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Grâce à ses services d'accompagnement gratuits et stimulants, Alloprof engage les élèves et leurs parents dans la réussite éducative.

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Unité 1. 2 Degrée d'iconicité. Ampliation

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Unité 1. 2 Degrée d'iconicité. Ampliation

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Unité 2. Du début de l'image à l'ère numérique

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Unité 2. Du début de l'image à l'ère numérique

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PROJECT FOR FORENSIC PHOTOGRAPHY (CAMERA OBSCURA)

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Unité 3. Ressources expressives de l'image

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Unité 3. Ressources expressives de l'image

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Schéma de composition (no està complet, el teniu en castellà al costat per acabar la unitat)

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Schéma de composition (no està complet, el teniu en castellà al costat per acabar la unitat)

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ud.4 la composición esquema compositivo.

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UD.4 LA COMPOSICIÓN ESQUEMA COMPOSITIVO. - ppt descargar

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ESQUEMA COMPOSITIVO ¿Qué es? Aspectos fundamentales: Es la ordenación de los diferentes elementos visuales que forman parte de la composición. Es la base para articular el lenguaje plástico. Aspectos fundamentales: El formato. Esquemas compositivos simples y compuestos El Equilibrio visual.

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1. La photographie

2. La bande déssinée

3. Médias de masse

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Règles fondamentales de composition de photos

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Règles fondamentales de composition de photos

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Règles fondamentales de composition de photos 

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Chaque une des filles cherche des informations sur un photographe très célèbre est prépare une présentation sur son travail.

Exemples: Cartier Bresson et Richard Avedon, ou une autre qu'elles choississent.

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✏️ C'est quoi la Bande dessinée ? Apprenez son histoire et les différents types de BD

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Activités bande déssinée. À faire dans la classe

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Activités bande déssinée. À faire dans la classe

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1. Faire une bande déssinée à la main. (Histoire en 1 page)

2. Faire une bande déssinée avec un programme en ligne. (Salle d'ordinateurs)

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📖C’est quoi les mass médias ?  Médias mass et la communication 📝📚

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Le role des mass média dans le monde aujourd'hui

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Le role des mass média dans le monde aujourd'hui

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du rôle

des mass media

dans le monde

d'aujourd'hui

Docteur es-lettres, Maître-Assistant à la Faculté des Lettres de Caen, David Victoroff a fait des recherches au Centre d'Etudes de Radio et de Télévision de la R.TJ?., et en a publié les résultats dans plusieurs revues. Il est l'auteur de plusieurs livres de sociologie : " Le rire et le risible ", " Mead, sociologue et philosophe ", " Guide de l'étudiant en sociologie et morale "... Citons aussi, parmi les articles de cette auteur : " L'applaudissement, une conduite sociale " (Année Sociologique, 1955-56) et " Puissance persuasive du message radiophonique " (Revue de Synthèse, avril-juin 1956).

1. Remarques liminaires

La < civilisation technicienne " (1), qui tend à s'imposer un peu partout dans le monde au XX* siècle, est marquée spectaculairement par le rôle de plus en plus important qu'y jouent les mass media. La presse à grand tirage, le cinéma, la radio, la télévision sont ou tendent à devenir, "pour l'immense majorité des hommes, la source principale de toute information, aussi bien que de toute distraction. Le prodigieux essor technique qui a rendu possible ce développement des communications de masse est d'origine relativement récente. Au début de ce siècle, trois des plus puissantes techniques de diffusion collective étaient pratiquement inexistantes. Quant à la quatrième, la presse à grand tirage, et partant à bon marché, elle était encore loin d'avoir pris l'ampleur qu'elle a de nos jours.

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Du rôle des mass-media dans le monde d'aujourd'hui - Persée

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du rôle des mass media dans le monde d'aujourd'hui Docteur es-lettres, Maître-Assistant à la Faculté des Lettres de Caen, David Victoroff a fait des recherches au Centre d'Etudes de Radio et de Télévision de la R.TJ?., et en a publié les résultats dans plusieurs revues.

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La presse est née en Europe occidentale, un siècle et demi après la naissance de l'imprimerie, dans les premières années du XVIIe siècle. Les premiers titres paraissent aux Pays-Bas (Anvers et Amsterdam), puis à Strasbourg, Bâle, Francfort et Berlin. En France, l'histoire de la presse commence avec la Gazette, fondée en 1631 par Théophraste Renaudot.

Publiée chaque vendredi à partir du 30 mai 1631, elle se présente sous la forme d'un hebdomadaire de 4 pages qui est tiré entre 300 et 800 exemplaires, sans compter les numéros spéciaux consacrés aux grands événements. Véritable organe d'information du gouvernement, la Gazette va fonctionner jusqu'en 1762 ; puis, directement rattachée au ministère des Affaires étrangères, elle prend le titre de Gazette de France. Elle est, avec le Journal des savants (créé en 1665) et le Mercure Galant (1672), un des trois grands journaux de la seconde moitié du XVIIe siècle.

La presse moderne naît en France avec la Révolution de 1789 : presse d'opinion, qui prendra son essor beaucoup plus tard sous la monarchie de Juillet. La presse telle que nous l'entendons aujourd'hui comme moyen de communication de masse ne naîtra vraiment qu'au XIXe siècle. La révolution industrielle, le développement de la population urbaine et les progrès de l'alphabétisation favorisent l'apparition de nouveaux lecteurs. Tandis que les titres se multiplient, les tirages augmentent grâce à de nouveaux procédés techniques.

