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Polémique, masques antiques et Blackface à la Sorbonne

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Deux mois après avoir été annulée, la pièce “Les Suppliantes” d’Eschyle, accusée de Blackface, a finalement été jouée à la Sorbonne.

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La catharsis

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Dans sa Poétique, Aristote justifie la tragédie en lui attribuant un pouvoir de purification ( katharsis) des passions du spectateur. Assistant à un tel spectacle, l'être humain se libérerait des tensions psychiques, qui s'extériorisent sur le mode de l'émotion et de la sympathie avec l'action représentée (induisant pitié, colère, etc.). Cette interprétation de la catharsis se rapporte à une conception de la vie comme équilibre et de l' âme comme juste milieu, juste mesure qui est " sommet ", comme le précise l'Éthique à Nicomaque (1107 a, b) - conception qui a déjà une longue histoire au moment où Aristote s'en empare. En réalité, Aristote banalise pour ainsi dire la catharsis en menant à son terme un lent processus de laïcisation des pratiques cathartiques largement répandues dans la culture grecque archaïque.

Les tragédies grecques sont issues du culte de Dionysos, c'est-à-dire d'une des réalités les plus troubles et les plus obscures de cette culture. Culte engendrant des états de transe et de possession, aux effets psychosomatiques profonds, pouvant réaliser un " contact " frénétique, extatique, avec le dieu. C'est cette libération violente des forces de l'âme humaine qui sera contenue progressivement par une intégration du culte dans les structures de la cité (d'où naîtra la tragédie) et surtout par une équilibration " apollinienne ". Cette équilibration s'effectue à l'intérieur des religions visant au salut, notamment l' orphisme. Les orphiques, tout en acceptant la leçon bachique - c'est-à-dire la participation de l'homme au divin -, en ont tiré la conclusion logique : l'immortalité, et par conséquent la divinité, de l'âme. Ce faisant, ils ont remplacé l' orgia par la katharsis, technique de la purification enseignée par Apollon et dont on retrouve l'influence dans les Purifications d' Empédocle. Cette équilibration s'effectue aussi à l'intérieur de la philosophie par l'école pythagoricienne qui va faire de la theoria (la vision ou contemplation) la finalité de l'expérience cathartique : la catharsis va devenir l'ensemble des préparations nécessaires pour recevoir une connaissance relative à l'humain et au divin. Toute la philosophie de Platon en son pôle le plus obscur, tel qu'il se donne à lire dans la Septième Lettre, est l'expression de la catharsis comme première étape de la " vie philosophique ".

De la sorte, la notion grecque de catharsis renvoie à deux sens, la purgation et la purification.

Terme à référent médical, établi sur les notions d'hygiène, de régime, d'effort physique, d'équilibre, la purgation correspond à tout un savoir de la vie et de la nature humaine. Elle vise à l'adaptation de l'être psychosomatique à une réalité sociale, à son intégration dans un milieu humain que tout excès de passion menace. Elle purge les tensions intra-organiques engendrées par le seul fait de vivre, mais surtout elle purge les tensions collectives. Elle peut alors porter en soi une violence explicite, telle l'immolation d'une victime expiatoire, un bouc émissaire animal ou humain (tel sera le pharmakon en Grèce).

La purification est un terme à référent religieux qui renvoie à des rites (ablutions, sacrifices divers, offrandes, dons, crémations, mise à l'écart de la communauté, etc.), à des pratiques d'ascèse (jeûne, chasteté, silence, arts martiaux, danse, chant, gymnosophie, prière, etc.), à une morale et à une théorie des vertus, enfin et surtout à un préalable nécessaire pour s'approcher du sacré. Hors de ces préalables cathartiques, toute initiation reste révélation morte.

En ce second sens, la catharsis, si elle ne tourne pas le dos à la vie vulgaire et aux obligations sociales, tend néanmoins à être réalisée à l'écart des coutumes et opinions (par exem [...]

Autres références

" CATHARSIS " est également traité dans :

Terme utilisé en psychiatrie et en psychothérapie et qui traduit l'allemand Abreagiren , mot inconnu sans doute avant Breuer et Freud. Dans le sens le plus général, l'abréaction désigne toute décharge émotionnelle qui permet à un sujet d'extérioriser un affect lié à un souvenir traumatique et, en conséquence, de se libérer de son poids pathogène. Parfois, le malade " abréagit " spontanément (abréa [...] Lire la suite

La fortune philosophique de la notion de catharsis est liée essentiellement à une phrase de la Poétique d' Aristote : " La tragédie est l' imitation d'une action de caractère élevé et complète, d'une certaine étendue, dans un langage relevé d'assaisonnements d'une espèce particulière suivant les diverses parties, imitation qui est faite des personnages en action et non au moyen d'un récit, et qu [...] Lire la suite

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Les derniers événements

Elles interviennent après trois mois de " catharsis " au cours desquels le cabinet sortant a tenté de faire la lumière sur les scandales ayant agité la vie politique hellène depuis deux ans, en particulier sur l'affaire Koskotas, un détournement de plus de 200 millions de dollars de la Banque de Crète dans lequel seraient impliqués plusieurs membres de l'état-major du Parti socialiste (P. [...] Lire la suite

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Dans sa Poétique , Aristote justifie la tragédie en lui attribuant un pouvoir de purification ( katharsis ) des passions du spectateur. Assistant à un tel spectacle, l'être humain se libérerait des tensions psychiques, qui s'extériorisent sur le mode de l'émotion et de la sympathie avec l'action représentée (induisant pitié, colère, etc.).

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Pour faire travailler vos camarades

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La Commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire. Elle est apparue au XVI e siècle en Italie.

L'expression "commedia dell'arte" veut dire théâtre professionnel car, pour la première fois dans l'histoire du théâtre, les Comédiens de l'Art gagnent leur vie en jouant la comédie. Ils peuvent tout jouer : tragédies, pastorales, drames, farces... Mais c'est grâce à la farce qu'ils se font remarquer partout en Europe où ils rencontrent un vif succès. Ces troupes professionnelles attirent d'ailleurs le public en faisant monter les femmes sur scène pour la première fois.

La Commedia dell'arte influencera durablement le théâtre comique ( Molière, Goldoni, Marivaux...). Mais on en trouve aussi l'empreinte dans le cinéma burlesque ( Chaplin, De Funès).

Une comédie sans texte écrit

La particularité de la Commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit. Les comédiens improvisent à partir d'un canevas : c'est la trame de l'histoire, une sorte de scénario donnant le sujet de la pièce et les grandes lignes de l'intrigue. À partir de là, les comédiens inventent les gestes et les dialogues. Pour s'aider, ils connaissent un répertoire impressionnant de répliques qu'ils donnent en fonction de la réaction du public. Ainsi, sur le même canevas, il y a donc des différences d'une représentation à l'autre.

De plus, les pièces reposent aussi sur la capacité des comédiens à ajouter de nombreux lazzi au spectacle. Ce sont des gags autonomes (paroles, gestes, jeux de mots, grimaces, acrobaties...) que les comédiens connaissent par cœur et qu'ils peuvent jouer à tout moment. Ils sont destinés à faire rebondir l'action et à déclencher le rire.

Des personnages fixes

La Commedia dell'arte s'appuie sur une série de personnages fixes et stéréotypés, devenus très célèbres comme Arlequin, Colombine, Pierrot...

La plupart de ces personnages sont caractérisés par un costume, une gestuelle et surtout un masque. Il est donc impossible à l'acteur qui porte le masque de se servir des expressions de son visage pour jouer : le jeu est donc reporté sur le corps, ce qui fait que les acteurs bougent beaucoup, gesticulent, sautent, exécutent des acrobaties et exagèrent leurs mouvements.

Comme c'est un genre de théâtre populaire, la commedia dell'arte prend le parti des gens du peuple, principalement les valets et les domestiques, et se moque des bourgeois et des riches.

Il existe principalement quatre catégories de personnages : les maîtres, les valets, les amoureux, les soldats.

Les maîtres

Pantalone, a la barbe en pointe et est habillé en rouge et noir. Il porte un caleçon long rigidifié par des sous-pieds (l'ancêtre du pantalon). C'est un vieillard de comédie. C'est souvent un commerçant retraité, avare, trompé par sa femme et ses enfants. Mais il a des vues amoureuses sur les femmes jeunes. Il vient de Venise.

Le fraise docteur porte un nez noir et autour du cou une aux allures molles. C'est un personnage qui étale sa " culture " mais qui en fait n'en a aucune de solide. Il peut exercer divers métiers comme médecin, juriste ou philosophe. Il vient de Bologne.

Bartolo et Gerontio sont aussi des vieillards de la commedia dell'arte.

Pour en savoir plus, lis l'article : Arlequin.

Arlequin, le valet. Il est gourmand, paillard, un peu sot mais avec un bon fond, sans métier fixe. Il n'est pas le seul valet malin de la commedia dell'arte : chaque grande ville d'Italie possède son " Arlequin " local comme Trivelin ou Truffaldin. Arlequin est un personnage malin, joueur, un peu paresseux. Il porte un costume multicolore, généralement formé de losanges ou de triangles rouges, noirs, et parfois aussi bleus ou jaunes. Il vient de Bergame.

Brighella, l'autre valet, avec un masque de couleur olivâtre et un nez crochu. Son costume est blanc avec des bandes vertes. C'est un débrouillard fourbe et malin qui aime se moquer des vieillards amoureux ou voler les avares. Lui aussi vient de Bergame. Il a des copies comme Scapino, ou Beltrame.

courtisane Colombine ou Zerbinette ou Fiorina. C'est la soubrette confidente de sa maîtresse mais elle peut être aussi une entremetteuse dans les affaires de cœur voire une . Elle est douée pour mener des intrigues amoureuses.

Polichinelle (Pulcinella) est originaire de Naples ; laid, il a un gros ventre et une bosse dans le dos. C'est un vieux garçon, grincheux, fainéant, rusé, gourmand, menteur et grossier. Il fait également partie du théâtre de marionnettes.

Pierrot (Pedrolino). Valet au costume blanc, il est jeune, beau garçon, et honnête. Il plait aux servantes dont il peut tomber amoureux. Lui aussi, poussé par Polichinelle ou Brighella ou une soubrette, joue de mauvais tours aux vieillards.

Les amoureux (non masqués)

Isabelle ou Rosalinde ou Béatrice. Elle est vêtue à la dernière mode. Ce n'est ni une jeune fille, ni une courtisane, ni une femme mariée. Elle peut être tendre, mais parfois aussi perfide. Ses amours successifs sont sincères au moment où elle les ressent.

Flavio ou Cynthio ou Léandre ou Lelio. C'est un personnage élégant, aux allures maniérées. Il est cultivé. Il peut paraître ridicule.

Les soldats

Il porte l'habit militaire espagnol. Matamore ou le Capitan. C'est un soldat fanfaron, mais peureux. Par son aspect physique et les attitudes qu'il se donne, il se croit irrésistible auprès des femmes ; mais elles se moquent de lui.

À l'origine, ce théâtre se jouait dans les rues. Les auteurs plus modernes, comme Carlo Goldoni, au , ont malgré eux mis fin à cette pratique, en écrivant des pièces jouées dans des théâtres.

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La Commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire. Elle est apparue au XVI e siècle en Italie. L'expression "commedia dell'arte" veut dire théâtre professionnel car, pour la première fois dans l'histoire du théâtre, les Comédiens de l'Art gagnent leur vie en jouant la comédie.

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Le théâtre latin désigne la littérature, les pièces de théâtre romaines et en latin. Il est à distinguer du théâtre romain qui est le monument, le lieu de spectacles.

Le théâtre latin (c'est-à-dire écrit en langue latine) se répartit, comme le théâtre grec classique, en comédies et tragédies. Mais seules des comédies sont parvenues jusqu'à nous dans leur intégralité.

Certains types de spectacles comiques sont d'origine proprement italiques, comme l' atellane (courte farce), la pantomime (spectacle typiquement latin) et la fabula (comédie).

Les premières pièces ont été créées à partir du IIIe siècle avant J-C. Les deux auteurs de théâtre (dramaturges) qui dominent la littérature latine sont (-254 - -184), dont les comédies sont écrites sur un ton familier, pour le goût populaire, et (-190 - -159), dont le comique est nettement plus fin et inspiré du style grec.

Certaines pièces du théâtre latin ont eu une descendance dans les littératures modernes européennes. Molière lui-même s'est inspiré à plusieurs reprises des comédies des deux grands auteurs latins : à Plaute, il a emprunté les thèmes de et d'Amphitryon, tandis que Les Fourberies de Scapin trouvent leur source dans une pièce de Térence.

Il ne reste que quelques fragments des tragédies latines, qui ne nous sont donc pas connues.

Vikiliens pour compléter sur le théâtre à Rome dans l'Antiquité

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Le théâtre latin désigne la littérature, les pièces de théâtre romaines et en latin. Il est à distinguer du théâtre romain qui est le monument, le lieu de spectacles. Le théâtre latin (c'est-à-dire écrit en langue latine) se répartit, comme le théâtre grec classique, en comédies et tragédies.

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(section « les types de pièces de théâtre »)

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Le théâtre latin désigne l'ensemble des œuvres théâtrales produites en langue latine au temps de la Rome antique.

Le théâtre latin est l'héritier du théâtre grec antique mais il s'en démarque sur de nombreux points. S'il est associé à l'origine à des cérémonies religieuses, il évolue vite vers des formes de représentation profanes, dans lesquelles l'écriture, le jeu des acteurs et la mise en scène sont nettement codifiés.

Le théâtre romain est un édifice destiné aux représentations théâtrales durant la même période.

Le théâtre latin n'est ni un théâtre de la comme celui préconisé par Aristote ni un théâtre de représentation comme le théâtre classique. Il est un théâtre du jeu ( ludus) : la représentation est une période durant laquelle la politique s'arrête et que rien ne doit venir troubler, surtout pas des allusions sur scène à la vie réelle. En cela, il se démarque grandement du théâtre grec.

L' atellane est une courte farce improvisée par des acteurs portant un masque et incarnant des personnages de convention comme Maccus, Bucco, Dossenus, et des êtres monstrueux comme Manducus (l' ogre) et Lamia (l'ogresse), etc. Empruntés à la vie quotidienne, les thèmes sont très simples. Genre essentiellement caricatural, l'atellane séduisait par son caractère familier et ne reculait pas devant l' obscénité. L'atellane servait souvent de conclusion aux jeux scéniques. Elle est l'ancêtre de la commedia dell'arte.

Le mime est un spectacle de danse qui met en scène des sujets légers, voire grossiers ; c'est le seul spectacle où jouent des actrices, souvent associées à des prostituées. Il ne faut pas confondre le mime antique avec le mime au sens moderne qui désigne un spectacle où les rôles sont uniquement gestuels, sans paroles et avec un accompagnement musical. À Rome, le mime est une espèce de représentation plutôt dramatique dans laquelle les acteurs jouent pieds nus et sans masques des scènes quotidiennes ou romanesques, dites en prose. L'essentiel repose sur la gesticulation, la danse, sur tout ce qui s'adresse aux sens plutôt qu'à l'intelligence.

La pantomime est un spectacle typiquement romain, parodie des légendes mythologique, souvent tragique. Elle succède au mime où un acteur-danseur unique (le pantomimus) mimait une histoire dans un spectacle sans paroles. Il joue à lui seul tous les personnages et il est accompagné par un chœur de danseurs et un petit orchestre. L'acteur porte un beau costume de soie et un masque coloré. De forme allongée, les masques tragiques traduisent émotion et violence. Les masques comiques reproduisent fidèlement les traits du visage humain et visent surtout à amuser.

La fabula (en latin, fabula signifie " récit fictif ", " pièce de théâtre ") est un genre théâtral divisé en plusieurs catégories, aussi bien comiques que tragiques :

La fabula cothurnata ou fabula crepidata est une tragédie latine de sujet grec.

La fabula palliata est l'adaptation d'une comédie grecque ou " pièce en costumes grecs " (les acteurs portaient le pallium et non la toge). C'est le genre que nous connaissons le mieux : toutes les comédies de Plaute et de Térence en font partie.

La fabula praetexta est une pièce sérieuse sur un sujet historique romain. Elle est appelée ainsi parce que les héros étaient des magistrats romains, revêtus de leur toga praetexta, toge bordée d'une bande de pourpre. Le sujet s'inspire de l'histoire nationale, par exemple la prise d'une ville. Les héros de la tragédie prétexte sont considérés comme des demi-dieux, comme dans le théâtre grec. Nous n'en possédons qu'une seule complète : l' du pseudo-Sénèque.

