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신문기자, 예술평론가, 라 트리뷘 신문의 창립자 테오도르 뒤레의 초상

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평론가 뒤레는 일생 동안 한결같이 마네의 그림에 대한 편견에 맞서 그의 작품세계를 옹호하는 평론을 발표했고 마네의 사후에는 그의 전기를 집필함으로써 마네의 진가를 알리는 데 힘썼다. 또한 마네는 스페인에서 본 엘 그레코, 벨라스케스(Diego Rodriguez de Silva y Velazquez, 1599~1660)와 같은 스페인 거장들의 작품에서 큰 감명을 받았다. 마네는 벨라스케스를 “화가 중의 화가”라고 평했으며, 자신의 <피리 부는 소년(Le fifre)>(1866)이 벨라스케스가 그린 초상화에서 영감을 얻은 것이라고 밝혔다.

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작가 : 카스파르 다비트 프리드리히

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낭만주의:개성이 없는 고전주의에 반발하여,창작자 자신의 감정을 드러내는 지적 동향으로 18~19세기 서유럽 중심으로 발달하였다.
인간을 중시하고 자연을 과학적으로 분석하려는 계몽사상에 반하여,인간과 자연은 하나이며 자연을 분석하지말고 상상력으로 통찰해야한다고 주장했다.
대표적인 낭만주의 작가는 하인리히 하이네,조지 고든 바이런이 있다.위 사진은 소설 파우스트의 표지.성실하고 심성이 착했던 파우스트 박사가 악마의 꾐에 빠져 전지전능해진 자신의 욕구를 채우기에 바빠지고 소위 아무도 날 막을 수 없으셈 인간으로 전락하는 소설이다.겉으로는 아무리 착한 사람이어도 그 내면에는 어떠한 욕구,감정이 담겨있을 지는 아무도 알 수 없다는...인간의 심연을 바라보는 소설이라고 생각한다.어려운 소설 같지만 읽기 시작하면 빠지게 될 것이다.

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작품명: The sea of ice
화가: Caspar David Friedrich
독일의 낭만주의 화가 카스파 다비드 프리드리히가 그린 북극의 난파선을 그린 유화

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작품명: 아담의 창조
화가:미켈란젤로
벽화
1511년도 작품

자신의 모습대로 인간을 만든 하느님의 창조적 힘과 인간이 만들어지는 순간을 뛰어나게 형상화시킨 작품

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카스파 다비드 프리드리히의 창가의 여인,조용한 아름다움이 여인의 뒷모슴을 통해 전달되고 있다.

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카스파 다비드 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840)의 창가의 여인, 조용한 아름다움이 여인의 뒷모습을 통해 전달되고 있으며, 여인의 뒷모습은 많은 대화를 이끌어내고 있다. 좁은 공간에 서서 밖을 보는 여인은 무엇을 생각하고 있는지.
화가가 뒷모습을 그린다는 것은 무엇을 의미하는가?

우리는 우리의 뒷모습을 만날 수 없기 때문에 다른 사람의 뒷모습을 보면서 내 뒷모습을 머릿속에 그려본다. 마음속의 감정이나 정서의 심리상태가 그대로 드러나 보이는 뒷모습은 꾸밈이 없고 거짓이 없다. 있는 그대로를 보여준다는 것에 의심할 여지가 없다.

때문에 생김새가 다르다고 하여 나의 뒷모습이나 다른 사람의 뒷모습으로 느끼는 감정이 다르지 않을까하는 의구심을 가져 보지만, 뒷모습은 내면의 표정을 의미하고 그 표정의 진실을 숨길 수 없는 무조건적이 반응이 동반되고 있기에 너나 나나 뒷모습에 비추어지는 심리상태는 거부감 없이 자연스럽게 이야기로 전달되고, 뒷모습에서 우리는 자신스스로의 참모습이 보여지고 있다는 것이다.

뒷모습은 그 사람의 현재심리를 나타내고 있고 내면의 표정을 거름 없이 보여주고 있는 완벽한 진실이다. 그 진실은 앞에서는 볼 수 없다. 앞모습은 여러 가지의 화장술로 숨기는 것에 익숙해 있지만 뒷모습은 속이지 않기에 정직하다고 할 수 있다. 정직하다는 것은 자신의 뒤에서 벌어지는 일들은 알아차릴 수 없기 때문이다.