C'est le moment de la création des grandes agences d'information internationales dont la doyenne est l'Agence Havas, fondée en 1832 par Charles Louis Havas. Ce sont des employés de cette société qui créeront à leur tour leurs agences dans leurs pays respectifs : Julius Renier, qui crée à Londres, en 1852, l'Agence Reuter et Bernard Wolf, qui fonde à Berlin, en 1849, le Bureau de correspondance télégraphique. Au même moment se crée aux États-Unis l'Associated Press (1848), destinée à recueillir et à diffuser les nouvelles qui viennent d'Europe. Les lecteurs de plus en plus nombreux - conséquence de l'alphabétisation et de l'école obligatoire - se passionnent tout à la fois pour les faits divers, qui font la fortune du Petit Journal et pour les lointains théâtres d'opérations militaires.

Tout concourt à l'abaissement du prix des journaux, encore fort élevé au début du XIXe siècle : les perfectionnements techniques qui permettent de tirer plus vite davantage d'exemplaires, donc de satisfaire la curiosité d'un public plus large, mais qui n'est cependant disposé à acheter qu'à la condition d'une diminution du coût d'achat à l'exemplaire. C'est justement cette capacité de toucher un large public qui intéresse à leur tour les services commerciaux des grandes entreprises qui commencent à vendre des produits de grande consommation et qui, du même coup, sont prêtes à considérer le journal comme un support publicitaire. Cette émergence de la publicité va permettre au journal de se vendre deux fois : une première fois, et en bloc, à l'annonceur, une deuxième fois, et exemplaire par exemplaire, à l'acheteur. À cet égard, l'évolution des journaux aux États-Unis est exemplaire : une presse bon marché et à scandale se développe et devient un support de choix pour les publicitaires, véritables financiers du journal. Manchettes, mises en page, rubriques, nouveaux types d'articles sont essayés par l'un et par l'autre pour rendre les journaux plus attractifs. On invente les éditions dominicales, on publie des bandes dessinées, on utilise déjà la couleur...

C'est un mouvement analogue qui se produit encore plus tôt en France avec la naissance d'une presse bon marché. L'initiative en revient à Émile de Girardin, le père de la presse moderne, avec le lancement du journal la Presse (1836), dont le prix d'abonnement diminué de moitié par rapport à la concurrence s'élève à 10 centimes le numéro. Les tirages de l'ordre de 150 000 exemplaires en 1850, atteignent le million en 1870. Le mouvement s'amplifie avec la presse à 5 centimes : le Petit Journal, avec sa " une " en couleur, dépasse le million d'exemplaires en 1900 et quinze ans plus tard le Petit Parisien (ancêtre lointain du Parisien libéré) avec son million et demi d'exemplaires est le plus fort tirage des journaux du monde entier à cette époque-là.

Posée en principe par la Déclaration des Droits de l'Homme, la liberté de la presse est proclamée sous la IIIe République (1881), qui est l'âge d'or de la presse.

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La presse est née en Europe occidentale, un siècle et demi après la naissance de l'imprimerie, dans les premières années du XVIIe siècle. Les premiers titres paraissent aux Pays-Bas (Anvers et Amsterdam), puis à Strasbourg, Bâle, Francfort et Berlin. En France, l'histoire de la presse commence avec la Gazette, fondée en 1631 par Théophraste Renaudot.

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Quels sont les effets des médias de masse sur enfants et adolescents?

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Le cinéma constitue, à n'en point douter, un monument des arts majeurs. Dans cet article, nous allons tenter la prouesse de vous résumer l'histoire du cinéma de ses ancêtres, à sa création par les Frères Lumière, jusqu'à aujourd'hui. Nous nous attarderons d'abord sur le cinéma muet, souvent méconnu de nos jours, alors que sa place dans l'histoire du cinéma est essentielle. Puis, nous évoquerons le cinéma parlant, et le boom du 7ème art post-seconde guerre mondiale. Enfin, nous nous interrogerons sur la 3D, révolution avortée du cinématographe ainsi que les changements de diffusion et production de l'industrie.

Les dates clés de l'histoire du cinéma : rafraîchissement

L'histoire du cinéma ne peut être étudiée sans en comprendre l'évolution technologique. Les deux allants de pairs depuis sa création, je vous propose tout d'abord les dates essentielles pour comprendre l'évolution technique du cinéma.

1816 : Invention de la photographie par Nicéphore Niépce.

1888 : Invention du celluloïd

1891 : Thomas Edison et les premiers pas du cinéma

1892 : Le premier dessin animé

1895 : Création du cinématographe des frères Lumière

Le 28 décembre 1895 : Première séance publique de projection du cinématographe

15 mai 1902 : Le Voyage sur la Lune de George Melies, 14 minutes de narration.

1905 : Apparition des nickelodeons à Pittsburgh, premières "salles de cinéma"

Le 6 août 1926 : Les Warner présentent le vitaphone, le son au cinéma n'est pas loin.

Le 6 octobre 1927 : The Jazz Singer: le premier film sonore.

1932 : Le premier film en couleur avec le Technicolor, Des arbres et des fleurs" (1932) Silly Symphonies.

1950 : La TV devient un objet populaire.

