data[].attributes.body
Yo tuve la fortuna de visitar el museo presencialmente en el año 2019. De lo que logro recordar, mis primeras impresiones es que era un museo con una estructura impresionante, era muy grande, el techo y los vidrios en este me parecieron que le daban la luz natural ideal al lugar, además la luz artificial dentro de los lugares donde están ubicadas las pinturas, permite detallar y poder observar las obras de manera perfecta. Al ver las obras, quede impresionada, pues no había visto antes obras tan detalladas, con sus toques delicadas en respectivos lugares. Como tal, el museo es muy organizado, es decir, siempre hay un espacio considerable entre las obras, y no se opacan entre ellas. Asimismo, las esculturas de gran tamaño llamaron mi atención, y por lo general me encanta apreciar como los artistas pueden esculpir semejantes obras con un solo material y también darle sus detalles. Como tal, me acuerdo de quedar encantada también de como mantienen las pinturas, y que las tienen muy bien cuidadas. Finalmente, al haber visitado virtualmente el museo, logré volver a sentir está fascinación que sentí cuando lo visité hace dos años.

# data[].attributes.attachment_link.title
From Station to the Renovated Musée d'Orsay - Musée d'Orsay, Paris - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
In 1900 Paris hosted its fifth Universal Exhibition.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La historia del museo, de su edificio, es poco banal. Situado en el corazón de París, lo largo del Sena, frente al jardín de las Tuileries, el museo se ha instalado en la antigua estación de Orsay, un edificio construido para la Exposición universal de 1900. Así, de cierto modo el edificio es la primera "obra" de las colecciones del museo de Orsay, que presenta el arte de las últimas décadas, transcurridas entre 1848 y 1914.

# data[].attributes.attachment_link.description
La historia del museo, de su edificio, es poco banal. Situado en el corazón de París, lo largo del Sena, frente al jardín de las Tuileries, el museo se ha instalado en la antigua estación de Orsay, un edificio construido para la Exposición universal de 1900.

# data[].attributes.headline
Museo Frida Kahlo.  Ciudad de México, México. 

# data[].attributes.subject
Museo Frida Kahlo.  Ciudad de México, México. 

# data[].attributes.body
Fecha de visita: Abril 28/2021

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took her last breath. The building, which dates to 1904, was not a large-scale construction. Today it has an 800 m2 building surrounded by property measuring 1200 m2. Diego and Frida filled it with color, folk art, and pre-Hispanic pieces to show their admiration for the peoples and cultures of Mexico. The construction underwent two major modifications. When Russian revolutionary Leon Trotsky lived with Diego and Frida in 1937, the property today occupied by the garden was purchased. In 1946 Diego Rivera asked Juan O'Gorman to build Frida's studio. The interior of the house has been maintained virtually intact. This was respected by the poet and the couple's friend, Carlos Pellicer, who designed the museum display for the space after Frida's death. Therefore, the house and its contents preserve that intimate atmosphere.

# data[].attributes.attachment_link.title
Museo Frida Kahlo, Mexico, Mexico - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took ...

# data[].attributes.body
El museo está ubicado en la calle de Londres 247, en uno de los barrios más antiguos de la Ciudad de México, el centro de Coyoacán. Más conocido como La Casa Azul, esta casa perteneció a la familia Kahlo desde 1904, hasta cuatro años después de la muerte de Frida en 1958, donde fue convertida en museo, como deseo suyo, hecho realidad por su esposo Diego Rivera y su amiga Dolores Olmedo. En este Universo Intimo de la artista, pues vivió toda su vida en esta casa, hasta cuando se casó con su esposo Diego, recibiendo a varios mexicanos y extranjeros, los cuales eran atraídos por esta pareja de artistas. Frida quiso dejar que su casa se convirtiera en museo puesto que, quería que fuera para el aprendizaje y disfrute de su país natal. La museografía, quedó a cargo del museógrafo, profesor y gran poeta Carlos Pellicer. La administración del Museo se confió al Fideicomiso de los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo, adscrito al Banco de México y constituido por el mismo Rivera en 1957. En este museo no solo se exponen los objetos personales de Frida, hay pinturas de esta pareja artista donde se muestran notables obras de arte popular, esculturas precolombinas, fotografías, documentos, libros y mobiliario. Luego de pasar el jardín, se encuentran todos los vestidos hechos por Frida. Asimismo, dentro del museo y con las obras de ambos expuestas, se puede evidenciar la profunda relación entre Diego y Frida. Los más grandes atractivos del museo, son las camas de día y noche que Frida utilizó para pintar mientras estaba inmovilizada de la columna (varios de sus cuadros fueron inspirados por el sufrimiento que tuvo durante este tiempo). Su biblioteca hace parte de esta relevancia para el museo, asimismo, su cocina también es un gran atractivo, pues está intacta, ha sido preservada como cuando ella la utilizaba.  La vida de Frida fue muy dura, y esto se refleja en las obras realizada por ella, pues ella decía cuando la tomaban como una artista surrealista; "Piensan que soy surrealista, pero no es cierto, no lo soy. Yo nunca he pintado lo que sueño. Yo pinto mi propia realidad". En todos los rincones de la casa, ahora museo, se revelan las obsesiones y costumbres que Frida y Diego tenían por la estética mexicana, demostrando su esencia como pareja de artistas enamorados que eran, siendo esta su mayor característica.