카스파 다비드 프리드리히의 창가의 여인은 먼 곳을 응시하고 있다. 살짝 구부린 허리와 엉덩이로 자신의 얼굴 표정을 표현한다. 뒷모습은 거짓말을 할 줄 모른다. 꾸밈도 없이 여인의 내면을 표현하는 무조건적으로 반응하는 뒷모습에서 고민하고 흔들리는 여인의 쓸쓸한 호흡, 화면을 채우는 여인의 실루엣. 내면의 표정이 언어나 문자로 표현할 수 없는 정서의 심리상태를 드러내며, 완벽한 진실 속에서 여인은 고민에 흔들리고 어딘가를 바라보며 오지 않는 그 누군가를 기다리다 못해 끝내 우울하게 느껴질 정도로 고독해 하고 있다.

그녀가 서있는 곳은 아주 어둡고 비좁은 곳으로 그녀가 바라보는 밖의 세상은 밝고 찬란하여 그곳을 향해 갈망하는 여인의 긴 한숨이 고독과 함께 짙어지고 있다. 여인을 바라보는 관람객 또한 고독에 싸여 여인의 움직임에 시선을 같이 한다.

카스파 다비드 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840)는 자연의 우미함을 찬미하고 자연을 통해서 인간의 조건, 자연과 인간, 더 나아가 신과 인간의 관계를 독특한 신비로움으로 표현하여 우리에게 자연의 웅장함을 느끼게 해준 19세기 독일의 낭만주의를 개척한 화가이다.

1774년 그라이프스발트에서 태어난 프리드리히는 가족에 대한 상실감과 우울함으로 인한 내적감정을 작품으로 자신만의 희망을 그려보는데, 일곱 살 때 어머니를 여의고 다음해에 누이를 잃은 기억으로 작품속의 여인이 자신을 기다리는 누이를 대신 한 것은 아닐까하는 생각을 해본다.

신고전주의 양식으로 명확한 윤곽선과 균형 잡힌 구도로 여인은 감성적분위기를 물씬 풍기고 느낌과 순수한 시각으로 감정이나 정서적으로 차분하면서 고즈넉한 아름다움을 나타내고 있는 여인의 뒷모습이다.

뒷모습을 그린 화가들은 많다. 현대도시로 변화하는 파리를 바라보는 인상파화가 귀스타브 카유보트의 (창가의 젊은 남자 1875년). 고독과 빛의 화가, 신비로움과 극적인 분위기를 그려낸 덴마크의 빌헬름 함메르쇠이의 (젊은 여인의 뒤에서 1904년). 황홀한 밤바다의 달빛에 젖은 파도가 고독보다는 행복한 여인들의 모습을 그린 미국의 수채화가 윈슬러 호머의 여름밤(1890년). 벨라스케스의 화장하는 비너스 등등의 화가들은 뒷모습을 그려냈다.

이들의 뒷모습은 나이와 직업 성격 등을 알 수는 없으나 뒷모습이 앞모습보다는 더 진실되고 가식적이지 않고 자의적이지 않는 무반응으로 작가들은 그림을 통해 강한 진실을 말하고 싶기 때문일 것이다.

요즈음 뒷모습 증후군이라는 사회현상이 일어나고 있다. 과도한 교육열로 아이들과 함께 해야 할 시간이 부족한 것이다. 아이들의 밝은 얼굴보다는 쓸쓸한 뒷모습만 기억에 남게 된다는 것이다. 혹은 아이들은 부모님의 얼굴이 생각이 안나 얼굴을 그릴 수 없을 지경까지 가게 되며, 어른은 아이의 얼굴보다는 뒷모습에 더욱 익숙해져 있다.

뒷모습은 내면의 거부감 없이 자연스럽게 현재심리를 보여주고 내면의 표정과 마음속의 감성과 정서의 심리상태를 드러내므로 누구나가 공감되는 내면의 많은 것을 보여주기에 우리들은 서로의 뒷모습을 보면서 그의 정서를 느끼게 된다. 누구나가 뒷모습은 진정한 자신의 모습이다. 또한 진실한 모습이고 꾸밈이 없는 솔직한 모습으로 참다운 자신의 모습이다.

