# data[].attributes.body
A partir de la lectura y la reflexión del padlet anterior, se vuelve evidente como el concepto de la creatividad se mueve en todos los casos, pero que sobre todo funge como un agente transformador, como facilitador de la ruptura y de la creación de identidades. Pude apreciar en las participaciones de los compañeros que trabajaron el texto de Eco, el planteamiento del concepto de la alienación y la autoconciencia para lograr una libertad. Además otro punto en el que convergen es en la improvisación, el juego y el azar como un elemento detonante de la creatividad.

Creo que todos dentro de la danza convivimos en un híbrido entre tradición y ruptura, nos formamos dentro de las tradiciones, pero actuamos como traductores de las mismas para hacerlas propias y traerlas a la vida. No siempre significa ir en “contra”, pero si conocerlas para entender en qué punto nos encontramos y hacia dónde queremos partir.

En el caso particular de mi tema relacionado con la tecnología (el cuerpo en las danzas con tecnología), es un ejemplo de cómo la creatividad viaja, se descentraliza. Siendo ésta la actitud del “creador” actualmente, trasladándose a otros espacios, para formar nuevos híbridos, acordes a nuestra complejidad. También queda en relieve el papel del espectador y la función de la obra, al encontrarnos con obras interactivas, que requieren la participación del espectador, haciéndolo coparticipe, dejando la obra inconclusa para ser completada mediante su  acción.

# data[].attributes.headline
A manera de conclusión: Tradición/repetición + ruptura/improvisación en la enseñanza del ballet clásico.

# data[].attributes.subject
A manera de conclusión: Tradición/repetición + ruptura/improvisación en la enseñanza del ballet clásico.

# data[].attributes.body
Carmen Correa
Tradición es un concepto que forzosamente atraviesa e impacta la enseñanza del ballet clásico: es imposible desvincular ésta de su sentido y significación históricos, así como de sus códigos y estructura técnicos; de hecho no es pertinente ya que conforman el habitus (Bourdieu, 1993) que sostiene la formación tanto de los bailarines profesionales como la de los amateurs. Así mismo, la repetición es inherente a esta práctica dancística en dos sentido: a) porque su estructura-habitus se ha transmitido (repetido) de generación en generación a lo largo de más de tres siglos -gracias a lo cual pervive y b) porque en la formación y entrenamiento con ballet es necesario repetir los pasos, secuencias, sensaciones, percepciones y, principalmente, las experiencias para construir conocimiento corporal -técnico, conceptual y emocional-. Dado que en mi investigación yo trabajo sobre el concepto de experiencia de John Deewy (1938) así como el concepto de hábito de Matthias Alexander, la repetición es necesaria para cumplir con el criterio de continuidad e interiorización de la experiencia.

Ahora bien, el punto es cómo repetir esta tradición de tal manera que la práctica del ballet, de acuerdo con Umberto Eco (1984), no termine alienando-en la técnica a los sujetos-bailarines. Más aún, que dichos sujetos sean objetivados y materializados (sus cuerpos) por la técnica que los forma. En este punto es donde indagar sobre y experimentar con la ruptura y la improvisación durante la enseñanza del ballet se convierte en un reto para la praxis disciplinar. De acuerdo con Tanya,  considero que es importante que el docente de ballet fomente que el sujeto-bailarín-alumno aprenda a actuar conscientemente sobre la formación de su técnica y no dejar que la técnica lo consuma-aliene.

Por otro lado, en la socialización del conocimiento de la disciplina, es importante analizar y reflexionar sobre la historia y el registro de esta práctica artística ya que creo que en la divulgación y enajenación elitista de este arte escénico –Bellas Artes- ha quedado opacado el desarrollo que sí ha tenido a lo largo de su historia y en el cual se pueden observar las rupturas que ha tenido. Un pequeño rastro (“guiño”) de esto puede observarse en el video del Ballet de la ópera de París bailando Orfeo y Eurídice de Pina Bausch que compartí.