# data[].attributes.body
Nombre: Frida Kahlo, 15 de junio de 1919

Por: Guillermo Kahlo, 1919

# data[].attributes.body
Nombre: El marxismo dará salud a los enfermos

Por: Frida Kahlo, 1954

# data[].attributes.body
Nombre: Frida Kahlo acostada boca abajo

Por: Nikolas Muray, 1946

# data[].attributes.body
Nombre: Exvoto dedicado al Señor del Encino

Por: Anónimo, 1865

# data[].attributes.headline
Gran joya del museo; Las apariencias engañan - Frida Kahlo; Exposición

# data[].attributes.subject
Gran joya del museo; Las apariencias engañan - Frida Kahlo; Exposición

# data[].attributes.body
En 2004, fue encontrado el guardarropa de Frida Kahlo en la Casa Azul, en el baño. Se encontraron alrededor de 300 prendas tradicionales de origen indígena y prendas no tradicionales, además de joyas y accesorios, medicamentos y aparatos ortopédicos. Todos estos objetos se encontraban guardados por más de 50 años, por petición del esposo de Frida, Diego Rivera y también por decisión de Dolores Olmedo, mecenas y amiga de ambos. Esta exposición revela la manera única de vestir de Frida, esta manera tradicional de su preferencia. Se muestra también como esta exposición es fuente de inspiración de diseñadores de moda del mundo al día de hoy. Los vestidos no solo eran la manera en la que ella podía ocultar sus imperfecciones físicas, estos vestidos tradicionales transformados eran una declaración  ideológica y cultural que fusionó en sí misma hasta convertirlos como en una segunda piel. Esta vestimenta eran un acto para fortalecer su identidad, reafirmar sus convicciones políticas y constituía también en un propio sentido de herencia e historia personal. Su inspiración para todas sus piezas eran sus propios sentimientos, su realidad y su lucha por encontrar y defender su propia identidad. También es evidente que los efectos psicológicos del vestir como herramienta y origen de su confort, fuerza y seguridad personal fueron de gran relevancia.

# data[].attributes.body
Fecha: 1913
Lugar de creación: México
Tipo: Fotografía
Técnica artística: Bromuro de gelatina de plata sobre papel

Descripción: Frida a los cuatro años

Esta fotografía destacó para mi puesto que, se me hace un fotografía muy natural, es decir, se puede ver claramente la inocencia de Frida cuando era niña. A través de la delicadeza en como sostiene a la muñeca y la dulzura con la que la mira, esta imagen refleja la infancia de una niña de cuatro años que apenas esta descubriendo el mundo a su alrededor, muestra esta tranquilidad del mundo en el que viven los niños y en esta propia realidad que solo ellos imaginan y pueden experimentar. Asimismo, el que la imagen sea en blanco en negro, le da este toque perfecto, donde hace como más pura la imagen de esta niña pequeña en su vestido y con su moño en la cabeza. Ahora, revisando un poco la historia de la foto, Frida siempre tuvo un contacto cercano con el arte de la fotografía, pues su padre Guillermo Kahlo, era un fotógrafo alemán de ascendencia húngara, pues ella lo ayudaba con el retoque de placas fotográficas en el cuarto oscuro. Frida siempre atesoraba todo aquello que relacionaba con algún ser querido para ella, sea su padre, su madre, sus amores y como tal su familia en general. Su padre fue la persona que siempre le tomaba fotografías, como modo de poder atesorar su infancia y su juventud. Yo considero que el mejor método de poder hacer memoria y de poder acumular recuerdos, es por medio de la fotografía, y Frida desde muy chiquita estuvo muy involucrada con este.

