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Présenter une œuvre d'art - consignes diaporama

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Présenter une œuvre d'art - fiche méthodologique 4ème

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Comme Rembrandt et Goya, Vincent van Gogh s'est fréquemment pris lui-même pour modèle ; on compte plus de 43 autoportraits, peints ou dessinés, en une dizaine d'année de travail. Comme ces maîtres du passé, il s'observe dans le miroir sans complaisance. Se peindre soi-même n'est pas un acte anodin : il s'agit d'une interrogation qui, souvent, débouche sur les vertiges de l'identité.
Ainsi écrit-il à sa soeur: "Je recherche une ressemblance plus profonde que celle qu'obtient le photographe". Et plus tard à son frère : "On dit et je le crois volontiers, qu'il est difficile de se connaître soi-même. Mais il n'est pas aisé non plus de se peindre soi-même. Les portraits peints par Rembrandt, c'est plus que la nature, ça tient de la révélation".
Cadré en buste, l'artiste se présente en veston, et non avec l'habituelle vareuse de travail. Tout concentre l'attention sur le visage. Ses traits sont durs et émaciés, son regard cerné de vert paraît intransigeant et anxieux. La teinte dominante, vert absinthe et turquoise clair, trouve son contrepoint dans sa couleur complémentaire, l'orangé feu, de la barbe et des cheveux. A l'immobilité du modèle s'opposent les courbes ondulantes de la chevelure et de la barbe, qui trouvent un écho amplifié dans les arabesques hallucinatoires du fond.

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Comme Rembrandt et Goya, Vincent van Gogh s'est fréquemment pris lui-même pour modèle ; on compte plus de 43 autoportraits, peints ou dessinés, en une dizaine d'année de travail. Comme ces maîtres du passé, il s'observe dans le miroir sans complaisance.

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Repasseuses - Edgar Degas | Musée d’Orsay

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Les Déchargeurs de charbon - Claude Monet | Musée d’Orsay

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Ce tableau constitue une des premières représentations du prolétariat urbain. Si les paysans (Des glaneuses de Millet) ou les ouvriers des campagnes (Casseurs de pierres de Courbet) ont souvent été montrés, les ouvriers de la ville ont très rarement fait l'objet de tableaux.

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Jean-François Millet, Les glaneuses (1857)

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Jean-François Millet, Les glaneuses (1857), analyse avec de nombreuses illustrations.

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Des glaneuses - Jean-François Millet | Musée d’Orsay

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Regardez surtout le début

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LA PEINTURE DE MILLET - Le peintre des paysans ! 🌻

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Analyse - Des glaneuses - J.F. Millet | Genially

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Jean-François Millet (1814 - 1875)

H. 55,5 ; L. 66,0 cm.

Legs d'Alfred Chauchard, 1909

© Musée d'Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

Un homme et une femme récitent l'angélus, prière qui rappelle la salutation de l'ange à Marie lors de l'Annonciation. Ils ont interrompu leur récolte de pommes de terre et tous les outils, la fourche, le panier, les sacs et la brouette, sont représentés. En 1865, Millet raconte : "L'Angélus est un tableau que j'ai fait en pensant comment, en travaillant autrefois dans les champs, ma grand-mère ne manquait pas, en entendant sonner la cloche, de nous faire arrêter notre besogne pour dire l'angélus pour ces pauvres morts". C'est donc un souvenir d'enfance qui est à l'origine du tableau et non la volonté d'exalter un quelconque sentiment religieux, Millet n'est d'ailleurs pas pratiquant. Dans une scène simple, il souhaite fixer les rythmes immuables des paysans. Ici, l'intérêt du peintre se porte sur le temps de la pause, du repos.
Isolé au premier plan, au milieu d'une plaine immense et déserte, le couple de paysans prend des allures monumentales, malgré les dimensions réduites de la toile. Leurs visages sont laissés dans l'ombre, tandis que la lumière souligne les gestes et les attitudes. La toile exprime ainsi un profond sentiment de recueillement et Millet dépasse l'anecdote pour tendre vers l'archétype.
C'est sans doute ce qui explique le destin extraordinaire de L'Angélus : objet d'un incroyable engouement patriotique lors de sa tentative d'achat par le Louvre en 1889, vénérée par Salvador Dali, lacérée par un déséquilibré en 1932 et devenue au cours du XXe siècle une icône mondialement célèbre.