# data[].attributes.body
Tanya García López

De la lectura de las diferentes expresiones sobre la creatividad y sus tensiones, he sintetizado en mi mente éstas palabras: libertad, multiplicidad, transterritorialización, participación-colaboración, transformación (del yo y de los otros), ruptura y posibilidades.

Que la creación se co-produce en el mismo sistema que denuncia y se opone, como menciona Johana, las desmitifica pero no las anula, y se comprende entonces la alienación como materia para la libertad. Lo cual es ejemplificado por Carmen, en su aportación desde la danza clásica y la relación dialéctica entre la tradición y la creación de posibilidades. Posibilidades que se conjugan de la multiplicidad de ser, de la participación y la colaboración de los sujetos que se inscriben en un territorio común, el de la creatividad como también lo ilustra Tzitzi, a través de su experiencia. Es la creatividad, a su vez, proceso como lo menciona ella y Ricardo, proceso para la ruptura de identidad (aportación de Cristal), que requiere al sujeto estar presente paso a paso, tejiendo, tensando, liberando; con el otro y en el mundo físico. Extendiendo su corporalidad al vestuario (como lo menciona Magdalena), a la música, al espacio escénico. Para continuar con el círculo de encuentro de posibilidades, de encuentro de la “libertad creativa”.

En  conclusión, la creatividad es mosaico de divergencias, que convergen en la búsqueda de la consciencia objetiva; sobre la libertad de ser, y sobre la libertad de crear; de crear cosas, a uno mismo y al mundo en el que danzamos.

# data[].attributes.headline
Conclusiones y reflexiones finales: ¿Son ya una tradición en la creación dancística, la improvisación, lo procesual, la actividad creativa democratizada y la apropiación de todo aquello preexistente como estrategia creativa?

# data[].attributes.subject
Conclusiones y reflexiones finales: ¿Son ya una tradición en la creación dancística, la improvisación, lo procesual, la actividad creativa democratizada y la apropiación de todo aquello preexistente como estrategia creativa?

# data[].attributes.body
Se sugiere entonces que la tradición en la creación se rompe, entre otras causas, a través del trabajo de improvisación, lo procesual, la actividad creativa democratizada, y la apropiación de todo aquello preexistente como estrategia creativa; sin embargo, esta supuesta vanguardia puede decantarse en una nueva tradición; pues también resulta que ahora, toda creación vanguardista surge a partir de la improvisación y el trabajo y participación colectivos, volviéndose entonces una tradición y repetición el improvisar cualquier cosa, en cualquier momento y por cualquier razón para crear algo.

Como menciona Cristal en su propuesta, “la ruptura con la tradición es también una forma de alienación, es decir, de actuar por la fuerza de la costumbre sin otorgarle un sentido profundo a lo que se hace, sin dedicar un pensamiento crítico al significado de lo que puede estar ocurriendo”.

Las vanguardias forman procesos, primero de rebelión, luego de irá para destruir lo existente, pero finalmente, decantan en propuestas que quieren mostrar la tradición, no impuesta. Pero también muestra el vacío existencial que deja una ruptura con lo conocido y la vastedad de lo que no se ha explorado.

El multiculturalismo y el interculturalismo están determinados por una hegemonía occidental blanca que dice qué y cómo debe ser el arte y cómo debe ser la cultura.

Es importante aceptar que el baile te vuelve bailarín, hay que recordar que no se puede deshacer lo andado y retomar la tradición desde la ruptura de la identidad, sino entender la identidad desde donde estamos, aunque sea la adopción del pensamiento hegemónico, pues ya sabemos que combatir algo requiere conocerlo.

Me parecería importante tener siempre consciente la alienación a la que estemos relacionados, para seguirla utilizando como instrumento de libertad, en vez de negarla o anularla, y pretender inventar siempre cosas nuevas. Como menciona Magdalena con respecto a la lectura de Umberto Eco (1992, p. 140): “En cada cambio artístico el artista habla un lenguaje que él cree haber inventado, pero en realidad le viene sugerido por la situación en que es encuentra”.

