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"En blanco"

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"circulos dentro de un circulo"

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Abstraccionismo otra de las corrientes generadas a partir del Impresionismo de finales del siglo XIX, consecuencia del trabajo de muchos artistas que querían generar un cambio en las primeras décadas del siglo XX, Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Dadaísmo, surrealismo, todas influenciadas por los planteamientos de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, que crearon un caldo de cultivo, que los conduciría a unos planteamientos pictóricos radicales. A estos movimientos y tendencias se les denominará Abstraccionismo o Pintura Abstracta. Por lo tanto, esta corriente artística, surge como una oposición a la figurativa descriptiva, anecdótica y literaria, dando un papel preponderante a la forma y el color, postulando "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia moderna de esta tendencia nace con el artista ruso Vasili Kandinsky en 1910, cuya característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.
El abstraccionismo renuncia a reproducir en el arte imágenes típicas de personas y acontecimientos reales, todo lo relacionado al hombre y hace imposible expresar a través de la obra artística el sentido y los fines de la vida del hombre. Sustituye el plasmar de la belleza y del dramatismo de la realidad, inherentes al auténtico arte, por la expresión de cierta "realidad espiritual" mística, de una "energía intuitiva", de alguna "vibración" del subconsciente humano. Lo característico del abstraccionismo es la total destrucción de la imagen artística por medio de la distorsión exagerada de las formas reales, la mudanza de las imágenes en un caos de manchas, líneas, puntos, planos y volúmenes sin significación alguna; esta corriente se divide en dos.

Abstracción lírica o cromática

En donde se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky.

Abstracción geométrica

En esta al contrario se utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y tiene un orden calculado y sus máximos representantes son Malevich y Mondrian.

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El mítico cuadro de relojes blandos de Dalí es, al contrario de lo que muchos piensan, un lienzo bastante pequeño, pero no deja de ser fascinante y es una de las estrellas del Moma de Nueva York. Un simple paisaje marino en el que hay una escena insólita: una extraña criatura durmiendo o quizás inerte sobre la arena y unos relojes que se derriten sobre ella y sobre otros elementos del cuadro.

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Estamos ante una de esas imagenes que muestra precisamente lo que dice en su titulo

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fue conocido por su arte salvaje y su personalidad pública por igual, y estas dos facetas le ayudaron a sobreponerse al resto de los surrealistas. Esta cita lo refleja: “la diferencia entre yo y los surrealistas es que yo soy el surrealismo”. Es conocido por ser pionero en el movimiento. Se involucró en todos los aspectos de la creación artística de la pintura, escultura, diseño, dibujo, películas, moda, etc. Aplicó el concepto de surrealismo a todo lo que creó. Su actitud audaz y rebelde hacia el arte y los políticos le aisló de los demás y le permitió crear algunas de las obras más famosas y reconocidas del siglo XX. Su estilo poco convencional y sus a veces extravagantes ideas fueron muy buscados en sus trabajos comerciales – en moda, fotografía, publicidad y cine – dieron a conocer el estilo a una amplia audiencia popular.

No sólo dejó huella en el surrealismo sino que incluso veinte años después de su muerte, su obra e influencia ha llegado a casi todas partes del mundo. Si detiene a cualquier persona en la calle, la mayoría estarán familiarizados con al menos una de sus imágenes. El nombre de Dalí es mágico, y sigue siendo un icono.

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El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como animación de lo inanimado, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

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Marcel duchamp

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Nada menos que la obra de arte más influyente del siglo XX

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Marcel Duchamp considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, llevo el objeto cotidiano a la altura del arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy siguen los borregos de la comunidad artística internacional.

Fue un artista Impresionista a los 16 años, fauvista a los 19 y cubista a los 24, al final este iconoclasta encontró su voz como forajido, un terrorista que acabaría encontrando en el dadaísmo su libertad y la forma de burlarse de todo y de todos, incluido él mismo. Este movimiento, condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía, absurdo y mala hostia) acabar con el arte como se conocía.

Duchamp se olió que la pintura estaba muerta, pudriéndose en los museos/mausoleos, y descubrió la belleza en lo coyuntural, lo fugaz y lo superficial algo que desde mi punto de vista continua al día de hoy. Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás estaba mejorando al original. Exponiendo un urinario en un museo abrió la caja de Pandora de catástrofes que hoy inundan los museos, desde latas de aire a mierda de artista.