La fabula togata, ou " pièce en costumes romains ", est une comédie latine à thème indigène concernant le bas de l'échelle sociale à Rome.

Les comédiens sont tous des hommes, soit des esclaves, soit des hommes libres (mais non citoyens). Un citoyen qui fait l'acteur est dégradé par les censeurs (qui établissent les rangs sociaux dans la société romaine) et exclu de son rang. Pourtant, exceptionnellement, des sénateurs ou des magistrats pouvaient monter sur scène. Comme en Grèce, les rôles féminins sont interprétés par des travestis. À Rome, la scène est interdite aux femmes, à l'exception des actrices de mimes (souvent assimilées à des prostituées).

Les acteurs de mime ou de pantomime sont de véritables vedettes. Leur salaire est augmenté des gratifications énormes qu'ils reçoivent. Riches et célèbres, ils sont socialement acceptés ; ils deviennent les favoris des grands et mènent une vie tapageuse. La pantomime, popularisée sous Auguste, permet et favorise ce phénomène de vedettariat puisque ce nouveau genre dramatique est entièrement organisé autour du comédien, qui joue tous les personnages et dont les solos sont mis en valeur par les chanteurs qui les reprennent en écho.

Les acteurs et les musiciens sont réunis en troupes dirigées par un chef (le dominus gregis). Tout comme les costumes et le maquillage, le jeu de l'acteur est strictement codifié. Les nombreux traités écrits à ce sujet, soit par des acteurs (comme Roscius), soit par des théoriciens (comme Pline l'Ancien), nous sont partiellement conservés par les citations qu'en fait Quintilien (surtout dans le livre XI de l'Institution Oratoire). Le comédien doit travailler trois éléments dans son jeu :

La symbolique des formes et des couleurs des costumes permet une reconnaissance immédiate des personnages les plus représentatifs de la comédie ou la tragédie, comme le paysan idiot ou rusé et voleur, le soldat vantard et fanfaron, etc..

Les acteurs portent de petites jupes flottantes et des chaussures hautes ( cothurnes) s'ils jouent des tragédies, des pantalons bouffants et des chaussures basses ( soccus), s'ils jouent des comédies.

Pour les pièces de sujet grec ( fabula palliata), les costumes sont grecs : pallium, tunique et manteau ; chlamyde, casaque, tunique pour les rôles féminins. Pour les pièces de sujet romain ( fabula praetexta ; fabula togata), les costumes sont romains : toge pour les hommes libres, tunique pour les esclaves, manteau pour les voyageurs, tunique, robe ou manteau pour les rôles féminins, fichu jaune de la courtisane.

Les acteurs portaient aussi des chaussures pourvues de talons de 20 à 30 cm : le cothurne ( cothurni), à semelle très haute, dont se chaussaient les acteurs tragiques et, pour les acteurs comiques, des crepida (sandales d'origine grecque) ou des socci.

Les Romains reprennent et développent les techniques mises au point par les ingénieurs grecs et inventent des grues et trappes, afin de faire descendre des dieux du ciel (d'où l'expression latine : deus ex machina) ou faire monter des fantômes du monde des morts. Le public romain raffole de ces réalisations féeriques.

Le rôle de la musique est majeur dans le théâtre latin. Comme un opéra aujourd'hui, une représentation scénique est inimaginable sans accompagnement musical : un musicien professionnel compose ouverture, intermèdes et accompagnement sur les vers du poète. La musique est jouée par les tibicines (joueurs de flûte) sur deux flûtes ( tibiae), l'une de ton grave ( dextera), l'autre de son aigu ( sinistra) ou sur des flûtes doubles, graves et aiguës. Le ton est choisi en fonction du rôle, le grave et l'aigu soulignent les dialogues entre pères et fils dans les comédies.

La musique ne fait qu'augmenter en importance dans les représentations théâtrales. Sous l'Empire, on voit apparaître de nouveaux instruments dans la pantomime, formant de véritables orchestres : syrinx, lyre, cithare, trompette, orgue.

Dans les premiers temps de la Rome antique, les représentations en public étaient données en l'honneur de Bacchus. Il semble y avoir eu de grands défilés religieux, dans lesquelles danseurs et mimes (certains d'origine étrusque) présentaient une sorte de divertissement sacré, destiné à réjouir les dieux dont on promenait majestueusement les statues en ces jours de fête. Ce lien entre le théâtre et la religion disparaît progressivement avec la construction des théâtres en pierre.

À l'origine, les théâtres romains étaient construits en bois et seuls les spectateurs des premiers rangs pouvaient s'asseoir. L'utilisation du bois se justifiait par le caractère provisoire du bâtiment : le Sénat romain, estimant que les spectacles détournaient la population de son devoir religieux, s'opposait en effet à des constructions en pierre.

Après 55 avant notre ère, date à laquelle le théâtre en pierre de Pompée fut édifié, les constructions provisoires laissèrent place aux théâtres permanents. De nombreux théâtres sont ensuite bâtis dans tout le monde romain, principalement dans les grandes villes. Certains d'entre eux sont remarquablement conservés, comme celui de Leptis Magna en Libye, d' Orange (Vaucluse) en France ou d' Aspendos en Turquie (voir Les théâtres dans le monde romain).

Le théâtre proprement dit, destiné aux représentations dramatiques et comiques et aux pantomimes.

L'odéon, plus petit et conçu pour les spectacles lyriques et la lecture de textes poétiques avec accompagnement musical selon la tradition grecque, l'entrée y était payante.

Le théâtre romain est un vaste hémicycle fermé par un mur de scène, le frons scaenae. À l'inverse des Grecs chez lesquels les théâtres étaient adossés à des collines, les Romains préfèrent élever les gradins sur des voûtes montées en terrain plat. Seules quelques villes ont utilisé les collines pour bâtir des gradins ( Vienne, Orange, Lugdunum Philippopolis en Thrace).

Dans les villes romaines d'une certaine importance, le plan des théâtres était à peu près identique. La scène ( scaena) est séparée par un mur bas, le pulpitum, de l' orchestra, un espace en demi-cercle où prennent place les officiels et les spectateurs de marque (prêtres, magistrats, etc.) sur des sièges, dits de proédrie, installés au premier rang. Autour de cet espace sont disposés les gradins (appelés aussi la cavea) auxquels accède le public par des passages voûtés, les vomitoires ( vomitoria).

De chaque côté de la scène se dressent les basilicae, deux tours à étages d'où sortaient les acteurs. Le siparium, rideau de comédie ou d'arrière-scène, et l' auleum, rideau de tragédie ou d'avant-scène, étaient tirés de la fosse (l' hyposcenium) par toute une machinerie (cordes de manœuvre, contre-poids) au début et à la fin de la représentation, afin de servir de décor ou de former une toile de fond pendant les intermèdes.

Les décors étaient fixes, reposant sur un mur de scène gigantesque (celui du théâtre antique d'Orange mesure 36 m de haut et 103 m de large) orné de colonnades et de statues, et percé de portes. On pouvait également y retrouver, au centre, la statue d'un empereur mais également les nombreuses richesses, butin des batailles remportées par la ville.

Pour protéger le public du soleil une grande toile était mise en place de manière tendue, le velum (ou velarium). Derrière la scène se dressait un grand mur dissimulant les coulisses ( postscaenium). Celui-ci avait le sommet incliné vers l'avant de façon à rabattre la voix des comédiens.

Le théâtre était fermé par un portique semi-circulaire qui l'entourait. Au sous-sol se trouvaient les machineries ou hyposcaenium.

À Rome et dans les villes romaines, le théâtre occupe un rôle social : on s'y rend pour se cultiver ( Ovide dans l' Art d'aimer). Le théâtre sert également d'espace de dialogue entre le prince et le peuple, et les personnes importantes tenaient à être présentes aux spectacles pour se montrer plus proches du peuple.

La distribution du public dans la cavea reproduit la hiérarchie sociale. Les différentes classes sociales sont séparées : les vomitoires sont organisés de manière à ce qu'elles ne se mélangent pas. Chaque personne a une place dans les gradins selon son rang. Au départ, les spectateurs étaient debout, ce qui évitait une distinction puis ils purent s'asseoir. La cavea fut divisée en trois " couronnes " :

la première couronne, l'ima cavea, était réservée aux sénateurs et aux chevaliers, ce qui leur laissait quatorze rangs ;

la seconde, la media cavea, où s'asseyait le peuple ;

la troisième, la summa cavea, regroupait les esclaves et les étrangers qui restaient debout au dernier rang.

le grand public qui préférait le grand spectacle avec des mises en scène époustouflantes, des animaux rares, privilégiant des histoires légères accessibles à tous ;

le public des lettrés qui préférait un théâtre plus littéraire visant l'élite.

Le spectacle est payant, mais sa mise au point représente, pour celui qui le finance, le dator ludi, un investissement considérable. Le coût du spectacle est souvent pris en charge par un magistrat qui saisit cette occasion pour accroître sa popularité et ses chances d'être élu à des fonctions plus élevées. Ceci occasionna donc une rivalité entre les donataires qui voulaient toujours faire mieux que les autres. À chaque fois tout est plus somptueux et plus étonnant que la précédente.

Plaute, en latin Titus Maccius Plautus , né vers 254 avant notre ère à Sarsina dans l'antique Ombrie (maintenant située en Romagne) et mort en 184 à Rome, est un auteur comique latin. Il est le premier grand nom de la littérature latine, des auteurs tels que Naevius ou Ennius n'ayant guère laissé qu'un nom et quelques fragments. S'étant surtout inspiré d'auteurs grecs de la comédie nouvelle comme Ménandre, il leur a donné une saveur typiquement romaine. Il a acquis un grand succès de son vivant, et nombreux sont les écrivains romains qui l'ont loué.

Plus tard, Shakespeare et Molière seront influencés par ses œuvres.

Térence, en latin Publius Terentius Afer (vers 191 - 159 avant notre ère), poète comique latin, né à Carthage. Ses comédies font s'affronter des personnages décrits avec une grande finesse psychologique et animés de bons sentiments : L'Andrienne, L'homme qui se punit lui-même, L'Hécyre, L'Eunuque, Les Adelphes, Phormion (dont s'inspira Molière dans Les Fourberies de Scapin).

Il est mentionné dans une épigramme attribué à Jules César puis à Cicéron :

" Tu quoque, tu in summis, o dimidiate Menander,
poneris et merito, puri sermonis amator.
Lenibus atque utinam scriptis adiuncta foret vis
comica ut aequato virtus polleret honore
cum Graecis, neque in hac despectus parte iaceres :
Unum hoc maceror et doleo tibi deesse, Terenti. "

- Suétone-Donat, Vita Terentii, 5

Sénèque est lui le principal représentant du théâtre tragique latin, ou du moins le seul dont nous ayons conservé des pièces entières.

Il ne nous reste que quelques fragments de cette vie théâtrale : quelques monuments plus ou moins bien conservés, des pièces (en nombre infime au regard de l'extraordinaire activité dramatique des auteurs latins), quelques écrits théoriques (comme Vitruve, qui, dans le livre V du De Architectura traite des endroits propices à la construction des théâtres, de leur architecture et de leur acoustique).

Comme le prouve la programmation actuelle des saisons théâtrales, le répertoire antique et surtout grec n'a jamais cessé d'être joué, parfois dans un cadre antique. De la Renaissance au siècle, les auteurs n'ont jamais cessé d'adapter, de copier, de transformer le théâtre grec. Dans le théâtre classique français, sur les douze tragédies de Racine, quatre seulement ne s'inspirent pas de l'antiquité gréco-latine. Dans le théâtre contemporain, Giraudoux ( Amphitryon 38, La Guerre de Troie n'aura pas lieu, Electre), Anouilh ( Antigone), Sartre ( Les Mouches) et d'autres reprennent bon nombre de thèmes de l'antiquité classique. Avec une nuance toutefois : de Rome ne sont repris que les sujets (Britannicus, Bérénice, etc.), et les sources ne sont pas des auteurs dramatiques, mais des historiens.

L'évolution du théâtre va se traduire par de nombreux changements dans la façon d'écrire les pièces et de les mettre en scène : les femmes jouent des rôles féminins, l'écriture et la mise en scène ne sont plus aussi codifiées que pendant l'Antiquité, les costumes sont libres et les masques ne servent plus qu'aux reprises de pièces antiques.

de jeunes filles enlevées,

de pères qui se chamaillent avec leur fils,

de maîtres qui se font rouler par leurs esclaves.

(en) Richard C. Beacham, The Roman Theatre and Its Audience, Harvard University Press, 1991 (Books.google).

J. C. Dumont et M.-H. François-Garelli, Le théâtre à Rome, Paris, Le Livre de Poche, 1998. Contient des chapitres généraux sur le théâtre romain, ainsi que des résumés détaillés des pièces de Plaute et de Térence.

F. Dupont, L'acteur-roi ou le théâtre dans la Rome antique, Paris, Les Belles Lettres, 1985.

F. Dupont, Le théâtre latin, Paris, Armand Colin, Cursus, Lire l'Antiquité, 1988. . Présente une méthode d'analyse d'une pièce latine et de nombreux exemples.

F. Dupont, Le théâtre romain, Paris, Armand Collins, Lettres supérieures, Arts du spectacle, 2012. Expose le théâtre romain dans l'optique de la pratique des arts de la scène.

Marie-Hélène Garelli, Danser le mythe. La pantomime et sa réception dans la culture antique, Peeters, Louvain, 2007.

(it) Ettore Paratore, Storia del teatro latino, Vallardi, Milan, 1957.

(it) Nicola Savarese, Teatri romani: gli spettacoli nell'antica Roma, Il mulino, Bologne, 1996. .

1. Robert ABIRACHED, ↑ " Commedia dell'arte " , sur Universalis (consulté le )

2. ↑ Beacham (1996, 2).

3. ↑ (en) Paul Kuritz, The Making of Theatre History, First Edition, , p. 51 .

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Le théâtre latin désigne l'ensemble des œuvres théâtrales produites en langue latine au temps de la Rome antique. Le théâtre latin est l'héritier du théâtre grec antique mais il s'en démarque sur de nombreux points.

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Dictionnaires et Encyclopédies sur 'Academic'

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La (en grec ancien / kōmōidía) est un genre littéraire et théâtral majeur de la Grèce antique, plus récent que la tragédie. Son origine est mal connue. Aristote ( Poétique, 1449b) la rattache aux chants phalliques accompagnant les cortèges dionysiaques (κῶμοι / kỗmoi), mais le passage de ces derniers à la comédie classique reste sujet à débat.

Si Épicharme est le premier auteur comique attesté, la comédie grecque est connue principalement par Aristophane, dont onze comédies ont été entièrement préservées - sans doute grâce à des anthologies scolaires d'époque romaine, recopiées ensuite au Moyen Âge. Une pièce entière de Ménandre, le Dyscolos, a été retrouvée en 1956 (ap. J-C) par hasard dans un lot de papyrus acquis par un collectionneur genevois, Martin Bodmer. Par ailleurs, on dispose de fragments et/ou des titres d'environ 1500 comédies, préservées par des citations.

Comédie ancienne

On appelle " comédie ancienne " la production comique athénienne du et du début du . Nous la connaissons essentiellement grâce à Aristophane. Les plus anciens auteurs connus sont Chionidès et Magnès, antérieurs de deux générations à Aristophane, puis Cratinos, Cratès, Eupolis, Phérécrate ou encore Phrynichos.

Elle se caractérise par des intrigues ayant toujours trait à la vie de la cité. Dans les Acharniens, la Paix ou Lysistrata, Aristophane prend parti pour la paix pour mettre fin à la guerre du Péloponnèse ; dans , il dénonce les effets pervers des institutions judiciaires athéniennes. On évoque (souvent pour les brocarder) des personnalités contemporaines, qui peuvent même apparaître sur scène. Ainsi, le démagogue Cléon est ridiculise à longueur de pièce par Aristophane ( les Babyloniens, les Cavaliers, etc.) tandis que Socrate apparaît " en personne " dans .