”Esa condición de alienación en la que hay que aprender a moverse para identificar las nuevas posibilidades de autonomía, las direcciones posibles de libertad” (Eco, 1992, p. 137), me parecería que no habría que olvidarla.

# data[].attributes.headline
CREATIVIDAD. Comentario al aporte de Ricardo, por Magdalena Villarán

# data[].attributes.subject
CREATIVIDAD. Comentario al aporte de Ricardo, por Magdalena Villarán

# data[].attributes.body
Tu idea de un "mundo más allá del arte" me hizo reflexionar. Entiendo que te refieres a lo cotidiano como materia prima para la creación y, como define Romero, "la apropiación de todo aquello preexistente". Esto se parece a lo que yo planteaba al hablar de la pintura renacentista, la perspectiva y la coreografía. A cómo la creación es un frágil andamio construido con piezas dispersas que nosotros tenemos la virtud y/o la suerte de combinar.

# data[].attributes.headline
EDUCACIÓN. Comentario a Carlo, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.subject
EDUCACIÓN. Comentario a Carlo, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.body
Me pareció interesante que a los niños de primaria les digan de dónde vienen las danzas, sus antecedentes, lo que representan, etc. Tú citas a Romero: "la obra artística es el conjunto de deseos, necesidades y expectativas de un colectivo". Me pregunto dos cosas: primero, qué tanto los niños de primaria logran hacer estas distinciones. Segundo, eso se podría convertir en un curso de etnografía, al darles productos tradicionales ya terminados. ¿Cómo enseñaríamos la ruptura?

# data[].attributes.headline
CREATIVIDAD. Comentario a Rita, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.subject
CREATIVIDAD. Comentario a Rita, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.body
Tu cuestionamiento del término "tradicional" me parece fundamental. ¿A qué nos referimos cuando hablamos de tradicional? Generalmente al folclor, creo yo. Pero la tradición tiene muchas caras y creo que toda "obra de arte" (aunque sea políticamente incorrecto el concepto) es producto de una ruptura con la tradición. Por ejemplo, todas las danzas cortesanas renacentistas (salvo, quizás, la basse danse) fueron reelaboraciones y sofisticaciones de danzas populares muy antiguas.

# data[].attributes.body
Diana Sánchez
Me resultó muy enriquecedor reflexionar acerca del valor de la tradición en relación a la ruptura. Proviniendo yo de la danza contemporánea, la innovación ha sido siempre el aspecto más valorado al momento de crear y esta idea ha jugado en contra de la posibilidad misma de establecer una tradición al interior del campo. Pareciera que como coreógrafos, estuviéramos forzados a empezar de cero cada vez, en lugar de nutrirnos del conocimiento de aquellos que nos precedieron. Esta "tradición de la ruptura" como la llama Pinheiro, termina por alienarnos en lugar de liberarnos. Al comenzar mi investigación, buscando los orígenes de la educación somática, encontré que la danza contemporánea había tenido una importancia fundamental en su desarrollo, un hecho muy poco conocido y que cambia mi perspectiva acerca de lo que la danza contemporánea tiene para ofrecer a otras disciplinas.

# data[].attributes.headline
HUMANIDADES. Comentario a Katherine, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.subject
HUMANIDADES. Comentario a Katherine, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.body
Tu alusión al público en la obra escénica contemporánea me hizo pensar acerca del momento en que los espectadores se volvieron público. Una de las cosas que más me fascinan de la danza cortesana es la indefinición de esa frontera. En ese momento creo que no eran público, más bien testigos. Es un concepto que me gustaría desarrollar.