1952 : Le cinéma en relief

1972 : Le son Dolby arrive dans les salles

L'histoire du cinéma doit être étudiée suivants trois piliers : son évolution technologique, son évolution artistique mais aussi l'évolution de sa diffusion.

La caméra obscura

Parlons dans un premier temps de la projection de l'image, dispositif clé de ce que sera le cinéma par la suite.

C'est durant l' Antiquité que l'homme découvre la caméra obscura, ancêtre du cinéma.

Grâce à une chambre obscure percée, la lumière du soleil projette sur un mur une image. La projection de ces images devient un spectacle, une attraction divertissante.

Le début de la reproduction du mouvement

Au début du XVIII siècle, la lanterne magique fait son apparition. Par un procédé de projection lumineuse sur plaque de verre peinte, une image animée par successions de plaques est projetée devant un public. Bien que rudimentaire, le mouvement de l'image commence à faire son petit bonhomme de chemin.

En parallèle, le concept de persistance retienne essentielle à la perception du mouvement voit le jour. Le thaumatope, le zootropee font leurs apparitions.

L'invention de la photographie :

En 1816, soit près de 80 ans avant la première projection cinématographique, le chercheur Nicéphore Niepce parvient à capturer et reproduire sur une plaque recouverte de sel d'argent une photographie.

La capture du réel par reproduction devient possible.

Toutefois, son invention paraît difficile à dater puisque les premières photographies ont disparu. Les dates semblent cependant tendre vers 1816 pour sa création et 1827 pour son application réelle.

Payer pour voir un film ? Le kinétoscope

En 1893, le kinetoscope envahit les foires. A travers un petit trou, le spectateur, seul, paye une petite pièce pour faire tourner une sorte de roue projetant une image animée. Souvent comiques ou cochons, cette invention est quelque part l'ancêtre du GIF !

Notez que le fait de payer pour voir représente les balbutiements de l'industrie cinématographique.

Grâce à une invention remarquable proche de la machine à coudre qu'ils nommeront cinématographe, les frères Lumières parviennent à capturer le réel puis projeter des images animées à 16 images/seconde !

Ils organisent les premières projections cinématographiques publiques de films le 28 décembre 1895. En 1896, les Lumières entreprennent une tournée promotionnelle afin de faire connaître leur invention. Pendant cette période, ils autorisent plusieurs personnes et entreprises à utiliser cette même technologie grâce à un système de licences d'utilisation de l'appareil. Cependant, jusqu'en 1903, le cinéma n'était encore qu'une attraction. Il s'agissait seulement des expérimentation des frères Lumière avec des prises de vues telles que Arrivée d'un train en gare de La Ciotat. Il est difficile à ce moment là de parler de narration ou même de procédés cinématographiques.

Un outil de recherches et de sciences

L'outil cinématographique permettra cependant de belles avancées dans l'étude des mouvements que l'oeil seul ne pouvait pas analyser ou percevoir. Pensons notamment au travail du physiologiste Étienne-Jules Marey sur "le mouvement animal" grâce à la chronophotographie.

" Cette connaissance ne pouvait être acquise par l'observation simple, car l'attention la plus soutenue, concentrée sur l'action d'un seul muscle, a grand'peine à en saisir les phases d'activité et de repos, même dans l'allure la plus lente. Comment alors pourrait-on espérer de saisir à la fois l'action de tous les muscles des membres à toutes les phases d'une allure rapide? "
Étienne-Jules Marey

Ou encore au travail de Edward James Muggeridge (Muybridge) sur la décomposition photographique du mouvement qu'il nommera par ailleurs " description de la locomotion animale ".

Pour anecdote, son travail permettra une avancée certaine dans la représentation par les peintres du mouvement complexe de course des chevaux, mal représenté jusqu'alors.

Et le son ?

Les premières tentatives de son l'image apparaissent grâce aux travaux de Demeny sur le Photonoscope. Nous sommes en 1892, la convergence du son et de l'image avance. Anecdote amusante, Demeny enregistrera le premier "Je t'aime" facecam sur disque de verre.

N'oubliez pas que le "son" existe déjà depuis les débuts des images animées. Joué durant la projection par des acteurs et un orchestre, le film était bien joué en musique en live. C'est la capture sur bande et sa rediffusion synchronisée qui fait un pas en avant.

Le premier film à succès, Le Voyage dans la lune, a été créé par Georges Méliès en 1902. Le langage cinématographique se construit comme un art narratif. Le truquage, le montage, l'histoire et les acteurs font leurs apparitions. Puisque le son n'est pas encore d'actualité, Méliès met en place un système de cartons pour narrer son histoire.

Le Voyage dans la lune

Cinéma burlesque et propagande soviétique

Le premier genre cinématographique, le burlesque, a été développé en 1908, lorsque le cinéma a été reconnu comme une forme d'art, grâce à des acteurs tels qu'André Deed et Max Linder.

Le langage du cinéma se construit peu à peu notamment grâce à D.W. Griffith entre 1908 et 1913.

Toutefois, si le cinéma se développe en copiant la narration du théâtre aux USA et en France, il connaîtra une autre utilisation côté soviétiquee.

A partir de 1917, après la révolution d'octobre, en raison de la nouvelle grammaire cinématographique élaborée par les cinéastes soviétiques, dont Dziga Vertov et Sergei Eisenstein, l'objectif des cinéastes soviétiques est d'utiliser cet art encore avant-gardiste au service de la propagande communiste. Il faut diffuser au plus grand nombre la magnificence du régime soviétique.