Elle se compose canoniquement comme suit :

prologue où le héros est présenté ;

ἀγών / agṓn : lutte, au sens propre ou figuré, entre le héros et son ou ses adversaires, arbitrée par le coryphée (chef du chœur), qui s'achève par le triomphe du héros ;

παράϐασις / parábasis : intermède où le coryphée, rompant l'illusion théâtrale, s'adresse aux spectateurs pour délivrer un discours de politique générale ou plus prosaïquement faire la publicité de l'auteur, souvent aux dépens des concurrents :

divers épisodes où le héros célèbre sa victoire ;

ἔξοδος / éxodos, sortie du chœur et triomphe du héros, cloture de la pièce.

L'inventivité de l'auteur prime avant tout, et le public ne fait guère le délicat : plaisanteries obscènes ou scatologiques, caricatures grossières, accessoires phalliques, tout lui est bon. L'illusion comique reste faible, les protagonistes faisant souvent ouvertement allusion aux divers " trucs " de théâtre : Trygée, héros de la Paix, volant vers l' Olympe monté sur un bousier, supplie le machiniste manœuvrant la grue de faire attention. Dicéopolis, héros des Acharniens, suggère à Euripide d'emprunter l'eccyclème (sorte de plateau roulant destiné à introduire les acteurs sur scène) pour sortir de chez lui. Le chœur, après le " combat de gueule ", introduit la parabase en annonçant qu'il est temps d'en venir aux anapestes, nom du vers employé.

Comédie moyenne

La transition entre comédie ancienne et nouvelle demeure mal connue. Suivant la tradition, on la qualifie de " comédie moyenne ". Les noms d' Antiphane et d' Alexis y demeurent attachés. Les Anciens attribuent à cette période plus de 600 pièces, toutes perdues. Cependant, on aperçoit déjà une évolution dans les deux dernières pièces conservées d'Aristophane, l'Assemblée des femmes et le : la parabase disparaît, le chœur joue un rôle bien moindre, l'action progresse de manière plus logique. Apparemment, ces évolutions sont encore plus marquées dans des pièces désormais perdues, comme la Cuisine d'Éole - apparaissent des coups de théâtre promis à un bel avenir : enlèvement, viol et retrouvailles.

Nouvelle comédie

La comédie nouvelle commence dans la seconde moitié du Elle prend pour cadre celui de la maison. L'intrigue occupe une place beaucoup plus importante que dans la comédie ancienne où les épisodes de parades, après la parabase, étaient souvent sans lien marqué avec le début de la pièce. Elle devient plus cohérente, et les épisodes s'enchaînent de manière logique. Plutarque relate ainsi la réponse de Ménandre, à qui l'on demandait où en était sa pièce : " Ma comédie est faite, car l'intrigue est bâtie, il faut juste ajouter les vers. " Le rôle du chœur s'efface : il n'assure plus que de brefs intermèdes entre les cinq " parties " (équivalents des actes du théâtre occidental) qui composent la pièce. Les échanges entre les acteurs sont généralement parlés.

Le grand thème est l'amour contrarié qui finit par triompher après bien des rebondissements : apparition d'un jumeau inconnu, reconnaissance d'enfants déposés, retour d'un personnage qui était cru mort, bâtards s'avérant légitimes, etc. Plus encore que dans la comédie ancienne, les personnages sont stéréotypés : le jeune premier est destiné à épouser la jeune première, l' esclave peut être filou ou au contraire malin, le soldat est immanquablement fanfaron, à l'instar du cuisinier. Ces grands types sont liés à des noms particuliers : un Moschion est toujours un jeune premier et un Gorgias un esclave.

Le style de la comédie nouvelle s'assagit : il est intermédiaire entre le registre courant et le soutenu. Les grossièretés sont généralement bannies et les lois de la bienséance sont respectées. Plutarque note qu'" il n'y a pas d' amour pédérastique et que la séduction des vierges y tourne, très convenablement, au mariage. "

La comédie nouvelle est représentée pour nous par Ménandre, boudé par son époque (8 victoires pour 108 pièces) mais adulé par la période hellénistique. Il faudra attendre le début de l'ère chrétienne pour qu'Aristophane reprenne le dessus. De fait, la comédie nouvelle est beaucoup plus facile à comprendre pour un non-Athénien : plus d'allusions à tel ou tel personnage, plus d'intrigues liées à l'histoire de la cité. La comédie nouvelle s'exporte donc à Rome, où elle sera adaptée au sous le nom de comedia palliata et abondamment reprise par Plaute et Térence. Il semble même que certaines pièces grecques étaient simplement traduites : ainsi du Collier de Cæcilius Statius, traduite selon Aulu-Gelle du Plòkion de Ménandre.

1. Expression employée par Victor-Henry Debidour dans sa préface au Théâtre complet d'Aristophane, traduit par ses soins pour les éditions Gallimard, 1965. Coll. " Folio ", t. 1, p. 10.

2. " Ἀλλ' ἀποδύντες τοῖς ἀναπαίστοις ἐπίωμεν. " Acharniens, vers 627.

3. Ménandre, la Gloire des Athéniens, 4 [347e-f].

Articles connexes

Bibliographie

Jean-Claude Carrière, Le Carnaval et la politique. Une introduction à la comédie grecque suivie d'un choix de fragments, Belles Lettres, Paris, 1979 (ISBN 2251602127) ;

Paul Demont et Anne Lebeau, Introduction au théâtre grec antique, Livre de Poche, coll. " Références ", 1996 (ISBN 2253905259) ;

Jean-Charles Moretti, Théâtre et société dans la Grèce antique, Livre de Poche, coll. " Références ", 2001 (ISBN 2253905852) ;

Suzanne Saïd, Monique Trédé et Alain Le Boulluec, Histoire de la littérature grecque, Presses universitaires de France, coll. " Quadrige ", Paris, 1997 (ISBN 2-13-053916-5) ;

(en) Francis H. Sandbach, The Comic Theatre of Greece and Rome, Chatto & Windus, Londres, 1977.

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La (en grec ancien / kōmōidía) est un genre littéraire et théâtral majeur de la Grèce antique , plus récent que la tragédie. Son origine est mal connue. Aristote ( Poétique, 1449b) la rattache aux chants phalliques accompagnant les cortèges dionysiaques (κῶμοι / kỗmoi), mais le passage de ces derniers à la comédie classique reste sujet à débat.

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Au VIe siècle avant J-C. la comédie est née en Grèce, dédiée a Dionysos(dieu de l'ivresse et de la démesure) il s'agit de plaisanteries et de chants coquins, l'origine de la comédie est à la fois religieuse et populaire.

Le roi Louis XIV fonde par ordonnance la Comédie-Française, le 21 octobre 1680 pour assembler les deux seules troupes parisiennes de l'époque, la troupe de l'hôtel Guénégaud c'est la troupe de molière, et celle de l'hôtel de Bourgogne.fr

Une comédie est une pièce de théâtre dont le but est de divertir, en employant différents procédés comiques et dont la fin (le dénouement) est heureuse. Par extension, une comédie est aussi un film présentant les mêmes caractères.

Par " comédie ", on désigne également le genre comique, qui est à distinguer de la parodie.

Une comédie est le contraire d'une tragédie.

Afin de faire rire les spectateurs l'auteur d'une comédie emploie différents procédés:

La comédie est née dans l'Antiquité grecque, vers le VIe siècle avant J.-C. Le nom "comédie" vient d'ailleurs du grec kômôidía qui est formé de kỗmos (" fête en l'honneur de Dionysos "), et ôidế (" chant "). En effet, elle descend des célébrations en l'honneur du dieu du vin et de l'ivresse, qui se sont transformées en spectacle de plein air.

Au début, ces spectacles rituels avaient lieu dans la rue, puis ils se sont déplacés dans des théâtres (du grec théatron qui vient de théaomai : regarder, contempler), contructions en hémicycle, souvent à flanc de côteau. Des auteurs apparaissent avec les premiers concours de comédie, en -486, dont les plus connus restent :

Ils font rire en critiquant la société athénienne dans laquelle ils vivent. Leurs pièces sont représentées par des acteurs qui sont toujours des hommes, et qui portent des masques représentant des types de personnages (par exemple l'esclave, le glouton, l'idiot ...).

Les Romains, qui adorent les spectacles, adoptent le théâtre grec : ils s'inspirent de leurs tragédies et de leurs comédies. Les acteurs romains, qui sont le plus souvent des esclaves ou des affranchis, sont à la fois exclus de la société et très populaires ! Et ce sont des professionnels, qui jouent en général sans masque. Les auteurs comiques romains dont les pièces sont arrivées jusqu'à nous sont Plaute (-251 à -184) - qui a beaucoup inspiré Molière - et Térence (-185 à -159).

Jusqu'au Ier siècle avant Jésus-Christ, les représentations ont lieu dans des théâtres en bois, démontables, dont certains sont monumentaux (jusqu'à 80 000 places !). Il faut attendre -55 pour que soit construit à Rome le premier théâtre romain en pierre.

A la chute de l' Empire romain, le théâtre disparaît pendant six siècles. Quand il reparaît, c'est dans puis devant les églises, avec des pièces religieuses. Ce n'est qu'à la fin du Moyen Âge que le genre comique revit, d'abord entre les pièces religieuses, puis indépendamment, sur les places des villes. Les acteurs amateurs jouent sur des tréteaux. Les farces (qui "farcissent" les intervalles entre les pièces religieuses) et les soties sont des pièces courtes, qui s'adressent à un public populaire.

En Italie apparaît la commedia dell'arte : les comédiens portent de nouveau des masques, et jouent des personnages stéréotypés, comme Pantalon, Polichinelle, Colombine, Arlequin ... Chaque personnage est reconnaissable à son costume et à son masque, et représente une catégorie sociale comme la jeune fille, le vieil homme, le valet rusé par exemple. Les acteurs improvisent à partir d'un canevas (un scénario) de courtes pièces où le comique de gestes tient une grande place.

Le XVIIe siècle est l'âge d'or du théâtre en France. Le maître de la comédie est alors Molière, qui s'inspire à la fois de Plaute et de la commedia dell'arte et écrit des farces, des comédies, des comédies-ballets. Il reçoit l'appui du roi Louis XIV qui lui commande des pièces et des spectacles musicaux. Celui-ci lui attribue aussi un théâtre, le Théâtre du Palais-Royal, qui deviendra la Comédie-Française quelques années après sa mort.

XVIIIe siècle

Marivaux écrit pour les comédiens italiens, et utilise les personnages de la commedia dell'arte dans des comédies qui montrent souvent des amours naissantes.

A la fin du siècle Beaumarchais écrit des comédies qui annoncent la Révolution française en critiquant les privilèges de la noblesse.

XIXe siècle

A la fin du XIXe siècle, sur les boulevards parisiens où sont groupés les théâtres populaires, naît le vaudeville. Ce genre met en scène des bourgeois dans des situations cocasses. Il y est le plus souvent question de maris trompés. Les auteurs de vaudeville les plus célèbres, et encore beaucoup joués de nos jours, sont Labiche, Feydeau et Courteline.

Au cours du XXe siècle et particulièrement après la seconde guerre mondiale, le théâtre comique change. Le rire repose davantage sur des situations et des dialogues absurdes comme chez Ionesco ou Beckett, et traite de manière grinçante l'absurdité de la condition humaine. Parallèlement, des humoristes seuls en scène font rire un plus large public par des sketchs traitant de situations quotidiennes ou de sujets sociaux ou politiques : c'est le cas de Coluche, Raymond Devos, Guy Bedos par exemple.

Le début du XXIe siècle voit triompher le " stand-up", genre venu des Etats-Unis, où un humoriste seul en scène, sans décor ni accessoire, s'adresse directement au public de manière informelle, en racontant des histoires drôles qui s'enchaînent très vite. Jamel Debbouze, un des premiers à se réclamer de ce genre, ouvre le Jamel Comedy Club où débutent de nombreux artistes de stand-up.

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Au VIe siècle avant J-C. la comédie est née en Grèce, dédiée a Dionysos(dieu de l'ivresse et de la démesure) il s'agit de plaisanteries et de chants coquins, l'origine de la comédie est à la fois religieuse et populaire.

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Si l'on peut suivre aisément la naissance et le développement de la comédie dans le monde occidental, il est impossible de donner une définition univoque et précise de ce terme.

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Comédie classique : Rome - Français - Seconde - Les Bons Profs

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Tragédie classique : les règles d'Aristote - Français - Seconde - Les Bons Profs

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Le thtre Athnes : auteurs et bibliographie

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Quels sont les trois grands auteurs tragiques grecs ? Ce sont Eschyle (525- 456 av.J.C) , Sophocle (496 - 406 av.J.C) et Euripide (485 - 406 av.J.C). Qu'est ce que la tragédie grecque ? Quel etait le role de la tragédie grecque ? Quelle leçon des tragiques grecs retirons-nous aujourd'hui ?

Qu'est ce que la tragédie grecque ? La tragédie est un des genres littéraires les plus anciens en Europe. C'est un très long poème, récité par un chœur et un comédien. La tragédie apparait à Athènes en Grèce au 5e sc av.J.C aux temps de l'âge d'or (au summun de la Démocratie de Périclès). Elle fait partie du théâtre grec ancien. Comme le théâtre en général, elle fait partie intégrante de la démocratie grecque : On y montre les qualités mais aussi les défauts de l'homme, les bonnes actions mais aussi la faute des Athéniens qui risquent de perdre leur pouvoir en Grèce....

Quel était le rôle de la tragédie grecque ? Elle s'attachait à raconter les difficultés que rencontre l'homme dans ses relations avec le sacré et l'univers et à purifier le spectateur, c'est-à-dire le libérer de ses instincts démoniaques, des ses passions et mauvaises attitudes. La tragédie a donc ce qu'on appelle un rôle de " Catharsis " (mot grec employé encore aujourd'hui).

La tragédie procède à un enseignement moral. Ses personnages sont des héros soigneusement choisis par l'auteur (avec tous les vices et vertus) qui permettent aux spectateurs de se confronter aux grands problèmes humains. Le personnage principal est confronté à la fatalité. Le destinée et la divinité puissante l'écrasent. Véritable marionnette dans les mains des Moires (déesses représentantes de la fatalité), l'homme se trouve face à l'ironie tragique : il est victime de ses propres passions, de sa démesure et finalement il contribue lui-même à sa perdition.

1. Eschyle est considéré comme le père de la tragédie au théâtre pour sa poésie unique mais aussi pour ses innovations apportées sur la représentation scénique de ses oeuvres. Treize fois vainqueur du concours tragique, il est l'auteur d'environ 100 pièces dont sept seulement nous ont été transmises

Les Perses (472),

Les sept contre Thèbes (467),

Prométhée enchainé

La Trilogie "Orestie" (458, avec Agamemnon, Les Choéphores et les Euménides)

Sa poésie a un caractère religieux profond, beaucoup d'imagination, du patriotisme et de la pensée philosophique. Les héros tragiques d'Eschyle apparaissent en relation directe avec les Dieux : ce qu'ils leur arrive est une bonne leçon pour eux. Quand le héros tragique commettait un "hybris" autrement dit une démesure, il était puni par les Dieux. Les Dieux protègent par contre ceux qui font leur devoir ( Les sept contre Thèbes, les Euménides). L'homme a tout son pouvoir dans les oeuvres d'Eschyle mais il avance sur des chemins dictés par les Dieux, lesquels sont à leur tour conduits par l'Ananké et les Moires (personnifications de la destinée, de la nécessité inaltérable et de la fatalité). Les Moires prennent une dimension immense dans son toute son oeuvre. Sa poésie a une parole et un contenu imposants : Il utilise beaucoup de moyens d'expression, des images audacieuses, maints mots nouveaux et un ton lyrique aussi bien dans la partie Récréation (Chants dits Choros) que dans la partie textuelle (dialogues).

Les innovations d'Eschyle sont en ce qui concerne le théâtre tragique :

l'introduction d'un deuxième protagoniste ( ou 2e acteur)

la réduction des parties Choros

la réduction du nombre d'hommes au Choros (de 50 à 12)

l'histoire commune aux trilogies : Elles sont donc " liées "

l'amélioration des chorographies

2. Sophocle Iui est l'auteur de 123 pièces (dont une centaine de tragédies), mais dont seules huit nous sont parvenues :

Selon Aristote, Sophocle présente ses héros idéalisés selon l'éthique et la déontologie sentimentale. Près du héros principal, les protagonistes secondaires sont distingués par un manque de courage et d'audace ; ils sont saisis de traîtesse et de peur. Se dégagent ainsi la puissance, la capacité de décider, l'audace, la fierté et la grandiosité du personnage principal, lequel trouve la force d'affronter les Lois en faisant ce qu'il trouve juste de faire. L'élément religieux est présent dans l'oeuvre de Sophocle mais ils symbolisent plutôt la sérénité et la puissance obsures (oracles).

