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Para Gonzalez, la obra no debía ser una catarsis, sino una experiencia que desafía intelectualmente al espectador. Tratándose de un artista latino, del que se esperaba que fuera alocado y que abusara del colorido, resultaba paradójico.

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En 1971, Félix González y su hermana Gloria fueron enviados a Madrid , donde se quedaron en un orfanato hasta establecerse en Puerto Rico familiares suyos el mismo año.

Se trasladó a la ciudad de Nueva York el 1979 con una beca de estudios.

En 1986 González viajó por Europa y estudió en Venecia .

En 1987 recibió el título de Máster en  Bellas artes por el Centro Internacional de Fotografía y de la Universidad  Nueva York.

En 1992 González-Torres recibió una beca del DAAD para trabajar en Berlín.

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Jeff Koons es hoy el artista vivo más cotizado del mundo. Un broker de Wall Street más publicista que artista que comenzó a ser famoso en -como no- los años 80. Su filosofía de empresario especulador se basa en que más que la obra, hay que saber cómo publicitarla, y por ello fue el primer artista en contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto.

Koons estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Colegio de Arte de Maryland. Después se dedicó a trabajar como corredor de bolsa en Wall Street en una época en la que, como todos sabemos, este repugnante oficio de cocainómanos engominados y superficiales estaba de moda.

Poco después se establece como artista comprando materiales en mercadillos de todo a 100. Por ello, desde el principio jugó con la polémica y la apropiación como base de su dudoso trabajo artístico, recibiendo en no pocas ocasiones varias demandas legales por violación a los derechos de autor (y no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes).

El tipo utilizaba objetos cotidianos de valor mínimo (algo que ya hizo Duchamp 100 años antes) pero enfocados al mass media y la publicidad, hablándonos supuestamente sobre los sueños de la clase media y la búsqueda ansiada de fama, dinero y estilo de vida. Algo que él mismo consiguió.

En 1991 realizó otro hito en su carrera: se casó con la actriz porno italiana Cicciolina, con la que realizó varias obras de «carácter conceptual».

Sus admiradores lo clasifican como minimalista, Neo-pop, conceptual y demás etiquetas rimbombantes. Ven en sus esculturas, instalaciones, pinturas, y fotografías a una especie de da Vinci del siglo XXI, pero mejor. Un «americano europeo», un tipo a tener muy en cuenta según muchos detritus que hoy guían, no sólo el mercado del arte, sino las escuelas de bellas artes de medio mundo.

Sus detractores ven en él la encarnación de los males que aquejan al arte actual: un arte inofensivo, banal, ejemplo de una posmodernidad cutre, ladrona y kitsch. En definitiva una celebración del consumismo, donde la exaltación de lo superfluo es más que evidente.

Aunque, pensándolo bien, su arte es un reflejo exacto de la sociedad en la que vivimos.

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Performance de Marina Abramovic

https://youtu.be/traUaknfR5o

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Dos relojes de cocina marcan la misma hora. Se exhiben juntos, casi pegados. Pasa el tiempo y los segunderos se van alejando, imperceptiblemente van perdiendo el ritmo simétrico debido a la pérdida de energía, el desajuste de la máquina y otros factores que son, en definitiva, la vida y la muerte. Es la obra Amantes perfectos (Perfect Lovers) de Félix González-Torres, una poesía visual, una celebración del luto por la pérdida del amor de su vida.

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Utilizaba al objeto y su potencial político, y al mismo tiempo consideraba profundamente las dinámicas expositivas alrededor de la obra.

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Félix Gonzáles Torres
Nació el 26 de Noviembre de 1957 en Cuba y murió a la edad de 38 años a causa de Sida.
Conocido por ser minimalista en las que utilizaba materiales como bombillas, relojes, pilas de papel o dulces empaquetados.

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Yessica Zavaleta

Banksy

Es conocido por sus trabajos de arte urbano o callejero (street art) desde un enfoque comprometido. Hasta el día de hoy no se conoce la identidad del artista. Apenas se sabe su origen: nació en Yate, en Bristol, Inglaterra. Sus obras comenzaron a aparecer en 1993, y hacían referencia a la sociedad contemporánea con una fuerte perspectiva revolucionaria y antibelicista.

