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I marmi del Partenone: Lord Elgin e la diatriba tra Grecia e Inghilterra

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I marmi del Partenone: Lord Elgin e la diatriba tra Grecia e Inghilterra

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Articolo sulla diatriba tra Grecia ed Inghilterra per la restituzione dei marmi del Partenone

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I marmi del Partenone: Lord Elgin e la diatriba tra Grecia e Inghilterra

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Domenica scorsa ho seguito l' XI Convegno di Archeologia Viva a Firenze: tra i tanti temi affrontati si è parlato anche della vicenda della restituzione dei Marmi del Partenone. Si tratta di una vicenda piuttosto spinosa, alla quale avevo accennato nei post sul British Museum e sul Museo dell'Acropoli : da secoli Grecia ed Inghilterra infatti si fronteggiano in merito a questa decisione.

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Partenone: l'ultimatum greco al British Museum

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Partenone: l'ultimatum greco al British Museum

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Articolo sugli ultimi sviluppi del conflitto tra Grecia ed Inghilterra per la restituzione dei marmi del Partenone

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Con la fine di maggio si chiude un mese carico di dispute legali in tema di arte e restituzione. Tra denunciata da Hobby Lobby per frode, intercettazioni di pacchi con uova Fabergé tra Russia e Panama, i paesi africani che non mollano sulle restituzioni e un Unesco molto politico che appoggia tutte le richieste, non poteva mancare l'ennesima rivendicazione da parte del governo greco dei marmi del Partenone oggi (ancora) al British Museum.
La storia è sempre la stessa: nei primi anni dell'800, l'equipe archeologica del nobile ambasciatore di origine scozzese, Thomas BruceVII Conte di Elgin, ottenuta valida licenza per scavo ed esportazione dalle autorità ottomane, che al tempo occupavano il territorio greco, ha selezionato la metà dei marmi del Partenone di Atene e se li è portati a casa. Nel 1816 il Governo inglese ha comprato i marmi da Elgin per 35.000 £ per poi esporli al British Museum di Londra. Raggiunta l'indipendenza dai turchi nel 1832, il nascente Stato greco ha impiegato quasi cento anni prima di rivendicare le antichità sottratte.

Dopo vari tentativi di diplomazia culturale per il ritorno delle spoglie del tempio Atena Parthenos, nel 2013 il governo greco ha assegnato e poi tolto il mandato ad agire all'avvocato inglese e docente di diritti umani presso la Columbia University, A mal Clooney. Sembrava, infatti, che l'avvocato spingesse per una pronta azione giudiziaria, mentre la Grecia preferiva un approccio più cauto. Così, nel 2014, il governo ellenico si è rivolto all'Unesco e al suo Intergovernmental Committee for Promoting the Return of Cultural Property to its Countries of Origin or its Restitution in case of Illicit Appropriation (ICPRCP) , ma l'azione extragiudiziale è stata bloccata dal Museo che ha eccepito l'incompetenza dell'Unesco a mediare una disputa tra uno Stato e il board di un Museo che dei marmi è oggi proprietario.
Veniamo così ai giorni nostri, a quella che è stata definita "l'esplosione del supporto internazionale" alla questione greca. Il 21 maggio 2020, nella giornata mondiale della cultura, l'International Association for the Reunification of the Parthenon Sculptures assieme al ministro della cultura greca, Lina Mendoni , hanno reiterato la richiesta di restituzione. Questa volta l'impulso è partito dall'associazione capeggiata da rappresentanti australiani che hanno inviato lettere accese al governo greco per muoverlo all'azione. Secondo Divid Hill, presidente della citata associazione: "il ritorno dei marmi rafforzerà l'alleanza tra l'Inghilterra e la Grecia. Queste opere uniche brillano solo se esposte alla luce attica. La riunificazione delle sculture di Atene è un imperativo artistico, culturale e morale". Emanuel Comino e Russel Darnley, rappresentanti di un'altra commissione culturale australiana hanno dichiarato che: "ora il governo britannico ha la chance di mostrare il suo ruolo di leader, correggendo l'ingiustizia commessa tramite la restituzione". Il professore Dimitris Gonis de La Trobe University (Melbourne) chiosa sul tema in un articolo sul The Australian : "Il Partenone è per la Grecia, quello che le Piramidi sono per l'Egitto, il Colosseo per Roma, Stonehenge per l'Inghilterra e Uluru per gli aborigeni australiani. Tutti sanno a chi appartengono i marmi". La ministra della cultura greca Lina Mendoni, il 22 maggio scorso, in onda su Star TV, ha chiesto al governo inglese di "riconsiderare la loro posizione entro l'11° anniversario del Museo dell'Acropoli " che cade il 20 giugno. Il nuovo museo è stato creato proprio con lo scopo di accogliere i reperti archeologici dell'area dell'acropoli. La ministra ha aggiunto che il governo greco non potrà mai legittimare la proprietà dei marmi del British Museum in quanto si tratta di possesso di un bene provento di furto.
La posizione greca da un punto di vista squisitamente giuridico non è forte. Come ribadì più volte il professore della Stanford Law School , John Henry Merryman, il modo in cui il conte di Elgin è entrato in possesso dei marmi, è, fino a prova contraria, legale. La Grecia, al tempo, era territorio degli Ottomani e questi di tutti i fregi e frontoni in marmo del Pentelico, opera dello scultore Fidia non sapevano che farsene. Eppure, quando si parla di beni culturali, altre considerazioni di matrice etica-morale devono essere fatte, dopo tutto anche la World Trade Organization ci insegna che i beni culturali non sono beni comuni. E questa eccezionalità, che accompagna il bene d'arte riconosciuta dal Rapporto di Savoy e Sarr commissionato nel 2018 dal presidente francese Emmanuel Macron, ha rimesso in discussione le compravendite o i saccheggi di epoca coloniale del patrimonio culturale africano ad opera dei francesi. In questo rinato clima di sensibilità verso la restituzione e ricollocazione delle opere nei paesi di origine, forse la Grecia avrà qualche chance in più per reclamare il suo patrimonio artistico. Il 20 giugno avremo una risposta.