El artista crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con los ojos, sino con la mente. Resultó que la belleza podía estar en otros sitios, y creó otras formas de arte hoy institucionalizadas: instalaciones, museos portátiles, performances, etc.

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En lo personal mi banguardia favorita hasta ahora, construida sobre los simientos de la incongruencia y la genialidad de hacer siempre lo mismo bajo una bandera diferente y al mismo tiempo ser lo suficiente contraria para generar algo "Nuevo" la unica regla es que no hay reglas, y todos son "libres" de crear, en fin  un movimiento artístico y literario que no pretendia serlo pero un dia comenzó en Zürich, Suiza.
Surgió como una reacción a la Primera Guerra Mundial y al nacionalismo que muchos pensaron que había llevado a la guerra. Un movimiento "libre" pero Influenciado por otros movimientos de vanguardia  comos el Cubismo, Futurismo, Constructivismo y Expresionismo, su obra por obvias razones fue bastante diversa, desde performance hasta poesía, fotografía, escultura, pintura y collage. La estética de Dada, marcada por su burla de las actitudes materialistas y nacionalistas, demostró una poderosa influencia en los artistas de muchas ciudades, incluidas Berlín, Hannover, París, Nueva York y Colonia, que generaron sus propios grupos. El "movimiento" se disipó con el establecimiento del surrealismo, pero las ideas que dio origen se convirtieron en las piedras angulares de varias categorías del arte moderno y contemporáneo. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la "libertad" del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

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Dinamismo de un perro con correa de Giacomo balla

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Dinamismo de un perro con correa de Giacomo balla

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Giacomo Balla. La farola. Estudio de la luz.

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Giacomo Balla. La farola. Estudio de la luz.

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En 1909 publicó en el periódico francés Le Fígaro el Manifiesto del Futurismo, y en 1910, en el mismo diario, el segundo manifiesto. Para Marinetti el manifiesto fue un género literario original; tanto es así que la crítica considera sus manifiestos entre sus mejores obras. Desarrolló la literatura futurista en numerosos ensayos y poemas, en su novela Mafarka il futurista, y en obras teatrales, de carácter experimental.

Como creador del movimiento futurista intervino en numerosas obras, antologías, tomas de posición, etc. Y cuando el futurismo era ya un fenómeno del pasado y aparecían en Europa nuevos movimientos vanguardistas, Marinetti comenzó a mostrar simpatías por el fascismo.

Llegó a ser miembro de la Academia de Italia, fundada por los fascistas. y se convirtió en el poeta oficial del régimen de Mussolini, al que fue fiel hasta los tiempos de la República de Saló.

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El Futurismo fue uno de los movimientos de vanguardia que se desarrolló a principios del siglo XX, concretamente a partir de la publicación del “Manifiesto Fundador del Futurismo” de Filippo Tommaso Marinetti. El nuevo “ismo” que se inició en el arte de la literatura, estaba inspirado en los grandes cambios que la segunda Revolución Industrial había introducido en Europa, inspirado en el ambiente frio y rígido que las máquinas y la tecnología generaban, y por tanto buscaba plasmar la esencia del movimiento en las formas, la agresividad, la velocidad, la fuerza, el peligro y la energía.

Se desarrolló principalmente en Italia, siendo Marinetti su creador y precursor, pero se dio en otros muchos países y como todas las primeras vanguardias del siglo XX, sirvió de influencia a movimientos posteriores como el expresionismo abstracto o el neopositivismo.
El futurismo que guarda una relación con el surrealismo decayó  después de la Primera Guerra Mundial, pero su esencia se vio reflejada en el dadaísmo, en el concretismo, en la tipografía moderna y en el diseño gráfico post-moderno. La pintura futurista recibió influencia del cubismo y del abstraccionismo, pero llena de colores vivos y contrastes y la superposición de las imágenes con la intención de presentar algo más dinámico. Marinetti concibió una nueva estética, inspirado en la patafísica, un movimiento cultural francés de la segunda mitad del siglo XX vinculado al surrealismo.  El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo. Según Marinetti, había que hacer borrón y cuenta nueva del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.

En la literatura, el futurismo abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad.

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Cuando Braques presentó algunos de sus cuadros en el Salón de Otoño de 1908, el comité de selección los rechazó y después se burló de semejantes monstruosidades. Matisse, miembro del jurado dijo que "Braque habia hecho un arte con cubitos".

Había nacido el cubismo, nombre que quizás complica más la comprensión de un movimiento ya de por sí complicado.