Sus principales obras son:
El amor está en el bote de basura.
Niña con el globo
Policías besandose
Slave labour

https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&url=https://www.culturagenial.com/es/obras-banksy/amp/&ved=2ahUKEwiqqoXNvbbvAhURQ80KHauhAawQFjAEegQILBAC&sqi=2&usg=AOvVaw2DY4pJOo4CB98FFEnXtLk-

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*Lygia Clark nació el 23 de octubre de 1920, en Belo Horizonte, Minas Gerais (Brasil).
*Recibió una educación tradicional, en colegios religiosos que debía chocar bastante con su carácter anárquico, destartalado rebelde .
*Era mala estudiante y su paso por el colegio debió ser un tanto caótico, no su interés por el arte.
* Así que, hacia 1940 se trasladó a Río de Janeiro donde recibió formación informal de Roberto Burle Marx y Zélia Ferreira Salgado. Años después, en París continuó estudiando con Fernand Léger y Árpád Szènes.

*Del mismo modo que caminaba por las fronteras del arte y de lo canónico, Clark rechaza la definición de artista como un ser distante, al margen del espectador —de hecho, se autodenominaba “no artista”—. El público es parte de su obra y como tal pretende integrarlo en el ella.
*Dedicó la primera década de su carrera artística a la abstracción geométrica.
*A partir de 1960 analiza la estética conceptual en busca de una obra más social y participativa, reflejo de los postulados del arte neoconcreto. Ya antes se había interesado por los planos tridimensionales y la facultad de crear experiencias sinestésicas.
*Neoconcretismo sólo concibe la obra de arte en interacción con el espectador, creando de este modo otra obra distinta.
*Los neoconcretistas buscan la recuperación de la subjetividad, la emoción y el aura de la obra. *Particularmente, Clark rompe con la noción del objeto artístico aislado, convirtiendo al espectador en parte de la pieza, en objeto visual, táctil y participativo. Tales son las ideas que preceden a sus famosos Bichos.
*Consigue así que la pieza artística se transforme en elemento transmisor de emociones y energías. “Yo le daba el nombre de «bichos», pues su carácter era fundamentalmente orgánico, escribía. Además, la bisagra de ensamblaje entre los planos, me recordaba una espina dorsal”.

Nostalgia del cuerpo: diálogo.

*Más adelante, rondando ya la década de los 70, la participación de los espectadores se vuelve intrínseca a la representación. No se trata de crear objetos, sino ambientes específicos para estimular la percepción. Para ello se vale de gafas, escafandras, guantes y otros artículos cotidianos. Llega incluso a utilizar plásticos, sacos, telas o hilos para que el participante crease su propia forma. Con ello pretendía recuperar el sentido del tacto, mostrar cómo se puede mirar a través del mismo.

*La idea de estos “experimentos colectivos” consiste en “abolir el objeto” y “convertir a la persona, célula de una arquitectura biológica constituida por su propio cuerpo, en objeto de su propia sensación”, explicaba.

*Durante los últimos años de su vida, entre 1976 y 1980, se dedicó exclusivamente a la terapia individual mediante objetos relacionados. Con ellos pretendía reconquistar la memoria del cuerpo y las sensaciones, deseos, fantasías o dramas olvidados a través de la experiencia sensorial.

