# data[].attributes.headline
Espacios y obras que llamaron mi atención

# data[].attributes.subject
Espacios y obras que llamaron mi atención

# data[].attributes.body
Collage hecho a partir de capturas tomadas a lo largo de la exposición.

# data[].attributes.body
Fecha de visita: 16 de mayo de 2021
Visita virtual "Exposición retrospectiva: Beatriz González":
https://mpembed.com/show/?m=gbpoBm1rQa7&mpu=599
El MAMU está ubicado en Bogotá- Colombia, el edificio en el que está ubicado se inauguró en el año 2004 y fue diseñado por el arquitecto bogotano Enrique Triana Uribe. En este museo podemos encontrar obras representativas del arte colombiano e internacional. En este museo se realizan tanto exposiciones nacionales como internacionales. El museo cuenta con áreas para el desarrollo de actividades educativas, un auditorio y una sala de proyectos denominada El Parqueadero, utilizado como un espacio de experimentación para prácticas artísticas contemporáneas.
Bibliografía
https://www.banrepcultural.org/bogota/museo-de-arte#acerca-de

# data[].attributes.body
Artist: Catherine Opie
b. 1961, Sandusky, Ohio
Title: Self-Portrait/Pervert
Date: 1994
Medium: Chromogenic print
Dimensions: 40 inches x 29 7/8 inches (101.6 x 75.9 cm)
Credit Line: Solomon R. Guggenheim Museum, New York Purchased with funds contributed by the Photography Committee, 2003
Línea: En esta fotografía podemos encontrar lineas organicas ya queue es un autorretrato y estamos observando un cuerpo humano.
Color: En esta fotografí predominan los colores frías ya que encontramos gran participación del color negro, sin embargo en las heridas del pecho resalta el color rojo el cual es cálido.
Forma: Podemos observar un tringulo implicito que engloba el cuerpo de la modelo.
Luz y sombra: Se puede identificar como se usa la luz para crear un enfoque en la mujer quien parece ser apuntada por una luz.
Balance/simetría/énfasis: Podemos identificar el enfasís de la fotografía en la mujer pero más especificamente en la herida que parece una escarificación, la obra parece simetrica sin embargo por algunos detalles  como el tatuaje y la piercing podemos decir que el lado izquiero tiene un poco más de peso.
Patrón: podemos observar un patrón en la cortina del fondo.

Opinión personal: La fotografía es muy fuerte a primera vista, sin embargo al investigar más sobre ella notamos la intención de la artista de plasmar la identidad de la comunidad queer y al ser un autorretrato tambien se incluye en esta comunidad.
En un primer momento quería adjuntar la imagen de la obra, sin embargo, las politicas de padlet son muy sensibles con su contenido y recibí un correo de advertencia, por lo cual dejaré el enlace de la obra para que el lector pueda verla directamente en la pagina oficial del museo.
https://www.guggenheim.org/artwork/12201

# data[].attributes.body
El museo Guggenheim es diferente a cualquiera que haya visitado en mi vida, empezando por su diversa colección en la cual encontramos esculturas, videos, fotografías y pinturas. La colección del  Guggenheim empieza desde su edificio el cual es toda una obra de arte, una apuesta intrépida para un museo pero que atrae la atención del visitante desde el primer momento. El edificio se construyó pensando en que el visitante recorriera el edificio desde la planta superior descendiendo planta por planta por una gran espiral, las obras están ubicadas en los pasillos de la espiral y los colores predominantes en el edificio son el blanco el gris, estos colores permiten centrar la atención en las obras. En las anteriores visitas predominaba la colección de pinturas, sin embargo, en este museo tenemos variedad de estilos artísticos, lo cual fue una experiencia interesante ya que permite ver el arte desde distintas perspectivas y recordar que cualquier forma de expresión puede ser arte. Entre las obras que vi llamaron especialmente mi atención las esculturas y los vídeos, a pesar de eso al investigar un poco más sobre el museo mi atención se centró especialmente en el edificio y la forma en que están expuestas las obras, en los museos convencionales empezamos a recorrer el museo por todos los salones y habitaciones, y luego debemos regresar por nuestros pasos para encontrar la salida, pero en este museo todo es diferente, el recorrido está planeado para que al entrar vayamos directamente al ascensor que nos lleva a la planta superior, desde ahí podemos continuar nuestro camino pasando por todas las plantas hasta llegar nuevamente al inicio de nuestro recorrido y si observamos hacia arriba nos encontramos como final del recorrido una hermosa claraboya que ilumina todo el lugar.
Imagen tomada de:
https://www.guiaturisticanuevayork.com/museo-guggenheim.html