# data[].attributes.headline
HUMANIDADES. Comentario a Cristal, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.subject
HUMANIDADES. Comentario a Cristal, de Magdalena Villarán

# data[].attributes.body
Tu pregunta ¿por qué bailar danzas africanas estando tan lejos de África? me toca en la médula, porque lo mismo podría yo preguntarme acerca de las danzas cortesanas europeas. No sólo lejos en el mapa sino en el tiempo. ¿Qué estoy tratando de elucidar? ¿Por qué es importante para mí? ¿Por qué lo considero importante?

# data[].attributes.body
Vivimos en tiempos cambiantes en donde cada vez es más frecuente que el creador sea multitareas en las que tiene que ser creador no solamente de la pieza sino también de conceptos y de una renovación del pensamiento, que le permita hacer uso de las nuevas tecnologías no por imposición global (ni alienación) sino por una necesidad y también vivimos en tiempos en donde cada vez es más recurrente la colaboración con los otros, que no necesariamente tienen que estar vinculados a la danza ni siquiera al arte. Recuerdo que cuando estábamos en el campo de educación tuve la oportunidad de leer algo relacionado con las nuevas tecnologías de la información y concuerda con el campo de creatividad en el que se pueden adoptar pero siempre con una actitud crítica.Todos estos planteamientos nos orillan a cuestionar el concepto de arte ya no como una obra o producto sino como un hecho en el que el espectador debe participar y no ser solamente un contemplador, sin embargo como otros compañeros han mencionado esta ruptura es susceptible de convertirse en tradición o imposición por lo que repito debemos asumir una actitud crítica y reflexiva en todo momento.

# data[].attributes.body
Ximena Aliza Reyes Madrigal

Situar al ser humano como un ser social, que interactúa con el otro, que se relaciona con los objetos, que vive esa alienación para buscar su autonomía.
A partir de las lecturas y de las conclusiones de los compañeros, puede resumir que: estamos construidos a partir de la cultura, con normas y valores sociales, se dan asimilaciones pero al mismo tiempo contradicciones, lo complejo puede conformarse como una unificación de diversos aspectos, inclusive contradictorios.
La tradición, podría ser entonces la asimilación, la adaptación y al mismo tiempo la ruptura de sí misma, una apropiación y transformación de sus rasgos. Por eso resulta muy claro el ejemplo del jazz, se conoce la técnica, los componentes, para transformarse, en otra cosa sin perder (o sí perder) su propio status.
Nos interesa específicamente el arte, la danza como esa búsqueda de la experiencia estética, la danza puede ser una posibilidad de conocimiento, reconocimiento y exploración del mundo, soy yo con el otro. Debemos ser capaces de darnos cuenta de las herramientas/recursos que tenemos como seres creativos para componer/descomponer.
Observar que en esta época, los cambios sociales y tecnológicos, nos determinan, ser capaces de expresarnos en otras disciplinas, se han ido borrando las fronteras entre ellas.
El juego, la creatividad, la sensibilidad, la improvisación como herramientas creativas en diferentes disciplinas en diferentes oficios.
Una constante e infinito movimiento entre fenómeno-alienación-ruptura.

# data[].attributes.body
MIS CONCLUSIONES.

La danza es una forma de conocimiento y reconocimiento de las realidades que experimenta cada sujeto, realidades que son dadas a partir de la cultura; entendiendo a esta como producto colectivo construido desde la individualidad.

Las diversas formas de hacer danza en cada cultura bien pueden continuar con tradiciones donde el sujeto se reconoce a sí mismo y a los otros como auténticos, mientras que otros grupos no logran mantenerse en una tradición e incluso tratan a toda costa de evitarla, buscando diversas disciplinas que complementen su danza, hibridando técnicas, saberes, haciendo de cada practica un laboratorio con la intención de siempre encontrar algo nuevo, algo que se incorpore a la modernidad.

Actualmente la danza busca ser cada vez más compleja, llegando a ser ambigua, enredada, inquietante, buscando no solo la expresión y comunicación si no el virtuosismo. Virtuosismo que no solo se trata de la ejecución e interpretación, sino también de las puestas en escena rompiendo con ello los estereotipos de escenificación, como por ejemplo el uso de la multimedia, espacios alternativos, integración del espectador, etc.