La langage cinématographique devient expérimental et le montage vecteur d'une énergie nouvelle.

Impressionnisme et expressionnisme sur grand écran

Simultanément, deux autres orientations d'avant-garde prenaient forme : L'impressionnisme en France et l'expressionnisme en Allemagne. La première a débuté en 1916, mais a pris de l'ampleur en 1921 et s'est poursuivie jusqu'à la fin des années 1920.

Le second mouvement prend son envol en 1919 avec Le Cabinet du Dr Caligari de Robert Weine. Charlie Chaplin, figure emblématique du burlesque américain, émerge également durant cette décennie en tant qu' acteur comique dans de nombreux films. L'expressionnisme allemand met en avant le mal-être germain par une utilisation originale des décors et un ton fantastique témoin du malaise de l'époque.

Le Cabinet du Dr Caligari de Robert Weine.

Le cinéma comique : de Buster Keaton à Chaplin

L'histoire a surtout retenu Charles Chaplin comme réalisateur, et surtout acteur comique de légende. Mais, il a été précédé par un autre monument du cinéma muet, l'acteur américain Buster Keaton. Celui-ci joue des rôles qui l'ont rendu immortel pour le public américain. On pense spontanément à son premier rôle dans Le Mecano de la General, un film où il joue ce héros que l'on attend pas, frêle conducteur de train qui va faire basculer la guerre grâce à ses ruses (et aussi grâce au hasard. Buster Keaton, c'est presque une centaine de films au total. Ce fut une des premières légendes Holywoodiennes, une star du cinéma muet.

Après son immense succès auprès de ses contemporains, il inspire les plus grands, à commencer par Charles Chaplin qui lui offrira la vedette bien plus tard, dans Les Feux de la Rampe en 1952.

Après les précurseurs du cinéma muet, intéressons-nous à l'essor de cette première forme du 7ème art dans le monde entier. Grâce au cinéma muet, l'Amérique tombe amoureuse des films et Hollywood nait. Mais, en France et en Europe, de grands réalisateurs voient aussi le jour.

Le cinéma muet en France

Le succès du cinéma muet en France est également dû à l'émergence d'une nouvelle vague de réalisateurs talentueux originaires de Scandinavie (Danemark, Suède et Norvège), dont Victor Sjöström, Mauritz Stiller et surtout Carl Theodor Dreyer. Ces cinéastes ont contribué à lancer la grandeur du cinéma français en adaptant certains de leurs films pour le marché français, comme Vampyr ou La Passion de Jeanne d'Arc.

Le film de Dreyer, la passion de Jeanne d'Arc, est un petit bijou audacieux. Jamais les visages n'ont été si bien filmé. Le cinéma capture le gros plan et le divin.

La passion de Jeanne d'Arc, de Carl Theodor Dreyer en 1927

Le cas de René Clair : un novateur français

Tout au long de sa carrière qui s'étend sur plus de 40 films entre 1910 et 1958, le réalisateur français René Clair a donné de nouvelles règles à l'esthétique du cinéma en combinant l'art moderne et les techniques de montage pour créer des images surréalistes avec des étonnants liens thématiques.

La carrière de Charlie Chaplin

Chaplin a tourné plusieurs films à succès avec la compagnie américaine d'Adolph Zukor avant de passer au First National Studio en 1918. Après The Kid (1921), où il joue le rôle d'un jeune père, Chaplin réalise The Pilgrim (1923) en extérieurs dans le Massachusetts et le Maine, qui devient son premier film américain sans dialogue... Il a également joué deux personnages simultanément - l'inepte Alonzo Hawk et son rival beauf John Sliver - tous deux essayant de faire la cour à Edna Purviance.La présence à l'écran du célèbre clochard était parfaite pour le rôle d'un gentleman voleur ou d'un politicien opportuniste. Au cours de cette période (1918-1923), il réalise également Une vie de chien (1918), Bras d'épaule (1918), Le Bond (1920), Pay Day (1920).

Hollywood : la naissance des studios mythiques du cinéma américain

Les premiers grands studios d'Hollywood, comme laet (qui deviendra Columbia Pictures) ouvrent leurs portes en 1918. L'année suivante, la Columbia prend en charge la production de films, ce qui donne naissance à la grande industrie cinématographique américaine telle que nous la connaissons aujourd'hui avec ses beaux décors clinquants et ses films extravagants. Un autre studio, Universal Pictures, est lancé en 1912 par Carl Laemmle. Il créa un style proche de celui du burlesque avec des effets spectaculaires et des figures mythiques comme Frankenstein et Dracula, qu'il utilisait dans ses films. Il réussit ainsi à créer un nouveau genre d'horreur dans une tradition américaine qui avait déjà vu les œuvres d'Edgar Poe adaptées sur grand écran.

Le premier film parlant, Le chanteur de jazz, est sorti en 1927. Le passage au cinéma sonore n'est pas sans difficultés ; de nombreux grands noms du septième art voient leur carrière décliner parce qu'ils n'ont pas su s'adapter.