카스파 다비드 프리드리히의 창가의 여인의 뒷모습이 쓸쓸함으로 우리에게 다가오는 것은 여인의 뒷모습에 움직이는 관람객들의 시선이 여인의 쓸쓸한 호흡과 같이 하기 때문일 것이다. 어쩌면 프리드리히 자신의 고독과 세상의 아름다움을 갈구하는 자신의 욕구와 소망과 희망을 여인을 통하여 보여주고 있다. 라는 생각을 해 본다.

쓸쓸한 뒷모습은 우리 마음도 울적해짐을 느낀다. 아이들의 뒷모습에서 넉넉하지 않은 우리들의 삶을, 우리들이 알게 모르게 무의식으로 받아들였던 세상의 고독을 아이들을 통해서 보게 된다.

어쩌면 우리는 아이들의 뒷모습을 통해서 여유를 만들어야겠다는 다짐을 해 봄으로써 세상의 넉넉함과 풍요로움의 아름다움을 아이들에게 되돌려 줄 수 있지 않을까.

힘겨운 삶이라도 나눌 수 있는 여유와 풍요의 아름다운 뒷모습을 가진 사람들이 많다면, 우리 어린아이들에게 세상은 살아볼 만 하다고 말할 수 있지는 않은지. 카스파 다비드 프리드리히의 여인은 오늘도 갸우뚱 두리번 세상을 바라보고 있다.

시사타임 kwonys6306@naver.com

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카스파 다비드 프리드리히의 '창가의 여인' - 시사타임

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카스파 다비드 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840)의 창가의 여인, 조용한 아름다움이 여인의 뒷모습을 통해 전달되고 있으며, 여인의 뒷모습은 많은 대화를 이끌어내고 있다. 좁은 공간에 서서 밖을 보는 여인은 무엇을 생각하고 있는지. 화가가 뒷모습을 그린다는 것은 무엇을 의미하는가? 우리는 우리의 뒷모습을 만날 수 없기 때문에 다른 사람의 뒷모습을 보면서 내 뒷모습을 머릿속에 그려본다.

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들랔크루아-민중을 이끄는 자유의 여신

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1830년 프랑스의 7월 혁명에 참가한 각 계층 민중과 그들을 이끈 프랑스의 상징 마리안느. 모든 계층의 프랑스인들이 자유와 민주주의를 쟁취하는 혁명에 화가도 그림으로 참여함
자유를 여신으로 상징하여 그림

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전함 테메레르의 마지막 항해

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높은 돛대가 달린 우아한 영국 해군의 전함을 기념하고 아울러 영국 해군력이 막강했던 시절을 애도하는 그림이다.

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외젠 들라크루아-공동묘자의 햄릿과 호레이시오

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들라크루아가 셰익스피어의 희곡을 보고 영감을 받아 만든 작품으로 당시 비평가들 대부분이 이 작품에 대해 열정적인 반응을 보였다.1835년 제작되었으며 다음 해 살롱 전에서 낙서난 동일한 주제와 제목의 작품과 비교했을 때 더 심오하며 유연한 작품이라는 평가를 받았다.

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작품명: 안경을 쓴 화가의 자화상
아티스트: 루이 레오폴 브아이
18세기경시대에 제작되었으며 낭만주의로 종류는 유화기법으로 캔버스에 유채로 제작되었다

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파라오의 꿈- 코르넬리우스

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프랑스 사실주의 화가인 밀레의 <이삭 줍는 사람들>(1857)

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밀레 - 이삭 줍는 여인들

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《이삭 줍는 여인들》은 장 프랑수아 밀레가 1857년에 완성한 유화이다. 또한 《이삭 줍기》, 《이삭 줍는 사람들》로 해석하기도 한다. 수확이 끝난 밀 들판에서 이삭을 줍는 세 명의 여성들을 그렸다. 현재 프랑스 파리의 오르세 미술관에 소장되어 있다. 밀레는 스스로 가난한 생활을 겪어 보았기 때문에 인간을 미화하거나 이상화할 수 없었다고한다

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사실주의 화가 이냐스 앙리 장 테오도르 팡탱 라투르의 <구름 속의 요정들>