# data[].attributes.body
El museo me encanto, creo que la manera en la que están expuestas los objetos, las obras y como tal las imágenes, hacen que uno pueda imaginar como era la vida de esta gran artista Frida Kahlo y de cierto modo, experimentar e intentar comprender como fue su vida. Asimismo, el museo está lleno de recuerdos, pues las fotografías son un claro ejemplo de esto, las fotografías conmemoran su vida y a fin de cuentas hacen recuento de sus recuerdos, de sus memorias y de su vida en si. Por otro lado, los colores dentro del museo hacen alusión perfecta de lo que es México, dan alusión a la alegría de este país y de lo que representan como cultura, es México en su misma expresión. También considero que el que no sea un museo muy grande, y que sea una casa, aporte a este hecho de que es como la recopilación a la vida de Frida, que es algo muy privado, siento que esta recopilación de imágenes es algo muy intimo. Además, que el hacerlo de esta manera siento que antes de mostrar la vida y de como fue esta, es un homenaje a ella y a su arte.

# data[].attributes.body
Nombre: Paisaje urbano

Por: Diego Rivera, 1916

# data[].attributes.headline
Museo Solomon R. Guggenheim.              Nueva York, Estados Unidos.

# data[].attributes.subject
Museo Solomon R. Guggenheim.              Nueva York, Estados Unidos.

# data[].attributes.body
Fecha de visita: Abril 29/2021 - Marzo 3/2021

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Founded in 1937, the Solomon R. Guggenheim Foundation is dedicated to promoting the understanding and appreciation of art, primarily of the modern and contemporary periods, through exhibitions, education programs, research initiatives, and publications. The Guggenheim network that began in the 1970s when the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, was joined by the Peggy Guggenheim Collection, Venice, has since expanded to include the Guggenheim Museum Bilbao (opened 1997), and the Guggenheim Abu Dhabi (currently in development). Looking to the future, the Guggenheim Foundation continues to forge international collaborations that take contemporary art, architecture, and design beyond the walls of the museum. The Foundation is also committed to fostering research, exhibitions, and collections in the field of global art through such programs as the Asian Art Initiative (founded in 2006), the Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (founded in 2013), and The Robert H. N. Ho Family Foundation Chinese Art Initiative (founded in 2013). More information about the Foundation can be found at guggenheim.org.

# data[].attributes.attachment_link.title
Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, New York, United States - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Founded in 1937, the Solomon R. Guggenheim Foundation is dedicated to promoting the understanding and appreciation of art, primarily of the modern and cont...

# data[].attributes.body
Más conocido como El Guggenheim está localizado en el número 1071 de la Quinta Avenida y ola esquina de la calle 89 en el vecindario Upper East Side de Manhattan, Nueva York, bajo la dirección de Richard Armstrong. Fue fundado en 1939 por Frank Lloyd Wright, Peggy Guggenheim y Solomon R. Guggenheim, inicialmente se llamó "El museo de pintura abstracta" tomando el nombre actual tras la muerte de Solomon R. Guggenheim en 1949. Es la sede permanente de una colección renombrada, donde expone obras impresionistas y post-impresionistas, arte moderno temprano y arte contemporáneo.  El edificio en forma de cilindro fue diseñado por Frank Lloyd Wright, donde es más angosto en sus niveles inferiores que superiores, esto denominándolo como un "templo de espíritu". Dentro del edificio hay una rampa, que se funde como galería y se extiende a lo largo del museo como en forma de espiral, donde se refleja una orillas exteriores del edificio y termina justo por debajo del tragaluz del techo. Caminando por dentro, lo primero que ve el visitante es un enorme vacío, alzándose 28 metros de altura hacia una cúpula de cristal. A los lados del vacío hay una rampa de casi medio kilómetro de largo que se desenrolla a lo largo de seis pisos, lo que permite que una planta fluya hacia la otra. El propósito de la rampa es el de crear una procesión en la que las personas experimenten el arte que se expone a lo largo de las paredes mientras sube hacia el cielo. El edificio fue sometido a una expansión y renovaciones en 1992, cuando una torre adicional fue construida, de 2005 a 2008. En el 2019 el edificio fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco dentro del sitio La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright. El museo es visto como un icono cultural y puede ser visto en varios aspectos de la cultura popular.  Ha sido lugar de grabación para muchas series y películas como The Cremaster Cycle, La sombra del testigo, Bye Bye Birdie, Hombres de negro, Los pingüinos de papá, En la boda de mi hermana, Downtown 81, Ugly Betty y Dinero en la sombra.