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Partenone: l'ultimatum greco al British Museum

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Con la fine di maggio si chiude un mese carico di dispute legali in tema di arte e restituzione. Tra denunciata da Hobby Lobby per frode, intercettazioni di pacchi con uova Fabergé tra Russia e Panama, i paesi africani che non mollano sulle restituzioni e un Unesco molto politico che appoggia tutte le richieste, non poteva mancare l'ennesima rivendicazione da parte del governo greco dei marmi del Partenone oggi (ancora) al British Museum.

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Opera è l'installazione permanente di arte pubblica sul lungomare di Reggio Calabria, promossa e commissionata dal Comune e dalla Città Metropolitana.

L'installazione nasce per celebrare la relazione contemplativa tra il luogo e l'essere umano attraverso il linguaggio architettonico classico e la trasparenza della Materia Assente, espressa tramite la rete metallica.

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1. La scultura dall'età arcaica all'età ellenistica: il concetto di armonia e bellezza e la scoperta dell'individuo e dell'interiorità nell'antica Grecia;
2. La tecnica della "fusione a cera persa";
3. Il Discobolo di Mirone;
4. Il Doriforo di Policleto ed i Canoni per la bellezza;
5. La rivoluzione di Fidia e le decorazioni scultoree del Partenone;
6. Tardo classicismo ed Ellenismo: phatos e dinamismo da Prassitele, Lisippo e Skopas fino al Laocoonte ed alla Nike di Samotracia.

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1. Il primato di Atene al tempo di Pericle;
2. Le architetture dell'Acropoli di Atene: emblema della rinascita di Atene dopo la vittoria sui Persiani;
3. Il Partenone: dall'Antico Partenone agli interventi di Callicrate, Ichtino e Fidia;
4. I Propilei: l'accesso monumentale all'Acropoli;
5. Il Tempio di Athena Nike: il piccolo tempio dall'importante ciclo scultureo;
6. L'Eretteo e la Loggetta delle Cariatidi: l'articolazione complessa di un edificio multifunzionale.

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1. Il Teatro nell'Antichità: dalle rappresentazioni religiose alla Commedia ed alla Tragedia;
2. Architettura del Teatro Greco e descrizione delle sue parti: il Teatro di Dioniso ad Atene;
3. Il Teatro Classico: la perfezione acustica ed il Teatro di Delfi;
4. Il Teatro Ellenistico: nuove esigenze monumentali e scenografiche ed il Teatro di Epidauro;
5. L'architettura teatrale dalla Grecia a Roma: l'esempio del Teatro di Taormina;
6. Musica ed architettura: L'Odeion di Pericle e l'Odeion di Erode Attico.

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1. La nascita della pòlis: identità e caratteri;
2. L'organizzazione urbana e territoriale: la chora, l'acropoli, l'asty con l'agorà, la stoà ed il gymnasion.
3. L'esempio della città di Mileto ed il Piano Ippodameo;
4. Il nuovo volto della città nell'Ellenismo.
5. Alessandria d'Egitto: impianto ortogonale e monumentalità ellenistica;
6. Pergamo: connessione scenografica tra paesaggio e città.

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1. La nascita del tempio: una casa per le divinità;
2. Le tipologie templari greche e le parti del tempio;
3. L'ordine dorico: l'età della sperimentazione nel tempio di Athena Aphaia a Egina;
4. L'ordine ionico: esilità ed arditezza nell'Heraion di Samo;
5. L'ordine corinzio: la natura di pietra e l'Olympieion di Atene
6. La geometria e l'ottica al servizio dell'arte: il rettangolo aureo e le correzioni ottiche del Partenone;

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1. La Magna Grecia: espressività e sperimentalismo;
2. L'architettura delle colonie in Italia: il caso della colonia di Neapolis;
3. I templi di Paestum, l'antica Poseidonia: i Templi di Hera I ed Hera II;
4. La Sicilia e lo spirito panellenico: Tempio della Concordia ad Agrigento ed il Tempio C di Selinunte;
5. La Magna Greca al tempo di Alessandro Magno: Il mosaico della Battaglia di Isso.

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Il TEATRO GRECO: Struttura ed organizzazione

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Il TEATRO GRECO: Struttura ed organizzazione

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Documentario sul Teatro Greco da Rai Storia

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L`unità analizza la realizzazione architettonica e la funzione sociale del teatro greco, partendo dai criteri che sovrintendevano alla scelta della sua ubicazione e alla strutturazione dello spazio scenico.
Per garantire una visibilità e un'acustica perfette agli spettatori, che in alcuni casi potevano essere anche ventimila, i teatri venivano costruiti adattando delle scalinate su declivi naturali. Gli spettacoli, inizialmente gratis, erano accessibili a tutta la popolazione libera e venivano interpretati dai attori che recitavano con il volto coperto da una maschera.
Un ruolo fondamentale era quello del coro che, oltre a commentare le vicende rappresentate, svolgeva una funzione di mediazione tra queste e il pubblico.

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IL TEATRO GRECO: STRUTTURA ED ORGANIZZAZIONE

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L`unità analizza la realizzazione architettonica e la funzione sociale del teatro greco, partendo dai criteri che sovrintendevano alla scelta della sua ubicazione e alla strutturazione dello spazio scenico.Per garantire una visibilità e un'acustica perfette agli spettatori, che in alcuni casi potevano essere anche ventimila, i teatri venivano costruiti adattando delle scalinate su declivi naturali.