Les innovations de Sophocle sont :

la réduction de la partie Choros et l'accroissement de la partie textuelle (Dialogues),

l'augmentation du nombre des participants au Choros (de 12 à 15)

l'apparition d'un troisième acteur,

Scénographie avec l'appartition de grands tableaux peints.

3. Euripide a écrit une centaine de pièces dont 18 ou 19 sont conservées dans leur intégralité :

Euripide, au contraire d'Eschyle et de Sophocle montrent les évènements propres à son époque. Ses héros sont des gens simples du quotidien qui essaient d'affronter l'injustice. Ils ont leurs propres faiblesses ; ils sont les seuls responsables de leurs actes et ils paient toujours leurs erreurs. Ils ne sont pas idéalisés, ni super héros. Euripide a été dit athé et peu respectueux mais en fait, il ne se tourne pas contre les Dieux mais plutôt contre les perceptions du peuple envers les Dieux. Sa poésie est réaliste et l'esprit dégagé est, comment dirais-je... assez contemporain. Malgré les critiques sévères en sa personne, il est caractérisé comme l'auteur le plus tragique et comme "le philosophe sur scène" puisqu'il analyse les problèmes politiques et éthiques de son époque avec justesse et élan moralisateur subjugant.

Les innovations de Sophocle sont :

Prologues qui introduisent l'histoire de la pièce,

Méchanisme aérien au dessus de la scène (représentant la présence d'un Dieu)

Pour mieux connaitre ces auteurs, je vous propose de lire pour commencer "Les tragiques grecs : Théâtre complet" Editeur : Librairie générale française (1999), collection Classiques modernes
Quelle leçon des tragiques grecs retirons-nous aujourd'hui ? Les tragiques grecs constituent notre modèle pour l'ensemble de la production théâtrale occidentale jusqu'à nos jours. Très tôt les Corneille, Racine, sans compter nos contemporains se sont inspirés de ces auteurs tragiques.
Avez-vous déjà vu une tragédie grecque au théâtre en France ou en Grèce ? Que pensez-vous de la tragédie grecque ? Qu'avez-vous appris de cette expérience ? Que réveille-t-elle en vous ?

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Quels sont les trois grands auteurs tragiques grecs ? Ce sont Eschyle (525- 456 av.J.C) , Sophocle (496 - 406 av.J.C) et Euripide (485 - 406 av.J.C). Qu'est ce que la tragédie grecque ? Quel etait le role de la tragédie...

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Œdipe est un personnage de la mythologie grecque. La prononciation correcte de son nom est " oedipe ".

Son nom en grec ancien est Οἰδίπους / Oidípous, signifiant " celui qui a les pieds enflés ". Le terme médical œdème  est de la même racine grecque : il se prononce correctement " édème " (voir l'article Œ).

Œdipe connaît un destin tragique : à son insu, il tue son père, Laïos, et par la suite épouse sa mère, Jocaste. L'épisode le plus connu de son histoire est l'énigme du Sphinx.

Mythe d'Œdipe

L'oracle de Delphes prédit à Laïos et Jocaste, roi et reine de Thèbes, que, s'ils avaient un fils, celui-ci tuerait son père et épouserait sa mère. À la naissance de ce fils, Laïos et Jocaste ordonnent à un serviteur d'abandonner l'enfant sur le mont Cithéron, après lui avoir attaché les pieds. Mais un berger le trouve et prend soin de lui avant de le confier à un voyageur.

Ce voyageur conduit l'enfant à la cour de Polybe, roi de Corinthe, qui l'élève comme son propre fils, sans lui révéler le secret de ses origines. Il lui donne le nom d'Œdipe qui signifie " celui qui a les pieds enflés ", en raison de ses pieds liés lors de son abandon.

Un jour, un de ses camarades lui avoue qu'il n'est pas le fils du roi Polybe et de sa reine Periboea. Alors Œdipe voulant connaître ses vrais origines va aller consulter l'oracle de Delphes. Apprenant la malédiction dont il est victime, il veut s'éloigner de sa famille afin d'échapper au destin. Il quitte Corinthe sans but précis. En chemin, il rencontre un homme avec ses serviteurs. Œdipe le tue, pensant que c'était le chef d'une bande de voleurs : il apprend plus tard que cet homme était Laïos, son véritable père.

Lorsqu'il arrive à Thèbes, Œdipe se trouve confronté au Sphinx qui en bloquant la route principale, terrorise la ville et tue les passants qui ne réussissent pas à répondre juste à l'énigme qu'il leur pose. Ce dernier lui pose l'énigme : " Qu'est-ce qui marche à quatre pattes le matin, à deux le midi et à trois le soir ? " C'est l'Homme : au matin de sa vie, le bébé marche à quatre pattes, à midi, il marche avec ses deux jambes et au soir de sa vie il s'aide d'une canne, marchant ainsi sur trois pattes.

Œdipe trouve la réponse à cette énigme (voir Œdipe et le Sphinx). Furieux, le Sphinx se jette dans le vide et meurt.

Les habitants, pour lui rendre grâce d'avoir débarrassé le pays du terrible Sphinx, le choisissent comme roi de Thèbes et lui donnent en mariage la reine, qui se trouve, et pour cause, veuve. Œdipe a donc tué son père et épousé sa mère, Jocaste, comme l'avait prédit l'oracle. Lui et la reine vivent heureux pendant de nombreuses années, ignorant leur véritable lien de parenté.

Plus tard, une épidémie de peste sévit dans la ville. L'oracle de Delphes annonce que cette épidémie durera tant que le tueur de Laïos ne se sera pas dénoncé. Œdipe fait alors rechercher le coupable, mais il ne tarde pas à comprendre qu'il est lui-même le meurtrier de son père. Jocaste apprend la nouvelle et met fin à ses jours. Œdipe comprend que leurs enfants, Étéocle, Polynice, Antigone et Ismène sont maudits par l' inceste de leurs parents. De désespoir, Œdipe se crève les yeux avec la broche de son épouse (et mère) Jocaste, et renonce au trône. Il est chassé de Thèbes, erre avec Antigone, sa fille, qui lui sert de guide. Il parvient à Colone, lieu de culte où l'on vénère les Érinyes, non loin d' Athènes. C'est là qu'il meurt, après qu' Apollon lui a promis que sa sépulture resterait un lieu sacré.

Arts et littérature

Le mythe d'Œdipe est raconté dans plusieurs textes de l' Antiquité, dont la pièce de théâtre Œdipe, de l'auteur grec Sophocle (495-406 avant J-C.), est le plus célèbre. La romancière Marie-Thérèse Davidson (née en 1948) a réécrit cette légende pour la jeunesse en 2003. Enfin, c'est Jean Anouilh qui fait une adaptation de la pièce de Sophocle en écrivant sa propre pièce en 1942.

La légende d'Œdipe est au centre de nombreuses œuvres artistiques et littéraires, notamment des tragédies anciennes et contemporaines, quelques romans et nouvelles.

Musique, beaux-arts

L'histoire d'Œdipe est présente dans des peintures, depuis l' Antiquité, ou des opéras.

En psychanalyse, on utilise le concept freudien de complexe d'Œdipe.

Bibliographie

Marie-Thérèse Davidson, Œdipe le Maudit, Nathan, 2003

Claude Gutman, Héros de la mythologie, Folio Junior, 2010

Sophie Dieuaide, Oedipe schlac! schlac!, Poche, 2010

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Œdipe est un personnage de la mythologie grecque. La prononciation correcte de son nom est " oedipe ". Son nom en grec ancien est Οἰδίπους / Oidípous, signifiant " celui qui a les pieds enflés ". Le terme médical œdème  est de la même racine grecque : il se prononce correctement " édème " (voir l'article Œ ).

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Chœur (théâtre) - Vikidia, l'encyclopédie des 8-13 ans

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Le chœur chante et danse entre les scènes parlées (par les acteurs). Il commente l'action et la fait avancer. Dans la comédie grecque classique, le chœur entre en scène après le prologue où le héros a été présenté. Puis il intervient de nouveau après que les personnages de la pièce se soient affrontés.

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Mauvais titre - Vikidia, l’encyclopédie des 8-13 ans

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La tragédie est née dans l'Antiquité, en Grèce. Elle permet de divertir les spectateurs lors des fêtes organisées en l'honneur du dieu Dionysos, mais aussi de réfléchir à différents problèmes liés à la Cité. Sa naissance entraîne rapidement sa théorisation, notamment par Aristote dans le texte fondateur Poétique.

La représentation théâtrale est un spectacle qui répond à des critères précis (structure de la scène, jeu des acteurs). La tragédie répond également à des caractéristiques bien définies. Le thème de la fatalité y est essentiel. Sophocle, grand auteur dramatique grec, est l'un des plus célèbres représentants du genre.

Aristote a écrit un texte fondateur pour le théâtre au IVe siècle avant Jésus-Christ, Poétique. Il y décrit ainsi la tragédie : c'est "l'imitation d'une action sérieuse et complète, elle a une juste grandeur, son langage est agréable... les événements y sont joués par des personnages et non racontés dans un récit ; enfin, elle provoque la pitié et la crainte, par là, elle effectue une véritable purgation de ces deux sortes de sentiments."

Dans la tragédie grecque, les héros sont souvent empruntés à la mythologie et aux légendes grecques. Cela signifie que le public connaît leur histoire. Le héros tragique ne peut être ni complètement bon ni complètement mauvais (on retrouvera cette conception du héros tragique à l'époque classique, avec Racine, qui met en scène des personnages "ni tout à fait coupables, ni tout à fait innocents").

Le héros tragique subit son destin. C'est un personnage souvent aveugle dans le sens où il ne réalise pas ce qu'il a sous les yeux. Il est souvent coupable d' hybris, c'est-à-dire de démesure. Cela signifie qu'il veut dépasser sa condition d'Homme mortel. Mais le héros tragique est un jouet pour les dieux, il est soumis à leurs caprices, leur volonté.

De nombreuses tragédies antiques reposent sur l'ironie tragique ou dramatique. L'histoire devient grinçante, car un personnage prononce des paroles ou fait des actions contre lui-même, sans en avoir conscience.

L'ironie tragique repose sur l'ignorance d'un personnage. Il prononce des paroles qui vont se retourner contre lui ou contre ceux qu'il croit défendre.

Lorsqu'Œdipe lance une malédiction contre lui-même au début d' Œdipe roi, promettant au tueur de Laïos la mort ou l'exil, il s'agit d'ironie tragique. En effet, il se maudit lui-même, puisqu'il est le tueur de Laïos.

L'ironie tragique implique le divin, dans le sens où ce sont les dieux qui semblent se moquer des hommes.

Sophocle a écrit de très nombreuses pièces, vraisemblablement plus de cent, mais la grande majorité a disparu. Il est difficile de dater ses œuvres. On sait qu'il a été admiré de son vivant et qu'il a gagné vingt-quatre fois les concours des Grandes Dionysies. Lorsqu'il n'a pas remporté le premier prix, il est arrivé second. C'est lui qui introduit un troisième acteur sur scène, mais aussi qui utilise pour la première fois des décors peints. Avec Eschyle et Euripide, Sophocle est l'un des plus grands auteurs tragiques de l'Antiquité grecque.

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Révisez en Terminale L : Cours ➽ La tragédie antique avec ➽ Kartable ✔️ Programmes officiels de l'Éducation nationale

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Costumes et masques

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Commedia dell’arte : D’Arlequin à Molière

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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Arles ancient theatre -Le théâtre antique d'Arles

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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Tout savoir sur les origines du théâtre. S’informer sur son histoire et le commencement.

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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D'où vient cette chose étrange que l'on appelle théâtre ?

D'après "www.theatrons.com"

Notre proximité avec le XX e siècle ne doit pas réduire notre vision du théâtre aux formes symboliques, idéalisées et intellectuelles qu'il prit à cette époque.

Le théâtre a une origine sacrée : les danses rituelles des premiers hommes en ont certainement posé les bases, et - pour ce qui concerne la culture occidentale - c'est au cours des cérémonies consacrées au dieu grec Dionysos qu'il fit ses premiers pas. Mais le théâtre est aussi (et avant tout !) un art lié à la fête : s'il est le dieu de l'hiver, de la fête des morts et de son dépassement par la conquête de l'immortalité, Dionysos est aussi le dieu du vin, du sexe, et de tous les plaisirs charnels.

Dans sa forme la plus profonde, le théâtre est un hymne joyeux au corps et l'Univers qui l'a fait naître. Le jeu théâtral est d'abord un jeu tout court. Pour comprendre ce qui peut pousser un groupe d'excentriques à enfiler des costumes étranges et à réciter des paroles décalées devant un public ravi, il suffit de nous replonger dans notre enfance : moi je serais la princesse et toi le prince, je serais le cowboy et toi l'indien.

Bousculer les tabous, raviver l'espoir chez le petit peuple opprimé, faire vibrer la corde héroïque de l'ouvrier d'usine, faire rire et pleurer, choquer, rassurer, approuver, contester,... le théâtre est un jeu de l'émotion, même si les acteurs et auteur récents ou ressenti le besoin d'en faire aussi un jeu d'esprit.

Etouffé par l'église, la censure ou l'académisme, le théâtre populaire a toujours refait surface, même après des siècles de clandestinité malicieuse.

N'en déplaise aux coincés de tous bords, le théâtre obscène, drôle et vulgaire, la comedia dell'arte, le théâtre forain, la farce et le vaudeville représentent la colonne vertébrale de l'art dramatique.

C'est parce qu'ils l'avaient parfaitement compris que Molière et Shakespeare sont devenus et restent les pilliers de cette forme d'expression.

Petite vidéo de 2 minutes intéressante malgré un son de voix épouvantable :

QUESTION : comment est né le théâtre ?

Naissance de la tragédie

Le plus ancien texte que nous connaissons sur l'art du théâtre est "la Poétique" d' Aristote (330 av. J.-C.).

La tragédie grecque serait née des " dithyrambes", hymnes à la gloire de Dionysos, dans lesquels se répondent deux voix, celle du chef du chœur seul et celle du chœur entier.

Faute d'informations précises sur les formes antérieures du théâtre, c 'est en tout cas à Thespis, un choreute (membre d'un chœur) du VI e siècle av. J.-C., qu'on attribue l'invention de la tragédie, et donc de l'art dramatique. Il serait le premier à avoir introduit sur scène un personnage indépendant du chœur lors d'un dithyrambe. Interprétant le rôle principal de son histoire, Thespis aurait, pour la première fois, récité un monologue auquel aurait répondu le chœur.

Deux siècles plus tard, Aristote, dans sa Poétique, estime que c'est à partir de ces nouvelles formes de dithyrambes et grâce à l'intervention d'autres personnages et acteurs, que le théâtre a pu évoluer vers une forme autonome.

QUESTION : comment est née la tragédie ?

A partir de 545 av. J.-C., des pièces sont jouées à Athènes lors des "Grandes Dionysies", festivités en l'honneur de Dionysos, auxquelles participe Thespis.

Représentation de Dionysos

C'est la cité-État qui initie et gère ces concours : elle choisit les dramaturges, aide au financement du spectacle (les poètes et les acteurs reçoivent un salaire) et désigne le chorège et les choreutes ainsi que le poète victorieux. C'est également la cité-État qui permet aux plus pauvres d'assister aux représentations en leur accordant des compensations financières.

Cette fête, qui évoluera jusqu'au siècle de Périclès (Ive avant J-C), dure sept jours (deux réservés aux processions en l'honneur de Dionysos, un consacré au dithyrambe, un à la comédie et trois à la tragédie). Pendant les 3 jours consacrés à la tragédie, outre une trilogie de tragédies, chaque poète désigné par concours doit présenter un drame satyrique (bouffonnerie mettant en scène les dieux d'une façon parodique et obscène).

Les "Grandes Dionysies" ont largement participé au développement des différents genres dramatiques tels que la comédie et la tragédie.