# data[].attributes.headline
Exposición online; Storylines: arte contemporáneo en el Guggenheim.

# data[].attributes.subject
Exposición online; Storylines: arte contemporáneo en el Guggenheim.

# data[].attributes.body
Trae a coalición más de cien trabajos de la colección contemporánea del Guggenheim. Está exposición examina las diversas formas en que los artistas del día de hoy se involucran en la narrativa a través de la instalación, la pintura, la fotografía, la escultura, el video y la actuación. Para estos artistas, el potencial narrativo se da en los objetos y materiales cotidianos y en sus asociaciones culturales arraigadas. Los artistas descubren capas de significado, recurriendo a la experiencia individual como un medio de transmitir historias compartidas, ya sean reales o ficticias. Es interesante esto de poder ver por medio del arte contemporáneo, las experiencias o perspectivas o problemáticas sociales, se ven a través de los ojos de estos artistas, es decir, como ellos reflejan lo anterior por medio de su arte y de sus maravillosas creaciones. A continuación se presentan unas cuantas obras que considero son las más interesantes e impactantes de la exposición.

# data[].attributes.attachment_link.title
Storylines: Contemporary Art at the Guggenheim - Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Daddy, Daddy (2008), a sculpture of the eponymous hero in Walt Disney's Pinocchio (1940), was conceived for the group exhibition theanyspacewhatever (200...

# data[].attributes.headline
Estatua de la Libertad recubierta de hamburguesas - Marta Minujín 

# data[].attributes.subject
Estatua de la Libertad recubierta de hamburguesas - Marta Minujín 

# data[].attributes.body
Fecha:1979
Dimensiones físicas: 80 x 110.5 cm
Tipo: Trabajo en papel con tinta
Técnica artística: Tinta sobre papel vitela

Este dibujo capto mucho más mi atención puesto que lo primero que note fue la emblemática estructura de Nueva York, la gran estatua de La libertad, tumbada y hecha a medias, donde se pueden presenciar una infinidad de líneas verticales, horizontales y diagonales las cuales dan esta efecto de una estructura de metal, pero no completamente cerrada.  Además, podemos observar como hay muchas personas esperando y admirando la gran estructura, cada una de estas personas, en sus vestimentas, se ve como cada uno tiene un patrón diferente, sean puntos o rayas de diferentes tamaños o simplemente de un mismo color, sea blanco o negro, los cuales son los únicos colores utilizados en esta obra. Ahora, al investigar un poco sobre la obra, la historia detrás de esta se da porque en Febrero de 1979, la artista le escribió a McDonald's Corporation para solicitar el patrocinio de un proyecto, donde planeaba construir una réplica de hierro de la Estatua de la Libertad e instalarla en el Battery Park de Nueva York, un ícono inactivo que espera su reactivación. Los visitantes podrían ingresar a la escultura y atravesar pasarelas en su interior. Luego de esta explicación, se puede entender mucho más la obra y el porque dentro del brazo estirado de la estatua se ven dos personas dentro de este. Considero que esta en es una obra simplista en cuanto a lo que es color, luz y espacio, pues el gran atractivo y el primordial llamador de atención es la estructura mostrada de metal, representada por líneas en diferentes direcciones, además que, como tal fondo en la obra no hay, y se nota como la artista se quería enfocar en mostrar como sería esta atracción y en que sería un gran atractivo para que las personas la visitaran. Sin embargo, no considero que sea simplista en cuanto al detalle que se le da a cada personaje y dentro de la estructura misma.

# data[].attributes.body
Luego de ver el museo quede muy impresionada con las esculturas y las obras presentadas, además que la manera en la que esta construido el edificio permite que los visitantes puedan ver todas las obras expuestas a lo largo del museo. Me gusto mucho ver las esculturas contemporáneas y las obras que se caracterizan en su mayoría por ser impresionistas. Algo que me llamo mucho la atención es la simplicidad de algunas esculturas, que con solo unos cuantos objetos se puede crear una obra de arte increíble, como la escultura de las frutas, que a simple vista no se entiende con tanta claridad, pero luego al detallarla esta perspectiva cambia. Asimismo, la parte de arte contemporáneo fue la que más me gusto puesto que en esta sección se encuentran más que nada esculturas, que tienen un significado asignado por parte del artista en cada una y donde este, para mi, refleja mucho como las ideas del artista o como tal la perspectiva de ellos, uno puede presenciar su inspiración y como lo que quieren transmitir por medio de su arte. Finalmente considero que en lo general, el museo muestra diferentes realidades y perspectivas del mundo por medio de las obras en este mismo, y permite que las obras de los artistas, por más raras o simples que puedan parecer, sean apreciadas como se merecen.