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Pericle è un politico greco del V secolo a.C. Contribuisce allo sviluppo della democrazia.

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Spazio scenico e rappresentazione teatrale nel tempo

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Spazio scenico e rappresentazione teatrale nel tempo

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Luca Ronconi e la messa in scena del Prometeo incatenato

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Luca Ronconi e la messa in scena del Prometeo incatenato

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Il tempio era l’edificio più importante della città greca. Era per i Greci la casa del dio. Nel naos vi era la statua della divinità, e il sacerdote era l'unico ad averne accesso.
Il tempio costituiva non solo il centro della vita religiosa, ma anche e soprattutto il simbolo della ricchezza e della potenza della città.
Il tempio greco è sempre orientato est-ovest, con l'ingresso aperto verso est.
Venivano quasi sempre posti nella parte alta della città, detta acropoli.
I templi avevano una colorazione di base bianca ed erano decorati in alcuni elementi architettonici con il rosso e il blu. Potevano anche essere presenti dei motivi vegetali stilizzati sempre in rosso e in blu (vedi video).
I vari tempi si possono differenziare per:
1 - le tipologie, cioè le varie forme che può assumere;
2 - il numero di colonne lungo i lati;
3 - gli ordini, cioè lo stile con il quale è costruito.

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IL PARTENONE

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IL PARTENONE

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Il termine acropoli, dal greco ácros, estremo e da pólis, città, indica la parte più alta degli antichi agglomerati urbani. L'acropoli di Atene, in Grecia, è una collina di formazione calcarea che si eleva a 156 metri sul livello del mare. Nel VI secolo a. C. diventa sede di un tempio dedicato ad Atena, dea protettrice della città. Il santuario viene distrutto nel V secolo a. C., quando i Persiani assediano Atene e tentano, senza riuscirci, di conquistare la Grecia. Gli edifici visibili ancora oggi sull'acropoli ateniese, risalgono alla seconda metà del V secolo a. C., quando in città sale al potere Pericle. Lo stratega concepisce per il sito un ambizioso progetto architettonico e affida la supervisione dei lavori all'architetto e scultore greco Fidia.

Tra il 447 e il 432 a. C. sulla sommità dell'acropoli viene edificato il Partenone, un santuario dedicato alla dea Atena Parthènos, ossia Atena Vergine. Lungo 69 metri, e largo 30, è decorato su tutti i lati da un ciclo di sculture rappresentanti divinità e scene di guerra. In antichità trovava spazio al suo interno un'imponente statua della dea, realizzata da Fidia in oro e avorio, di cui oggi rimangono solo delle copie. Tra il 437 e il 432 a. C. vengono costruiti i Propilei: porticati in marmo che danno accesso all'acropoli. Accanto ai propilei viene eretto il tempietto ionico di Atena Nike, ossia Atena dea della Vittoria. Il tempio è decorato su tutti i lati da bassorilievi che ricordano gli scontri avvenuti tra Greci e Persiani.

Tra il 421 e il 409 a. C. viene edificato l'Eretteo, un tempio dedicato ad Atena e Poseidone. Su un lato dell'Eretteo è collocata la Loggetta delle Cariatidi. Qui le colonne sono sostituite da figure femminili, utilizzate come elemento architettonico portante. Nei primi secoli d. C. la Grecia viene invasa da popoli provenienti dal nord Europa. L'acropoli subisce diversi danni e saccheggi. Nel 1687 il Partenone è bombardato e in gran parte distrutto dai Veneziani, che tentano di conquistare la città. Nei primi anni dell'800 Lord Elgin, diplomatico inglese, ottiene dalle autorità locali il permesso di asportare le decorazioni del Partenone e di altri edifici. I reperti vengono acquistati dal British Museum di Londra, dove sono esposti ancora oggi. Da anni i Greci ne chiedono la restituzione. Attualmente sono in corso nuovi scavi e una vasta opera di restauro del sito. I monumenti dell'acropoli nascono come espressione della devozione ateniese per la protettrice della città: Atena, la dea della sapienza. L'acropoli è ancora oggi il simbolo dell'apice culturale, economico e politico raggiunto da Atene tra il V e il IV secolo a. C.

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L'acropoli di Atene, in Grecia, è una collina di formazione calcarea che si eleva a 156 metri sul livello del mare. Nel V secolo a. C. sulla sua sommità è edificato il Partenone, un santuario dedicato alla dea Atena Parthènos, ossia Atena Vergine. E' ancora oggi il simbolo dell'apice culturale, economico e politico raggiunto da Atene.

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Periodo classico

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Mirone, scultore attivo nel V secolo a.C, è tra gli artisti più famosi dell'Antica Grecia. Nasce ad Eleutere, in Beozia, tra il 500 e il 490 a.C.. Vive e lavora ad Atene, ma riceve importanti commissioni per opere destinate ad altre città della Grecia. Svolge la sua attività tra il 470 e il 440 a.C, periodo che gli storici identificano come passaggio dalla Grecia arcaica alla Grecia classica. Mirone contribuisce a superare lo stile tipico dell'arte arcaica, contraddistinto da forme geometriche e pose rigide. È infatti tra i primi che rappresentano il corpo umano in movimento. Le antiche fonti letterarie attribuiscono a Mirone una grande quantità di opere: statue di eroi, divinità, animali, e soprattutto figure di atleti. Di questa produzione, realizzata prevalentemente in bronzo, restano solo alcune copie in marmo di epoca antica. L'opera più nota di Mirone è il Discobolo. La statua rappresenta un giovane atleta nell'atto di lanciare il disco. Mirone sceglie di immortalare il momento di massima tensione prima del lancio. La posa è complessa ma perfettamente bilanciata. Il corpo poggia sulla gamba destra che si flette leggermente, mentre la sinistra è arretrata. Il busto, chino in avanti, compie una torsione laterale che fa contrarre la muscolatura, resa con un attento studio dell'anatomia. Il braccio destro, teso nell'attimo che precede il lancio, forma un arco con il sinistro, che cade perpendicolare al terreno. Il volto, imperturbabile, non esprime sforzo, ma solo concentrazione.