El arte ya no es únicamente para las clases altas, tampoco se limita a las artes cultas, lo que abre la posibilidad de entender que el virtuosismo no solo se alcanza a través de la práctica de la música o danza clásica, pues existe una gran variedad de disciplinas que llevan a crear y ejecutar movimientos impactantes que entramados con la pasión y el ímpetu de los ejecutantes se logra un producto de ensueño, entendiendo con ello que el arte no se enseña, se siente, se vive, y a partir de ello se crea.

Conservar o romper la tradición no es malo si se sabe a dónde se quiere ir y lo que se quiere decir.

# data[].attributes.headline
CONCLUSIONESCambio y transformación en los modos de formar tradicionales y occidentales.

# data[].attributes.subject
CONCLUSIONESCambio y transformación en los modos de formar tradicionales y occidentales.

# data[].attributes.body
Por José Carlo Magno

La tarea de reflexionar en torno a la producción artística me abre la posibilidad de mirar a la Escuela Pública como un espacio de reiteración y conservación de la tradición. Esta institución es un microuniverso en donde la convivencia cotidiana entre niños, maestros y padres es generadora de usos y costumbres, muchas veces poco analizados, que se sustentan en la necesidad de mantener la identidad comunitaria y que encuentran en la expresión artística (en este caso la danza) un medio privilegiado para construir y reconstruir su identidad cultural. Retomo uno de los planteamientos iniciales de este segundo debate:

“La tendencia general de los eventos festivos populares y tradicionales es enfatizar la reiteración y conservación de la tradición por razones de gran importancia, sin duda vitales: la construcción de una identidad y el apego a una noción de tiempo que apela más a la circularidad que a la progresión, a favor de una segurización comunitaria. En contacto con la modernidad y la posmodernidad, lo tradicional se ve sujeto a debate en la medida en que múltiples factores externos proponen a las comunidades elementos y necesidades de romper con los círculos segurizantes para articularse en otros sistemas de valoración y de vida.”

Agradezco la generosidad de mis compañeros al compartir sus reflexiones en torno a este temática, desde los distintos espacios en los que se mueven, y me quedo con la tarea pendiente de recuperar estas aportaciones teóricas para incorporarlas, en un discurso más articulado, en mi proyecto de investigación.

# data[].attributes.headline
Conclusiones, proceso creativo, comunidad y transformación social.                                                                                                                                                                Jessica Reyes Sánchez

# data[].attributes.subject
Conclusiones, proceso creativo, comunidad y transformación social.                                                                                                                                                                Jessica Reyes Sánchez

# data[].attributes.body
A partir de las reflexiones que han desarrollado mis compañeros y a partir de mi propia reflexión con los textos y el proceso de investigación que he tenido a lo largo de este campo puedo decir que no existe un proceso de creación único y absoluto. Por lo que no existe una forma universal y verdadera para todos. Creo que uno de los elementos que si están presentes para poder hablar de proceso de creación son: los elementos cognitivos y emotivos, que se relacionan con la experiencia de vida del creador (que incluye sus motivaciones personales, su formación artística, el contexto social). Si pensamos en creadores como Miguel Ángel o en los colectivos de performanceros callejeros, es claro que cada uno responde no sólo al contexto histórico sino también a su poesía personal.  Pero es claro que lo que es compartido a lo largo de los siglos es la capacidad de vincularse con la estética con todas sus complejidades. Es esa suerte de llama interna que mueve a los creadores para buscar entender aquello que intuyen.
También creo que el proceso de creación no es lineal y evolutivo. Más bien lo miro como una suerte de entramado complejo, donde el espacio-tiempo. Ya que, al surgir una idea o inquietud, el creador puede encontrar un camino de forma inmediata; o dar pie a que este vuelva a reflexionar sobre su interés inicial y deconstruya lo que consideraba una problematización adecuada. También creo que las emociones tienen un impacto en el tiempo en el que se desarrolla la creación, pues al experimentar diversas emociones (como emoción, frustración , enojo) es probable que se necesite un tiempo para descansar. En estos periodos de ajuste y confusión se van encontrando las repuestas que el creador intuía y que le permiten materializar el discurso que estaba en su mente.