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Jenny Saville nació en Cambrigde, en 1970. Actualmente vive y trabaja entre Londres y Palermo.
Estudió en la Glasgow School of Art (1988-1992), y se le concedió una beca de seis meses para la Universidad de Cincinnati, acabando su formación en la Slade School Of Fine Art (1992-1993).
Saville ha desarrollado su carrera dentro de la tradicional técnica de la pintura al óleo, en un estilo figurativo heredero de la Nueva figuración de los años 1950 y 1960, con influencia de Rubens y Lucian Freud. Desde su debut en 1992, su temática se ha centrado en el cuerpo de la mujer, en pinturas a gran escala, con figuras vistas desde perspectivas poco usuales, donde los cuerpos semejan montañas de carne que parecen llenar todo el espacio, con predilección por mostrar las zonas genitales, o por imperfecciones y heridas de la piel, con colores brillantes, intensos, dispuestos por manchas, predominando los tonos rojos y marrones. Generalmente son cuerpos obesos —frecuentemente se autorretrata a sí misma—, donde la carne forma pliegues y arrugas, con unas formas monumentales que parecen la visión que un niño tiene de un adulto. Inspirada por Courbet y Velázquez, pinta a la mujer real, de hoy día, sin ningún tipo de idealización, sin buscar la belleza, sólo la veracidad, realizando —como ella misma denomina— «paisajes del cuerpo».

Fuente:
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Jenny_Saville

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Aunque casi desconocido fuera de México (e incluso allí), Melquiades Herrera (1949-2003) fue uno de los artistas más prolíficos y polifacéticos que emergieron en la década de 1970 en ese país. La obra de Herrera, hoy considerado una figura pionera del conceptualismo y del arte de performance, se enfocó obsesivamente en lo cotidiano y particularmente en los objetos de fabricación masiva (goma de mascar, pelotas de hule, confeti, tazas decorativas de mercadillo, botellas de Coca-Cola, etc.), tanto locales como transnacionales. Coleccionaba estos objetos de manera casi compulsiva —las historias de sus viajes semanales a los mercados locales son legendarias— y los utilizaba luego en sus performances, intervenciones e instalaciones. Herrera le apuntó a la intersección entre la alta y baja cultura al traducir y reconfigurar el mundo de la cultura popular con un humor característico y un ingenio mordaz. Su uso del humor evidenciaba una amplia fascinación con Marcel Duchamp, pero Herrera ensanchó el concepto del readymade al ámbito de la acción performativa, difuminando las fronteras entre arte y vida, arte y mercancía y el papel del artista como creador, traductor y educador.

A lo largo de su carrera, Herrera realizó numerosas acciones, a menudo en forma de parodia, para llamar la atención sobre el absurdo que encontramos con frecuencia no solo en la vida cotidiana sino también en el mundo del arte: aceptó en 1978 el inexistente Premio Nobel de Arte y publicó un artículo sobre el tema; fue anfitrión de su propio programa de televisión, en el que enseñaba a los espectadores cómo usar una colección de peines (Venta de peines, 1993); y más tarde realizó Uno por 5, 3 por diez (1995), un falso documental sobre el comercio del mercado negrode Ciudad de México. Estos ejemplos de acciones e intervenciones irónicas (entre muchos otros) se complementaron con proyectos que se ocupaban específicamente de objetos apropiados o del «arte encontrado» que Herrera capturaba en espacios urbanos, como lo hizo en su serie Polaroids de grafitis, avisos publicitarios, carros y camiones pintados extravagantemente, anuncios hechos a mano y otros artículos propios de la vida moderna. En manos de Herrera, los bienes comerciales encontrados se reconfiguraban y adaptaban para formar nuevos objetos con nuevos usos, como una botella de coñac que adaptó como boquilla para cigarrillos. Aunque se documentaron con fotos, videos o por escrito, muchos de estos proyectos eran intencionalmente efímeros, una estrategia que cuestionaba la atribución de valor al objeto de arte. Sin embargo, este factor también fue la causa de que la obra de Herrera se borrara de la memoria institucional y de las historias oficiales, y en consecuencia, que su esencial papel en el desarrollo artístico de los años setenta en adelante haya sido generalmente pasado por alto.

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Artista serbia. Nació en Belgrado en 1946. Realizó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Belgrado de 1965 a 1970 y posteriormente obtuvo un posgrado en Zagreb. Perteneció, junto con Rasa Todosijevic, Zoran Popovic, entre otros, al grupo de artistas que exponían y hacían performance en el Studenski Kulturni Centar de Belgrado. Al inicio de su carrera realizó pinturas al óleo, dibujos y textos. En 1973 inició la realización de pruebas con medicinas y objetos peligrosos para comprobar su resistencia física y psíquica. A lo largo de su carrera ha presentado su obra a través de instalaciones, video-arte, performances y experiencias extremas de automutilación corporal, las cuales implican un riesgo genuino y ponen a prueba tanto en ella como en el espectador el sentido de corporalidad, a la vez que exploran los límites y los sentimientos ante la vulnerabilidad inherente a los encuentros humanos.