La tragédie antique grecque

La tragédie grecque connait son apogée au V e siècle av. J.-C. La première tragédie connue est "les Perses" d' Eschyle (472 av. J.-C.), la dernière est "Œdipe à Colonne" de Sophocle (401 av. J.-C.). Sur plus de mille tragédies écrites entre ces dates, il n'en reste que 32, composées par Eschyle (7 conservées alors qu'il en a probablement écrit plus de 80), Sophocle (7 conservées alors qu'il en a probablement écrit plus de 120) et Euripide (18 conservées alors qu'il en a probablement écrit plus de 80).

C'est Eschyle, qui, le premier, à l'idée d'introduire un second acteur, le "deutéragoniste", instaurant ainsi un dialogue entre deux acteurs. Il est considéré comme le père de la tragédie antique dont il a jeté les bases. Il a également introduit les décors et les costumes.

Ces tragédies antiques partagent une structure très rigide, une composition en vers et une division en "épisodes" (scènes), où s'intercalent des dialogues et des poèmes lyriques chantés par le Chœur.

Les récits sont le plus souvent issus de la mythologie et de l'histoire antique, avec lesquelles les poètes prennent toutefois des libertés. Les pièces posent des questions politiques et métaphysiques. Etant donné le faible nombre de comédiens, les événements sont souvent rapportés par le dialogue et les chants du chœur. Le théâtre grec n'en est pas moins un véritable spectacle où la musique, la danse et les costumes (déguisements du chœur) agrémentent le texte.

- A quel siècle la tragédie grecque connait-elle son apogée ?

- Qui sont les 3 principaux auteurs grecs de tragédies?

- En quoi ces tragédies sont-elles très différentes du théâtre que nous pouvons voir de nos jours?

C'est encore Aristote, dans sa "Poétique", qui définit a posteriori la tragédie antique. Selon lui, elle partage avec l'épopée la première place dans la hiérarchie des genres et représente une imitation de la vie des hommes grace à l'action qui se déroule sur scène. Ses personnages sont illustres et vivent des combats, des passions, des douleurs exceptionnels auxquels leur position de prince apporte une dimension collective, qu'expriment les commentaires chantés et dansés par le chœur.

La fin funeste du personnage, inévitable sanction de ses erreurs, doit susciter chez le spectateur des sentiments de pitié et de terreur, et opérer la purgation de ses propres passions (" catharsis").

QUESTION : définissez avec vos propres mots (et avec l'aide du dictionnaire si nécessaire) ce qu'est la "catharsis".

La comédie antique grecque

La comédie naît en 486 av. J.-C., lors des Grandes Dionysies. Il semble qu'elle soit issue des jeux comiques improvisés lors des processions phalliques en l'honneur de Dionysos. Les plus anciennes comédies conservées sont celles d' Aristophane. Celui-ci ne semble pourtant appartenir qu'à la troisième génération de poètes comiques.

La comédie appelée "ancienne" suit un schéma très simple, dont on place l'origine aux anciens rites de fertilité. Il s'y ajoute des plaisanteries triviales ou scatologiques, des tirades satiriques dirigées contre les personnages publics et une caricature des dieux.

La comédie cherche d'abord à provoquer le rire. Elle use de tous les artifices (jeux de mots, déguisements outranciers, etc.) pour y parvenir. Les comédies d'Aristophane, maître dans le genre "ancien", et initiateur du genre "moyen", se moquent avec délectation de la vie politique et intellectuelle athénienne.

QUESTION : en quoi la comédie grecque est-elle très différente de la tragédie grecque ?

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D'après "www.theatrons.com" Notre proximité avec le XX e siècle ne doit pas réduire notre vision du théâtre aux formes symboliques, idéalisées et intellectuelles qu'il prit à cette époque. Le théâtre a une origine sacrée : les danses rituelles des premiers hommes en ont certainement posé les bases, et - pour ce qui concerne la culture occidentale - c'est au cours des cérémonies consacrées au dieu grec Dionysos qu'il fit ses premiers pas.

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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Schémas des théâtres antiques

On peut diviser le théâtre grec en 3 grandes parties : ) ; les places sont attribuées en fonction des catégories sociales. Parfois, les magistrats ont des sièges réservés sur le chœur lui-même . (praecinctiones en latin), ces promenoirs concentriques aux gradins permettent la circulation.
proédrie
L'étagement des gradins est séparé par des paliers horizontaux : les 1. Le koilon ou le theatron : (lieu d'où l'on regarde, en latin cavea), c'est l'ensemble des gradins.
Le theatron est partagé en un certain nombre de secteurs égaux les uns aux autres : les
Le premier rang est réservé aux spectateurs de marque (la diazômata kerkides (cunei en latin). Les escaliers : les klimakes, (scalae en latin) délimitent les kerkides et permettent aux spectateurs de rejoindre leur place.

(
Dionysos la thymélé).

2. L'orchestra :
C'est un cercle de terre battue où se placent le chœur, les danseurs, chanteurs et musiciens qui accompagnent par intermèdes les acteurs. L'orchestra comporte aussi parfois un autel de sacrifice pour

3. Le dispositif scénique :

Il comprend deux parties bien distinctes :

- La skênê (ne pas confondre avec notre scène qui est issue de ce mot) est une bâtisse qui sert de coulisses aux acteurs et forme le mur de scène à un ou deux étages. Il est percé de trois portes.

- Le proskenion (proscenium en latin, ou avant-scène) se situe devant la skênê, c'est une estrade en bois où jouent les acteurs* (la scène pour nous), elle est haute de 3 à 4 mètres, étroite et longue.
* Il semble cependant que cette destination soit actuellement controversée.

Les sièges des personnalités ( ) sont séparés du reste de la cavea par un petit mur en marbre, le proédrie balteus (voir schéma ci-contre). Photo de la proédrie de Vienne.

Le théâtre grec (vocabulaire grec)

A partir d'un schéma extrait de "Histoire du théâtre dessiné" - André Degaine - Nizet.

A partir d'un schéma extrait de "Histoire du théâtre dessiné" - André Degaine - Nizet.

Plan type du théâtre grec selon Vitruve

Epidaure

Epidaure

Plan type du théâtre romain selon Vitruve

Aspendos

Aspendos (Turquie)

Vitruve* : Architecture - Livre V : "La disposition du plan des théâtres présentera des caractères qui les feront distinguer entre eux; ceux qui seront dessinés avec des carrés appartiendront aux Grecs; ceux qui le seront avec des triangles équilatéraux seront pour les Latins". Lire le texte de Vitruve dans sa totalité ici .
* Architecte romain du 1er siècle av JC

- romain mais en revanche deux fois plus haut. L'orchestra grecque a la forme d'un cercle entier tandis que l'orchestra romaine se limite à un demi-cercle
-
Vitruve explique les causes de ces divergences : " Voir les remarques de De Bioul
- Les acteurs Si nous donnons au proscaenium plus de largeur que les Grecs, c'est que, chez nous, tous les artistes jouent sur la scène, l'orchestra étant réservée aux sièges des sénateurs. La hauteur du proscaenium ne doit pas dépasser 5 pieds, afin que les personnes assises dans l'orchestra puissent voir tout le jeu des acteurs... Les Grecs ont une orchestra plus étendue, une scène plus reculée, un proscaenium moins large, pour la raison que, chez eux, si les acteurs tragiques et comiques jouent sur la scène, les autres artistes donnent leurs représentations dans l'orchestra". choristes Le proskenion grec est plus reculé que le proscaenium romain
- Le proskenion grec est presque deux fois plus étroit que le proscaenium (ou pulpitum) (sur la scène) et les (dans l'orchestre) sont donc nettement séparés dans le théâtre grec, ce qui n'est pas le cas dans le théâtre romain (schémas ci-dessous)

Théâtre grec ( "Histoire du théâtre dessiné" - André Degaine - Nizet)

Théâtre romain ( "Histoire du théâtre dessiné" - André Degaine - Nizet)

- Les théâtres grecs sont toujours construits adossés à une colline (Les Grecs ne connaissaient pas la technique de la voûte) tandis que dans de nombreux théâtre romains, les gradins sont construits sur des murs des voûtes et des colonnades (nécessité en terrain plat). Schémas ci-dessus.
- On accède au théâtre grec par des paradoï (passages ouverts entre le proskenion et les ailes du theatron ) tandis qu'on accède à la cavea du théâtre romain par des corridors voûtés : les vomitoires ( vomitorium). Les vomitoires permettent un accès en-dessous des gradins en utilisant un réseau de galeries couvertes en voûte d'arêtes. Ce système évite de mettre en contact les différentes classes sociales (voir schéma et photos -théâtre de Vienne - ci-dessous).

Schéma vomitoires

Vomitoire sous les gradins (Vienne)

Sortie des vomitoires (Vienne)

Front de scène et vocabulaire

- Le théâtre grec est un lieu ouvert et naturel, les spectateurs voient le paysage alentour tandis que le théâtre romain est un lieu fermé par le mur de scène, le front de scène ( orné de colonnades et de statues et le frons scaenae ) velum (toile tendue au-dessus des gradins) qui abrite du soleil.

Voir la technique du : maquette de l'amphithéâtre d'Arles. velum
Musée d'Arles.

- Dans le théâtre grec, le décor est d'abord le mur de la skênê avec trois portes*, ensuite, on y accroche un décor peint assez sommaire et variant peu, la machinerie est également sommaire. * Trois portes : les représentations se déroulaient, à l'origine, devant un décor de palais : au centre, la porte royale par laquelle apparaissait le tyran des tragédies, de chaque côté, une porte latérale pour les personnages secondaires.
- Dans le théâtre romain, le décor est fixé aussi sur le mur du front de scène**, mais il y a innovation dans la machinerie pour créer de fortes sensations aux spectateurs. Ainsi, les Romains utilisent des trucages, des grues, des trappes pour faire apparaître et disparaître les acteurs, pour faire descendre du ciel les dieux ("deus ex machina").
** Le mur de scène, dans le théâtre romain est composé de trois colonnades superposées avec un riche décor de niches et statues (celle de l'Empereur en particulier). Voir le mur de scène du théâtre d'Orange, l'un des mieux conservés de l'Empire romain

Théâtre de Sabratha en Libye

Théâtre d'Orange

Maquette théâtre Arles

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Schémas des théâtres antiques On peut diviser le théâtre grec en 3 grandes parties : ) ; les places sont attribuées en fonction des catégories sociales. Parfois, les magistrats ont des sièges réservés sur le chœur lui-même . (praecinctiones en latin), ces promenoirs concentriques aux gradins permettent la circulation.

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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Jeudi 11 février 2010 à 10:58

LES DIFFERENCES ENTRE THEATRE GREC ET THEATRE ROMAIN

Le théâtre grec est un lieu ouvert, adossé à une colline. Les pièces grecques lors du culte de Dionysos ; en hiver pendant 10 jours. Pendant 5 jours, les auteurs vont s'affronter. Ils présenteront chacun trois pièces tragiques, et une pièce satyrique. Deux auteurs passent par jour, donc pendant les 5 jours, une dizaine d'auteurs s'affrontent. Le jury est compose de 10 citoyens. Le théâtre grecque est un lieu social et politique, étroitement lie a la vie de la cite.

Le théâtre romain est un lieu fermé. La pente des gradins est créée artificiellement par une série d'arcs et de voûtes. Le public accède aux différentes places par des galeries qui évitent le contact entre les différentes classes sociales. Les sujets politiques ne sont pas abordés. La licencia, droit d'expression libre, n'est pas tolérée au théâtre. Contrairement au théâtre grecque, le théâtre romain, lui, n' est pas un édifice religieux. En revanche, il sert aussi a améliorer ses relations sociales.

Josephine G.

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LES DIFFERENCES ENTRE THEATRE GREC ET THEATRE ROMAIN

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Jeudi 11 février 2010 à 10:58 LES DIFFERENCES ENTRE THEATRE GREC ET THEATRE ROMAIN Le théâtre grec est un lieu ouvert, adossé à une colline. Les pièces grecques lors du culte de Dionysos ; en hiver pendant 10 jours. Pendant 5 jours, les auteurs vont s'affronter.

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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La tragédie et la comédie ont été jouées à Athènes pendant les vacances dionysiaques de printemps et d'hiver. Au IVe siècle, le théâtre était devenu un phénomène répandu dans toute la région de la civilisation grecque et les amateurs qui parcouraient de longues distances pour assister aux représentations dans les différentes villes ne manquaient pas. Chaque ville avait son propre théâtre. Le théâtre n'était pas seulement le lieu des représentations, mais aussi celui des rassemblements politiques.
Définition du théâtre grec et romain
- Le théâtre grec est un lieu ouvert et naturel, les spectateurs voient le paysage alentour tandis que le théâtre romain est un lieu fermé par le mur de scène, le front de scène (frons scaenae) orné de colonnades et de statues et le velum (toile tendue au-dessus des gradins) qui abrite du soleil.

Le théâtre et ses composantes

L'histoire du bâtiment du théâtre antique est l'histoire de ses composantes : l'orchestre, la cavea, la skenè, les parodies, leur signification, leur fonction. On sait qu'à partir du IVe siècle avant J.-C., le skenè a également été construit en pierre. Dans la partie avant, il y avait une sorte de portique entre les colonnes duquel étaient insérés des éléments picturaux, les pinakes (tableaux), qui servaient à fixer les événements du drame. Pendant la période classique, le toit de la skenè était utilisé pour les apparitions divines et les scènes qui devaient être jouées à un étage supérieur. Puis, lorsque les festivals ont été réduits à des répliques d'opéras classiques, les acteurs ont commencé à jouer au-dessus du skenè, ou plutôt au-dessus d'un nouvel élément, le proskenion, qui correspond à notre scène, tandis que l'orchestre était à la disposition du chœur.

À partir de là, le complexe scénique s'est articulé sur deux niveaux : le premier, le devant du proscenium, fournissant le fond des évolutions du choeur ; le second, le devant de la scène, le fournissant aux acteurs. Cependant, la seule chose qui est certaine est qu'à l'époque hellénistique, c'est-à-dire à partir du IIIe siècle avant J.-C., le complexe scénique était construit par une double colonnade dont les intercolonnes étaient fermées par des panneaux peints. La cavea a tendance à s'étirer comme un fer à cheval, tandis que l'orchestre perd sa forme circulaire. Les parodoi, qui avaient la fonction d'entrée pour le public et le chœur, accentuent le premier, perdant l'ancienne disposition oblique et sont fermés par deux portes, qui rejoignent le bâtiment scénique et la cavea.

Les premiers théâtres

Le premier théâtre de pierre stable a été construit à Rome par Pompée en 55 avant J.-C. et a longtemps été le théâtre par excellence. Plus tard, en 13 avant J.-C., un deuxième théâtre a été construit, celui de Balbo et, quelques années plus tard, celui de Marcellus, dont les restes nous sont parvenus. Pendant la période impériale, dans toute la province romaine, de nombreux théâtres ont été construits ex novo et, en Grèce, les théâtres grecs ont été adaptés aux besoins des Romains.

Différence entre le théâtre grec et le théâtre romain

À la différence du théâtre grec antique, le théâtre romain est un édifice fermé : tandis que le théâtre grec offre aux spectateurs une vue sur le paysage environnant derrière la scène, un mur de scène ferme le théâtre romain et s'élève à la même hauteur que la cavea.

L'un des éléments qui différencient les théâtres grecs des théâtres romains est structurel : les Romains utilisaient parfois une pente naturelle pour soutenir les marches de la cavea. Les éléments internes restent ceux du théâtre grec, mais avec quelques modifications : l'espace de l'orchestre est réduit de moitié, devenant semi-circulaire et, par conséquent, l'arc de la cavea devient également semi-circulaire. Le théâtre romain, appelé " ludiscaenici " (jeux scéniques), prend son importance en 364 av. J. -C. lorsque des danseurs et musiciens venus d'Étrurie présentent un spectacle devant une " scaena " (mur de scène).

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L'orchestre n'est plus utilisé par le chœur, presque absent dans le théâtre romain, mais devient un public d'élite. La scène est abaissée à hauteur d'homme, alors que dans le théâtre hellénistique, elle faisait plus de trois mètres de haut. La façade du bâtiment a changé, devenant de plus en plus imposante pendant la période impériale : une série de colonnades se superposant sur plusieurs étages, jusqu'à trois, avec des colonnes et des piliers en précieux marbre polychrome.

Les acteurs entrent par les trois portes. La porte centrale s'appelait la direction et était l'élément central du théâtre, elle s'ouvrait à l'intérieur d'une niche. Les deux portes latérales étaient appelées hospitalia.