Por último, creo que en nuestro momento histórico hay una creciente necesidad de recuperar formas más creativas para demandar justicia social. Por ello veo que los procesos creativos pueden ser retomados desde una forma de activismo que corporiza discursos como el de derechos humanos.  En este sentido el arte se vuelve una suerte de espacio para la agencia y reflexividad de sectores sociales que históricamente han sido subordinados.

# data[].attributes.body
Pensar en la tradición y rupturas, así como en las repeticiones e improvisación me ha permitido reflexionar en el cómo la creatividad tiene una cualidad que permite flexibilizar esquemas establecidos con lo cual el individuo puede movilizar o movilizarse dentro de diferentes tradiciones, al mismo tiempo esto las revitaliza y actualiza. He pensado además a la creatividad como una necesidad genuina de desarrollarse, replantearse y reconstruirse, de ahí que tenga la cualidad de movilizar (como en los ejemplos de Rita quien quiere hacer otras danzas a partir de la tradición, o los quebradores de Dulce que van transformando su propuesta a partir de lo que quieren integrar a su estilo).
Estas reflexiones aportan a mi investigación el que piense las transformaciones en la tradición a partir de necesidades genuinas del individuo, las cuales en lugar de ser arbitrarias están permeadas por todas sus experiencias previas y contexto, las cuales movilizada por su necesidad de seguir en transformación.

# data[].attributes.body
El pensar en el proceso de alienación de Umberto Eco me hace pensar en los sujetos objetivados en sus obras,  las que le son impuestas y deben respetar, esto también me hace reflexionar en la panóptica de Foucault en donde el sujeto está inmerso en un sistema de leyes de la que el sistema actúa como el gran ojo maestro al que nadie escapa.

Pienso en las rupturas y me doy cuenta de que los intereses de mi investigación se amplian, porque reflexiono ahora sobre hurgar en los pensamientos y sentimientos más profundos del bailarín, (profesional o no) ¿qué lo motiva? lo mueve? Que siente? Cuáles son sus intereses al bailar, al danzar? Realmente ¿quiere hacerlo? En algún momento quisiera dejarlo? ¿Cuáles son las crisis emocionales por las que los bailarines pasamos?

Me intereso más por encontrar las diferencias emocionales entre la danza profesional y la danza lúdica.

# data[].attributes.body
Por Cristal Baeza

Me llama mucho la atención las múltiples posibilidades que ofrece la palabra “alienación “: los cuerpos que hacen sin reflexionar y las clases sociales que pierden su identidad al rechazar su origen y entonces perder su tradición. Sin embargo, también el término tradición me hace pensar en ideas contradictorias, por un lado creo que representa una construcción social y cultural, pero también un intento de detener un tiempo que ya pasó y además, una estrategia hegemónica para mantener un sistema que determine aquello que se mantiene como lo que es bueno y bello, relegando al olvido, a la ignorancia y al desprecio formas de vida (y de danza) que no cumplen con los requisitos establecidos en la ideología de poder.

# data[].attributes.headline
Vigencia de expresiones dancísticas atemporales

# data[].attributes.subject
Vigencia de expresiones dancísticas atemporales

# data[].attributes.body
Al pensar la relación entre tradición e improvisación. Me parece que una da cuenta de la otra desde la práctica. Tras dominar una tradición dancística. Al desarrollar fuerza, conocimiento de los movimientos PROVENIENTES de dicha tradición y de nuestra corporalidad. Nos permite consolidar un lenguaje corporal y desde ahí escribir un nuevo texto. Cada cuerpo busca ir más allá pero jugando con esos movimientos que ya ha incorporado.