A simple vista cuando vez una obra cubista, y tomando en cuenta el comentario de Matisse, parece más que obvio, pero en realidad no hay cubos, el cubismo consiste en reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo, y el cubo es completamente tridimensional.

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que buscaban los cubistas inspirados por Cezanne,  era mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.

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Braque uno de los representantes más importante del cubismo. Antes fue pintor de brocha gorda, y miembro del fauvismo, estilo que lo fascinó por su modernidad, pero al conocer la pintura de Cezanne, y la carismática figura de Pablo Picasso, cambio definitivamente su estilo. Su trabajo junto al de Picasso consiguieron que el cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas. A diferencia de Picasso, y su gusto por la figura humana, Braque prefirió las naturalezas muertas para sus pinturas. Pasó por las dos etapas del cubismo, que hoy en día son como la biblia para la historia del arte, el cubismo analítico, con la realidad descompuesta en facetas hasta el punto de ser irreconocible e ignorando el cromatismo pues lo interesante era captar los diferentes puntos de vista y la geometrización; y el cubismo sintético, donde introdujo novedades revolucionarias como el empleo del collage o la incorporación de caligrafías y números.

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Es uno de los cuadros más famosos e icónicos de Picasso, se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Es una obra que marca el comienzo de su Época Negra, es una referencia clave para hablar del cubismo. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo relacionado a la tradición. Rompe con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva, en donde las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
El cuadro nos presenta 5 diferentes estilos dentro de la misma idea, dos de los rostros de las señoritas, los de aspecto más cubista, parecieran máscaras, esto en referencia al arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa en esas fechas, mientras los dos centrales son más cercanos a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, y por último el rostro de la izquierda presenta un perfil que nos recuerda a las pinturas egipcias.

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Es considerado como uno de los más grandes pintores del siglo xx uno de los que participo en muchos de los movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas. Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo.

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El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo. Los cubistas rompen la perspectiva tradicional y destruyen un mundo amable al mostrarnos un mundo natural que nosotros hemos convertido en una ecuación de intereses. El cubismo nos presenta un mundo que no podemos ver, pero que podemos sentir, entonces se convierte en una vivencia, una forma de expresionismo: la sensación de vivir en un mundo mecanizado, caótico, de ciencia-ficción.

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Europa estaba viviendo un desarrollo industrial abrumador, y esto se reflejaba en la enseñanza artística que se impartía en las academias, encontraron, en el simplismo de Rousseau y en el vitalismo fauvista en un inicio, y más tarde en el estructuralismo de cezanne y en lo imponente de las esculturas negras. Una solución liberadora del mundo que les torturaba. Picasso y Braque traducen al movimiento cubista estos deseos de revolución estética.
El hombre se encuentra ahora sometido a un mundo racional, rodeado de máquinas y cemento, sintiéndose ajeno a la naturaleza. El cubismo parece una parodia de este mundo industrial, los objetos cobran en sus manos un valor mecánico y se organizan los unos con los otros en virtud de complicadas articulaciones de carácter lógico. Parece también un ensayo de estructurar el mundo en unas perspectivas geométricas puramente racionales, no visuales: nuestros sentidos no coinciden, la geometría que vemos no es la que comprendemos.

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hijo de un pintor profesional de paisajes, y una institutriz educada en el calvinismo más estricto. En la adolescencia Franz estudio teología para convertirse en pastor protestante, pero por otro lado era un amante de la literatura y la filosofía, y finalmente se decidió por seguir a su padre y se matriculó en 1900 en la escuela de arte de Múnich pero siempre estuvo en la busqueda de "Un puente espiritual.
fue uno de los máximos representantes del Expresionismo Aleman, miembro del grupo del jinete azul, defendía la opinión de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Sus pinturas más populares son los "Retratos de animales", con una increíble brillantez de colores y una simplicidad que dan a su obra esa fuerza vital y emoción.

Una de sus grandes obras es un perro amarillo pintado casi de modo cubista, como era el último grito en 1911. Así el chucho se compone de superficies angulares bidimencionales, aunque deja intactos los contornos naturales y la perspectiva uniforme.