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L'Angélus-Jean-François Millet | Musée d'Orsay

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Jean-François Millet (1814 - 1875) Un homme et une femme récitent l'angélus, prière qui rappelle la salutation de l'ange à Marie lors de l'Annonciation. Ils ont interrompu leur récolte de pommes de terre et tous les outils, la fourche, le panier, les sacs et la brouette, sont représentés.

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Dimensions

H. : 55,5 cm ; L. : 65 cm

Lieu de conservation

France, Paris, musée d'Orsay

Angélus : Dans la religion catholique, l'angélus est une prière qui se récite le matin, le midi et le soir. Elle rappelle la salutation de l'ange Gabriel à la Vierge Marie, lors de l'Annonciation.

Palette : La palette est la petite planche sur laquelle l'artiste dispose et mélange ses couleurs. Le terme désigne aussi l'ensemble des couleurs qu'il choisit pour une œuvre.

Peindre sur le motif : Expression qui signifie peindre en ayant sous les yeux ce que l'on souhaite représenter.

Réalisme : Courant artistique du XIXe siècle qui privilégie une représentation non idéalisée de sujets inspirés du monde réel. Le peintre Gustave Courbet en est la figure de proue, et son tableau Un enterrement à Ornans, exposé en 1855, le premier manifeste.

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L'Angélus par - œuvre d'art analysée en images | Panorama de l'art

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L'Angélus par - œuvre d'art analysée en images | Panorama de l'art

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Un enterrement à Ornans - Gustave Courbet | Musée d’Orsay

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Vous y trouverez des liens vers des courtes biographies des peintres.

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L' impressionnisme est un courant de peinture française de la seconde moitié du . Il marque la rupture de l' art moderne avec l' académisme. L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes, les mouvements fluides plutôt que l'aspect stable des choses.

Les impressionnistes ont eu une grande influence sur l' art de leur époque, la peinture bien sûr, mais aussi la littérature et la musique. L'impressionnisme ce sont les tableaux peints de manière différente car elle est peinte sans croquis directement avec la peinture.

Avant l'impressionnisme

Au milieu du XIX e siècle, seuls sont acceptés par le public et les spécialistes les sujets historiques ou religieux, réalisés avec détail et masquant le plus possible les traces du pinceau.

L'enseignement du dessin est bien structuré avec la copie des modèles de la sculpture antique (idéal de beauté). La couleur est peu enseignée.

Portrait académique par Jean Auguste Ingres

Femme à l'ombrelle. Peinture impressionniste de Claude Monet

Nouveauté de l'impressionnisme

Cette conception de la peinture va être bousculée par les travaux de jeunes peintres parisiens. Ils ne cherchent pas à peindre un objet, mais à reproduire les sensations, les impressions que leur donne cet objet; ces impressions peuvent varier selon les moments et les individus (un exemple caractéristique est donné par les multiples tableaux de Monet sur la cathédrale de Rouen). Influencés par le réalisme, ils privilégient les couleurs vives, les jeux de lumière et sont intéressés par les paysages ou les scènes de la vie de tous les jours.

Parmi eux, on compte notamment Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro ou Paul Cézanne.

Malgré les désaccords des critiques, les artistes impressionnistes gagnent peu à peu l'acceptation du public vers 1890.

Cathédrale de Rouen, la façade en plein soleil. 1894

Cathédrale de Rouen façade au soleil couchant

L'impressionnisme a beaucoup choqué à son apparition. En effet, le mouvement qui le précédait était le réalisme avec comme chef de fil Gustave Courbet. Il représentait la nature et les épisodes de la vie réelle, il dénonçait la misère des paysans en essayant de la représenter comme telle ce qui donnait des tableaux très réalistes.

À l'arrivée de l'impressionnisme en 1874, le public a tout de suite été choqué et a trouvé cette manière de peindre inacceptable. Il se plaignait de "l'affaiblissement de l'art", et regrettait Delacroix et Gericault, les artistes qui avaient brillé quelques années auparavant mais qui avaient pris leur retraite.

En effet, l'impressionnisme a pour but de capter l'instant présent et de le rendre sur la toile comme le peintre le perçoit. Les peintres impressionnistes plantent leur chevalet dehors pour peindre en plein air et représenter la nature à différents moments de la journée, ou bien des scènes de la vie de tous les jours qui représentent la joie de vivre et toujours avec cette impression de mouvement.