Un théâtre romain antique, à l'origine montage provisoire en bois durant les premiers siècles de la République romaine, est construit en pierre à partir du milieu du 1er siècle av. J.-C.. Son architecture est la suite de l'évolution des théâtres grecs antérieurs opérée en Italie du Sud. Les premiers exemplaires, le théâtre de Pompée et le théâtre de Marcellus à Rome, établissent une nouvelle forme, différente du modèle grec ouvert : le théâtre romain est un monument fermé sur lui-même, dans lequel l'étagement de gradins hémicirculaires rejoint un bâtiment de scène, luxueusement décoré. La technique de construction, l'emploi de murs et de voûtes rayonnantes pour soutenir les gradins permet de bâtir sur terrain plat et exonère de s'appuyer sur une colline à la mode grecque.
L'empereur Auguste donne une impulsion décisive à l'édification de théâtres dans les colonies romaines, qui s'étend à toutes les cités de l'Empire au cours du 1er siècle, tandis que le type de théâtre grec demeure dans la partie la plus hellénisée, en Grèce et en Asie.

La scène théâtrale grecque
Les théâtres permanents en pierre, dont les ruines sont encore visibles, sont construits après le IVe siècle av. J.-C. (c'est-à-dire après la période du théâtre classique).

Les théâtres en plein air, semblent avoir été conçus pour accueillir un orchestre (espace circulaire plat, réservé au chœur), au bas d'une scène surélevée pour les acteurs, ainsi qu'une rangée de gradins en demi-cercle, construits à flanc de colline autour de l'orchestre.
Ces théâtres pouvaient accueillir jusqu'à 20 000 spectateurs. Lorsque le nombre des acteurs a dépassé celui des choreutes, la scène s'est agrandie et a empiété sur l'espace réservé à l'orchestre.
Les acteurs (uniquement masculins) portent des vêtements ordinaires ou parfois des costumes, mais aussi des masques plus grands que leur visage, permettant de mieux les voir et d'indiquer la nature de leur personnage. Les dimensions de ces théâtres interdisent tout effet trop subtil, et imposent un mouvement organisé et rigide, ainsi qu'une voix forte. La musique et les danses participaient au spectacle qui s'apparentait sans doute d'avantage à l'opéra qu'au théâtre moderne.

Le théâtre grec antique est à l'origine du théâtre en Occident. Il prend naissance à l'époque archaïque pour atteindre son apogée à Athènes au Ve siècle av. J.-C. Le théâtre grec est né et s' est développé au cours des VIe et Ve siècles avant Jesus-Christ. Il s'agissait au début de cérémonies religieuses, célébrées en l'honneur de Dionysos (le dieu du vin et de la fête). Les premières représentations théâtrales ont eu lieu plus de 1000 ans avant Jésus-Christ sur l'île de Crète, chez le peuple minoen. Cela dit, le théâtre tel qu'on le connaît aujourd'hui est né dans la ville d'Athènes, au 5e siècle av.1. Le dieu protecteur du théâtre à Athènes c'est Dionysos. Dieu de la mythologie grecque.

La tragédie grecque . Une manifestation caractéristique de l'Athènes antique du Ve siècle av. J.-C., genre tragique qui trouve son origine en Grèce antique. La date de naissance précise de la tragédie grecque est inconnue : le premier concours tragique des Dionysies se situe vers 534, sous Pisistrate, et la première tragédie conservée, Les Perses d'Eschyle, date de 472. Mais Eschyle avait été précédé de tragiques illustres dont l'œuvre nous est perdue, comme Thespis, Pratinas et Phrynichos.

Théâtre romain situé au Champ de Mars, à Rome, dans l'actuel rione du Parione, construit par le consul romain Pompée, " un des grands conquérants de Rome " entre 61 et 55 av. J.-C.

Le théâtre de Pompée est à Rome le premier théâtre construit de façon durable en maçonnerie et de dimensions monumentales, " prototype absolu [...] mais en même temps héritier d'une tradition déjà ancienne, tant italique que gréco-orientale " selon l'universitaire français Pierre Gros. Modèle pour des édifices ultérieurs et issus d'inspirations multiples, il constitue " une rupture dans l'histoire des édifices de spectacles du monde romain " et " une étape dans l'histoire de l'architecture romaine publique ".

Un théâtre romain est un édifice antique destiné aux représentations théâtrales durant la même période. Le théâtre latin hérite du théâtre grec antique, qui était lié au culte de Dionysos, mais il s'en démarque sur de nombreux points.

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Résumé historique des différences entre le théâtre grec et le théâtre romain : le théâtre, ses composantes et les premiers théâtres sont les sujets abordés.

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.

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Les Dionysies étaient des festivités religieuses annuelles dédiées au dieu Dionysos dans la Grèce antique. Au cours de leurs célébrations, les participants étaient appelés à concourir en agônes tragiques. Les " agônes comiques ", initialement présents aux Dionysies, se seraient déroulés durant une autre festivité, toujours dédiée à Dionysos, les Lénéennes.

L'institution des Dionysies est généralement attribuée au tyran Pisistrate et remonte aux années comprises entre -535 et -532 environ. L'importance de ce culte a des racines profondes dont les fondements se retrouvent d'une part dans le milieu religieux et d'autre part dans les milieux davantage culturels et sociopolitiques. Le culte de Dionysos, dieu du vin et de l'ivresse, a été à l'origine d'une déchéance vers la débauche sexuelle et la violence, ce qui devenait de moins en moins compatible avec le maintien de l'ordre social. Vers la fin du VIe siècle av. J.-C. le pouvoir politique d'Athènes essaie de récupérer et d'institutionnaliser le culte de Dionysos en se ralliant autour des moments clés du culte, soit les fêtes dionysiaques. Au fil du temps, la portée religieuse est évacuée desdites fêtes pour être remplacée par une portée sociale et politique qui consiste à instruire moralement les citoyens, à travers l'implantation de concours dramatiques (principalement avec la création des Grandes Dionysies) s'articulant autour de la culture grecque de l'âgon (combat). Il s'agit ainsi d'un recadrage des fêtes dionysiaques au service de la Cité. De fait, quelques changements majeurs s'opèrent tranquillement, sans être radicaux. Au sein même des fêtes, il y a un passage du domaine du surhumain vers le domaine humain concret, d'une culture sacrée à une culture de la chose publique. Autrement dit, il y a une confrontation, qui sera présente dans les pièces de théâtre également, notamment l' Antigone de Sophocle, des valeurs de l'ancien monde versus celles du nouveau monde.

Si d'un côté le culte de Dionysos était pratiqué déjà depuis des siècles, de l'autre on voit la nécessité de créer un évènement extraordinaire avec une participation collective, afin d'intégrer les citoyens au nouveau système représenté par la tyrannie [réf. nécessaire].

Ces fêtes villageoises consistant dans la procession d'un phallus ont généralement été interprétées comme des rites de fécondité, mais peuvent présenter un lien plus ancien avec Dionysos " feu divin ". Ainsi, dans les Dionysies urbaines, l'image du dieu était portée par des éphèbes du Foyer eskhárā au Théâtre.

Durant les Dionysies, les activités de la ville s'arrêtaient, et tous les citoyens étaient invités à collaborer à l'événement, ce qui renforçait la cohésion sociale ; les procédures légales étaient interrompues pendant que les prisonniers étaient temporairement libérés pour participer aux fêtes.

Les Dionysies rustiques, dites aussi petites Dionysies ou Dionysies des champs, étaient des fêtes religieuses organisées par les dèmes de l'Attique principalement au mois de Poséidéon du calendrier attique, correspondant à décembre du calendrier julien. Il est probable que les divers dèmes célébraient Dionysos à des dates différentes, parce qu'il est connu que les passionnés allaient à des célébrations en divers lieux.

L'organisation de la fête relevait du chef du dème, le démarque, et sa structure devait calquer, même dans des proportions mineures, celle des Dionysies urbaines. Mais elles semblent s'être déroulées sans le ministère des prêtres. Parmi les réjouissances populaires de ces Dionysies rurales figurait le jeu appelé en grec ancien ἀσκωλιασμός / askoliasmos, qui consistait à sauter à cloche-pied sur des outres graissées. Les cortèges de personnages déguisés (en grec κῶμοι / ) au cours de ces festivités sont une des sources à l'origine de l' ancienne comédie.

L'élément central des Dionysies rustiques était les phallophories : en tête du cortège qui traverse les faubourgs d'Athènes, le phallophore porte un attribut sexuel gigantesque, suivi par une cohue de personnages, trognes barbouillées de lie de vin, échangeant dans un joyeux tintamarre facéties, mimiques obscènes et quolibets avec les badauds qui font la haie. Au cours de ces processions solennelles, on priait pour la fertilité des champs. Des représentations tragiques et comiques avaient lieu, même si on n'a pas de preuves précises concernant leur structure et leur déroulement qui puissent permettre une reconstitution fidèle. Il n'est pas certain, en outre, si des concours théâtraux se déroulaient à cette occasion ; il est certain cependant que des représentations dramatiques avaient lieu dans le dème du Pirée

Les Grandes Dionysies se déroulaient à Athènes, au théâtre de Dionysos, devant la statue du dieu, et sous la présidence du grand prêtre de Dionysos, entre le 9 et le 14 environ du mois de Élaphébolion du calendrier attique, correspondant aux mois de mars-avril du calendrier julien.

Lieu et période ne sont bien sûr pas fortuits : au printemps, en effet, les conditions de navigabilité de la mer Égée étaient optimales, garantissant à la la présence d'un nombre considérable d'étrangers, entre commerçants et alliés de la ligue de Délos. Cette condition particulière de cosmopolitisme permettait aux Athéniens soit de montrer leur supériorité culturelle, soit d'en faire une occasion de propagande politique et militaire face aux autres cités grecques. À l'ouverture des agônes tragiques, après des processions de vierges, un héraut présentait aux spectateurs les orphelins de guerre qui avaient atteint l'âge éphèbique : ces derniers étaient revêtus d'une armure, marque de maturité, et prenaient place au théâtre. L'habillement des éphèbes était suivi par la célébration de la puissance militaire d'Athènes, mais aussi de l'institution civique même, puisque les jeunes orphelins étaient élevés et vêtus aux frais de l'État. À cette occasion, étaient aussi exposées les contributions que, chaque année, les villes alliées versaient à Athènes, signe distinctif d'une hégémonie de la polis sur les autres.

L'organisation des fêtes était confiée à l' archonte. L' archonte éponyme, dès son entrée en charge, choisissait trois des citoyens les plus riches pour leur confier la chorégie, c'est-à-dire la préparation d'un chœur tragique : dans l'Athènes démocratique les citoyens les plus aisés étaient invités à financer des services publics, qu'on appelait des liturgies ; ces riches citoyens assumaient certaines dépenses spéciales (outre la chorégie, une des liturgies les plus importantes était l'équipement et la préparation d'un bateau pour la flotte, la triérarchie).

Calendrier probable des fêtes

Les Dionysies suivaient un calendrier prédéterminé, sur lequel nous n'avons cependant pas de certitude : il est sûr que le déroulement des agones et des liturgies varia au cours des siècles ; la reconstitution, de la part historique, du déroulement des événements est donc conjecturale. Un possible calendrier du prévoyait ce qui suit :

Le 8 du mois de Élaphébolion, se déroulaient les pré-agones, auxquels participaient les auteurs, les chorèges, les musiciens, les chœurs et les acteurs. Probablement la même nuit, avait lieu une sorte de fête institutionnelle, le komos, qui durait jusque tard et à laquelle le vin et l'euphorie ne devaient pas être étrangers.

Le 11, cinq comédies étaient présentées au théâtre, nombre qui, durant la guerre du Péloponnèse, fut réduit à trois pour des raisons économiques. Cette réduction diminuait les Dionysies d'un jour, car chacune des trois représentations suivait une tétralogie qui, elles, étaient réparties sur trois jours différents (cf. ci-dessous). Ces " agones comiques " se sont déroulés à partir de 486 av. J.-C. environ.

Les trois derniers jours de la fête, du 12 au 14 d'Élaphébolion, étaient dédiés au déroulement des " agones tragiques ", au cours desquels était proposée la représentation d'une tétralogie chaque jour.

Principaux vainqueurs des concours théâtraux

Notes et références

Pierre Boyancé, " Dionysiaca. À propos d'une étude récente sur l'initiation dionysiaque ", Revue des études anciennes, vol. 68, nos 1-2,‎ , p. 33-60 (lire en ligne, consulté le ).

(grc + fr) Théophraste (trad. du grec ancien par O. Navarre), Caractères, Paris, Les Belles Lettres, coll. " des Universités de France " (no 5), (1re éd. 1921), 104 p. (ISBN 978-2-251-00623-9 )

Pierre Lévêque et Louis Séchan, Les grandes divinités de la Grèce, Éditions E. de Boccard, , 448 p. (ISBN 978-2-200-37211-8 )

Louis Gernet et André Boulanger , Le génie grec dans la religion, Paris, Albin Michel, coll. " L'évolution de l'humanité ", , 510 p.

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Les Dionysies étaient des festivités religieuses annuelles dédiées au dieu Dionysos dans la Grèce antique. Au cours de leurs célébrations, les participants étaient appelés à concourir en agônes tragiques. Les " agônes comiques ", initialement présents aux Dionysies, se seraient déroulés durant une autre festivité, toujours dédiée à Dionysos, les Lénéennes.

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le théâtre romain et le théâtre grec : quelle différence ? + les origines du théâtre.
(section « ses fêtes et son cortège »)

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Bacchus est le dieu du vin, de la fête et des vignes. C'est son nom romain et on l'appelle Dionysos en grec. Ses attributs sont la thyrse, la panthère, l'âne, le lierre, la vigne, la grappe de raisin et le bouc, le guépard et les dauphins. C'est le père de Priape.

Fils de Zeus (Jupiter) (roi des dieux, de la foudre et du ciel) et de Sémélé (Princesse de Thèbes), Dionysos est né deux fois. La première fois quand sa mère est morte brûlée vive d'avoir contemplé Zeus sous son apparence divine (vision mortelle pour les humains). Comme il n'était pas encore formé, Zeus le cacha dans sa cuisse. Dionysos naquit, une seconde fois à la fin de la gestation normale et sortit de la cuisse de son père (d'où l'expression : " naître de la cuisse de Jupiter "). Pour échapper à la jalousie d' Héra, Dionysos a été élevé par les nymphes des bois. Dionysos passa toute son enfance loin de l' Olympe

Devenu un homme, il n'est pas reconnu comme un dieu par les Grecs. Il part et voyage à travers l'Asie où il exerce ses pouvoirs divins. Partout les hommes et les femmes le suivent en cortège. Revenu en Grèce, il est alors accepté comme un dieu et Apollon partage avec lui, le sanctuaire de Delphes.

Dionysos est le dieu de la vie, des forces qui développent le monde végétal et animal. Il est le dieu du vin, qui en donnant l'ivresse " libère " les instincts humains les plus naturels voire les plus sauvages. Ses origines sont thraces et macédoniennes (régions considérées comme reculées de la Grèce). Certains chercheurs le font venir de Phrygie en Asie mineure. Il semble être un dieu très ancien de la nature et de la fertilité, à qui on offrait des sacrifices humains.

Les fêtes qu'il organise s'appellent les bacchanales. Son cortège est composé de Bacchantes ou ménades (femmes devenues ivres par le vin) qui tirent son char. Dans leur délire elles étaient capables de dévorer des animaux considérés comme représentant le corps du dieu.

En Grèce, les cérémonies religieuses données en son honneur mettaient en scène un groupe de personnes portant un masque. C'est l'origine du théâtre européen.

Les Romains l'ont adopté comme beaucoup d'autres divinités. Les Romains célébraient des bacchanales tellement désordonnées que les autorités durent les réglementer. La ville de Nysa (en Inde), lui était destinée.

Un jour, Dionysos monte sur un bateau alors qu'il est tout petit . Il ne le sait pas, mais c'est un bateau de pirates. Selon une autre version, il est kidnappé par les pirates. Le capitaine du bateau veut en faire un esclave. Dionysos rend alors les pirates fous : ces derniers se jettent dans la mer et se métamorphosent en dauphins.

Ariane est la fille du roi Minos et de la reine Pasiphaé, souverains de Crète, et la sœur de Phèdre.

Elle a été abandonnée sur une île par Thésée après l'avoir aidé à sortir du labyrinthe où il avait tué le Minotaure. Alors qu'elle pleurait en regardant la mer, Dionysos est venu la chercher pour l'épouser.