L'apparition du son entraîne la fin du cinéma muet

Mais le cinéma muet disparaît définitivement dans les années 1930. Rares sont les acteurs qui ont réussi cette transition. En effet, le poids des mimiques et de la gestuelle a considérablement diminué pour tendre vers un jeu plus naturel où la voix et les intonations avaient désormais une importance considérable. Charles Chaplin en est le meilleur exemple.

La naissance des films parlés a inauguré un nouveau type de cinéma français connu sous le nom de réalisme poétique. L' âge d'or du cinéma français est marqué par les œuvres de Jean Renoir et Jean Gabin, selon les critiques.

Le cinéma américain prend une ampleur mondiale

Dans le même temps, le réseau de distribution américain continue de se développer, pour finalement devenir et rester une partie de l'industrie cinématographique mondiale. Ainsi, tout ce qui est produit à Hollywood parvient inévitablement en Europe dès les années 1930. Le public français connaît aussi bien les stars américaines que les acteurs français. Les Etats-Unis ont compris le poids économique que pouvait représenter l'industrie du cinéma, en même temps que l'atout culturel (soft power) que cet art pouvait représenter pour diffuser leur art de vivre et leur mode de pensée.

Le développement inédit du cinéma italien

Peu avant la Seconde Guerre mondiale, l'Italie s'est fait une place dans l'univers encore très fermé des pays producteurs de cinéma , grâce au dictateur Mussolini qui a fait construire les studios de Cinecitta sous son régime. Néanmoins, il n'a pas pu totalement maîtriser et contrôler cet art naissant. En effet, la censure de Mussolini a été défiée par plusieurs réalisateurs, et le néo-réalisme italien est né avec Ossessione de Luchino Visconti en 1942. D'autres réalisateurs, tels que Vittorio de Sica et Roberto Rossellini, contribuent à l'essor du cinéma italien durant cette période.

Ossessione de Luchino Visconti en 1942

Après la seconde guerre mondiale, le cinéma connaît un nouvel élan. Le nombre de salles continue de croître, et la télévision n'est pas encore apparue. De nouveaux mouvements émergent, notamment en France. Quant à Hollywood, le symbole de la culture américaine continue de se développer, avec moins de films mais davantage de productions.

Le cinéma français d'après-guerre

La fin de la Seconde Guerre mondiale voit la réouverture des salles de cinéma et des sociétés de production qui avaient été fermées pendant la guerre. Un nouveau type de cinéma émerge après les bouleversements provoqués par les changements sociaux tels que la décolonisation, la déchristianisation... Ce nouveau type de cinéma s'appelle le " cinéma vérité ". Il s'agit de montrer sur pellicule la vie quotidienne des gens.

La Nouvelle Vague

La Nouvelle Vague est un mouvement du cinéma français qui a débuté au début des années 1950 et a duré jusqu'à la fin des années 1960. Les 400 coups (1959) de François Truffaud et À bout de souffle (1960) de Jean-Luc Godard sont deux films qui illustrent parfaitement ce mouvement. Ces deux films sont devenus le point de départ de nombreux réalisateurs français et ont démontré que le cinéma de studio classique n'était pas l'unique voie à suivre. La Nouvelle Vague est souvent accompagnée d'un certain climat : les manifestations étudiantes, les événements de mai 1968 et la guerre du Viêt Nam sont autant d'ingrédients qui ont contribué à ce nouveau mouvement cinématographique.

Nouvel âge d'or pour Hollywood

Dans les années 70, le cinéma américain entre dans une nouvelle phase. Les grands studios commencent à sortir moins de films qu'auparavant et leur production augmente considérablement. Quant à Hollywood, ce n'est plus son âge d'or, mais il fait toujours rêver. Il s'est déplacé vers les banlieues où l'on a construit "les usines à rêves". Puis, progressivement, au cours des années 1980, les productions indépendantes ont pris le relais pour des raisons économiques et politiques, et le cinéma populaire est devenu un cinéma grand public : des films comme Terminator (James Cameron), Retour vers le futur (Robert Zemeckis) ou Indiana Jones (Steven Spielberg) représentaient ce nouveau type de cinéma..

Cette évolution s'accompagne également d'une explosion de la cinématographie américaine en dehors de l'Amérique : en Europe mais aussi en France.Avec l'effondrement de l'URSS, et donc avec un énorme marché à conquérir (et à se réapproprier), Hollywood n'allait pas laisser passer cette opportunité.

"Le cinéma est un art d'émissaires" : Marc Fumaroli a cité cette phrase d'André Malraux, auteur célèbre et ancien ministre de la culture français, dans sa conférence sur le cinéma américain à la Sorbonne avant de la lancer sur le sujet : "Un film est comme un ambassadeur. Mais à la différence, par exemple, de la culture ou de la musique, le film est descendu de son piédestal parce que nous l'avons mis dans les multiples formes qui nous entourent maintenant..."

L'arrivée de la 3D au cinéma s'est accompagnée de nombreuses promesses : émerveillement, magie, authenticité... Mais, de plus en plus, cette technologie semble synonyme de confusion, nausée et ennui. Aujourd'hui, on ne parle plus de ces questions, sauf pour s'en moquer. Car si les films en 3D se font encore ( Gravity par exemple), ils sont souvent poussés dans la marginalité ou déviés de leur but initial. Par exemple, le gros blockbuster de cet été, Jurassic World, a dévié de la trajectoire de ses deux prédécesseurs, tous deux tournés en 2D.