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Kandinski recuerda la fascinación por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color. durante su juventud formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la región de Moscú, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. a la edad de 30 años, Kandinski abandonó una prometedora carrera docente en el mundo de la ley y la economía para inscribirse en la escuela de arte de Múnich, pero no se le concedió inmediatamente la admisión, y comenzó a aprender el arte por sí mismo, ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet y quedó impactado con el estilo impresionista por su fuerte sentido de color casi independiente de los objetos mismos. Fue influenciado de manera similar por Richard Wagner pues según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar.​ Fue también espiritualmente influenciado por Helena Blavatsky la mejor exponente conocida de la teosofía. La Teoría que postula que la creación es una progresión geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de la forma que se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados.Entre sus obras mas importantes y en donde claramente vemos mucho de lo que es el impresionismo abstracto "Composición VIII" representa un conjunto de líneas, formas y colores dispuestos en el espacio, dando origen a una composición abstracta de elementos que invitan a descubrir múltiples significados e intenciones del autor. La interpretación es abierta y el espectador puede aportar sus propias ideas, sentimientos, sensaciones o evocaciones, lo que genera una relación interactiva con la obra y permite diferentes lecturas y significados, dependiendo de la sensibilidad de la persona que lo observa.

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Heckel Como otros miembros del grupo Die Brücke admiró muchísimo la obra de Edvard Munch, y pretendía tender un «puente» entre la pintura alemana neurorromantica y la moderna pintura expresionista. Los cuatro miembros fundadores usaron mucho la técnica de impresión al ser un medio barato y rápido de producir arte al alcance de todos. En 1937 el partido nazi declaró que su obra era degenerada y le prohibió mostrarla en público, y más de 700 cuadros suyos fueron confiscados de los museos de la nación. Para el año 1944 todos sus bloques de grabado en madera y las planchas de sus láminas habían sido destruidas.

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Uno de los cuatro estudiantes de la escuela tecnica superior de dresde y fundador del grupo "El Puente" en donde pretendía crear un estilo plano con colores puros, inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Después de vivir en dresde se marchó a Berlín, donde pudo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad. Se interesó por el mundo de la prostitución y lo plasmo en su obra "Prostituta en Rojo" En 1914 con el estallido de la primera guerra mundial, fue movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa. Al retornar de la guerra, en 1915, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Tuvo que optar por la tranquilidad de Davos Suiza , donde siguió pintando, mayormente paisajes más tranquilos, y menos estimados por la crítica actual.

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El movimiento expresionista esta basaso o infuenciado en el trabajo de estre artista noruego una de sus obras mas populares he importantes es "El Grito" en el cual podemos ver el uso cromatico de los colores, y el movimiento de los trazos, ademas de lo poco que le importa la postura impresionista respecto a la luz sobre el color.

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colectivo fundado en 1911 por Kandinsky y Franz Marc, al calor de la vida intelectual y artística de Múnich, debido a que entre 1890 y comienzos del s. XX habia una cantidad importante de jóvenes de toda Europa deseosos de dedicarse al arte.
El nombre se debe a la fascinación de Kandinsky por la imagen de fábula de los jinetes, que a menudo había pintado, y a la inclinación estética de Marc por la belleza de los caballos.
estos artistas tenidian a una purificación de los instintos, más que a realmente plasmarlos sobre el lienzo, y no buscaban un contacto fisiológico con lo primordial, sino adoptar un modo propio de captar la esencia espiritual de la realidad. Sus actitudes personales y artísticas no eran primarias, sino mas bien algo refinadas casi aristocráticas. Por supuesto, con El puente también tenían cosas en común, como su rechazo al impresionismo, al positivismo y a la sociedad de su tiempo.

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fue el primer grupo de artistas que pusieron en marcha el movimiento del expresionismo,  creado en 1905 por un grupo de estudiantes de arquitectura, Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel, Karl Schmidt;Rottluff, Fritz Bleyl, Max Pechstein, Otto Müller y Emil Nolde. Las bases de el puente se caracterizan por una pintura figurativa pero no realista. Esa realidad que interpretan, la deforman buscando un fin expresionista, perdiendo el objeto cualquier tipo de apariencia anatómica. Los extraños personajes pintados se manifiestan a través de colores intensos, violentos. los trazos son gruesos, deforman los contornos y buscan angulosidades, formas puntiagudas. ademas el color antinatural, cálido, subjetivo, las formas más bien planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violenta en escorzos imposibles; uso de contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera.

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El exprecionismo nace como movimiento con un grupo de artistas alemanes a principios del siglo xx.
En esta época se da un rechazo a la filosofía positivista, el pensamiento racionalista que deposita su fe en el progreso y el avance científicos; esto se tradujo en una atmósfera de pesimismo, crítica y pérdida de valores humanos, lo cual se refleja muy bien en este movimiento expresionista.