# data[].attributes.body
Recopilación de capturas tomadas a lo largo del recorrido.

# data[].attributes.body
Fecha de visita: 14 de mayo de 2021
Visita virtual: https://artsandculture.google.com/partner/solomon-r-guggenheim-museum
El Museo Solomon R. Guggenheim que suele ser llamado El Guggenheim  fue el primer museo creado por la la Fundación Solomon R. Guggenheim, la cual se dedica al arte moderno. Fue fundado en el año 1937 y está ubicado en el número 1071 de la Quinta Avenida y la esquina de la calle 89 en el vecindario Upper East Side de Manhattan, Nueva York. En este museo podemos encontrar obras impresionistas, post-impresionistas,  arte moderno temprano y arte contemporáneo, a su vez también se organizan exposiciones temporales a lo largo del año. El museo se ubica en un edificio cilindrico diseñado por Frank Lloyd Wright, una construcción representativa de la arquitectura del siglo XX que en el año 2019  fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Solomon_R._Guggenheim
Bibliografía:

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/museo-guggenheim-de-nueva-york/

# data[].attributes.body
Capturas tomadas a lo largo del recorrido.

# data[].attributes.body
Título: Frida y la cesárea (inconcluso)
Fecha: 1931
painter: Frida Kahlo
original title: Frida Kahlo y la cesárea (inconcluso)
description: Self-portrait
Dimensiones físicas: w620 x h730 mm (without frame)
Tipo: Painting
Enlace externo: http://www.museofridakahlo.org.mx/EluniversointimoINGLES.html
Derechos: Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust
Técnica artística: Oil on canvas
Línea: En esta obra podemos encontrar tanto líneas orgánicas como inorgánicas, las líneas orgánicas se encuentran en los bordes de las personas representadas en la obra y las líneas inorgánicas se encuentran en artefactos como la cama y recipientes de laboratorio.
Color: Podemos distinguir que predominan colores cálidos como el rojo, amarillo, naranja y café, la paleta de colores le agrega dramatismo a la obra.
Forma: Se utilizan formas geometricas en la parte inferior de la cama y en los recipientes.
Textura: Se pueden identificar algunas texturas como la de la cama, la piel de la mujer y el niño, sin embargo imagino que faltan texturas que la artista habría querido mostrar pero la pintura está inconclusa,
Luz y sombra: Se puede identificar como se usa la luz para crear un enfoque en la mujer (Frida) y hacer que los objetos del fondo pierdan protagonismo y queden subordinados a la escena principal que es Frida y el feto en la cama.
Balance/simetría/énfasis: Siento que el lado derecho de la obra parece tener más peso quitándole balance, pero eso podría deberse a que la pintura no está terminada. La pintura no es simétrica y tiene un énfasis en la mujer en la cama.
Proporción y escala: Algunos objetos como los recipientes y la cabeza del lado derecho de la mujer están desproporcionados ya que poseen un tamaño mayor en comparación a los otros elementos de escenario.