# data[].attributes.body
Nombre: Morning Glory

Por: Sopheap Pich, 2011

# data[].attributes.body
Nombre: Tortillas Construction Module

Por: Damián Ortega, 1998

# data[].attributes.body
Nombre: Del Montte—Bananeras

Por: Minerva Cuevas, 2003/2010

# data[].attributes.body
Nombre: Index Two Composition Three

Por: Xaviera Simmons, 2012

# data[].attributes.body
Nombre: La transformación de la Estatua de la Libertad en comestible
Por: Marta Minujin, 1980

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Acercándonos hacia la ciudad de Manhattan, el Museo Guggenheim Solomon R. fue el último gran proyecto diseñado y construido por Frank Lloyd Wright entre 1943 hasta que se abrió al público en 1959, seis meses después de su muerte, siendo una de sus obras más largas en su creación además de uno de sus proyectos más populares. Completamente contrastando la estricta red de la ciudad de Manhattan, las curvas orgánicas del museo son una señal familiar tanto para los amantes del arte, como para visitantes y peatones por igual.

El exterior del Museo Guggenheim es un cilindro blanco de hormigón reforzado que parece girar hacia el cielo como un remolino. Las dramáticas curvas del exterior del museo, sin embargo, tienen un efecto aún más impresionante en el interior. Dentro, Wright propuso "un gran espacio en un suelo continuo," y su concepto fue un éxito.

Caminando por dentro, lo primero que denota el visitante es un enorme vacío, alzándose 28 mts de altura hacia una cúpula de cristal. A los lados del vacío hay una rampa continua de casi medio kilómetro de largo que se desenrolla a lo largo de seis pisos, lo que permite que una planta fluya hacia la otra. La rampa también crea una procesión en la que el visitante experimente el arte que se expone a lo largo de las paredes mientras sube hacia el cielo.

El diseño del museo como una planta continua con una rampa perimetral que mira hacia el vacío central permite la interacción de los visitantes en los distintos niveles, intensificando el diseño en corte.

A pesar que el espacio contenido por el edificio es indudablemente majestuoso y el edificio en si mismo monumental, no fue exitoso en cuanto a su función. Las paredes curvas del interior fueron intencionadas para que las pinturas tuviesen que inclinarse hacia atrás, "como en el atril del pintor". Esto falló ya que era muy difícil colgar las obras debido a la concavidad de las paredes y, debido a esto, antes de la inauguración 21 artistas firmaron una carta quejándose sobre el espacio expositivo.

Muchos críticos también argumentan que el edificio en sí compite con las obras de arte que se exponen en él, un problema que James Johnson Sweeney el Director del Museo tomó muy seriamente diciendo, "Este es, arquitectónicamnte el mejor interior de museo en el país. Pero mi trabajo es mostrar colecciones magníficas en su máxima expresión". Wright, a su vez, tuvo un problema con los administradores del código de edificación de Manhattan quienes discutieron con él acerca de problemas estructurales, como el domo de vidrio que tuvo que verse reducido y rediseñado para incluir costillas de hormigón que son extensiones de los discretos pilares estructurales en las paredes exteriores.

En 1992 el museo construyó una ampliación diseñada por Gwathmey Siegel & Associates Architects la cual estaba incluida en el plan original de Wright. Los arquitectos analizaron los dibujos originales y desde sus ideas crearon una torre de diez pisos con paredes planas, haciéndola más apropiada para a exhibición de obras de arte.

Entre el 2005 y 2008, el Museo Guggenheim, tuvo una renovación exterior donde once capas de pintura fueron removidas de la superficie original y revelaron muchas grietas ocacionadas por el clima. Esta revelación llevó a una extensa investigación en la prueba y error de distintos materiales para poder repararlas y restaurar el exterior.

A pesar de la opinión de la crítica, no cabe duda que el diseño de Wright para el Museo Guggenheim da una libertad espacial que es única en su estilo. Le llevó a Wright 700 dibujos y seis sets de dibujos de trabajo para convertir su visión en una escultura extraordinaria de un edificio que mira el Central Park. Este edificio, por lo menos, debiese ser reconocido como una de las obras de arquitectura de mayor belleza espacial del Estilo Internacional.

# data[].attributes.attachment_link.title
Clásicos de Arquitectura: Museo Guggenheim Solomon R. / Frank Lloyd Wright

# data[].attributes.attachment_link.description
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Acercándonos hacia la ciudad de Manhattan, el Museo Guggenheim Solomon R. fue el último gran proyecto diseñado y construido por Frank Lloyd Wright entre 1943 hasta que se abrió al público en 1959, seis meses después de su muerte, siendo una de sus obras más largas en su creación además de uno de sus proyectos más populares.