Siento que cuando nos apropiamos de la tradición es justo cuando nuestro cuerpo grita con el movimiento que nos hemos apropiado de la tradición. Es en ese momento cuando improvisamos y nos separamos de ella, a través del conocimiento y dominio corporal que nos ha proporcionado.

Llevando esto a mi investigación me permite tener en cuenta que las danzas que provienes de diversas latitudes, de diversas
Estas relaciones donde se pierden las fronteras espaciales y temporales. Me permiten ver nuevas relaciones entre las expresiones y practicas corporales de Grecia antigua con nuestro presente, desde el éxtasis que suscita la improvisación en nuestra contemporaneidad. En esas prácticas que nos permiten salir de nosotros mismos , de nuestra identidad para dar cuenta de lo humano que nos trasciende. La improvisación está vigente en las diversas manifestaciones dancísticas en la manera de ejecutarlas y en la manera de apropiarnos de ellas.

# data[].attributes.body
Es muy grato leer sus aportaciones en el padlet. Cada una de las miradas y escritos del grupo permiten descubrir aspectos de las lecturas distintos a los que a mí me evocaron.

No comparto el concepto de alienación de Humberto Eco, porque la considero agresiva y limitante de la condición humana, un tanto apegada al materialismo histórico de Karl Marx.

Me inclino más por las aportaciones de Néstor García Canclini y Julio Romero Rodríguez, quienes desde el contexto latinoamericano explican los cambios en la idea de arte, artista, los procesos creativos y la influencia que los medios de comunicación han tenido o provocado en los últimos cien años.

Poco a poco se voy comprendiendo más la complejidad del fenómeno dancístico, su riqueza, diversidad e importancia en la historia del arte en México. El apego a las tradiciones como elemento definitorio de la identidad y valor histórico, pero que también se puede convertir en un lastre que no facilite el cambio y nuevas formas danzarías. La ruptura como algo necesario para propiciar el cambio por parte de nuevos actores sociales. El virtuosismo como el ejercicio de la pericia y habilidades sustentado en la sensibilidad, y que no necesariamente es un alarde de técnica y erudición. La improvisación como un verdadero reto para resolver situaciones y procesos creativos en el campo de la danza –si que implique la acumulación de ocurrencias lanzadas al vuelo-, sino producto del dominio de saberes puestos en práctica en el momento adecuado.

Comparto ideas con muchos de ustedes y completa mi mirada los campos desde donde observan la danza y la analizan.  Gracias.

# data[].attributes.headline
Conclusión de tradición y ruptura, la repetición y la improvisación en la producción cultural a través de ciertos modos de formar. 

# data[].attributes.subject
Conclusión de tradición y ruptura, la repetición y la improvisación en la producción cultural a través de ciertos modos de formar. 

# data[].attributes.body
Francisco Alonso López Villalobos

Pensar en este entramado de ideas y concepciones sobre la creatividad y las formas de creación coreográfica o los modos de formar, están, en la actualidad, rompiendo con ciertos paradigmas que facilitan exaltar el trabajo creativo del artista desde diversas aristas, bien desde la exploración, la ruptura de la tradición o la repetición de ésta, improvisando, buscando la innovación mediante la relación e interacción de los diversos fenómenos, así como los cuestionamientos de conceptos que han predominado desde diversas connotaciones tanto en las agrupaciones artísticas, como en las instituciones que albergan a estos grupos.

Así lo menciona Noemí Torres (2018), quien hace una extraordinaria reseña y análisis estético de la obra Rebozos (1964) de Lila López argumentando que,  en la actualidad, el Ballet Provincial ya no sigue los preceptos (en esta obra en particular) propuestos por la autora en su versión original, quien buscaba exaltar el trabajo creativo de las artesanas (en quienes se inspiró para la realización de la pieza), además de experimentar con formas no convencionales del uso del rebozo. Menciona que Lila López trabajaba su capacidad imaginativa, visualizaba formas en el escenario y tenía alto conocimiento de la técnica, sin embargo, ahora las intérpretes de esta pieza ya no ponen énfasis en algunos movimientos como el zapateado que daba color y matiz a la pieza, se han anquilosado, han dejado de explorar e innovar, actualmente la tradición y el repertorio es lo que caracteriza a este ballet.