Penthée était un homme qui ne croyait pas en Dionysos et qui ne l'honorait pas. Quand Dionysos le sut, il se mit en colère et ordonna aux Bacchantes de le dévorer vivant.

L'arbre de Bacchus est la vigne.

Les trésors de Bacchus sont les raisins et le vin.

Un disciple de Bacchus est un amateur de bon vin.

Un suppôt de Bacchus est un ivrogne.

Fêter Bacchus signifie " boire plus que de raison ".

Raphaël MARTIN et Olivier BALEZ, Les dieux de l'Olympe, De la Martinière jeunesse, 2015

Dionysos : exubérant dieu du vin, paru dans Arkéo junior (n°211), octobre 2013, pp. 28-34.

La patère ou canthare est une coupe à boire évasée et peu profonde c'est avec la grappe de vigne et le thyrse, les objets symboliques de Dionysos.

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Bacchus est le dieu du vin, de la fête et des vignes. C'est son nom romain et on l'appelle Dionysos en grec. Ses attributs sont la thyrse, la panthère, l'âne, le lierre, la vigne, la grappe de raisin et le bouc, le guépard et les dauphins. C'est le père de Priape.

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costumes et masques

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Le cothurne est un type de chaussure de l' antiquité gréco-romaine.

Les cothurnes sont des bottes ou bottines portées par les acteurs de la tragédie et du drame satirique dans l'Antiquité. Ces chaussures présentaient une semelle de bois, et, contrairement à une croyance populaire, les acteurs ne se juchaient donc pas dessus pour gagner en prestance ou en majesté. À partir de 1800, elles désignent des sandales maintenues par des lacets entrecroisés sur la jambe.

Notes et références

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Bibliographie

: document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

Émile Chambry, Émeline Marquis, Alain Billault et Dominique Goust ( trad. du grec ancien par Émile Chambry), Lucien de Samosate : Œuvres complètes, Paris, Éditions Robert Laffont, coll. " Bouquins ", , 1248 p. (ISBN 978-2-221-10902-1 ), " Éloge de Démosthène ", p. 889.

Anthony Rich, Dictionnaire des antiquités romaines et grecques : article " Cothurnus ", , 3e éd. (lire en ligne) .

Articles connexes

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Le cothurne est un type de chaussure de l' antiquité gréco-romaine. Les cothurnes sont des bottes ou bottines portées par les acteurs de la tragédie et du drame satirique dans l'Antiquité. Ces chaussures présentaient une semelle de bois, et, contrairement à une croyance populaire, les acteurs ne se juchaient donc pas dessus pour gagner en prestance ou en majesté.

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Costumes et masques (voir la section "accessoires" sur cette page)

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Le théâtre grec antique est à l' origine du théâtre en Occident. Il prend naissance à l' époque archaïque pour atteindre son apogée à Athènes au

Le théâtre naît en Grèce à l' époque archaïque. Le théâtre émerge, selon Aristote, du dithyrambe lors des fêtes en l'honneur de Dionysos, dieu du vin, des arts et de la fête. Il tire son nom du latin theatrum qui le tire lui-même du nom grec θέατρον, issu du verbe θεάομαι, [ theáomai ] signifiant " regarder " .Le théâtre est donc à la fois le lieu d'où l'on regarde (les gradins) et ce qui est regardé (la scène où se déroule le spectacle). Lors des premières manifestations de cet art, l'acteur mime et grimace de façon exagérée pendant qu'un public participe bruyamment au spectacle. Décors, mise en scène, texte n'apparaissent que plus tard.

Au cours du et du , le théâtre est né et s'est développé à partir des dithyrambes, des processions, des danses, des chants et des paroles chantées à la gloire des héros grecs. Ces spectacles ont lieu autour des temples consacrés au culte de ces figures illustres ou sur l' agora dans la région de Corinthe. Lentement, un lieu spécifique s'intègre au temple pour les représentations proprement théâtrales. La tradition rapporte que Thespis, auteur du qui se produit près d' Icaria, révolutionne le dithyrambe : il y introduit le premier acteur, le protagoniste. Pendant que le chœur chante les dithyrambes, l'acteur soliste, Thespis en l'occurrence, intercale des vers parlés. Le protagoniste joue alors tous les rôles. C'est la forme primitive du théâtre qui connaît dès lors un développement très rapide. Phrynichos, poète tragique du , dont l'œuvre se résume aujourd'hui à quelques fragments, exerce ensuite une influence notable sur le développement du texte et sur les premiers grands dramaturges. Le récit dramatique, au lieu de raconter et de résumer les faits, permet bientôt de représenter en temps réel le déroulement des actions des héros. En -538, Pisistrate organise le premier concours athénien de tragédie. Eschyle introduit le deutéragoniste (deuxième acteur) et Sophocle le tritagoniste (troisième acteur). d'Eschyle, écrite en -472, est la plus ancienne tragédie entièrement conservée.

Au temps du développement de la philosophie, de la sophistique et de la démocratie, le théâtre devint sujet à des interrogations politiques ou éthiques, mais, puisqu'on célèbre toujours Dionysos au temple, son culte demeure étroitement lié au théâtre. Non seulement les représentations théâtrales content-elles des mythes et des fables, mais elles se déroulent pendant les Dionysies et les Lénéennes. En outre, le théâtre est organisé de manière à instaurer un support pour la communication avec les dieux, et avec Euripide, pour remettre en question la valeur de leurs attitudes et de leurs actions sur les hommes et leur condition.

Jane Ellen Harrison signale que Dionysos dieu du vin (boisson des couches aisées) s'est substitué tardivement à Dionysos dieu de la bière (boisson des couches populaires) ou Sabazios, dont l'animal emblématique chez les Crétois était le cheval ou le centaure. Il se trouve que la bière athénienne était une bière d' épeautre, trágos en grec. Ainsi, les " odes à l'épeautre " (tragédies) ont-elles pu être considérées tardivement, par homonymie, comme des " odes aux boucs " (l'animal qui accompagnait le dieu et associé au vin rouge chez les Crétois ou les Athéniens).

Les trois principaux festivals de théâtre sont les Dionysies champêtres, de décembre à janvier, les Lénéennes, de janvier à février et les grandes Dionysies, de mars à avril. Ces festivals donnent lieu à un concours de tétralogies : trois tragédies et un drame satyrique. L'ouverture des festivités est faite de processions et de cérémonies en l'honneur de Dionysos. On sacrifiait notamment un bouc en l'honneur du dieu (bouc en grec, se dit tragos, à l'origine du mot tragédie).

Les grandes Dionysies ont lieu à Athènes et durent de cinq à dix jours durant le mois de Élaphébolion (la restitution courante donne sept jours) ; les quatre derniers jours donnent lieu à des agons tragiques et comiques, du lever au coucher du soleil à raison d'un auteur par jour. Ceux qui assistent à celles-ci entièrement peuvent entendre près de vingt mille vers sans compter les dithyrambes (chants religieux). La première journée (le 11 du mois) est consacrée aux concours de dithyrambes. La deuxième (le 20) est celle des comédies : trois poètes et plus tard cinq en présentent chacun une. Les trois jours suivants (22, 13 et 15) sont réservés à la tragédie, et chacun d'eux est consacré tout entier à l'œuvre de l'un des trois poètes choisis par l'archonte. Chaque œuvre tragique consiste en une tétralogie, à savoir une trilogie (composée de trois tragédies sur le même sujet), suivie d'un drame satyrique.

L' archonte éponyme, l'un des magistrats qui dirigent la cité et qui donne son prénom à l'année, nomme les différentes composantes de la représentation. Il nomme les chorèges, les poètes et les protagonistes. Le chorège est un riche citoyen qui recrute et équipe les chœurs. Les chœurs tragiques sont composés de douze puis quinze choreutes et les chœurs comiques de vingt-quatre. Les chorèges fournissent quelquefois de la nourriture et du vin aux spectateurs.

Le protagoniste est l'un des trois acteurs, il recrute le deuxième, le deutéragoniste, et le troisième, le tritagoniste. Toutes ces personnes sont des hommes, les rôles des femmes étant aussi joués par des hommes ; celui qui joue mal peut se faire fouetter par un mastigophore, agent public - muni d'un fouet, sur ordre de l' agonothète. Les poètes, les chœurs et les acteurs sont payés pour leur prestation. Les femmes, les métèques et peut-être les esclaves peuvent être spectateurs en compagnie des citoyens. Toutefois, leur présence est encore débattue par les spécialistes : certains d'entre eux, comme Haigh, Podlecki, Henderson, Mastromarco, Gerö et Johnsson, soutiennent que les femmes étaient présentes parmi le public des concours dramatiques ; d'autres préfèrent supposer leur exclusion : Rogers, Willems, Box, Wilson et Thiercy.

Dix juges tirés au sort parmi les citoyens décident des personnes gagnantes. Le public essaie d'ailleurs souvent de les influencer. Ces juges attribuent six récompenses symboliques, mais prestigieuses : deux aux meilleurs protagonistes comique et tragique, deux aux meilleurs chorèges comique et tragique et deux aux meilleurs poètes comique et tragique. Les poètes reçoivent des couronnes de lierre. Les chorèges reçoivent des trépieds qu'ils posent souvent sur des colonnes dans des lieux particulièrement fréquentés. Le public juge aussi l'archonte organisateur en le blâmant ou en faisant son éloge.

Le terrain avant la construction de l'édifice était choisi en fonction de la qualité acoustique que prodiguait le lieu. Le koilon désigne les gradins, adossés au relief naturel. Le premier rang est réservé aux spectateurs de marque ; les places sont en effet attribuées en fonction des catégories sociales. L' orchestra est un cercle de terre battue où se placent le chœur, les danseurs, chanteurs et musiciens. Il comporte aussi un autel de sacrifice, le thymélée (Autel de Dionysos, dieu du vin, dans le théatre grec). Le proskenion est le lieu où jouent les acteurs, c'est une estrade étroite et longue en bois. La skéné est un édifice qui sert de coulisses aux acteurs ; il était en bois, puis en pierre à partir du . La scène est percée de trois portes : par la porte centrale entrait le personnage principal ; par la porte de droite entrait des personnages qui viennent de l' agora, et par la porte de gauche, de la campagne.

Le théâtre est organisé de manière à instaurer un support pour la communication avec les dieux. Tout d'abord, les couronnes de lierre offertes en récompense sont le symbole de Dionysos. De plus, le grand prêtre de Dionysos est présent au premier rang, dans l'axe de symétrie du koilon. Les acteurs et celui-ci revêtent le même costume que la statue de Dionysos présente dans l' orchestra. Le temple, situé juste derrière la skéné et la statue du dieu de l' orchestra affirment sa présence.

Les costumes prouvent cet aspect. Les acteurs portent des costumes et de grands masques qui peuvent les faire dépasser deux mètres vingt. Ces masques modifient d'ailleurs les voix en les rendant profondes et presque inhumaines. À cela s'ajoutent la longueur du spectacle déjà évoquée, le vin, et la nourriture autorisés. Le public rit, hurle, siffle et applaudit durant les comédies et crie d'horreur pendant les tragédies. D'ailleurs, il existait une police spéciale, les rhabdouques. Aux transes initiales succède le théâtre, dont la traduction étymologique est souvent " lieu pour voir ", mais qui est plutôt un lieu pour avoir des visions.

La Grèce antique connaît déjà la notion de costume de théâtre : les acteurs revêtent des habits, des souliers qui ne sont pas ceux de la vie quotidienne. Ceux-ci varient suivant l'époque et le genre (tragédie, comédie, drame satyrique), mais leur rôle reste identique : il s'agit de faciliter l'identification des personnages. En effet, un même acteur peut jouer plusieurs rôles au sein d'une même pièce, parfois très différents. Les textes des pièces ne comprennent aucune indication de costume, mais il est possible de relever des allusions pertinentes dans le texte lui-même. Il existe également des représentations figurées, très nombreuses pour la comédie : peintures sur vases ou encore figurine.

La tradition attribue à Eschyle l'introduction des costumes dans la tragédie. Ceux-ci peuvent être très variés. Ainsi, dans les Choéphores, Électre porte un vêtement de deuil. Le même personnage porte des haillons dans l' d' Euripide. Dans Andromaque, Hermione déclare elle-même être couronnée d' or et porte un péplos spartiate bariolé. Dans la comédie les Acharniens, Aristophane montre Dicéopolis fouillant dans le magasin d'accessoires d'Euripide : on y trouve les haillons d' Œnée, la " crasseuse défroque " de Bellérophon, les guenilles de Télèphe ou encore les loques d' Ino. Les acteurs vont pieds nus ou chaussés de κόθορνοι / kothornoi, sorte de bottines, parfois lacées, parfois dotées de bouts pointus. Le costume comique masculin consiste souvent en un chiton,sorte de tunique, et un manteau court, laissant apercevoir un énorme pénis postiche, pendant et doté d'un gland vermillon. Il arrive que l'acteur utilise également des rembourrages au niveau des fesses et du ventre.

Les choreutes tragiques portent des vêtements qui identifient leur métier ou leur condition sociale. Dans les Suppliantes, le chœur représente les Danaïdes, qui portent de somptueuses robes barbares. Dans , il s'agit de marins de Salamine. Dans les drames satyriques, le chœur est toujours composé de satyres : ils sont nus, dotés d'un énorme pénis postiche en érection. Dans la comédie, le costume de base est agrémenté d'accessoires : de petites ailes, par exemple, pour le chœur des Guêpes.

Toute la troupe porte un masque dont Aristote avoue ignorer l'origine,. Selon la , ils dérivent de l'innovation de Phrynichos, se passant le visage au blanc, puis à la teinture de pourpier. Les masques anciens ne couvrent que le visage. Par la suite, ils s'agrandissent vers le sommet du crâne, de sorte à pouvoir y fixer des perruques ou au contraire, à figurer un crâne chauve. Le masque est percé aux yeux et à la bouche, pour permettre au comédien de se déplacer et de s'exprimer librement. Malgré les indications des Anciens à ce sujet, des expériences modernes ont montré que la bouche du masque n'a pas pu servir de porte-voix.

Le masque tragique est plutôt réaliste. Le masque du drame satyrique porte une barbe, des oreilles pointues et un crâne chauve. Il y a deux trous pour les yeux et un pour la bouche. Le masque comique peut être très varié. Parfois, il caricature un personnage contemporain, bien connu des spectateurs. Dans Les Cavaliers, Aristophane plaisante sur le masque de l'acteur représentant Cléon : selon lui, l'homme est si beau que tous les fabricants de masques ont voulu le représenter mais la femme si laide que personne ne voulut la représenter. Très vite, des types de masques sont apparus suivant le personnage. Au , l' Onomastikon de Julius Pollux dresse une liste de 76 masques : 44 modèles comiques, 28 modèles tragiques et 4 modèles de drame satyrique. Les masques avaient différentes couleurs qui permettaient aux spectateurs de reconnaître les personnages (rouge pour les satyres, blanc pour les femmes, etc.).

Les masques sont utiles pour les changements de rôle et l'identification rapide des personnages sur scène.

En raison de la fragilité de leur matériau (bois, cuir, cire, etc.), les masques originaux ont presque tous disparu. En revanche, nous conservons une bonne idée de leur apparence grâce à leur reproduction en terre cuite, surtout à Lipari. De plus faibles dimensions, ces reproductions pouvaient être dédiées comme ex-voto dans des temples, déposées dans des tombes ou plus simplement utilisées comme objets de décoration.

Émile Chambry, Émeline Marquis, Alain Billault et Dominique Goust ( trad. du grec ancien par Émile Chambry), Lucien de Samosate : Œuvres complètes, Paris, Éditions Robert Laffont, coll. " Bouquins ", , 1248 p. (ISBN 978-2-221-10902-1 ).

Histoire sommaire illustrée de la littérature grecque, Paris, J. de Gigord, , 176 p.

Paul Demont et Anne Lebeau, Introduction au théâtre grec antique, Paris, Le Livre de Poche, coll. " Références ", (ISBN 2-253-90525-9 ) .

Pierre Grimal, Le Théâtre antique, Presses universitaires de France, coll. " Que Sais-je ? " (no 1732), (ISBN 978-2-13-038630-8 ).

Aristote ( trad. Odette Bellevenue et Séverine Auffret), Poétique, Mille et une nuits, , 95 p. (ISBN 978-2-842-051174 ).