En 1975 la artista, representante del body art, empieza a trabajar con Ulay (artista germano-occidental), realizando una serie de trabajos y viajes centrados en experiencias interculturales y en diversas cuestiones referentes a las culturas arcaicas que han observado durante estos recorridos. Juntos trabajan con los conceptos de tiempo, movimiento constante, cambio, proceso y supervivencia del cuerpo humano. Realizan una serie de performances en donde buscan la provocación al exponerse a sí mismos y ponen a prueba su capacidad de resistencia ante situaciones peligrosas. A través de contactos físicos y psicológicos, de la meditación trascendental y la comunicación no verbal, exploran el dolor y el sufrimiento existente en las relaciones entre ellos mismos y el público. Esta colaboración finaliza en 1988, cuando ambos artistas realizan por noventa días una exploración de la Gran Muralla China. A partir de esta fecha, Abramovic trabaja sola e intenta producir, a través de una serie de instalaciones, la transición entre la conciencia individual y colectiva, apoyándose en la colocación y manejo de diversos objetos y materiales como madera, cristales y piedras.

Ha complementado su trabajo artístico con la actividad docente que ha desempeñado en las Academias de Bellas Artes de Novi Sad y Hamburgo, siendo catedrática en esta última de 1992 a 1995. Es autora, junto con Ulay, de varias publicaciones y su trabajo ha sido presentado de manera individual y colectiva en museos y centros culturales importantes de países como Italia, Suecia, Alemania, Holanda y Yugoslavia.

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(La Habana, 18 de noviembre de 1948 – Nueva York, 8 de septiembre de 1985) fue una artista conceptual, escultora, pintora y videoartista nacida en Cuba y criada en Estados Unidos. Es especialmente reconocida por sus obras de arte y performances en el marco del land art (arte terrestre). Llegó a Estados Unidos como refugiada en 1961 cuando tenía 12 años a través de la Operación Peter Pan y regresó a Cuba en varias ocasiones para recuperar sus raíces. También viajó por México y Europa. Fue asesinada a los 36 años, en 1985, al ser empujada desde la ventana de su apartamento situado en el piso 34 por su marido, el artista estadounidense Carl Andre, quien fue juzgado por asesinato y absuelto. El trabajo de Mendieta era conocido sobre todo en el entorno de la crítica de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente a partir de una retrospectiva del Whitney Museo de Arte Estadounidense en 2004¹​ y la retrospectiva en la Galería Haywart en Londres en 2013²​ está siendo revaluada como una artista pionera según el curador Ralph Rugoff por sus matices que "van desde el punto de vista nómada a las prácticas asociadas con el arte corporal, el arte terrestre, la performance, la escultura, la fotografía y el cine".³​ Ella describió su trabajo como "earth-body" art.

Desde su primera exposición individual en 1971 cuando estudiaba en la Universidad de Iowa hasta su muerte creó diversas colecciones de trabajos que incluyeron siluetas de su cuerpo creadas en barro, tierra, rocas, flores silvestres y hojas. Elaboró performances que evocaban las tradiciones populares centrándose con frecuencia en la práctica de santería. En sus piezas utilizaba a veces la sangre "como un elemento mágico y poderoso" que evocaba el poder de la sexualidad femenina y el horror de la violencia sexual masculina. En sus fotografías auto-retrato distorsionaba sus rasgos en vidrio, se imaginaba a sí misma goteando en sangre o disfrazada de hombre pegándose vello facial.³​ Entre sus primera obras está Silueta. En 1973, consternada por la brutal violación y asesinato de Sara Ann Otten, una estudiante de enfermería de la Universidad de Iowa, Mendieta se untó con sangre y se ató a una mesa, invitando a la audiencia a dar testimonio.⁴​ A lo largo de su carrera trabajó en Estados Unidos, Cuba, México e Italia.