# data[].attributes.body
Nombre: Self-Portrait/Cutting
Fecha: 1993
Por: Catherine Opie

# data[].attributes.body
Nombre: Self-Portrait/Pervert
Fecha: 1994
Por: Catherine Opie

# data[].attributes.body
Nombre: AMERICAMERICA excerpt #1 and #2
Fecha: 2009
Por: Matt Keegan

# data[].attributes.body
Nombre: Assembly Instructions (An Immodern Romanticism)
Fecha: 2009
Por: Alexandre Singh

# data[].attributes.headline
Museo de arte Miguel Urrutia.      Bogotá, Colombia. 

# data[].attributes.subject
Museo de arte Miguel Urrutia.      Bogotá, Colombia. 

# data[].attributes.body
Fecha de visita: Marzo 3/2021 - Marzo 5/2021

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Subgerencia Cultural del Banco de la República

# data[].attributes.attachment_link.title
Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) | La Red Cultural del Banco de la República

# data[].attributes.attachment_link.description
El Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU es un espacio dedicado a la exhibición gratuita y permanete de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, que forman parte de la Colección de arte del Banco de…

# data[].attributes.body
El Museo de Arte Miguel Urrutia, más conocido como MAMU, se dedica a la exhibición de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, formando parte de la colección permanente del Banco de la República, así como exposiciones temporales de arte curadas por la unidad de Artes de la subgerencia cultural y de diversas procedencias. Ubicado en la Calle 11 # 4-21, en el barrio La candelaria en Bogotá, inicialmente se llamaba Museo de Arte del Banco de la República, hasta que en 2016 se renombrara en homenaje al economista y académico Miguel Urrutia Montoya por su aporte a la actividad cultural del país. El museo fue inaugurado en 2004 y fue diseñado por el arquitecto bogotano Enrique Triana Uribe, el cual recibió el Premio Nacional de Arquitectura en el 2006. En el MAMU se programan tanto exhibiciones nacionales como internacionales, este cuenta con áreas para el desarrollo de actividades educativas, un auditorio y una sala de proyectos denominada El Parqueadero y espacio de experimentación para prácticas artísticas contemporáneas. Este espacio cobra una importancia vital en el desarrollo cultural de la capital puesto que se enfoca en presentar exposiciones de gran relevancia internacional al tiempo que gestiona y cura exposiciones de artistas colombianos destacados. Gracias a este espacio, el público ha podido disfrutar de obras de artistas reconocidos como Durero, Andy Warhol, Man Ray, Regina Silveira, Sophie Calle, Guillermo Kuitca, Vik Muniz, William Kentridge y Joan Fontcuberta, entre otros; además de varias retrospectivas de artistas colombianos, como la de María Fernanda Cardozo, Miguel Ángel Rojas, Oscar Muñoz, Álvaro Barrios, Johana Calle y Luis Roldán, por mencionar algunos. Por ultimo, la exposición de arte permanente, está exhibida en 5 capítulos;

1. Los primeros tiempos modernos (siglos XVI-XVIII).

2. Rupturas y continuidades (siglo XIX).

3. La renovación vanguardista (1910-1950).

4. Clásicos, experimentales y radicales (1950-1980).

5. Tres décadas de arte en expansión (1980 al presente), ubicada en la Casa Republicana, dentro de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

# data[].attributes.headline
Exposición online; Beatriz González - Una retrospectiva 

# data[].attributes.subject
Exposición online; Beatriz González - Una retrospectiva 

# data[].attributes.body
Es una exposición organizada por el Museum of Fine Arts de Houston (MFAH) y el Pérez Art Museum de Miami (PAMM), con curaduría de Mari Carmen Ramírez y Tobias Ostrander. Beatriz González no solo es un referente nacional, también lo es internacionalmente, pues además de ser una gran artista es investigadora, crítica, maestra y modelo para varias generaciones. Para la versión colombiana se ha organizado una muestra complementaria del archivo personal que la artista ha construido durante su vida y que está en estrecho diálogo con su obra, muestra que ha sido curada por Natalia Gutierrez Montes y José Ruiz Díaz. Beatriz González ha explorado las posibilidades plásticas y estéticas de la pintura en formatos no convencionales, y por medio de una lectura minuciosa y permanente de las realidades del país se ha mantenido en permanente relación con lo que sucede, como una especie de testigo que señala las enormes fisuras de nuestra sociedad. La perspectiva crítica, el sarcasmo y la observación delicada de las peculiaridades culturales del país hacen de la obra de González un documento histórico invaluable para comprender las relaciones entre arte y crítica social en el último siglo. Su inconfundible lenguaje artístico ha sido reconocido con premios y en exposiciones nacionales e internacionales.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Recorrido virtual de la exposición: Beatriz González. Una retrospectiva

En este recorrido virtual puedes explorar cada una de las salas de la Exposición Beatriz González: Una retrospectiva.