Pierre Pellegrin ( dir.) (trad. du grec ancien par Pierre Destrée), Aristote : Œuvres complètes, Paris, Éditions Flammarion, , 2923 p. (ISBN 978-2-08-127316-0 ), " Poétique ".

Jean-Charles Moretti, Théâtre et société dans la Grèce antique, Paris, Le Livre de Poche, coll. " Références ", (ISBN 2-253-9058-52 ) .

Cahiers du Gita, Université Paul Valéry, Montpellier (ISSN 0295-9909) [lire en ligne].

Pierre Sauzeau (dir., avec la collaboration de Jean-Claude Turpin), La Tradition créatrice du théâtre antique, t. I et II, Université Paul Valéry, Montpellier, 1999 (ISBN 2-84269-299-3 et 2-84269-328-0 ).

Philippe Fraisse et Jean-Charles Moretti, Le théâtre, Exploration archéologique de Délos, 2 vol., École française d'Athènes, 2007, (ISBN 2-86958-235-8 ).

Corinne Coulet, Le théâtre grec, Nathan, 1996, (ISBN 2-091-90992-0 )

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Le théâtre grec antique est à l' origine du théâtre en Occident. Il prend naissance à l' époque archaïque pour atteindre son apogée à Athènes au Le théâtre naît en Grèce à l' époque archaïque. Le théâtre émerge, selon Aristote, du dithyrambe lors des fêtes en l'honneur de Dionysos, dieu du vin, des arts et de la fête.

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Costumes et masques

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Les masques au théâtre

Aperçu historique

Chez les Anciens, le masque a été le moyen le plus expressif donné aux acteurs pour rendre la physionomie même de leurs rôles, et il s'accordait avec divers moyens pour reproduire les proportions imposantes des héros. On commença par se barbouiller le visage, et quand on songea à se servir de masques, on utilisa d'abord les feuilles d'arction (notre grande bardane) ; mais ce n'était qu'un déguisement et non une imitation. Lorsque le poème dramatique eut toutes ses parties et fut devenu tragédie ou comédie, les acteurs sentirent la nécessité de prendre les airs des personnes d'âges et de sexes différents qui y figuraient. Ils adoptèrent les masques scéniques, sortes de casques qui couvraient le dessus de la tête et le visage, avec des traits vivement accentués, la barbe, les cheveux, et même les ornements de la coiffure.

Suidas et Athénée nomment le poète Hœrile, contemporain de Thespis, comme l'inventeur des masques. Horace fait honneur de cette importante innovation à Eschyle, qui paraît du moins avoir introduit les masques terribles et hideux dans ses Euménides. Mais, suivant Aristote ( Poétique, ch. V), on est sur ce point dans une ignorance complète. Suidas affirme que Phrynicus fit paraître au théâtre le premier masque de femme. On lit dans Athénée que ce fut un acteur de Mégare qui inventa les masques comiques de valets. D'après Diomède, le premier qui porta un masque sur le théâtre à Rome fut Roscius Gallus, qui s'en servit pour cacher un défaut de ses yeux.

L'emploi des masques

Les masques furent d'abord en cuir, puis en bois. Le sculpteur les composait selon les indications du poète. Il y avait quatre sortes de masques :

ceux de la tragédie, y compris les masques des Ombres, des Gorgones et des Furies: ils inspiraient la terreur ;

ceux de la comédie, qui accentuaient le ridicule ;

ceux du drame satyrique, représentant les Satyres, les Faunes, les Cyclopes et autres monstres de la Fable ;

enfin ceux des danseurs.

Les masques dont les acteurs fort rapprochés des spectateurs se couvraient le visage étaient nommés masques muets ou masques orchestriques ; ils avaient des traits réguliers et la bouche fermée, tandis que les autres, outre leurs traits exagérés par les nécessités de l'optique, portaient une bouche agrandie de manière à servir de porte-voix. Parfois les masques avaient deux expressions : par exemple celle de la satisfaction sur l'un des profits et de la colère sur l'autre, et l'acteur ne manquait pas de présenter le côté dont les traits convenaient à la situation du moment, quand il jouait des scènes où il devait changer d'action, sans pouvoir faire choix d'un autre masque derrière le théâtre.

Julius Pollux assure que dans l'ancienne comédie grecque on poussait la liberté jusqu'à donner aux acteurs des masques offrant la ressemblance de personnes vivantes et connues, qui se trouvaient ainsi désignées publiquement aux risées de leurs concitoyens. Socrate fut de la sorte mis à la scène dans les Nuées. Mais nul ouvrier n'osa faire un masque ressemblant à Cléon pour la comédie des Chevaliers, et nul acteur ne voulant se charger de ce rôle périlleux : Aristophane dut le jouer lui-même, la figure barbouillée de lie.

Les variétés des masques

Les masques formaient la partie principale des accessoires de la scène antique. Il en existait dans chaque théâtre de nombreuses variétés.

▪ Les masques tragiques comprenaient les groupes suivants :

masques des pères, les uns tout a fait chauves, sans barbe, les joues pendantes; les autres à cheveux blancs, avec barbe blanche ou couronne de cheveux gris ou cheveux noirs et barbe hérissée, l'air dur et les pommettes saillantes, etc. ;

masques des jeunes hommes, offrant des types divers: l'imberbe, avec des cheveux noirs et épais ; le crépu, d'un blond ardent, bouffi d'orgueil, à l'air farouche ; le tendre, blond, à figure gaie ; le négligé, au teint altéré, à l'expression triste et avec des cheveux d'un blond fade ; le blême, maigre, chevelu, blond ; le pâle, au teint de malade, etc. ;

masques des esclaves et serviteurs, répondant par les traits du visage aux différences d'emplois ou de nationalités ;

masques de femmes, présentant une grande diversité : femmes vieilles, libres ou esclaves ; femmes entre deux âges, citadines et villageoises ; jeunes femmes et vierges, et parmi celles-ci, au teint généralement pâle, la vierge outragée, au teint vivement colorée.

▪ Les masques comiques étaient plus nombreux encore. La nouvelle comédie s'interdisant les ressemblances particulières s'appliqua à des études physionomiques. On eut les types et les masques du pappus primus et du pappus secundus, répondant aux pères nobles et aux financiers, du capitaine, du vieillard décrépit, du pourvoyeur de débauche, des jeunes hommes blonds, bruns, roux, rustiques, tendres, menaçants, bienveillants, animés ; ceux du flatteur, du parasite, ceux d'esclaves de tout ordre, ceux de femmes vieilles et jeunes, des grasses et des maigres, et parmi les jeunes, de l'enjouée, de la crépue, de la vierge, de la fausse vierge, de la seconde fausse vierge, de ceux des courtisanes de toute classe : la noble, la mûre, la dorée, etc.

▪ Les masques satyriques se réduisaient à ceux du vieux satyre en poil blanc, du satyre barbu, du satyre imberbe, de Silène, avec quelques variétés de types comiques.

Le défaut et les avantages de l'emploi des masques

Les masques avaient le défaut de cacher les diverses nuances de l'expression des passions sur le visage: défaut peu sensible dans d'immenses théâtres, où tant de spectateurs ne pouvaient s'apercevoir de l'immobilité des traits.

L'avantage des masques consistait à reproduire fidèlement des types convenus, à donner à la tête un caractère bien déterminé et à rendre plus intelligibles les paroles, en permettant d'y ajuster des cornets qui augmentaient le volume de la voix.

L'emploi du masque facilitait encore, dans certaines pièces, l'intrigue fondée sur une ressemblance parfaite, comme dans Amphitryon et les Ménechmes.

En outre, dépassant la grandeur naturelle, ils concouraient avec les autres parties du costume à donner aux acteurs les proportions colossales, nécessitées par la perspective.

1. Athénée est né à Naucratis, en Égypte, vers 170 ap. J.-C., mort au III e siècle, était un érudit et grammairien grec. ▲
2. Thespis est un poète grec qui a vécu vers le milieu du VI e siècle av. J.-C. C'est lui qui aurait inventé la tragédie. Il est le premier auteur dramatique à avoir remporté un prix au concours théâtral des grandes dionysies vers 534 av. J.-C. ▲
3. Horace est un poète latin qui est né à Venosa le 8 décembre 65 av. J.-C. et mort à Tivoli le 27 novembre 8 av. J.-C., il compte parmi les plus illustres poètes de tous les temps. ▲
4. Eschyle qui est né vers 525 av. J.-C. et qui est mort en 456, est un poète tragique grec, considéré comme le véritable créateur de la tragédie; il aura comme successeurs Sophocle et Euripide. ▲
5. Phrynicus est un auteur tragique grec, né à Athènes et disciple de Thespis. Il fut le premier qui introduisit sur la scène un personnage de femme, et qui fit usage des vers tétramètres, ou à trois mesures. ▲
6. Diomède est grammairien latin du VI e siècle, auteur d'un traité De Oratione et partibus oratoriis, publié par Putschius dans ses Grammatici veteres en 1605. ▲
7. Quintus Roscius Gallus est un acteur romain né esclave vers 126 av. J.-C. et mort en 62 av. J.-C. près de Lanuvium. ▲
8. Julius Pollux ou Julius Polydeukès est philologue et rhéteur du II e siècle, né à Naucratis en Égypte. Il enseigna à Athènes, où il avait été nommé, d'après Philostrate, professeur de rhétorique par l'empereur Commode. ▲
9. Aristophane est un poète comique grec du Ve siècle av. J.-C., né dans le dème de Kydathénée vers 450-445 et mort vers 385 av. J.-C. ▲

Masques et théâtre

Le théâtre du monde : Une histoire des masques

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Lumière sur... ► vous êtes ici Lumière sur... Les masques au théâtre Aperçu historique hez les Anciens, le masque a été le moyen le plus expressif donné aux acteurs pour rendre la physionomie même de leurs rôles, et il s'accordait avec divers moyens pour reproduire les proportions imposantes des héros.

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Costumes et masques

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L'origine du masque du théâtre grec n'est pas connu avec exactitude. Ce serait Thespis, l'un des premiers tragédiens grecs, inventeur de la tragédie attique (VIème siècle av JC) qui, en se barbouillant le visage de lie de vin ou de céruse, aurait donné naissance au masque. Certains considèrent cependant que ce serait son élève, Phrynichos*, qui se serait peint le visage en blanc puis à la teinture de pourpier.

* Phrynichos d'Athènes (le Tragique), né vers 540 et mort vers 470 av. J.-C., est parfois considéré comme le réel fondateur de la tragédie

Les masques étaient fabriqués en matériaux divers périssables : bois, cire, cuir... .Les masques sont largement percés aux yeux et à la bouche pour permettre aux acteurs de se déplacer et de parler. A l'origine, les masques ne couvraient que le visage, puis ils s'agrandirent pour y fixer des perruques et enserraient complètement la tête, déposés sur une calotte de feutre (le "pilidion"). Le masque était très inconfortable pour l'acteur qui devait en supporter la chaleur.u IIe siècle ap J.-C., Julius Pollux Ces masques originaux ont presque tous disparu, aujourd'hui, il n'en reste que des reproductions, plus petites, en terre cuite. Les masques présentés sur cette page n'ont donc jamais été portés par des acteurs, ils pouvaient être utilisés comme objets de décoration ou déposés dans des sanctuaires ( ) ou dans des tombes

Il y a différents types de masques ; a(Onomasticon) dresse une liste de masques correspondant à 76 personnages (44 modèles de comédie, 28 modèles tragiques et 4 modèles de drame satyrique).
Ainsi, grâce à cette codification, les spectateurs, même éloignés de l'orchestra pouvaient reconnaître d'emblée les personnages. La couleur des masques permettait aussi l'identification des personnages : rouge pour les satyres, blanc pour les femmes...

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site à vocation pédagogique sur la civilisation grecque : la religion, des chonologie, des cartes, un lexique

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Costumes et masques

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Costumes et masques

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Il marque aussi la frontière entre le naturel et le surnaturel (fée, elfe...). Il est parfois codé on reconnaît ainsi des personnages spécifiques comme Arlequin par exemple.

Le costume sert donc à identifier le type de personnage à qui l'on a affaire.

Tous les rôles étant tenus par des hommes ;le costume servait avant tout à identifier les personnages grâce aux codes de l'époque.

Par exemple dans une tragédie, on pouvait retrouver la toge qui représentait l'homme libre, les robes avec des codes couleurs (pourpre pour le roi, blanche pour la princesse et jaune pour la courtisane). Les personnages de la tragédie étant des héros, des dieux, des rois... les acteurs mettaient donc des cothurnes qui sont des chaussures à semelles compensées surmontées de brodequins lacés pour paraître plus grand et majestueux, pour mieux représenter les personnages illustres de la pièce.

Dans les comédies, on trouvait des costumes beaucoup plus simples comme des tuniques qui pouvaient représenter des esclaves, des manteaux pour les voyageurs et des sandales plates.

Pour les chœurs eux portaient des coryphées (sortes de robe) et étaient maquillés et portaient des postiches.

Pour les accessoires on trouvait des perruques et des masques pour les différentes expressions du visage.

Les acteurs s'habillaient de la manière la plus somptueuse possible, héritant d'habits de cour de leur protecteur, affichant ainsi des signes de richesse.

Pendant longtemps les représentations théâtrales étaient présentées dans des habits de cour mais on ne pouvait plus reconnaître la classe sociale du personnage.

Pour ce qui est des comédies et des farces, les costumes s'inspiraient des théâtres italiens et adoptèrent plus de couleurs. Cependant à partir du XVIII siècle, les metteurs en scène cherchent la vérité et le naturel des personnages (tenue de valet pour le valet,...).
http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/masques/index.php?img=11&parent=75 http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/masques/index.php?img=12&parent=75
Quelques troupes décident de refuser de porter les tenues de cour mais elles restent très peu nombreuses car cette nouvelle mode théâtrale ne séduit pas les spectateurs.

Dans le théâtre d'aujourd'hui, les costumes sont ancrés dans la réalité de la pièce. Lorsque celle-ci se déroule dans le passé, le metteur en scène peut décider de respecter l'époque et faire concevoir des costumes la respectant ou alors la faire changer de contexte en la plaçant dans le présent on parle alors d'anachronisme.

Les costumes ne sont pas pour autant extravagants ce qui permet au spectateur de mieux s'identifier aux personnages.

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Il marque aussi la frontière entre le naturel et le surnaturel (fée, elfe...). Il est parfois codé on reconnaît ainsi des personnages spécifiques comme Arlequin par exemple. Le costume sert donc à identifier le type de personnage à qui l'on a affaire.

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Costumes et masques

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Les costumes et les masques

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Pendant l' Antiquité romaine, les acteurs jouaient avec des . Les masques romains servaient à ce que le public voie de loin. Ils amplifiaient la voix des acteurs pour que tout le monde les entende, même loin de la scène. Il existe deux sortes de masques : ceux pour la comédie et ceux pour la tragédie. Chaque masque avait un trait qui lui était propre.

Avant le , il n'existait pas de masque, on se maquillait (blanc pour la femme, rouge pour l'esclave et brun pour l'homme libre). Ensuite les premiers masques étaient en terre cuite et ne recouvraient que la moitié du visage. Il y en avait beaucoup, à peu près quarante pour la comédie et vingt pour la tragédie.

Il existe deux sortes de masques on reconnait ceux pour la tragédie au fait qu'ils sont très réalistes. Ces masques ont souvent une barbe, des oreilles pointues et le crâne chauve. Contrairement aux masques tragiques, les masques comiques sont très variés : il y a en tout soixante-seize dont quarante-quatre comiques, vingt-huit tragiques et quatre autres, mais presque tous les originaux ont disparu.

Pour faire les masques, les Romains utilisaient des chiffons et du plâtre. Avant d'utiliser le plâtre et le tissu, ils les faisaient en cuir ou en bois. Ces objets étaient en matériaux fragiles, ils étaient par conséquent durs à manier sans les casser. On utilisait des cheveux pour faire les perruques, qui pour les Romains étaient les finitions du masque, elles étaient très importantes ( roux pour les esclaves, blond pour fils aisé, blanc pour l'homme libre vieux).

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Pendant l' Antiquité romaine, les acteurs jouaient avec des . Les masques romains servaient à ce que le public voie de loin. Ils amplifiaient la voix des acteurs pour que tout le monde les entende, même loin de la scène. Il existe deux sortes de masques : ceux pour la comédie et ceux pour la tragédie.