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(카미유 코로,프랑스 1796~1875)그림제목:에우리디케와 오르페우스(1861) - 사실적인 풍경에 그리스 신화의 내용을 집어넣음

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귀스타브 쿠르베-오르낭의 매장-사실주의

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자품 작가: 프랑스 화가인 쥘 브로틍 작품
작품명: 종달새의 노래

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작품: 빨간 사과 세 개 작가: 귀스타브 쿠르베
사실주의 미술의 대표적인 작품이며, 유화 기법을 이용한 작품이며, 오르세 미술관에 소장되어 있다. 이 그림에 대하여 미술사학자 벤추리는 '사과의 양감이 명암 효과에 의해 생명을 부여받았다'라고 평가하였으며, 형태와 양감의 형식적 조합이 예술 작품에서 얼마나 중요하고 강력한 힘을 발휘하는지 강조하기도 했다.

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이냐스 앙리 장 테오도르 팡탱 라투르의
여인의 누드 습작

제작연도 | 1872년
사조 | 사실주의
종류 | 유화
기법 | 캔버스에 유채
크기 | 44.5 x 27 cm
소장처 | 오르세 미술관

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작품:몽마르트 대로 밤풍경 화가:피사로
몽마르트 대로를 아침, 저녁, 밤으로 나누어서 그렸다. 이 풍경은 원근법의 형식을 취하고 있지만, 사물의 재현을 목적으로 하지 않는다는 점에서 르네상스식 회화와 다르다. 재현이 아니라 인상을 전달하는 것이 목적이라는 것이다. 또한 몽마르트 대로는 아무런 이념을 표현하지 않았고 상상화가 아니다.

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작품명: 센 베네쿠르 강변에서
화가:클로드 오스카 모네
<센 베네쿠르 강변에서>는 모네가 센 강(La Seine)을 배경으로 그의 예비 신부 카미유 동시유(Camille Doncieux)와 아들 장(Jean)을 그린 것이다. 이 시기 모네 가족은 글로통(Gloton) 마을에서 하숙하고 있었다. 모네의 경제적 사정이 순탄치 않아 하루 벌어 하루 먹고 사는 생활이 이어졌으나, 동료들 사이에서 모네의 평판은 날로 높아지고 있었다. 당시 그는 그들의 친구들, 특히 동료 화가 바지유(Frédéric Bazille, 1841-1870)에게 경제적으로 의지하고 있었다. 모네 가족은 결국 자금 부족으로 여관에서 쫓겨났고, 모네는 동료들에게 절박한 편지를 보냈다. 모네는 곧 그에게 가족 초상화를 의뢰한 르아브르의 공장주 고디베르(Gaudibert, ?-?)에게서 원조를 받게 된다. 주변의 도움과 꾸준한 작품 활동, 작품 판매로 모네는 재정적인 여유를 찾게 되고, 해안가에 정착하여 점차 안정적인 작품 활동이 가능해졌다.

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작품 이름: 해돋이 (1872)
아티스트 :  클로드 오스카 모네
설명 : 어둠 속에서 해가 막 떠오르는 풍경을 담은 이 그림에는 검은색이 전혀 사용되지 않았다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채다. 붉은 빛이 도는 하늘과 푸른 바다는 서로 겹치면서도 묘한 대조를 이룬다. 여기에서 태양이 가장 밝은 것처럼 보이지만 실제 명도를 따져보면 하늘과 거의 차이가 없다.

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아를의 별이 빛나는 밤 (Starry Night)
화가: Vincent van Gogh (빈센트 반 고흐)
제작년도: 1888년경
사조: (후기)인상주의
기법: 유화/캔버스에 유채
규격: 92 x 72.5 cm)
원본 소장처: 오르세 미술관

고흐가 프랑스 남부 지방에 머무르면서 그곳의 아름다운 밤하늘에 매료되어 '캄캄하지만 그만의 색을 가지고 있는' 밤의 별빛을 자신의 캔버스에 담아낸 그림으로, '별이 빛나는 밤' 과는 사뭇 다른 느낌을 준다.
그림의 배경은 론 강가로, 밤하늘이 그림의 대부분을 차지하고 있으며 어두컴컴한 밤하늘에 은은하게 불을 밝히고 있는 별을 자신만의 기법으로 묘사하였다.
하늘은 짙은 코발트 블루 색상으로 채색되었으며 즉흥적이고 강렬한 붓 터치로 인상적인 느낌을 부여했다.
또한 밤하늘에 그려진 별들은 북두칠성과 큰곰자리를 모티브로 그려졌다고 한다.