Opinión personal: Hablar de la obra de Frida es hablar de su propia vida, ella mencionó en vida que siempre basó su arte en su realidad y en este caso podemos notar el profundo dolor que ella sintió al nunca poder ser madre. La escena representada es muy fuerte a la vista ya que encontramos una situación grafica donde hay sangre y un feto, esta situación está inspirada en el primer aborto que sufrió Frida a lo largo de su vida, lo cual le causó gran dolor y quisó expresarlo en esta pintura.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Frida and the Cesarean is an unfinished artwork that includes many of the themes that obsessed the painter, such as maternity, which was something she couldn't accomplish in her life. This work was created after her first abortion, after three months of pregnancy. Painting for Frida was like a physical and allegorical release of her sick condition and her constant passing by hospitals. She could transform pain into expression, as it is clear in this unfinished painting.

Explore museums and play with Art Transfer, Pocket Galleries, Art Selfie, and more

Recommended

# data[].attributes.attachment_link.title
Frida and the Cesarean (unfinished) - Frida Kahlo - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida and the Cesarean is an unfinished artwork that includes many of the themes that obsessed the painter, such as maternity, which was something she couldn't accomplish in her life. This work was created after her first abortion, after three months of pregnancy.

# data[].attributes.body
Estoy muy fascinada con la historia de Frida y como plasmó toda su vida en el arte. Debo admitir que antes no tenía conocimiento de Frida Kahlo más allá de que era una importante artista mexicana, pero en realidad no conocía mucho de su vida y obra, sin embargo, la visita al museo me llevó a investigar más sobre Frida, ya que para entender su obra es importante saber lo que sucedía en su vida, por el carácter biográfico de su arte. Las adversidades que Frida tuvo que afrontar desde muy pequeña, empezando por sus problemas de salud que empeoraron a lo largo de los años, su sueño frustrado de ser madre, una constante búsqueda de su identidad, su matrimonio el cual estuvo envuelto en infidelidades, considero que Frida fue muy valiente al afrontar las adversidades y canalizar todo el sufrimiento en arte logrando obras que fueron admiradas por grandes artistas e intelectuales de la época y que actualmente hacen de ella una de las artistas latinoamericanas más importantes del mundo.

# data[].attributes.body
La casa azul es un museo dedicado a Frida Kahlo, es un museo fuera de lo común ya que la obra está ubicada en la casa en la que creció y vivió la artista la mayor parte de su vida. Como su nombre lo dice el museo es una casa azul, desde el inicio nos encontramos con este azul vibrante que será solo el inicio de un recorrido lleno de color y cultura mexicana. En la casa vivió Frida con su familia y luego con su esposo Diego Rivera. Al iniciar el recorrido nos encontramos con los corsés y algunas herramientas que usó Frida debido a sus múltiples problemas de salud, luego encontramos los vestidos y accesorios que usaba Frida los cuales son muy tradicionales de México debido a que tanto Frida como su esposo estaban fascinados por la cultura, en este pasillo tenemos paredes de un color similar al verde oscuro y pisos de colores  no muy llamativos, la disposición nos ayuda a centrar nuestra total atención en la exposición. Al continuar el recorrido nos encontramos con las diversas habitaciones de la casa en las que encontramos obras de la artista, estás habitaciones son diferentes al pasillo inicial porque ahora nos encontramos con paredes blancas y pisos de un amarillo muy llamativo, que le da ese toque de vida y color a las habitaciones. El recorrido nos lleva hasta el estudio de Frida el cual esta lleno de las herramientas que utilizaba para pintar, también podemos encontrar muebles de madera y  su colección de lectura. La sala principal de la casa tiene una gran mesa casi en el centro y muebles dispuestos en las paredes pintados de un amarillo muy similar al del piso, en estos muebles encontramos platos, jarrones y figuras muy tradicionales. Para finalizar el recorrido me gustaría hablar de un lugar que llamó especialmente mi atención y ese lugar es la cocina, la cual tiene muebles de color amarillo, una mesita amarilla en el centro, dibujos en la pared, y una colección de vajilla tradicional, pero un detalle que llamó mi atención fue la estufa de leña, me recordó a mi abuelita que aunque tenía su estufa de gas prefería cocinar en la estufa de leña porque allí la comida quedaría más rica y creo que tal vez Frida tendría un pensamiento similar, ya que mientras investigaba encontré que cuando ella vivía ya se usaban estufas de gas pero ella mantuvo su estufa de leña. Quedé muy fascinada con el museo, la obra y la vida de Frida Kahlo, creo que el hecho de que podamos entrar a su casa y ver su obra desde allí hace que el artista se sienta más humano y podamos crear una conexión mayor con su arte,