L'impressionnisme s'oppose donc au réalisme. Sa manière de représenter les sujets est révolutionnaire. En effet, les peintres utilisent des couleurs beaucoup plus vives sans les poser directement sur la toile mais en faisant des petites touches de peinture, ce qui donne un effet d'illusion. Les toiles paraissent inachevées et les sujets ainsi que leur vivacité choquent le public.

Beaucoup d'œuvres ont été refusées dans les expositions officielles, mais Napoléon III décide de les exposer toutes au salon des refusés et de là, grâce à une toile de Claude Monet présente dans ce salon, "Impression soleil levant", naît l'impressionnisme.

Ce mouvement sera une révolution pour la peinture, et deviendra peu à peu très populaire, marquant l'histoire de l'art à jamais pour ces sujets qui saisissent le spectateur et la lumière des paysages qui l'éblouit. Les oeuvres seront par la suite exposées aux salons annuels organisés par la Société des artistes indépendants.

Les peintres impressionnistes ont été fortement influencés par l' estampe japonaise, qui est à la mode à Paris à partir des années 1850. Ces estampes montrent des scènes de la vie quotidienne et se caractérisent par des a-plats de couleur tranchées, des motifs simples et des compositions souvent décentrées. La photographie alors naissante a eu aussi une grande influence. Les photographes de l'époque emploient des appareils tenus à la main afin de suivre le mouvement d'un sujet. Il arriva alors que la photographie présente des premiers plans vides et des cadrages étranges. Ces effets seront imités par les peintres impressionnistes afin de suggérer la spontanéité.

Il ne faut pas confondre avec l' expressionnisme et le réalisme.

En littérature l'impressionnisme est une méthode d'écriture qui tente de reconstituer les sensations qu'un objet a provoquées sur l'écrivain plutôt que de décrire lui-même cet objet.

Source : cette page a été partiellement adaptée de la page Impressionnisme de Wikipédia.

Consulté le 17 octobre 2007

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L' impressionnisme est un courant de peinture française de la seconde moitié du . Il marque la rupture de l' art moderne avec l' académisme. L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes, les mouvements fluides plutôt que l'aspect stable des choses.

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Les différents courants artistiques expliqués simplement (Vikidia)

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Les différents courants artistiques expliqués simplement (Vikidia)

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La peinture est l'un des sept arts. Il consiste à utiliser de manière harmonieuse le dessin avec la coloration de ce dessin par une technique particulière.

Mettre en deux dimensions ce qui existe en trois dimensions exige de développer la perspective ; un objet apparaissant au premier plan doit être dessiné plus grand que le même objet dessiné en arrière-plan.

Dès que l' homme est devenu homme, il a voulu peindre ; sur les murs d'abord, puis sur d'autres supports les scènes de la vie quotidienne. Ce sont les peintures rupestres.

Dessiner et peindre semblent être un besoin fondamental de l'être humain. Dès le plus jeune âge, les enfants dessinent et peignent. C'est avec le langage la forme d'expression privilégiée de l'homme.

On distingue beaucoup de qualités de peintures, suivant leur composition :

l'aquarelle, peinture à l'eau transparente, contenant des pigments et de la gomme arabique ;

la fresque, mélange de pigments et de chaux, destiné à la peinture murale ;

le pastel, composé de pigments, de craie et de gomme arabique ;

le lavis , fait d'encre de Chine diluée ;

la gouache, une peinture à l'eau opaque, plus épaisse que l'aquarelle ;

l'acrylique, peinture synthétique opaque, beaucoup plus facile à étaler que la peinture à l'huile ;

la peinture à l'huile, contenant des pigments et de l'huile ;

l'encaustique, une peinture à la cire ;

la tempera, peinture au jaune d'œuf ;

la détrempe, peinture à la colle ;

la peinture en bombe ou spray de peinture, utilisé surtout dans les Tags (street art) sur les murs extérieur ;

la peinture à l'aérographe ou au pistolet.

Les peintures murales romaines, comme celles de Pompéi, étaient exécutées selon trois techniques :

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La peinture est l'un des sept arts. Il consiste à utiliser de manière harmonieuse le dessin avec la coloration de ce dessin par une technique particulière. Mettre en deux dimensions ce qui existe en trois dimensions exige de développer la perspective ; un objet apparaissant au premier plan doit être dessiné plus grand que le même objet dessiné en arrière-plan.