Haz clic en la imagen a continuación y el recorrido virtual te abrirá en una nueva pestaña. Solo presiona con el puntero de tu mouse para comenzar a mirar donde quieras ir. Cada ícono circular que ves marcado junto a las obras te da información sobre la ficha técnica de la obra, te permite ampliar la imagen y encontrar contenido relacionado.

Si quieres acceder al contenido a través de tus gafas de realidad virtual busca el ícono de Vista VR y actívalo.

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Subgerencia Cultural del Banco de la República

# data[].attributes.attachment_link.title
Recorrido virtual por la exposición | La Red Cultural del Banco de la República

# data[].attributes.attachment_link.description
Recorrido virtual de la exposición: Beatriz González. Una retrospectiva En este recorrido virtual puedes explorar cada una de las salas de la Exposición Beatriz González: Una retrospectiva. Haz clic en la imagen a continuación y el recorrido virtual te abrirá en una nueva pestaña.

# data[].attributes.headline
Autorretrato desnuda llorando - Beatriz González 

# data[].attributes.subject
Autorretrato desnuda llorando - Beatriz González 

# data[].attributes.body
Fecha: 1997
Técnica artística: Óleo sobre lienzo
Dimensiones físicas: 161 x 45 cm
Colección de la artista

Esta pintura captó mi atención inicialmente por el cuerpo de la mujer y por el color tan llamativo con el que está pintado. Asimismo, algo que capto mucho mi atención es la posición en la que la mujer está pintada, está parada y encorvada, cubriéndose la cara con ambas manos. Esta mujer de cuerpo de colores morados y azules con tonalidades claras, haciéndola ver como iluminada por el azul en los bordes, y de cabello café oscuro, se puede ver reflejado su sufrimiento y su dolor, el cual es desconocido el porqué de este. Creo que la artista logra captarse a si misma, y a mostrar a la mujer en uno de sus momentos más vulnerables, no solo al estar llorando, también al estar completamente desnuda, donde no oculta sus imperfecciones superficiales, pero si oculta todo aquello que la atormenta, esas imperfecciones emocionales. Considero que la forma en la que Beatriz González pinto el cuerpo de esta mujer, es para mostrar la realidad de muchas mujeres, que no solo tenemos problemas por los que lloramos, también nuestros cuerpos no siempre van a ser perfectos, de igual forma, sin importar el tener los senos caídos o tener las piernas gruesas o un abdomen flácido y algo inflamado, igual todas las mujeres tenemos nuestra propia belleza, en este caso puede ser el color de piel de ella y que ella igual brilla a pesar de estar llorando y de mostrarse en una situación tan agobiante. Por otro lado, la pintura contiene un fondo con colores verde oscuro, amarillo, naranja y rojo, donde estos colores de fondo son opacos, haciendo que la mujer destaque aun más dentro de la pintura. En realidad, se puede ver como una pintura simple, pero tal como lo dice el nombre, es un autorretrato de ella llorando, sufriendo por algo, y creo que el significado que puede haber detrás de esta pintura, es simplemente hermoso, el mostrarse a si misma tal cual es y en un momento de vulnerabilidad, es algo muy valiente y admirable.

# data[].attributes.body
Tuve la oportunidad de visitar el museo hace unos cuantos años, y recuerdo muy bien como me gustó mucho las obras que estaban exhibidas, ya que estas eran en gran mayoría hechas por artistas colombianos. Cuando realice esta visita virtualmente, volví a acordarme del por qué me había gustado tanto en su momento, pues el hecho de que le hagan este homenaje y este reconocimiento tan especial a las obras de artistas colombianos, los cuales no son tan reconocidos, considero que es importante e interesante. Pues como país hay que apoyarnos los unos a los otros, y son pocas veces las que uno puede encontrar arte puramente colombiano en museos, muchas veces suelen ser de artistas internacionales. Además, este museo es prácticamente patrimonio nacional y me gusta mucho ver de la capacidad de estos artistas, de crear a partir de la memoria, y reflejar todo aquello que sienten o piensan y poder plasmarlo en estas obras, que por muy simples que puedan parecer, tienen un significado muy grande detrás.