# data[].attributes.body
El primer lugar que visité fue el jardín, es un lugar hermoso, está lleno de naturaleza lo cual hace que transmita un sentimiento de paz y tranquilidad. Al entrar pude notar que por la forma en que está construida la casa tiene un aire muy colonial ya que está construida en torno al gran jardín, cosa que era muy común en las construcciones de esta época y que se ha mantenido en la casa de Frida a pesar de que la misma ha pasado por algunas remodelaciones. Algo que llamó mi especial atención fue una pirámide, la cual en sus diferentes niveles tiene estatuas precolombinas, estás estatuas también se pueden encontrar en otras partes del jardín y dentro de la casa, ya que Frida y su esposo eran amantes de la cultura mexicana. Por último, quisiera resaltar la hermosa combinación que resulta del vibrante tono azul de las paredes con el verde de la naturaleza, hace que el espacio se sienta abierto, te hace querer estar allá respirando el aire puro y paseando alrededor del jardín.

# data[].attributes.body
Fecha de visita: 28 de abril del 2021
Visita virtual:
https://artsandculture.google.com/partner/museo-frida-kahlo
También llamado "La casa azul", el museo está ubicado en Ciudad de México. Este museo es el lugar en el que vivió la artista mexicana Frida Kahlo. El interior de la casa se ha mantenido prácticamente intacto, aun mantiene la esencia de color, arte y cultura mexica que Frida y su esposo le dieron a su hogar. La casa se convirtió en museo cuatro años después de la muerte de Frida y desde entonces se ha convertido en uno de los lugares turísticos y culturales más importantes de Ciudad de México. Frida Kahlo se inspiró en su propia vida para crear sus obras, se dice que sus obras prácticamente podrían considerarse biográficas, y aunque en algún momento se quiso clasificar su obra como surrealista, ella expresó que no considera que sus pinturas se basen en sueños, ella hizo sus pinturas pensando en las situaciones que vivió a lo largo de su vida.
Bibliografía e imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Frida_Kahlo

# data[].attributes.body
Título: Julie Manet
Fecha de creación: 1887
Provenance: Acquired in 1999
Painter: Auguste Renoir
Original Title: Julie Manet, dit aussi l'Enfant au chat
Dimensiones físicas: w540 x h650 mm
Credit Line: © Musée d'Orsay, dist.RMN / Patrice Schmidt
Alternate Title: Child with cat
Tipo: Oil on canvas
Enlace externo: http://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in-focus/search/commentaire_id/julie-manet-10652.html?tx_commentaire_pi1%5BpidLi%5D=509&tx_commentaire_pi1%5Bfrom%5D=841&cHash=bd914f9a0e
Derechos: © Musée d'Orsay, dist.RMN / Patrice Schmidt

Línea: Las líneas que se observan en la pintura son en su mayoría organicas ya que estamos ante la figura de una niña sentada en sofá sosteniendo un gato. Se puede observar el uso de algunas líneas inorganicas en el fondo para crear ka sombra un marco y el borde del sofá.
Color: Podemos observar el uso de colores calidos que resaltan la delizadeza y ternura de la escena.
Forma: No se puden observar formas explicitas en la pintura más allá de algunos rectangulos en el fondo creados por la pared y un cudro, sin embargo, puedo identificar un triangulo implicito que rodea a la niña.
Espacio: Se puede observar la ilsión de profundidad en la forma en que la niña sostiene al gato ya que el gato está tras su mano y con el uso de las luces y las sombras permite dar la ilusión de tridimensionalidad.
Textura: Es posible identificar las texturas en la pintura ya que el uso de trazos gruesos junto con las sombras y las luces logran recrear las texturas de la realidad, cono ejemplo principal podría mencionar al gato el cual parece tener una textura muy suave.
Luz y sombra: La pintura está muy iluminada ya que se usan muchos colores claros, sin embargo las sombras usadas en puntos especificos ayudan a crear las texturas y la sensación de tercera dimensión.
Balance/simetría/énfasis: La pintura es asimetrica, sin embargo podemos notar un balance entre todos los elementos que componen la obra. Podemos identificar que el enfasis de la obra se encuentra en la niña con el gato, los cuales se encuentran ubicados justo en el centro de la obra.
Proporción y escala: Los elemento de la obra se encuentran proporcionados, nada es más grande o pequeño de lo común.