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Damien Hirst Steven ¹​ (n. 7 de junio de 1965) es un artista, empresario y coleccionista de arte inglés. Es el miembro más prominente de The Young British Artists (o YBAs),²​ quienes dominaron la escena del arte en Reino Unido durante la década de 1990.³​ Su trabajo es reconocido a nivel internacional,⁴​ es considerado, también, el artista vivo más rico del Reino Unido, con aproximadamente 215 millones de libras según el Sunday Times Rich List de 2010.⁵​⁶​ Durante la década de los 90 su carrera estuvo estrechamente vinculada con el coleccionista Charles Saatchi, pero crecientes problemáticas entre los dos llegaron a un punto crítico en 2003 y la relación terminó.⁷​Provocar y escandalizar es el tema central en la obra de Hirst.⁸​⁹​ Se hizo famoso por una serie de obras en las que conservó, en formaldehído, animales (incluyendo un tiburón, una oveja y una vaca). La obra más conocida de esta serie es The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, un tiburón tigre de 14 pies (4,2672 m) sumergido en formol en una vitrina transparente. También ha hecho "pinturas de espín", creadas en una superficie circular girando y "pinturas al contado", filas de círculos de colores ordenados al azar y creados por sus ayudantes.

En septiembre de 2008, y como algo sin precedentes para un artista vivo,¹⁰​ vendió una exposición completa, Beautiful Inside My Head Forever, por subasta en Sotheby's.¹¹​ La subasta superó todas las previsiones, elevando a £111 millones ($198 millones de dólares), rompiendo el récord para una subasta de artista individual,¹²​ así como el suyo propio (10.3 millones de libras) por The Golden Calf, un becerro con cuernos y pezuñas de oro de 18 quilates, conservado en formaldehído.¹¹​

En varios casos desde 1999, las fuentes de algunas de las obras de Hirst han causado controversia, siendo acusadas de plagio en artículos escritos por periodistas y artistas. En uno de los casos se llegó a un procedimiento judicial que fue resuelto fuera de los tribunales.¹³​

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Nacida el 22 de marzo de 1929) es una artista japonesa. A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg.¹​ A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del avant-garde.

Nacida en Matsumoto (Nagano) en una familia de clase media alta de comerciantes de semillas,²​ Kusama comenzó a crear arte desde una edad muy temprana, lo que la llevó a estudiar Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto en 1948. Frustrada con este estilo japonés, ella se interesó en el avant-garde americano y europeo, montando varias exhibiciones solistas de sus pinturas en Matsumoto y Tokio durante la década de 1950. En 1957 se mudó a los Estados Unidos, estableciéndose en la ciudad de Nueva York donde produjo una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto. Kusama cambió a la escultura y la instalación como sus medios principales y se convirtió un elemento fijo del avant-garde de Nueva York con sus trabajos expuestos al lado de Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal a principios de la década de 1960 cuándo la artista se asoció al movimiento del Arte pop. Acogiendo el ascenso de la contracultura hippie de finales de los años sesenta, Kusama llamó la atención del público cuando organizó una serie de happenings en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes.

En 1973, Kusama se mudó de vuelta a Japón, donde ella encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Ella se convirtió en marchante de arte pero su negocio fracasó años después; más adelante padeció de problemas psiquiátricos y en 1977 se internó voluntariamente en un hospital, donde ella ha vivido el resto de su vida. Desde entonces, ella continúa produciendo obras de arte en diferentes medios y lanzó su carrera literaria con la publicación de varias novelas, poesía y una autobiografía.

El trabajo de Kusama está basado en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal, arte pop, y expresionismo abstracto, además de estar fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Kusama también es una novelista y poeta publicada, y ha creado trabajos notables en filmes y diseño de moda. Retrospectivas de gran tamaño e importancia han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense, y el Tate Modern, mientras que en 2008 Christie's en Nueva York vendió una de sus obras en $5.1 millones de dólares, un récord para un artista mujer con vida.³​