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Cette oeuvre est sans doute la plus importante de Renoir au milieu des années 1870 et fut exposée à l'exposition du groupe impressionniste de 1877. Si le peintre choisit de représenter quelques uns de ses amis, il s'attache avant tout à rendre l'atmosphère véhémente et joyeuse de cet établissement populaire de la Butte Montmartre.

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Degas fréquentait avec assiduité l'Opéra de Paris, en tant que spectateur, mais aussi les coulisses, le foyer de la danse, où il était introduit par un ami musicien de l'orchestre. Il s'agit encore à l'époque du bâtiment de la rue Le Peletier, et pas encore de l'Opéra conçu par Garnier qui le remplacera bientôt.

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A son retour d'Angleterre en 1871, Monet s'installe à Argenteuil et y résidera jusqu'en 1878. Ces années correspondent à une période d'épanouissement. Soutenu par son marchand, Paul Durand-Ruel, Monet trouve également, dans la région qu'il habite, les paysages lumineux qui lui permettent d'explorer les possibilités d'une peinture de plein air.

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La Nuit étoilée - Vincent Van Gogh | Musée d’Orsay

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Au coeur du monde de la danse

Edgar Degas aime représenter les corps et plus particulièrement celui des danseuses. Dans ce tableau, le peintre semble s'être glissé dans une salle de classe pour assister aux répétitions des danseuses. Celles-ci écoutent, avec plus ou moins d'attention, le maître de ballet Jules Perrot, ami du peintre.

Regardes bien les positions des danseuses, elles sont très peu nombreuses à regarder leur professeur : certaines se grattent le dos, l'oreille, ou encore papotent entre elles. Tu remarqueras aussi que ces danseuses ne sont plus en mouvement, nous découvrons des jeunes filles fatiguées, dont les corps s'abandonnent après l'effort.

Edgar Degas nous donne ainsi accès à l'intimité de la vie des danseuses de ballet, loin du monde idéalisé de lumières et de paillettes. Un peu à la manière d'un journaliste mais avec sa peinture et ses pinceaux, Edgar Degas rend compte de la réalité ce qui était très audacieux et moderne en 1873.

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Edgar Degas aime représenter les corps et plus particulièrement celui des danseuses. Dans ce tableau, le peintre semble s'être glissé dans une salle de classe pour assister aux répétitions des danseuses. Celles-ci écoutent, avec plus ou moins d'attention, le maître de ballet Jules Perrot, ami du peintre.

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Gustave Caillebotte a peint Les Raboteurs de parquet en 1875. Bien que cette huile sur toile soit maintenant considérée comme l'un des chefs-d'œuvre du musée, elle a été refusée par les jurés de l'académie des Beaux-Arts qui ne souhaitaient pas le voir exposé lors du Salon de peinture et de sculpture en raison de son sujet.
Pourquoi cette peinture a-t-elle tant choqué la critique de son temps ?

Les ouvriers des villes

Si à l'époque on représentait souvent les paysans et ouvriers des campagnes, ce n'était pas le cas des ouvriers des villes, car on jugeait ce sujet peu intéressant. A ce sujet très moderne, Caillebotte ajoute ici un effet de plongée très novateur, grâce à une perspective nous donnant l'impression de contempler les travailleurs de haut.

Le métier de raboteur.

C'est une peinture quasiment documentaire que Caillebotte réalise ici en décrivant le métier de raboteur de parquet avec précision. Il représente trois artisans au travail dans un appartement parisien, qu'on devine bourgeois par la présence des fers forgés du balcon et les stucs sur les murs. Le raboteur de parquet est l'artisan qui taille, travaille et installe les parquets de bois.

Le peintre représente dans le tableau les différentes étapes de leurs travaux, le rabotage et le raclage du parquet. C'est un travail méticuleux et très physique. Les ouvriers sont musclés, torses-nus car ils ont chaud à cause de l'effort, tu peux même voir à droite une bouteille pour les désaltérer.

Une célébration du travail

Gustave Caillebotte a conscience de la pénibilité de leur travail, et le montre. Ils les représentent genoux, pliés par leurs tâches, dans un univers aux couleurs froides. Ici, il célèbre leurs endurances et leurs forces. Il souligne leurs musculatures avec une lumière rasante qui leur donne des allures des héros antiques.

Caillebotte montre leur solidarité à travers leurs gestes qui s'accordent. Le peintre donne à cette peinture un message cette composition, il invite le public à changer de regard sur ces travailleurs et à les considérer avec plus de respect.