La 3D d'abord vue comme un nouvel âge d'or

Dans un premier temps, les films en 3D avaient d'abord semblé signer un nouvel âge d'or du cinéma. Avatar avait fait sensation quand James Cameron l'avait dévoilé au grand public. Ce film avait même signé des records d'audience au box-office. Néanmoins, déjà à ce moment, les critiques fusaient à propos du manque de scénario. En effet, les images et leur côté époustouflant grâce à la technologie 3D avait tendance à éclipser le fond. C'est d'ailleurs ce que l'on reproche en général au cinéma en trois dimensions.

Promesses déçues de la 3D

Au-delà de la promesse du spectaculaire, les films en 3D n'ont pas attiré un grand public depuis leur apogée fin 2011. Les obstacles technologiques sont nombreux, ce qui explique les limites de cette innovation. D'abord, il faut des lunettes pour visionner ce genre de films au cinéma, et le prix de l'entrée est de plus élevé par rapport aux films traditionnels. Ensuite, il est presque impossible de revoir ce film après sa sortie en salle car les télévisions 3D ont fait un vrai flop auprès du grand public.

L'avenir du cinéma se dessine plutôt loin des salles avec le petit écran, non pas la télévision mais l'ordinateur. En effet, des géants sont en train de conquérir de nouvelles parts de marché dans les plateformes de streaming : Amazon Prime Vidéo, Netflix, Apple, ou encore Disney+.

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Histoire du cinéma : cours complet et chronologie résumée

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Le cinéma constitue, à n'en point douter, un monument des arts majeurs. Dans cet article, nous allons tenter la prouesse de vous résumer l'histoire du cinéma de ses ancêtres, à sa création par les Frères Lumière, jusqu'à aujourd'hui. Nous nous attarderons d'abord sur le cinéma muet, souvent méconnu de nos jours, alors que sa place ...

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Dans ce premier vrai article, je vais vous enseigner ou rappeler les bases de l'espace filmique qui vous seront plus qu'utiles pour faire des films ainsi que pour les analyser.

Les Notions de vocabulaire à connaître

Le champ

Ce sont tous les éléments qui sont visibles dans le cadre.

Le hors champ

Ce sont tous les éléments invisibles mais qui restent néanmoins présents dans l'imaginaire du spectateur par divers moyens.

Exemple : Une femme lit un livre dans un parc, on entend des cris d'enfants en fond sonore, on suppose donc que dans ce parc, il y a aussi des enfants.

La profondeur de champ

C'est toute la partie nette de l'image présente dans le cadre. Nous verrons comment jouer sur la profondeur de champ dans un prochain article.

Les différents plans

Le plan est la plus petite unité du film. Il y a généralement plusieurs plans dans une seule séquence. Néanmoins, les séquences en un plan peuvent exister, elle sont appelées " plan séquence ", comme, par exemple l'ouverture du film La Soif du mal d'Orson Wells. Il est à noter qu'un film peut contenir un plan unique, même si cela reste très rare . On retiendra notamment le film La Corde d'Alfred Hitchcock.

Les valeurs de plan

Plan d'ensemble

C'est un plan généralement assez large qui présente tous les éléments nouveaux d'une scène et qui par la même occasion situe l'espace. A noter que le plan d'ensemble n'est pas forcément fixe.

Plan de demi-ensemble

On l'utilise généralement pour concentrer l'attention sur un groupe. Il ne couvre qu'une partie du décor.

Plan Moyen

Plan d'un ou plusieurs personnages cadré(s) de la tête au pied. Il est souvent utilisé en début de scène et permet de placer le personnage dans le décor.

Plan italien

Plan cadrant un personnage au niveau des chevilles. Il était principalement employé dans les westerns " spaghetti ".

Plan américain

Plan cadrant le personnage au niveau des hanches. Il était généralement utilisé dans les westerns pour montrer les colts des cow-boys.

Plan rapproché taille

Plan assez neutre où le personnage est filmé depuis la taille. Il est souvent utilisé pour le reportage.

Plan rapproché poitrine

Plan filmé au niveau de la poitrine, très souvent utilisé pour le dialogue.

Gros plan

Plan qui cadre uniquement le visage ou la tête d'un personnage. Il est généralement utilisé pour donner de l'importance à la réaction d'un personnage suite à un événement nouveau ou une information nouvelle. Il sert à provoquer un certain sentiment d'intimité (comme on dit : " les yeux sont le miroir de l'âme " )

Très gros plan

Il est utilisé pour insister sur un détail très particulier de la dramaturgie : le nez, la bouche, les yeux, etc.

Plan sans valeur prédéfinie

Plan de coupe ou insert

C'est un plan généralement court qui s'attarde sur un élément. Ce plan permet de faire une transition entre deux plans ou plus. Parfois, il peut sauver certaines fautes de raccord entre deux plans.

Plan de réaction

Plan sur un ou plusieurs acteurs. Il nous montre la réaction de ce qui se passe hors du cadre.

Ce plan peut être, par exemple, très utile pour faire comprendre une action que nous n'avons pas les moyens de montrer (trop dur a mettre en scène), car le spectateur l'imaginera à travers le regard du personnage.

Plan Subjectif

Plan qui épouse exactement le point de vue du personnage. Il permet la communion du spectateur avec ce dernier en montrant directement ce qu'il voit.

Plan de contre champ

Quand on parle de contre champs, on se réfère à l'espace hors champs qui faisait dos à la caméra lors du plan précédant.