Patróny unidad: Podemos observar un patrón en la pared del fondo que parece ser papel tapiz. Todos los elementos de la obra encajan entre sí lo cual logra la sensación de unidad y transmite un sentimiento de paz y tranquilidad.

Opinión personal: Escogí esta obra ya que tengo un cariño especial hacia los gatos y la obra me transmitió un sentimiento de paz y tranquilidad, la elección de colores y el escenario le da a la obra delicadeza. Algo que llamó mi atención fue la expresión del gato el cual parece estar muy cómodo y feliz, y a su vez transmite estas emociones al verlo. Al investigar un poco sobre la obra encontré que es un retrato de Julie Manet quien luego se convertiría en pintora, modelo, diarista y coleccionista de arte. Por útimo, realizando mi investigación encontré una cita muy ineteresante del autor de la obra la cuál dejaré al final.
“El arte debe ser bonito. Sí, bonito. Hay cosas bastante desagradables en el mundo, ¿por qué crear otras? ​”-Pierre-Auguste Renoir.

Bibliografía
https://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/busqueda/commentaire_id/julie-manet-9742.html?no_cache=1&cHash=942f6159d1
https://historia-arte.com/obras/julie-manet-y-un-gato

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Berthe Morisot and her husband Eugène Manet, brother of the painter, had known Renoir for many years. Their relationship became much closer in the second half of the 1880s. The Manets' admiration for the painter's talent, and their friendship for the man, convinced them, in 1887, to commission a portrait of their daughter Julie.

There were at least four preparatory drawings for the painting. Making few changes in the model's pose, but changing from the more frontal presentation he had once considered, Renoir quickly decided on the final composition. Julie, later Madame Ernest Rouart (1878-1966), remembered the sittings. Renoir painted this portrait, she said, "in small sections, which was not his usual way of working. I thought it was a good resemblance, but when Degas saw it he complained: "by doing round faces, Renoir produces flower pots".

It has to be said that this development in Renoir's style, characterised by a new attention to line and drawing, and using vivid colours, upset a number of his close friends. Berthe Morisot, on the other hand, particularly liked the work of Renoir's "Ingresque" period. Julie Manet's portrait is a magnificent example of Renoir's research at that time, especially for its refined finish and enamel-like surface. But the painting is also successful in the sensitivity and affection that the painter brings to his young model.

# data[].attributes.attachment_link.title
Julie Manet - Auguste Renoir - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Berthe Morisot and her husband Eugène Manet, brother of the painter, had known Renoir for many years. Their relationship became much closer in the second half of the 1880s. The Manets' admiration for the painter's talent, and their friendship for the man, convinced them, in 1887, to commission a portrait of their daughter Julie.

# data[].attributes.body
Como mencioné en la descripción del museo, a lo largo del recorrido  encontré muchas obras que llamaron mi atención y me ayudaron a definir un gusto personal por las obras realistas e impresionistas, por ello decidí hacer una recopilación de aquellas obras.
- Berthe Morisot With a Bouquet of Violets

- Gleaners

- The Dream

- The Angelus

- A Burial at Ornans

- The Ballet Class

- Young Girls at the Piano

- Romans during the Decadence

- Calling in the Gleaners
- The Wheel of Fortune
- Pilgrims going to Mecca
- Ballet Rehearsal on Stage
- The Etretat Cliffs after the Storm
- Ploughing in Nevers