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Gustave Caillebotte a peint Les Raboteurs de parquet en 1875. Bien que cette huile sur toile soit maintenant considérée comme l'un des chefs-d'œuvre du musée, elle a été refusée par les jurés de l'académie des Beaux-Arts qui ne souhaitaient pas le voir exposé lors du Salon de peinture et de sculpture en raison de son sujet.

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L’ouvrier artisan - Histoire analysée en images et œuvres d’art | https://histoire-image.org/

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Découvrez L’ouvrier artisan analysée par Fleur SIOUFFI au travers d’œuvres et d’images d’archive.

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Les Raboteurs de parquet est un tableau du peintre français Gustave Caillebotte réalisé en 1875. Cette peinture à l'huile sur toile est conservée au Musée d'Orsay, à Paris.

Une seconde version, d'une composition picturale très différente, est conservée au Danemark.

Ce tableau constitue une des premières représentations du prolétariat urbain. Si les paysans (depuis Des glaneuses de Jean-François Millet) ou les ouvriers des campagnes (depuis Les Casseurs de pierres de Gustave Courbet) ont souvent été montrés, les ouvriers de la ville ont très rarement fait l'objet de tableaux. Contrairement à Courbet ou Millet, Caillebotte, bourgeois aisé, n'introduit aucun discours social, moralisateur ou politique dans son œuvre. L'étude documentaire (gestes, outils, accessoires) le place parmi les réalistes les plus chevronnés.

Refusé par le jury du Salon officiel, le tableau obtient un grand succès à la deuxième exposition des peintres refusés de 1876.

À la mort du peintre, la toile est ajoutée par son frère Martial Caillebotte et Pierre-Auguste Renoir à la donation du peintre à l'État. Elle fait alors son entrée au musée du Louvre, puis à la Galerie nationale du Jeu de Paume avant de rejoindre le musée d'Orsay.

Le sujet est inspiré à Caillebotte par la réfection de son parquet rendue nécessaire par l'humidité de son domicile. Le sujet, jugé trivial par la critique de l'époque, fut comparé aux repasseuses et aux blanchisseuses de Degas. Arthur Baignières dira d'ailleurs : " Les Raboteurs de M. Caillebotte, pourtant hideux, ne valent pas Les Blanchisseuses de Degas ...". Plus tard, le critique Gustave Geffroy lui reconnaît " les qualités d'un observateur dans le modelé des torses et la vérité du mouvement... ".

La composition très photographique de l'œuvre (lignes fuyantes, cadrage déséquilibré, éclairage à contre-jour, perspective inhabituelle malgré son exactitude, donnant l'impression que le parquet est incliné et que les bras des raboteurs sont rallongés) est l'une des principales raisons de son rapide succès.

Le métier et l'ouvrage sont ici décrits avec précision : l'ouvrier de droite est le seul à travailler au rabot. Et il passe en premier pour raboter les joints de lames de parquet qui ont toujours tendance à se relever aux jointures. Le marteau lui appartient, il s'en sert pour régler son rabot avec des petits coups sur le cul de l'outil pour dégager les fers vers l'arrière quand les copeaux se bloquent dans la lumière de l'outil ; ainsi que des petits coups à l'arrière du fer et du contre-fer pour les amener à la position idéale. Les deux autres ouvriers travaillent au racloir, sorte de fer plat rectangulaire mais avec des droites légèrement arrondies ; la qualité du travail au racloir est liée à celle de son affutage. Pour cela les ouvriers se servent de l'affiloir. L'ouvrier de gauche est en train de s'en saisir de sa main droite et celui de l'ouvrier central est au premier plan devant lui. L'affiloir à section triangulaire, sert à rabattre les arètes du racloir pour y créer un morfil après le passage sur la pierre à affuter. C'est ce morfil qui attaque le bois. À l'inverse du raboteur qui pousse son outil vers l'avant, le racleur tire l'outil vers lui en lui donnant la bonne inclinaison d'attaque. Pour cela il tient fermement l'outil de ses deux mains et avec ses pouces placés à l'arrière donne une légère courbure au racloir. Le racleur passe après le raboteur pour racler la partie médiane des lames. C'est un travail très physique, ce qui explique les torses nus et la présence d'une bouteille de vin, supposée désaltérante. Caillebotte est un des rares peintres qui ont pensé à prendre comme sujet le monde des métiers manuels attachés à la grande ville.