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아를의 별이 빛나는 밤

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작품명: 뱃놀이 일행의 오찬
화가: 오귀스트 르누아르의
화가와 그의 친구들이 강변 근처에 위치한 식당 테라스에서 음식을 먹으면서 떠들썩하게 노는 장면을 그린 것이다.

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빈센트 반 고흐/1889/캔버스에 유화

1)네덜란드의 화가 빈센트 반 고흐의 가장 널리 알려진 작품이다.
2)정신병을 앓고 있을 당시의 고흐가 그린 작품이다.
3) 친구였던 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미 요양원에 있을 때  병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸다.
4)고흐에게 밤하늘은 유한함을 표현하는 대상이었다.
5)하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 그린 것에 비해 그 아래의 마을은 대조적으로 고요하고 평온한 상태를 보여준다.
6)교회 첨탑은 그의 고향인 네덜란드를 연상시킨다.
7)그는 병실 밖으로 내다보이는 밤의 풍경을 자신의 상상과 결합시켜 그렸다.
8)자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다.
9)현재 뉴욕 현대 미술관에 전시되어 있다.
10)몇몇 천문학자들은 이 작품의 별들이 실제 밤하늘의 별들이라고 설명한다

그림 이쁘당

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아티스트

피에르 오귀스트 르누아르(Pierre-Auguste Renoir)

제작연대: 1877년

시대: 인상주의

종류: 유화

기법: 캔버스에 유채

그림에 등장하는 여자는 당시 파리에서 인기가 많았던 여배우인 잔 사마리입니다. 당시 1차 세계대전이었지만 르누아르는 다른 화가들과는 달리 차갑고 쓸쓸한 분위기를 표현하지 않고 따듯한 그림들만을 남겼습니다.

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피리부는 소년
아티스트: 에두아르 마네
국적: 프랑스
1886년 이 그림은 특이한 초상화다 겉으로 보기에 피리 부는 소년을 그린 것 같지만 사실은 빅토린 모렝을 그린 것이기 때문이다.
에두아르 마네는 피리 부는 소년을 모델로 쓰지 않고 모렝을 모델로 삼아서 이 그림을 그린 것이다.

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작가 : 베르트 모리조 제목 : 여름날

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모리소는 마네를 알게 되면서 인상파 화가들과 교류하였으며, 1874년에 시작된 인상파 그룹전에 처음부터 참가하였다. 그녀는 1886년의 8회전까지 1879년의 제 4회전을 제외한 나머지 인상주의전에 모두 작품을 제출했다. 영국 런던 트라팔가 광장(Trafalgar Square)의 내셔널 갤러리(National Gallery)에 소장된 1879년의 작품, <여름날(Summer’s Day)>도 인상주의 전시회에 출품했던 작품이다. 1880년 5번째 인상주의 전시회에 작품을 제출했을 때의 작품 제목은 <블로뉴 숲의 호수(The Lake in the Bois de Boulogne)>라는 이름이었다.

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1879년 첫 번째 아내가 젊은 나이에 세상을 떠나고 3년후, 유부녀와 살림을 합쳤고, 10년후 그녀의 남편이 죽자, 두사람은 결혼을 했다. 절벽에서 산책을 즐기는 두 여자는 유부녀의 두 딸로 추정된다

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클로드 모네(파라솔을 든 여인)

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'파라솔을 든 여인(the promenade woman with a parasol, 1875)' 은 모네가 자신의 아내 카미유를 모델로 그린 작품이다. 인물과 풍경을 객관적으로 묘사하기보다는, 화가 자신의 시야에 비치는 인상 자체를 화폭에 담고자 했다

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마네의 그림의 특징은, 작품에서 인물의 마음을 알 수 없다는 것이다. 이 작품에서 마네는 현대인들의 무심함을 그렸다고 한다.