La complessità della posa caratterizza anche l'Anadumeno, l'atleta che si cinge il capo con una benda. L'originale è perduto, ma è possibile ricostruirne la fisionomia attraverso frammenti di copie in marmo. Grande efficacia nella rappresentazione del movimento si ritrova nel gruppo di Atena e Marsia, ispirato a un episodio mitologico. La dea Atena, che si era dilettata con il flauto, scopre che suonare questo strumento le deforma il viso. Allora getta a terra il flauto, maledicendolo, e il satiro Marsia accorre a raccoglierlo. Nell'opera è rappresentato il momento in cui la dea si volta e sorprende Marsia, che si ferma all'improvviso. La figura del satiro è rappresentata in una posizione instabile, che contrasta volutamente con l'atteggiamento composto della dea. La scena colpisce per l'abilità nel "cogliere l'attimo", nel fissare un movimento rapido e istantaneo. Le fonti antiche elogiano Mirone per la rappresentazione del moto e la verosimiglianza delle sue figure. Una sua statua in bronzo raffigurante una mucca, posta sull'Acropoli di Atene, è citata da molti scrittori per il suo spiccato realismo. Sebbene non se ne abbiano notizie certe, è probabile che la morte di Mirone avvenga poco dopo il 440 a.C.. La sua arte chiude l'età arcaica e inaugura la grande stagione dell'arte classica.

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Mirone, scultore attivo nel V secolo a.C, è tra gli artisti più famosi dell'Antica Grecia. Nasce ad Eleutere, in Beozia, tra il 500 e il 490 a.C.. Vive e lavora ad Atene, ma riceve importanti commissioni per opere destinate ad altre città della Grecia.

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FIDIA

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Fidia, celebre artista dell?Antica Grecia vissuto nel V secolo a. C., è tra i massimi esponenti dell?arte classica. Dopo aver esordito come...

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Periodo classico

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Policleto è uno degli artisti più importanti dell'Antica Grecia. Celebre per le sue statue in bronzo, è autore di un trattato sulle proporzioni del corpo umano, intitolato Canone. Policleto nasce ad Argo intorno al 480 a. C. Inizia la sua attività nel Peloponneso, contribuendo alla fioritura dell'arte classica. Già famoso, si trasferisce ad Atene, città che nel V secolo a.C. vive il suo periodo di massimo splendore. Le statue di Policleto sono andate perdute, ma ci sono note attraverso copie in marmo realizzate nell'antichità, e grazie a descrizioni letterarie. Le sue opere più celebri raffigurano giovani atleti. In età giovanile Policleto realizza il Discoforo che già rappresenta una grande novità nel modo di rappresentare il corpo umano. L'arte antica, infatti, raffigurava uomini e donne in posa rigida, con le gambe chiuse e le braccia stese lungo i fianchi. Policleto, invece, infonde nuova naturalezza alla posizione eretta. Il corpo poggia su una sola gamba mentre l'altra è flessa e leggermente spostata rispetto all'asse centrale. La posa delle braccia riprende quella delle gambe, secondo una precisa simmetria. Capolavoro di Policleto è considerato il Doriforo. La statua raffigura un giovane uomo che porta una lancia: potrebbe essere un atleta, oppure Achille, mitico eroe greco. Il Doriforo incarna l'ideale classico di bellezza ed è la perfetta applicazione pratica delle teorie di Policleto sulla rappresentazione del corpo umano.

Le proporzioni delle parti anatomiche sono studiate attentamente, in base a calcoli matematici. La misura della testa, ad esempio, è un ottavo di quella del corpo. La metà esatta della figura coincide con l'attacco delle gambe. La posa è basata su un perfetto gioco di equilibri. Il volto, privo di turbamenti, esprime calma, sicurezza e serenità, in armonia con gli ideali dell'età classica.
Grazie alle sue opere e alla diffusione del suo trattato, Policleto diventa uno degli artisti più importanti del suo tempo. Intorno al 430 a.C. vince un concorso per la realizzazione di un'Amazzone da collocare nel Tempio di Artemide ad Efeso. Con la sua amazzone dal braccio alzato e dalla posa delicatamente bilanciata, Policleto si impone sui più grandi scultori dell'età classica. L'artista realizza anche, per il Tempio di Era ad Argo, una grande scultura in oro e avorio, che ci è nota grazie a numerose riproduzioni su monete antiche. All'ultimo periodo della sua attività risale invece il Diadumeno, l'atleta che si cinge il capo con la benda in segno di vittoria. Non si hanno notizie sulla morte di Policleto, avvenuta probabilmente intorno al 420 a.C.; quello che è certo è che la sua opera avrà notevole influenza sui futuri sviluppi della scultura.

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Policleto è uno degli artisti più importanti dell'Antica Grecia. Celebre per le sue statue in bronzo, è autore di un trattato sulle proporzioni del corpo umano, intitolato Canone. Policleto nasce ad Argo intorno al 480 a. C. Inizia la sua attività nel Peloponneso, contribuendo alla fioritura dell'arte classica.