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Bibliographie

Marie Berhaut, Gustave Caillebotte. Catalogue raisonné des peintures et des pastels, Paris, éd. Bibliothèque des arts, 1994

Liens externes

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Les Raboteurs de parquet est un tableau du peintre français Gustave Caillebotte réalisé en 1875. Cette peinture à l'huile sur toile est conservée au Musée d'Orsay, à Paris. Une seconde version, d'une composition picturale très différente, est conservée au Danemark. Ce tableau constitue une des premières représentations du prolétariat urbain.

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Rejetée par le jury du Salon de 1863, cette oeuvre est exposée par Manet sous le titre Le Bain au "Salon des Refusés" accordé cette année là par Napoléon III. Elle en constitua la principale attraction, objet de moqueries et source de scandale.

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Quèsaco - « Un enterrement à Ornans », Gustave Courbet (1849 - 1850)

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Le Bal du Moulin de la Galette.

H. : 131,5 cm

L. : 176,5 cm

huile sur toile. Etablissement de la Butte Montmartre à Paris. Tableau exposé à l'exposition du groupe impressionniste de 1877.

Le Moulin de la Galette ou la Matchiche.

Date de publication : Octobre 2009

Auteur : Nadine FATTOUH-MALVAUD

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Le Moulin de la Galette

Le moulin de la Galette qui donne son titre à ces deux toiles se situait sur la butte Montmartre (annexée à Paris en 1860), à côté du moulin qui existe encore aujourd'hui et auquel il doit son nom. De nombreux moulins à vent rythmaient la vie sur la Butte depuis le Moyen Age. Sorte de grand hangar, le moulin de la Galette était une de ces nombreuses guinguettes, qui prennent leur essor à mesure que se développent l'industrie du spectacle et l'ère des loisirs, et où l'on pouvait danser le dimanche, à partir de 15 heures et ce jusqu'à la nuit, en mangeant des galettes. L'ambiance joyeuse de liberté et de plaisir attirait alors la bohème et les artistes qui y trouvaient des modèles non professionnels, le menu peuple qui aimait s'y divertir, mais aussi des bourgeois venus s'encanailler.

Les deux toiles de Renoir et Van Dongen ont été peintes à trente ans d'intervalle, et l'ambiance est très différente de l'une à l'autre. Non que celle-ci ait fondamentalement changé, mais parce qu'elle est vue à travers deux sensibilités différentes.
L'œuvre de Renoir est la plus grande et la plus ambitieuse de sa période impressionniste. Elle s'inscrit, par son thème, dans la suite des guinguettes de bord de Seine peintes par l'artiste vers 1869 et témoigne comme celles-ci des recherches picturales dictées par la technique impressionniste.
Malgré le nombre important de personnages, la composition de Renoir est solidement construite autour d'une grande diagonale qui sépare l'arrière-plan du premier plan, l'espace de la danse de celui des jeunes buveurs (amis de l'artiste) attablés à droite.
Par ailleurs, la toile dégage une impression sensible de fraîcheur et de joie, obtenue par le jeu des couleurs claires et par les sourires qui animent les visages. Enfin, l'unité de l'ensemble est due à la mobilité de la lumière, distribuée en taches roses, jaunes et bleues sur les robes, les canotiers ou le sol. L'impression de " papillonnement " de la lumière qui en résulte reproduit les jeux lumineux observés en plein air.
Chez Van Dongen, on ne fait que deviner la foule. L'artiste préfère se concentrer sur deux couples au premier plan, qui font écho à ceux de Renoir. Mais leurs attitudes et leurs gestes sont plus éloquents, et le cadrage lui-même est plus parlant. L'impression de grâce et d'ardente naïveté qui imprègne l'œuvre de Renoir cède ici la place à des flirts plus affirmés. Ces bals populaires n'étaient-ils pas aussi l'occasion de rencontrer des prostituées ?
Dans l'une comme dans l'autre toile, les couleurs sont posées par touches libres, visibles, sensuelles ; toutefois, elles sont plus larges et plus empâtées chez Van Dongen, mais aussi plus vives, plus exaltées (les roses devenant rouges, et les bleus virant au noir), et elles correspondent parfaitement à l'esthétique fauve, dont il fut un grand représentant. Faut-il rappeler tout ce que le fauvisme doit aux recherches, entreprises au XIXe siècle (Chevreul, Delacroix, Monet, Renoir, Seurat, Signac...) sur la couleur ?