Por otro lado, Alina Dorsch (2018), habla sobre la ruptura de la tradición y los cánones de la danza clásica desde la figura del bailarín Seregei Polunin, quien desbarata los cánones clásicos y hace uso del virtuosismo pero para bailar una pieza musical de orden popular. Dorsch alude al pensamiento complejo propuesto por Morin, diciendo que se debe afrontar lo entramado del juego infinito  de inter-retroacciones solidaridad de los fenómenos.

Algo que me pareció interesante es la propuesta que hace Rita Meza (2018), quien cuestiona el concepto de tradición a partir de dos preguntas medulares, a mi parecer, para repensar a la danza escénica de expresión folclórica: ¿la tradición es siempre tradicional? ¿qué es lo que en realidad le da valor a lo tradicional, el tema, el vestuario, la forma en que se mueve el cuerpo? Estas interrogantes posibilitan el debate  y la movilización del estereotipo,  porque la información que se tiene sobre la danza folclórica es aquella adquirida durante la educación básica, o la que llega de forma mediática, tal como sucede con los ejemplos que García Canclini (2008) pone sobre las obras de Frida Kahlo y Diego Rivera en el texto Geopolítica del arte y estéticas interculturales, por mencionar algo, quienes conocen la obra no lo hacen por el contenido expreso de la misma, sino por la manipulación mediática que existe en torno a ella, sobre todo en las piezas de Kahlo, más ligadas a lo comercial que a lo artístico, así es como se ve a la danza folclórica escénica, que en algún momento representó una innovación, sin embargo actualmente lo que se potencializa es su valor económico y no el artístico.

Finalmente quisiera agregar algo que me parece muy importante: la experiencia inmersiva, de la que habla Katherine Lassmann (2018), hace alusión a la transterritorialización  explicada como la intervención de personas de otras disciplinas ajenas a las escuelas e instituciones de danza, quienes realizan su obra en coautoría con el público, porque éste último ya no debe ser un ente pasivo que sólo se dedica a la contemplación, por el contrario, se requiere que sea un espectador participante, es decir, se necesita de la acción de éste para que la obra culmine con su actuar a través del encuentro de mundos fenoménicos.

# data[].attributes.body
El campo de mi investigación es el de Registro, pero veo que otros campos me dan diversas perspectivas de análisis, lo cual enriquece mucho el trabajo. Cuando hablo de pintura y de moda, por ejemplo, las veo como elementos de análisis para completar mi labor de interpretación del registro de las danzas históricas, y me acerca al ámbito en el que fueron creadas y evolucionaron.

# data[].attributes.body
Por Johanna Lizeth Silva Abril

Como seres humanos vivimos en un espacio de alineación, pero siempre tratamos de jugar con esta para luego utilizarla como un instrumento de libertad. Es desde allí, donde las diversas relaciones y cuerpos desde los creativo tejen nuevas redes de comunicación y expresión que dialogan en el mundo en que nos encontramos desde un movimiento multiforme, que ya no es nacionalista o individual como los decía Lilian, sino se hace colectivo. Desde este punto de vista social y relacional, tal como lo mencionaba José Carlo "la creatividad artística tiene más que ver con participación en contextos de relación, en redes potencialmente creativas" de esta manera, conecto con las aportaciones a mi proceso de investigación en la medida de entender la creatividad como punto de conexión y transformación dentro de un sistema, un espacio múltiple que se desarrolla en el hacer con otros donde la "manera de formar" se asume desde la aceptación al sistema, para el encuentro de formas y posibilidades de crear desde la imaginación, donde el sujeto recrea su realidad y la transforma.