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LISIPPO L’ ERCOLE FARNESE
Museo archeologico Napoli

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Il riposo dell'Ercole Farnese al Mann: il museo racconta la rivoluzione di Lisippo

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Il Mann racconta le sue opere attraverso la voce di dipendenti e appassionati. In questo video, i segreti dell'Ercole Farnese di Lisippo. 'Mann...

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Stile ricco - Classico tardo

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Prassitele, scultore greco, è uno degli artisti più importanti dell'antichità. Nasce ad Atene intorno al 400 a.C. Vive nel IV secolo a.C., periodo in cui entra in crisi la democrazia ateniese. È un'epoca di sconvolgimenti politici, animata però da un grande fermento culturale. Prassitele trascorre la sua vita ad Atene, ma lavora anche per altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Le sue sculture, realizzate soprattutto in marmo, esprimono grazia e delicatezza. I soggetti che predilige sono le figure di divinità, spesso in età giovanile, raffigurate nei loro aspetti più umani. Prassitele, infatti, abbandona i toni eroici e solenni della scultura classica, inaugurando un nuovo stile, più intimo e garbato, che sarà oggetto di numerose imitazioni.

Molte sue opere sono andate perdute, ma sono note attraverso le copie realizzate da artisti successivi. Le divinità di Prassitele sono raffigurate in pose e gesti quodiani, che li avvicinano ai comuni mortali. Due opere giovanili raffigurano un satiro che versa del vino e un altro satiro che riposa appoggiato al tronco di un albero. Nell'Artemide di Gabii, lo scultore rappresenta la dea Artemide nell'atto di allacciarsi la veste. Nell'Apollo Sauroctono il dio Apollo è ritratto in un momento di svago, mentre gioca con un rettile come un ragazzo qualunque. In Ermes con Dioniso, il dio Ermes tiene in braccio il fratellino Dioniso e gli rivolge uno sguardo affettuoso.

Caratteristica delle sculture di Prassitele è la postura bilanciata dei corpi, sempre raffigurati in pose flessuose ed armoniche. Spesso appoggiate a un sostegno, le sue figure assumono atteggiamenti rilassati, ed evocano un'impressione di naturalezza. L'opera più nota di Prassitele è l'Afrodite di Cnido, il primo nudo femminile nella scultura occidentale. La dea è raffigurata mentre si accinge a immergersi in acqua per il bagno rituale. Dopo essersi tolta la veste, la appoggia delicatamente sopra l'anfora che le sta accanto. L'Afrodite di Cnido è una delle opere più copiate e riprodotte dell'antichità. Prassitele muore ad Atene intorno al 330 a.C.. I figli ne proseguono l'attività, e il suo stile sarà un punto di riferimento importante per i futuri sviluppi della scultura.

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Prassitele, scultore greco, è uno degli artisti più importanti dell'antichità. Nasce ad Atene intorno al 400 a.C. Vive nel IV secolo a.C., periodo in cui entra in crisi la democrazia ateniese. È un'epoca di sconvolgimenti politici, animata però da un grande fermento culturale.

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Classico tardo

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Skopas è uno dei più celebri artisti della Grecia antica. Attivo nel IV secolo a.C., è noto per l'intensità espressiva delle sue opere.
Nasce intorno al 400 a. C. a Paros, isola delle Cicladi, Lavora in Grecia, ma soprattutto in Asia Minore.
Non è facile ricostruire la cronologia delle sue opere, realizzate prevalentemente in marmo. Molte sono andate perdute, ma sono note attraverso copie di età antica, che permettono di apprezzarne lo stile.
Skopas è definito dalle fonti letterarie maestro del pathos: è infatti tra i primi scultori antichi a esprimere le passioni e gli stati d'animo più intensi.
Molte delle sue figure hanno i tratti del volto duramente incisi, le occhiaie scavate e le labbra socchiuse.

Nella prima fase della sua attività, Skopas lavora come scultore e architetto presso il Tempio di Atena Alea a Tegea, in Arcadia. I due frontoni del tempio sono decorati con temi mitologici. Di queste opere restano alcune teste di guerrieri e un torso, pochi frammenti originali che testimoniano lo stile carico di tensione tipico di questo scultore.
Già celebre intorno alla metà del IV secolo a.C., Skopas è chiamato a decorare il monumentale Mausoleo di Alicarnasso, considerato una delle sette meraviglie del mondo antico: qui lavorano gli artisti più importanti dell'epoca. Per il Mausoleo, Skopas realizza fregi con scene di combattimento tra Greci e Amazzoni, immagini che si distinguono per forza drammatica e concitazione.

Queste caratteristiche si ritrovano nella Menade danzante. La menade, seguace di Dioniso, dio dell'ebbrezza, è raffigurata durante una danza impetuosa. La torsione del corpo, le vesti scomposte e i capelli scompigliati comunicano un movimento tumultuoso. Il viso rivolto verso l'alto esprime l'estasi che la menade raggiunge durante il rito dionisiaco.
Per conferire ulteriore efficacia alle sue figure, Skopas non rifinisce il marmo. La superficie ruvida delle sue sculture crea effetti di luce e ombra che ne esaltano la carica espressiva.
Tra le opere realizzate da Skopas si ricordano infine tre statue collocate nel Tempio di Afrodite a Megara, tre figure che rappresentano tre diversi aspetti dell'amore. Di queste, resta una copia del Pothos, un giovane dalle forme delicate e sinuose.
Non si conoscono notizie certe sulla morte di Skopas, avvenuta probabilmente dopo il 330 a.C. Il suo stile espressivo, che non trova eguali tra i suoi contemporanei, apre la via ai futuri sviluppi dell'arte greca e romana.