La toile de Renoir adopte délibérément un point de vue positif. Tout y contribue à exprimer la joie et la gaieté qui ont valu à l'artiste le titre de " peintre du bonheur ". C'est une atmosphère bon enfant qui l'emporte ici contrairement à la toile de Van Dongen. Chez ce dernier, l'ambiance est plus canaille, mais plus sensuelle également. Elle laisse entrevoir d'autres aspects de ces bals populaires (la prostitution, qui sous-entend la maladie, la misère...), aspects sur lesquels devaient également se pencher Toulouse-Lautrec ou Picasso.
Quelle qu'en soit l'approche, ces toiles chantent une époque révolue d'un Montmartre dont les bas loyers attirent les artistes et la bohème (Delacroix, Renoir, Berlioz, Nerval, Gautier...), mais aussi les lorettes faisant de la Butte un quartier tumultueux. De nombreux cabarets y ouvrent leur porte : La Cigale et la Fourmi, Le Chat noir, Le Lapin agile... Ces noms restent synonymes de l'heure de gloire de la Butte, avant que celle-ci ne soit éclipsée par Montparnasse.

Van Dongen, le peintre, 1877-1968 catalogue de l'exposition du musée national d'Art moderne, Paris-Musée, 1990.

Van Dongen et le fauvisme Lausanne-Paris, Bibliothèque des Arts, 1971.

Kees Van Dongen Rotterdam, Art Unlimited Books-Museums Boymans-Van Beuningen.

Jean-Emile BAYARD Montmartre, hier et aujourd'hui, Paris, Jouve et Cie Editeurs, 1925.

Jean-Paul CARACALLA, Montmartre, gens et légendes, Paris, Bordas 1995.

Nadine FATTOUH-MALVAUD, " Le Moulin de la Galette ", Histoire par l'image [en ligne], consulté le 19/12/2023. URL : histoire-image.org/etudes/moulin-galette

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Le Moulin de la Galette - Histoire analysée en images et œuvres d'art | https://histoire-image.org/

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Découvrez Le Moulin de la Galette analysée par Nadine FATTOUH-MALVAUD au travers d'œuvres et d'images d'archive.

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La Classe de danse par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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La Classe de danse par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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D'après Edouard Manet

Dimensions

H. : 208 cm ; L. : 264,5 cm

Lieu de conservation

France, Paris, musée d'Orsay

Glossaire

Salon : Au XVIIIe siècle les expositions des membres de l'Académie royale de peinture et de sculpture se tenaient dans le Salon carré du Louvre. Le terme " Salon " désigne par la suite toutes les expositions régulières organisées par l'Académie.

Composition : Manière de disposer des figures, des motifs ou des couleurs dans l'élaboration d'une œuvre.

Peinture d'histoire : Genre pictural majeur représentant des scènes inspirées de l'histoire, de la religion, de la mythologie ou de la littérature.

Scène de genre : Sujet de peinture qui présente la vie quotidienne en famille et en société.

Nature morte : Représentation d'objets, de végétaux, de nourriture ou d'animaux sans vie.

Empâtement : Relief obtenu par l'application d'une épaisse couche de peinture.

Perspective : Technique qui permet de représenter l'espace et les objets avec de la profondeur et des volumes sur une surface plane pour donner l'illusion de la troisième dimension.

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Le Déjeuner sur l'herbe par - œuvre d'art analysée en images | Panorama de l'art

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Dimensions H. : 208 cm ; L. : 264,5 cm Lieu de conservation France, Paris, musée d'Orsay Glossaire Salon : Au XVIIIe siècle les expositions des membres de l'Académie royale de peinture et de sculpture se tenaient dans le Salon carré du Louvre.

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Quèsaco - « Le déjeuner sur l’herbe », Edouard Manet (1863)

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« Un enterrement à Ornans » de Gustave Courbet

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Ce tableau de Gustave Courbet représente un enterrement à Ornans. C’est un événement à priori plutôt b…

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Ce tableau est tellement réaliste qu’on dirait une photo ! On y voit deux paysans du XIXe siècle en pleine prière&nbs…

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Coquelicots par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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Coquelicots par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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Le Chevalet du bac : Coquelicots de Monet (L' Histoire de l'art s'invite chez vous)

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Peindre le travail ouvrier - Histoire analysée en images et œuvres d’art | https://histoire-image.org/

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Découvrez Peindre le travail ouvrier analysée par Pierre SESMAT au travers d’œuvres et d’images d’archive.