La transition des plans

Pendant l'ère du cinéma classique (soit de 1930 à 1955), il était étrange, voire mal vu, de sauter une valeur et de passer, par exemple, du plan moyen au gros plan. Néanmoins, de nos jours, les spectateurs bercés d'images sont habitués à ce genre de transitions ; il est donc tout à fait possible d'en intégrer dans vos films sans créer de gênes visuelles.

Il est à noter que tout ce que je vous dis est l'interprétation artistique générale. Mais elle reste néanmoins subjective, et un réalisateur peut très bien vouloir faire passer un sentiment en faisant le contraire de ce que j'ai écrit ci-dessus. De toute façon, il existe des milliers de possibilités de cadrage.

Si vous voulez en savoir d'avantage sur les bases de l'espace filmique, je vous renvoie à la seconde partie : les bases de l'espace filmique partie II qui traite des angles et des mouvements de caméra.
N'hésitez pas à nous faire part de vos remarques réservée aux commentaires ci-dessous 🙂
Romain

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Les bases de l'espace filmique - Partie I

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Dans ce premier vrai article, je vais vous enseigner ou rappeler les bases de l'espace filmique qui vous seront plus qu'utiles pour faire des films ainsi que pour les analyser. Ce sont tous les éléments qui sont visibles dans le cadre. Ce sont tous les éléments invisibles mais qui restent néanmoins présents dans l'imaginaire du spectateur par divers moyens.

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Bonjour à tous.

Après un premier article sur les bases de l'espace filmique, je reste dans ce thème et vous propose de vous expliquer les différents placements et mouvements de la caméra dans l'espace réel.

La hauteur de la caméra

Plan Neutre

Plan cadré au niveau du personnage qui fait du regard du spectateur un regard classique.

Plan en plongée

Un plan où la caméra est supérieure en hauteur par rapport au personnage, ce qui a tendance à l'écraser et à le mettre en position d'infériorité.

Plan en contre-plongée

Cette fois-ci, c'est le contraire. Le personnage est au-dessus de la caméra et dégage une sensation de supériorité.

Une fois que vous avez choisi la hauteur de caméra, il faudra choisir où vous la positionnez dans l'espace par rapport à votre personnage.

La position par rapport au personnage

La caméra peut filmer un personnage de n'importe quel endroit, ce qui offre plusieurs choix. Nous en retiendrons principalement quatre.

Personnage de dos

Les yeux du personnage sont cachés et permettent de donner, en fonction des autres indications de mise en scène, un coté mystérieux, menaçant, ou même pathétique. Je pense pour cela à la première séquence de the Wrestler de Darren Aronofsky dans lequel il filme en plan-séquence un Mickey Rourke de dos, nous communiquant énormément d'informations.

Personnage de face

Quand la caméra cadre avec frontalité, elle place le spectateur de manière assez " violente ", mettant le spectateur face au personnage. On peut penser aux photos de d'Aakermann, qui utilise ce procédé pour montrer la violence de la routine.

Personnage de ¾ face ou de ¾ dos

C'est le plan de base moins abrupt que le plan frontal. Il est davantage neutre et place donc le spectateur à la frontière entre l'intimité et l'observation.

Personnage de profil

Le spectateur est ici un simple observateur. Ce plan est généralement utilisé pour cadrer deux personnages qui se font face, ou alors pour filmer le déplacement d'un personnage dans la largeur.

Je tiens encore une fois à préciser que l'interprétation des plans est subjective. Ainsi, le mariage de valeurs la hauteur et le placement de la caméra, tout cela allié aux autres éléments de la mise en scène tels que le montage, le son, la lumière, la composition du cadre, ou le jeu des acteurs offre des milliers de possibilités de communiquer avec le langage cinématographique qui est, certes, universel, mais certainement pas figé.

Les Mouvements de Caméra

Le travelling

Déplacement du pied de la caméra, au cours duquel l'axe de prise de vue reste dans une même direction. Il existe plusieurs sortes de travellings : avant, arrière, latéral, circulaire et même vertical (fait avec une grue).

Le zoom ou travelling optique

Ici, la caméra reste fixe, mais ce sont les lentilles à l'intérieur qui se déplacent, ce qui permet un agrandissement de l'image, mais aussi un écrasement du fond.

Différences entre zoom et travelling

Un travelling avant est pour le spectateur plus naturel qu'un zoom avant car ce dernier n'altère pas le fond de l'image. En revanche, le zoom est visible par le spectateur ; c'est un effet de style difficile à maîtriser et qui peut très facilement faire " cheap ", donc attention !

Travelling compensé ou trans travelling

C'est un mouvement de caméra inventé par Hitchcock dans Vertigo. Il allie travelling avant et zoom arrière ou travelling arrière et zoom avant. Le résultat fait que le personnage garde toujours la même valeur alors que le fond lui change.

Le panoramique ou Pano

C'est un pivotement de la caméra sur différents axes tandis que le pied, lui, reste fixe. Ces axes imitent ainsi le mouvement de la tête et ils placent le spectateur en position. Les panos peuvent être horizontaux, verticaux ou les deux à la fois.

La pano-travelling

C'est un mariage entre le pano et le travelling où le pied de la caméra avance tout en changeant d'axe.