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Skopas è uno dei più celebri artisti della Grecia antica. Attivo nel IV secolo a.C., è noto per l'intensità espressiva delle sue opere. Nasce intorno al 400 a. C. a Paros, isola delle Cicladi, Lavora in Grecia, ma soprattutto in Asia Minore. Non è facile ricostruire la cronologia delle sue opere, realizzate prevalentemente in marmo.

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Classico tardo verso l'Ellenismo

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Lisippo è uno scultore greco del IV secolo a.C. La sua opera è considerata il punto di passaggio tra l'equilibrio formale del periodo classico e il realismo che caratterizza l'arte ellenistica. Nasce a Sicione, nella regione del Peloponneso, intorno al 390 a.C. Lisippo inizia la sua attività come fonditore, e impara così a modellare il bronzo. Interessato alle forme della natura, applica i suoi studi a incisioni e sculture. Attorno al 343 a.C., durante il periodo della monarchia macedone, viene chiamato alla corte del re Filippo II. Qui, oltre al pittore Apelle, conosce Aristotele, educatore del futuro sovrano Alessandro Magno, di cui Lisippo diverrà il ritrattista ufficiale.

Al seguito di Alessandro Magno, lo scultore lavora nelle più importanti città del mediterraneo: Corinto, Tiro, Alessandria e Rodi. Alcune sue opere giungono a Roma e Costantinopoli. Secondo fonti latine, Lisippo avrebbe realizzato circa 1500 opere, per lo più statue in bronzo di divinità, atleti e personalità di rilievo. La sua produzione è perduta, ma è nota almeno in parte grazie a copie realizzate in epoca antica. Sono considerate opera della sua attività giovanile le statue di Eros che incorda l'arco e di Agias, un atleta della Tessaglia vissuto nella seconda metà del V secolo. A Lisippo appartiene anche un'imponente statua di Eracle, di cui resta una copia, che ritrae l'eroe greco a riposo, appoggiato alla clava. Una versione più piccola, l'epitrapèzios, era posseduta da Alessandro Magno, che spesso la portava con sé. Ciò che è innovativo nell'arte di Lisippo è il realismo della rappresentazione. L'artista rinuncia all'ideale classico di bellezza eterna ed immutabile, e raffigura i suoi soggetti come essi appaiono in un istante qualunque. In particolare, Lisippo è molto abile a cogliere l'espressività del corpo mentre compie gesti dinamici. La rappresentazione del movimento acquista nelle sue opere un notevole slancio, ottenuto anche attraverso la riduzione delle proporzioni della testa rispetto al corpo.

Del 330 a.C. è la sua opera più famosa, l'Apoxyòmenos, che ritrae un atleta nell'atto di asciugarsi il sudore dopo una gara. L'abbandono di una prospettiva frontale e statica in favore di una posa più plastica lasciano emergere la natura viva e pulsante del corpo dell'atleta. Dello stesso periodo sono i ritratti di Alessandro Magno, che raffigurano il sovrano macedone in posa eroica, senza però privarlo della sua umanità. Una copia in bronzo di Alessandro con la lancia è conservata al Louvre di Parigi. Altra opera importante di Lisippo, è il ritratto di Socrate, in cui il filosofo greco è raffigurato con il volto assorto. Lisippo muore alla fine del IV secolo a.C., quasi sicuramente in età avanzata. Nel 1964 è stata ritrovata, nelle acque del Mar Adriatico, una statua in bronzo attribuibile proprio a Lisippo, ribattezzata l'Atleta di Fano. Sarebbe il primo originale dell'artista a giungere fino a noi.

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Lisippo è uno scultore greco del IV secolo a.C. La sua opera è considerata il punto di passaggio tra l'equilibrio formale del periodo classico e il realismo che caratterizza l'arte ellenistica. Nasce a Sicione, nella regione del Peloponneso, intorno al 390 a.C. Lisippo inizia la sua attività come fonditore, e impara così a modellare il bronzo.

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“Ulisse. L'arte e il mito” in onda su “Emilia Romagna Creativa”

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MAPPA CONCETTUALE ARTE GRECA

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Per leggere questo articolo occorrono circa 4 minuti

Durante la sua fulgida vita, Alessandro Magno fondò oltre 70 nuove città, sparse dall'Africa all'Asia. La piccola città portuale egiziana di Rhacotis, con il suo porto naturale e la vicinanza al delta del Nilo, era uno di quegli insediamenti 'scelti' e fu così ribattezzata Alessandria nel 331 a.C.

Oltre al nuovo nome, il piccolo porto fu dotato anche da un nuovo borgo abitativo, costruito accanto alla città vecchia, urbanisticamente concepito da Alessandro stesso. Circa 300 anni dopo la sua ri-fondazione, Strabone scrisse: "[...] La città ha magnifici quartieri pubblici e palazzi reali che coprono un quarto o addirittura un terzo dell'intera area. Proprio come ognuno dei re, dall'amore per lo splendore, avrebbe aggiunto qualche ornamento ai monumenti pubblici, così si sarebbe provveduto a proprie spese con una residenza in aggiunta a quelle già esistenti".

Alessandria era una fiorente città nel I secolo a.C., conosciuta per il grande Tempio di Serapide che era annesso alla Grande Biblioteca di Alessandria. Mentre la città si assicurava il suo status culturale come un grande centro di apprendimento, ha anche dato prova della sua gloria commerciale grazie a , un faro costruito su un'isola dalla polis e considerato come una delle antiche Sette meraviglie del mondo antico.

Nella ricostruzione 3D seguente è possibile ammirare l'architettura di Alessandria di quel periodo, intorno al 51 a.C.