- Portrait of the Marquis and Marchioness of Miramon and their children

- A Studio at Les Batignolles

# data[].attributes.body
He aquí una recopilación de capturas que tomé a lo largo del recorrido.

# data[].attributes.body
El museo d’Orsay genera la mejor primera impresión, el recorrido inicia por la antigua estación de tren en todo su esplendor, una sala abierta con un techo muy alto con patrones perfectamente logrados, de fondo el gran reloj y lamparas que iluminan el lugar pero no le quitan el protagonismo a un construcción tan detallada. La paleta de colores que se puede observar son tonos tierra y blancos. Justo al iniciar nos encontramos con la escultura Las cuatro partes del mundo, luego al continuar el recorrido podemos encontramos con diversas esculturas, creo que la idea de que en esta sala se encuentren en su mayoría esculturas hace que el espacio en el que nos encontramos no pierda del todo el protagonismo, esta sala parece perfectamente organizada para que podamos admirar las esculturas y a su vez admirar la imponente construcción que estamos visitando. El recorrido continua con las salas en las que encontramos las pinturas y algunas esculturas, al entrar a las salas me llevé una sorpresa porque el cambio en los colores me hizo sentir que estaba en un lugar totalmente diferente ya que las salas no tienen tantos detalles, más bien son salas simples con paredes de color azul oscuro y pisos de madera oscura; al principio está sensación de cambio repentino me pareció extraña pero mientras mas seguía con el recorrido más me convencía de que la elección de colores de las salas fue perfecta porque permite que centremos nuestra atención en las obras y crea un contraste muy interesante entre la pared y los marcos dorados de la mayoría de las pinturas. Hablar de cada una de las pinturas que llamaron mi atención sería complicado porque realmente fueron muchas ya que en el recorrido he descubierto una especial fascinación por el arte realista e impresionista, la cantidad de detalles que poseen estas pinturas y la forma en que el artista logra recrear las texturas de la realidad es simplemente impresionante. La visita virtual a este museo me permitió centrar mis gustos en pintura ya que realmente nunca antes había pensado en mi estilo de pintura favorito y creo que ahora lo he descubierto. Este museo me impresionó desde el principio del recorrido, me encantaría conocerlo algún día y apreciar personalmente toda su colección.
Imagen tomada de:
https://www.boutiquesdemusees.fr/en/shop/museum/musee-orsay/

# data[].attributes.body
Fecha de visita: 26 de abril de 2021
Visita virtual: https://artsandculture.google.com/partner/musee-dorsay-paris?col=RGB_151515
El museo d’Orsay está ubicado en París, Francia y es uno de los museos más grandes de Europa. El edificio en el que se encuentra ubicado el museo fue originalmente una estación de tren llamada Gare d'Orsay la cual fue contruida para la Exposicón universal del año 1900. En la colección del museo podemos evidenciar diversas disciplinas que incluyen escultura, artes gráficas, arquitectura, pintura y fotografía. En el museo podemos encontrar una amplia colección de arte principalmente francés de los años 1848 hasta 1914.
Entre sus obras más importantes podemos encontrar pinturas como La habitación de Van Gogh, Las espigadoras de Millet, El almuerzo sobre la hierba de  Claude Monet y Édouard Manet, Los cepilladores de parqué de Gustave Caillebotte, entre otras.
Imagen tomada de:
https://en.wikipedia.org/wiki/Mus%C3%A9e_d%27Orsay
Bibliografía
https://www.britannica.com/topic/Musee-dOrsay  https://aforsay.org/musee-dorsay/#:~:text=History,room%20adjacent%20Hotel%20d'Orsay.
https://www.boutiquesdemusees.fr/en/shop/museum/musee-orsay/

# data[].attributes.body
José Solana (José Gutiérrez Solana) Madrid, España, 1886 - 1945
Fecha:  1930
Técnica:  Óleo sobre lienzo
Dimensiones:  210 x 123 cm
Categoría:  Pintura
Año de ingreso:  1988
Observaciones:  Año de ingreso: 1988 (procedente de la ordenación de fondos del Museo Español de Arte Contemporáneo, MEAC)
Nº de registro:  AS00871
Expuesto en: Sala 206.07