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La Nuit étoilée par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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La Nuit étoilée par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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« C’est une belle nuit », «... comme si la mer était dans le ciel... comme si on était dans un conte de f&eacut…

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Analyse : le portrait de l’artiste de Vincent Van Gogh - Museum TV

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Museum TV vous propose de revenir sur le « portrait de l’artiste », un chef d’oeuvre de Vincent Van Gogh !

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Retrouvez en vidéo la vie de l'artiste ainsi que l'une de ses oeuvres décryptée.
Qui est Vincent Van Gogh ?

Vincent Van Gogh fait partie des peintres, comme Pablo Picasso ou Léonard de Vinci, dont le nom est célèbre dans le monde entier. Tous nous connaissons l'anecdote de son oreille coupée, nous croyons savoir qu'il s'est suicidé, et que ses tournesols, ses Iris et ses paysages atteignent des records d'enchères.

Pourtant c'est la lecture des lettres qu'il écrivit à son Frère Théo qui nous révèle le Van Gogh intime : Vincent. Torturé, désespérément seul, pauvre toute sa vie, méprisé par le milieu de l'art de son époque, elles décrivent le long calvaire d'un homme qui n'aura connu que l'angoisse et le rejet.

Fils de pasteur, Vincent nait en Hollande en 1853. Il travaille d'abord comme marchand d'art pour l'un de ses oncles, à La Haye, Bruxelles et Londres. Habité d'une foi ardente, il tente ensuite de vivre sa vocation évangélique. Les autorités ecclésiastiques le désavouent en 1879 pour excès de zèle.

Commence alors la vie que nous lui connaissons, où la peinture accompagne une errance qui le mènera jusqu'à l'internement dans un asile psychiatrique du sud de la France.

À son arrivée à Paris en 1886, il fréquente les peintres impressionnistes et découvre avec stupéfaction les aplats unis et les couleurs pastels des estampes japonaises. Sa recherche frénétique d'une maîtrise nouvelle des accords de couleurs l'attire deux ans plus tard sous d'autres cieux, plus resplendissants : il part s'installer à Arles.

La lumière du Midi le libère alors définitivement des marrons et des tons sombres de sa première période. Commencent à se déployer ses jaunes resplendissants, ses bleus turquoise, ses verts prairie.

Il fait grand soleil. Mais il est malheureux. Son amitié avec Paul Gauguin, qui le rejoint un moment dans le sud, tourne au pugilat, sa vie amoureuse est un échec, son frère Théo ne parvient à vendre aucun de ses tableaux.

Après quelques années de misère et de solitude, épuisé émotionnellement, il demande lui-même à être interné à l'asile psychiatrique de Saint-Rémy de Provence. Il y réalise plusieurs autoportraits, dont l'un de ses plus célèbres, où la touche ondulante du fond contraste avec la posture statique du modèle. Presque entièrement d'un bleu peut-être vert, d'une vibration électrique, la toile est incendiée par la barbe, ocre rousse, les sourcils et les cheveux de Vincent, ocre jaune, qui mettent en avant ses yeux quasiment sculptés dans la pâte, émeraude.

À sa sortie de l'asile, il trouve refuge un temps auprès du docteur Gachet, qui essaiera de l'aider, mais malheureusement les deux hommes se brouillent.

Auteur de quarante-trois autoportraits, Vincent Van Gogh aura cherché toute sa vie un miroir dans la peinture. Le 27 janvier 1890, au milieu d'un champ de blé, sous le vol des corbeaux qu'il venait de peindre, il se tire une balle en pleine poitrine. Il meurt deux jours plus tard dans un quasi anonymat.

Autoportrait

Tableau de Vincent van Gogh
Iconographie
Titre : Autoportrait

Artiste : Vincent van Gogh

Datation : septembre 1889

Lieu d'exposition : Musée d'Orsay (depuis 1986)

Supports : Canevas, Peinture à l'huile

Réalisateur : Valentine Dubois

Nom de l'auteur : Mark Molk

Producteur : Corner Prod, France Télévisions

Année de copyright : 2017

Année de production : 2017

Publié le 16/05/18

Modifié le 27/03/23

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Vincent Van Gogh : un incendie de couleurs

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Retrouvez en vidéo la vie de l'artiste ainsi que l'une de ses oeuvres décryptée.Qui est Vincent Van Gogh ?Vincent Van...