Dopo la caduta di Cartagine (nel 146 a.C.), Alessandria è stata dominata dalla sfera d'influenza romana fino ad arrivare, nell'80 a.C., con buona parte della città passata sotto il potere nominale romano. In ogni caso, intorno al 51 a.C., i Tolomei (la dinastia di Cleopatra) avevano ancora il controllo sull'Egitto ma aprirono la strada al loro amaro abbandono in due successive guerre civili romane.

Nel 30 a.C., il loro intero regno egiziano fu annesso formalmente a Roma e Alessandria fu dichiarata come una capitale della provincia dell'Impero Romano. La città, tuttavia, continuò a prosperare come la seconda più grande metropoli dell'impero e si evolse come uno dei centri classici di apprendimento delle discipline greche, come la filosofia e la matematica, fino al IV secolo d.C.

Una delle più grandi biblioteche dei tempi antichi, la Grande Biblioteca di Alessandria, era dedicata alle Muse, le nove dee dell'arte. Nonostante la sua eminenza, la fondazione della grande biblioteca è ancora persa nella leggenda, con la maggior parte degli studiosi concordi nell'affermare che l'imponente istituzione fu inizialmente fondata da Tolomeo I (305-285 a.C.), ma completata durante il regno di Tolomeo II (285-246 a.C.).

Fu quest'ultimo sovrano a prendere la brillante iniziativa di invitare altri monarchi a contribuire, con i loro libri e tomi, alla costituzione culturale della biblioteca.

La ricerca dei testi, in alcuni casi, è quasi diventata ossessiva, con perquisizioni e confische o copie immediate di rotoli di papiro presenti in ogni nave commerciale ispezionata dalle autorità egiziane. In altre occasioni, i membri della famiglia reale egiziana hanno sponsorizzato viaggi speciali verso importanti fiere del libro ad Atene e Rodi per l'acquisizione di vari rari esemplari di opere letterarie.

Un episodio significativo è menzionato dal medico Galeno di Pergamo che narra come Tolomeo III pagò quindici talenti, 1.000 libbre di metallo prezioso, agli Ateniesi per aver procurato alcuni orginali di Eschilo, Sofocle ed Euripide da copiare ma mai restituiti.

La Grande Biblioteca di Alessandria, dunque, era una struttura imponente, sia architettonicamente che a livello di testi conservati, con varie stime che indicavano che poteva contenere oltre mezzo milione di rotoli. Anche Marco Antonio ha contribuito a questo inestimabile tesoro regalando a Cleopatra oltre 200.000 libri per la Biblioteca Reale.

Architettonicamente, la struttura della biblioteca era collegata al , il magnifico Tempio di Serapide. Presentando una brillante fusione di elementi architettonici egiziani e greci, il campus vantava varie caratteristiche spaziali, tra cui stanze specifiche per la lettura e la ristorazione, sale conferenze, giardini, passerelle colonnate e, naturalmente, la grande sala con la sua gamma di scaffalature organizzate.

Con molta probabilità, la biblioteca sarebbe stata elemento di un complesso più grande e più importante che apparteneva all'istituzione del Musaeum di Alessandria, l'Istituto delle Muse. Il Musaeum era il punto focale per l'apprendimento di varie discipline, come le scuole filosofiche, con un'accademia platonica, le scuole di musica e poesia e la biblioteca con il suo magazzino per una moltitudine di tomi.

Fonti antiche e moderne identificano quattro possibili occasioni dove sarebbe potuta intervenire una distruzione parziale o totale della Biblioteca: l'incendio del 48 a.C. di Giulio Cesare; l'attacco di Aureliano intorno al 270 d.C.; il decreto di Teodosio I del 391 d.C.; la conquista araba del 642 d.C.

Alessandria non era solo la Grande biblioteca: uno dei rari esempi di architettura greca che andava oltre la dimensione umana a dimensioni divine era il Faro di Alessandria, eretto sull'isola di Pharos durante il regno di Tolomeo I Soter: in quel periodo potrebbe essere stata la più alta struttura nel mondo antico che alcune fonti letterarie stobiliscono in circa 115 metri.

Il Faro di Alessandria, costruito con blocchi di pietra chiari, era diviso in tre registri: la sezione quadrata più in basso e più ampia aveva con quattro enormi facciate; la sezione centrale con piano ottagonale e la parte superiore, la sezione più leggera, con piano circolare.

La funzionalità dell'enorme struttura era correlata a questo livello superiore dove uno specchio installato sopra di esso rifletteva la luce solare durante il giorno o il fuoco che si accendeva durante la notte. Ogni blocco era comunque legato a quello sottostante o a quello superiore da una colata di piombo fuso in modo da resistere alla forza dalle onde del mare o a piccoli terremoti.

Il Faro di Alessandria rimase in piedi fino a quando due terremoti, nel 1303 e nel 1323, lo ridussero in macerie. Nel 1994, gli archeologi hanno localizzato alcuni dei resti del faro nel porto di Alessandria, mentre altri ne sono stati recentemente individuati utilizzando l' imaging remoto.

Alcuni resti del Faro furono usati anche nella costruzione di Fort Qaitbey nel XV secolo, ancora oggi esistente.
Daniele Mancini Per ulteriori info: Ancient History Encyclopedia / University of Chicago

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L'ANTICA ALESSANDRIA D'EGITTO IN 3D - Daniele Mancini Archeologia

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Per leggere questo articolo occorrono circa 4 minuti Durante la sua fulgida vita, Alessandro Magno fondò oltre 70 nuove città, sparse dall'Africa all'Asia. La piccola città portuale egiziana di Rhacotis , con il suo porto naturale e la vicinanza al delta del Nilo, era uno di quegli insediamenti 'scelti' e fu così ribattezzata Alessandria nel 331 a.C.