Línea: En esta obra podemos observar el uso de líneas tanto orgánicas como inorgánicas, la mayoría de las líneas son orgánicas ya que tenemos diferentes personajes, sin embargo podemos notar las líneas inorgánicas en la construcción del esqueleto y en el fondo de la obra.
Forma: Se pude notar un triangulo implícito que ocupa casi toda la obra y se puede ver el uso de formas geométricas para crear las construcciones del fondo.
Color: Se puede identificar el uso de colores fríos pero saturados lo cual hace que la obra en general tenga un aspecto sombrío.
Espacio: Se puede notar el uso de la perspectiva lineal ya que los personajes del fondo son más pequeños lo que implica profundidad y lejanía, además podemos notar la perspectiva atmosférica en la medida en que los personajes van perdiendo el detalle dependiendo de la lejanía a la que se encuentren.
Textura: En general los materiales de la obra parecen tener una textura lisa, sin embargo llamó mi atención la forma en que el artista logra crear la textura de tela, vidrio y metal por medio del uso de luces, sombras y colores.
Luz y sombra: Aunque la obra en general parece llena de sombras, se pueden distinguir el uso de la luz para crear texturas y también para dar la sensación de iluminación en los rostros cercanos a las lámparas.
Balance/simetría/énfasis: La obra en realidad no es simétrica, in embargo se puede notar un balance entre sus componentes, aunque cada mitad de la obra no es igual, no hay un lado que parezca tener más peso que otro. Parece que  se le da un énfasis al esqueleto que ocupa gran parte de la obra.
Proporción y escala: T los personajes están proporcionados, sin embargo se puede distinguir que al tener la atención el esqueleto es un poco más grande que el resto de resto de personajes en la obra.
Movimiento: La disposición de los personajes del fondo genera la sensación de movimiento como en un desfile/procesión.
Opinión personal: La obra me parece muy impactante ya que se pueden ver esqueletos y calaveras, me genera interés pero a la vez miedo por su aspecto macabro y sombrío. Es interesante saber que el tema de la parca y la muerte es recurrente en las obras del artista ya que él quería que las personas pudieras sentir que la muerte es un acontecimiento imposible de evitar, que el tiempo es corto y pasa rápido.

Bibliografía: https://www.museoreinasofia.es/en/collection/artwork/procesion-muerte-procession-death / https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/1166136.procesion-de-la-muerte-de-jose-solana.html

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The macabre Solana, fascinated by the Grim Reaper and the irreversible effects of his visit, is best represented by La procesión de la muerte (Procession of Death). On the subject of these paintings, Emiliano M. Aguilera, a scholar of the painter's work, claims that José Gutiérrez Solana is showing an influence of the macabre scenes of Brueghel the Elder, Holbein the Younger and Dürer ( Ritter, Tod und Teufel [Knight, Death and the Devil]). But it should be noted that the main homage being paid here by Solana is to a specific and equally macabre Spanish tradition particularly embodied by Valdés Leal's vanitas. The imposing baroque compositions, created to remind the viewer that time is fleeting - tempus fugit- and death is imminent, are reborn in compositions like this striking procession or other similar works by the painter: La guerra (The War, 1920), El espejo de la muerte (The Mirror of Death, circa 1929) and El osario (The Ossuary, 1931), one of the strangest iconographic contributions he made.
The attraction that this kind of scene held for Solana is clearly shown by a story in his España negra (Black Spain), recounting how in Valladolid's National Sculpture Museum he came across a skeleton carved by the sculptor Gaspar Becerra, its fleshless bones covered with worms.