# data[].attributes.body
Nombre: Todo lo tengo, todo me falta
Por: María Isabel Rueda, 1999

# data[].attributes.body
Nombre: Asesinada mujer en hospedaje positivo
Por: Beatriz González

# data[].attributes.body
Nombre: El sexo, instrumento de supervivencia
Por: Paz Errázuriz, 1990

# data[].attributes.body
Sin título
Nombre: Emma Reyes, 1990

# data[].attributes.body
Nombre: Oquedad
Por: Juan David Henao, 2017

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU es un espacio dedicado a la exhibición de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, que forman parte de la colección permanente del Banco de la República, así como exposiciones temporales de arte curadas por la unidad de Artes de la Subgernecia cultural y de diversas procedencias. Inicialmente se llamaba Museo de Arte del Banco de la República, hasta que en 2016 se nombrara en homenaje a economista y académico Miguel Urrutia Montoya.

Su Historia

La edificación donde está ubicado el Museo de Arte Miguel Urrutia fue inaugurada en 2004, y fue diseñada por el arquitecto bogotano Enrique Triana Uribe, quien, por este proyecto, recibió el Premio Nacional de Arquitectura 2006.

Desde sus inicios hasta el 2016 el Museo fue conocido como Museo de Arte del Banco de la República. En este año su nombre cambió con el fin de homenajear al economista y académico Miguel Urrutia Montoya por su aporte a la actividad cultural del país. Con un acto especial llevado a cabo el 22 de diciembre de 2016, el gerente general y los demás miembros de la Junta Directiva del Banco de la República reconocieron la labor cultural de Miguel Urrutia, quien había sido Gerente General del Banco durante el período 1993 - 2004, y presentaron al público el nuevo nombre del museo y lo que de ahora en adelante se conoce como la Manzana Cultural del Banco de la República, en el barrio La Candelaria, integrado por el Museo Botero, la Biblioteca Luis Ángel Arango, el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) y el Museo Casa de la Moneda; espacios que complementan la actividad del Museo del Oro, ubicado unas calles al norte en el Parque Santander. En palabras del gerente general:

Al concebir todas las funciones del Banco como una unidad, Urrutia asignó al área cultural un papel estratégico, exigiendo que esa labor se ajustará a las prácticas presupuestales y de transparencia de toda la organización, ayudando así a que la actividad no solo creciera en colecciones, en presupuesto, en infraestructura y en programación, sino que se profesionalizó y adquirió un alto nivel técnico.

En el MAMU se programan exposiciones nacionales e internacionales. El Museo cuenta con áreas para el desarrollo de actividades educativas, un auditorio y una sala de proyectos denominada El Parqueadero, espacio de experimentación para prácticas artísticas contemporáneas.

Este espacio cobra una importancia vital en el desarrollo cultural de la capital puesto que se enfoca en presentar exposiciones de gran relevancia internacional al tiempo que gestiona y cura exposiciones de artistas colombianos destacados. Gracias a este espacio, el público ha podido disfrutar de obras de artistas reconocidos como Durero, Andy Warhol, Man Ray, Regina Silveira, Sophie Calle, Guillermo Kuitca, Vik Muniz, William Kentridge y Joan Fontcuberta, entre otros; además de varias retrospectivas de artistas colombianos, como la de María Fernanda Cardozo, Miguel Ángel Rojas, Oscar Muñoz, Álvaro Barrios, Johana Calle y Luis Roldán, por mencionar algunos.

Su arquitectura

Exposición permanente de la Colección de Arte

Desde el 2013 la colección permanente está exhibida en 5 capítulos:

1. Los primeros tiempos modernos (siglos XVI-XVIII).

2. Rupturas y continuidades (siglo XIX).

3. La renovación vanguardista (1910-1950).

4. Clásicos, experimentales y radicales (1950-1980).

5. Tres décadas de arte en expansión (1980 al presente), ubicada en la Casa Republicana, dentro de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Salas de exposiciones temporales

En la Casa Republicana se exhiben también exposiciones temporales.

Véase también

Plantilla:RelacionadosBanrepcultural

# data[].attributes.attachment_link.description
El Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU es un espacio dedicado a la exhibición de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, que forman parte de la colección permanente del Banco de la República, así como exposiciones temporales de arte curadas por la unidad de Artes de la Subgernecia cultural y de diversas procedencias.