La caméra épaule

Comme son nom l'indique, la " caméra épaule " signifie que l'opérateur prend la caméra sur son épaule. Le rendu est plus libre, mais on voit des tremblements à l'image qui peuvent servir à montrer une scène d'action, un sentiment d'instabilité ou d'énervement ou alors tout simplement à donner un côté plus brut et authentique à certaines scènes ou à l'oeuvre dans son ensemble.

Le Steadicam

C'est une espèce de gilet métallique que l'opérateur revêt. Un bras y est accolé et sur son extrémité se situe la caméra. Plusieurs poids y sont attachés pour aider au rééquilibrage de la caméra. Comme pour la caméra épaule, le steadicam permet d'être plus libre, mais elle permet d'éviter les tremblements. En outre, elle rend les déplacements plus fluides.
Voilà, j'espère que se second article vous aura appris ou rappeler des choses. Je vous invite d'ailleurs à donner votre avis et ajouter d'éventuels point de vue et références que vous auriez.
Romain

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Les bases de l'espace filmique - Partie II

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Bonjour à tous. Après un premier article sur les bases de l'espace filmique, je reste dans ce thème et vous propose de vous expliquer les différents placements et mouvements de la caméra dans l'espace réel. Plan cadré au niveau du personnage qui fait du regard du spectateur un regard classique.

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Ici il y a des activités avec des corrigées pour pratiquer

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Cours d'initiation à l'analyse filmique

L'analyse filmique a pour objet la lecture argumentée d'un film, se fondant notamment sur l'examen précis des moyens expressifs du cinéma. La pratique de l'analyse de séquence représente à cet égard la voie privilégiée pour l'initiation à l'esthétique du cinéma. Ce cours multimédia définit les principales notions de l'analyse de film à l'aide d'exemples et d'exercices. À l'issue de ce parcours pédagogique, vous serez capable d'analyser la mise en scène d'une séquence en utilisant le vocabulaire adéquat.

Chacun des 8 modules thématiques propose :
- la définition des notions principales
- l'illustration de ces notions par des analyses de séquences
- des exercices corrigés

L'IMAGE / 1. CADRE, CHAMP ET HORS-CHAMP

Le cadre délimite les frontières de l'image cinématographique et en détermine le format. Le format de l'image est défini par le rapport de la largeur du cadre sur sa hauteur : carré (1,33), panoramique (1,85) ou CinemaScope (2,35).
Le champ se définit comme l'espace fictionnel inscrit à l'intérieur du cadre : il correspond à ce qui est visible par le spectateur.
Le hors-champ désigne l'espace invisible, mais bien présent, situé hors du champ. Il se présente au spectateur selon deux modes principaux :
- l'empreinte, qui caractérise les manifestations du dehors vers le dedans : ombres, reflets, voix...
- l'adresse, qui caractérise les manifestations du dedans vers le dehors : le regard, l'appel, le doigt pointé...

L'IMAGE / 2. PROFONDEUR DE CHAMP

La profondeur de champ correspond à l'étendue de la zone de netteté à l'intérieur du champ :
- une grande profondeur de champ offre une vision nette de l'ensemble des éléments du champ, proches et lointains.
- une faible profondeur du champ dirige l'attention sur l'élément principal, laissant dans le flou les éléments situés devant et derrière.
Pour décrire l'étagement en profondeur du champ, on distingue :
- le premier plan pour les éléments proches de la caméra.
- le second plan pour les éléments disposés derrière le premier plan.
- l' arrière-plan pour les éléments les plus lointains.

LE PLAN / 1. CADRAGE : ÉCHELLE ET ANGLE DE PRISE DE VUE

Le plan est l'unité de base du film : il correspond à une portion de film continue, enregistrée en une seule prise au tournage et délimitée par deux coupes dans le film projeté.
L' échelle des plans renvoie à la distance de la caméra au sujet filmé, du plan général, cadrant un vaste paysage, au très gros plan se focalisant sur un élément significatif.
L' angle de prise de vue désigne l'inclinaison de la caméra par rapport au sujet filmé :
- plongée : caméra au-dessus du sujet filmé
- contre-plongée : caméra au-dessous du sujet
- plan incliné : caméra penchée sur la gauche ou la droite.
Le cadrage se définit par la combinaison de l'échelle du plan et de son angle de prise de vue.

Webographie

Transmettre le cinéma : modules vidéos d'analyse filmique
Blow up : vidéos thématiques sur l'histoire et l'esthétique du cinéma
Les Grignoux : comment parler d'un film ?

Bibliographie

Analyser un film. De l'émotion à l'interprétation de Laurent Jullier, Flammarion, collections Champs, 2012.
L' analyse des films en pratique Collectif, Ed. Armand Colin, 2018.
L'Art du film. Une introduction. de David Bordwell et Kristin Thompson, De Boeck, 2014.
Texte et réalisation : Renaud Prigent

4 Square du Théâtre, 14200 Hérouville St Clair

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Analyse filmique : cours d'initiation - Café des Images

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Le Café des Images est un cinéma d'art et d'essai situé à Hérouville-Saint-Clair dans le Calvados en Normandie.

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9 CONSEILS POUR RÉALISER UN COURT-MÉTRAGE

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Qu’est ce une image ? Définition et signification. Nous avons tous une compréhension intuitive de ce qu’est une image et sa définition devrait être simple, ou no ?

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Ernst Haas fotògraf