Paloma Esteban Leal

# data[].attributes.attachment_link.title
José Solana (José Gutiérrez Solana) - Procesión de la muerte (Procession of Death)

# data[].attributes.attachment_link.description
The macabre Solana, fascinated by the Grim Reaper and the irreversible effects of his visit, is best represented by La procesión de la muerte (Procession of Death). On the subject of these paintings, Emiliano M.

# data[].attributes.body
El palacio de Velázquez llamó mucho mi atención ya que su disposición es algo diferente a la de los dos lugares visitados anteriormente, mantiene el uso del blanco en las paredes, sin embargo justo al iniciar el recorrido nos encontramos con una pared focal  con una cuadricula, al continuar con el recorrido pude encontrarme con una sala que llamó especialmente mi atención, en esta sala resaltan dos grandes cuadros en las paredes, un comedor cubierto por un mantel con bordados de las banderas del mundo, y por ultimo una pared en la que están escritos 6 colores junto a palabras que parecen ser aquellas palabras que relacionamos con dicho color. Por último visité la sala principal del palacio en la cual se encontraban diversas obras y esculturas repartidas en diferentes lugares de ese gran salón.

# data[].attributes.body
Collage hecho con diferentes capturas hechas por mi a lo largo del recorrido. Imagen de fondo tomada de https://www.65ymas.com/sociedad/cultura/8-cuadros-imprescindibles-museo-reina-sofia_11337_102.html

# data[].attributes.body
Al empezar el recorrido por el museo pude notar que la disposición del lugar hace que centremos nuestra atención en las obras, las paredes son blancas y los pisos en tonos grises lo cual hace que las protagonistas sean las obras. En la primera sala que visité se encontraban algunas obras en la pared pero especialmente llamó mi atención una escultura de un oso que se encontraba en el piso, luego pude observar las obras y continué mi recorrido pasando sala por sala observando las obras y también regresando a la pagina principal para observar algunas detenidamente, las diferentes salas tienen una disposición similar con algunas obras en la pared y unas cuantas esculturas ubicadas estratégicamente. Una de las exposiciones que más llamó mi atención fue la exposición dedicada a la guerra civil española ya que en las fotos podemos observar la situación por la que tuvo que pasar España y que al día de hoy es un importante acontecimiento histórico que tuvo especial repercusión en la historia de España.

# data[].attributes.body
El primer lugar que decidí explorar fue el palacio de cristal, fue un decisión guiada por esa ilusión de mi niña interior que siempre ha relacionado la palabra palacio con un gran lugar que se siente casi mágico. Tenía altas expectativas y este lugar cumplió con cada una de ellas, es un lugar hermoso, el edificio esta hecho de cristal, hierro y ladrillo, se puede observar un patrón en la construcción, lo cual a su vez transmite un sentimiento de paz y armonía; las columnas que sostienen el castillo están hechas de piedra y se puede observar patrones detallados en cada una de ellas. En el lado derecho del palacio pude observar una escultura hecha de canecas, tazones, y tapas de plástico que llega casi hasta el techo. También pude observar que cerca al palacio se encuentra un gran lago que podemos observar a través de los cristales. El palacio alimentó la ilusión de mi niña interior y debo decir que el lugar se sintió salido de un cuento de hadas, es hermoso y me emociona poder visitarlo personalmente algún día.
Imagen tomada de https://www.trip.com/travel-guide/madrid/palacio-de-cristal-13640914/

# data[].attributes.body
Fecha de visita: 21 de abril del 2021
Visita virtual: https://artsandculture.google.com/partner/museo-reina-sofia
El museo Reina Sofia se encuentra ubicado en Museo Reina Sofia Madrid, España y hace parte de los museos de arte moderno y contemporáneo más grandes del mundo.. Fue creado originalmente como un centro de arte como culminación de la transición de España hacia la democracia y luego en el año 1990 se convirtió en Museo Nacional. En este museo podemos encontrar obras como el cuadro Guernica de Pablo Picasso, The Great Masturbator de Salvador Dalí y exposiciones nacionales e internacionales, sin embargo, el museo está enfocado principalmente en el arte español.
Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_Centro_de_Arte_Reina_Sof%C3%ADa