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La lavorazione del bronzo: la fusione a cera persa (tratto da Itinerario nell'arte 4ed.)

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VISITIAMO PAESTUM ANTICA CITTA DELLA MAGNA GRECIA CHE AFFASCINA DA 2500 ANNI CON I SUOI TEMPLI STRAORDINARI IL GIOVANE DIRETTORE DEL PARCO ARCHEOLOGICO GABRIEL ZUCTRIEGHEL CI MOSTRA COME FURONO COSTRUITI E I RESTAURI IN CORSO AL TEMPIO DI NETTUNOE ALL INIZIO DI UN NUOVO SCAVO .

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Pericle è un politico greco del V secolo a.C. Contribuisce allo sviluppo della democrazia.

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La lavorazione del bronzo: la fusione a cera persa (tratto da Itinerario nell'arte 4ed.)

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Interessante e completa lezione sull'urbanistica greca dalla città di Atene e le colonie della Magna Grecia, passando per Mileto ed il Piano Ippodameo, fino alle grandi capitali ellenistiche come Alessandria d'Egitto. Da vedere assolutamente

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Analisi interattiva della scultura del Laocoonte, dal portale thinglink.
Interessante!

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Ricostruzione tridimensionale dell'Acropoli di Atene

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Breve video didattico della casa editrice Atlas

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Le città della Grecia e della Magna Grecia

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Le città della Grecia e della Magna Grecia

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Approfondimento

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Le città della Grecia e della Magna Grecia

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Le città della Grecia e della Magna Grecia

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Approfondimento

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Video didattico della casa editrice Atlas

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Link della lezione sul Teatro Greco sul sito teccaniscuola.it.
Per accedere è necessario registrarsi al sito.
N.B.: La lezione è presesente nella sezione dedicata alla materia "GRECO"

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© 2020 - Istituto della Enciclopedia Italiana Treccani spa - Tutti i diritti riservati - info@treccaniscuola.it - 800930310

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Video sul Teatro Greco di Siracusa, architettura teatrale esamplare dell'antica Grecia

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INDA | Istituto Nazionale del Dramma Antico

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INDA | Istituto Nazionale del Dramma Antico

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Link al sito dell'Istituto Nazionale del Dramma Antico, da cui è possibile trovare immagini ed estratti video delle rappresentazione realizzate nel Teatro Greco di Siracusa

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TUTTI I GIORNI
Biglietto INTERO € 55,00
Biglietto RIDOTTO € 47,00
Abb. 2 giorni consecutivi € 94,00
Abb. 3 giorni consecutivi € 132,00

VENERDI E SABATO
Biglietto INTERO € 68,00
Abb. 2 giorni consecutivi da € 107,00 a € 117,00
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TUTTI I GIORNI
Biglietto INTERO € 47,00
Biglietto RIDOTTO € 41,00
Abb. 2 giorni consecutivi € 82,00
Abb. 3 giorni consecutivi € 114,00

VENERDI E SABATO
Biglietto INTERO € 53,00
Biglietto RIDOTTO € 45,00
Abb. 2 giorni consecutivi da € 86,00 a € 92,00
Abb. 3 giorni consecutivi da € 114,00 a € 126,00

TUTTI I GIORNI
Biglietto INTERO € 32,00
Biglietto RIDOTTO € 28,00 | € 24,00
Abb. 2 giorni consecutivi € 56,00
Abb. 3 giorni consecutivi € 75,00

GIORNATA A POSTO UNICO
Biglietto € 26,00

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GIORNATA A POSTO UNICO
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Bambini fino a 7 anni

Ridotto
dagli 8 ai 13 anni ridotto
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€ 15,00 posto non numerato
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800 54 26 44

BIGLIETTERIA FONDAZIONE:
presso Corso Matteotti 29, Siracusa
Aperti dal lunedì al venerdì
dalle 10:00 alle 13:00 - dalle 15:00 alle 17:00
Tel: +39 0931 487248

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INDA | Istituto Nazionale Dramma Antico | Fondazione ONLUS | Siracusa | Spettacoli classici e attività culturali

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TUTTI I GIORNI Biglietto INTERO € 55,00Biglietto RIDOTTO € 47,00Abb. 2 giorni consecutivi € 94,00Abb. 3 giorni consecutivi € 132,00 VENERDI E SABATO Biglietto INTERO € 68,00Abb. 2 giorni consecutivi da € 107,00 a € 117,00Abb. 3 giorni consecutivi da € 141,00 a € 150,00 TUTTI I GIORNI Biglietto INTERO € 47,00 Biglietto RIDOTTO € 41,00 Abb.

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Link al sito del MIUR

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Attribuita a Pitocrito grazie al ritrovamento del suo nome sul basamento della statua, la Nike di Samotracia è una scultura alta 245 cm in marmo pario di scuola rodia, databile al 190 a.C. Oggi esposta al Museo del Louvre, si erge maestosa in cima allo scalone progettato da Hector Lefuel che collega la Galerie d'Apollon e il Salon Carré, dove arrivò dopo essere stata ritrovata da Charles Champoiseau nell'isola di Samotracia dalla quale prende il nome, nel Mar Egeo, nel 1863. L'opera probabilmente rappresentava un' offerta commemorativa nel santuario dei Grandi Dei, i cabiri, dopo una vittoria navale delle città di Roma, Rodi e Pergamo contro la Siria.
La donna rappresentata è la dea Nike, figlia del titano Pallante e della ninfa Stige, la dea, come suggerisce il nome, è la personificazione della vittoria nella guerra e nel mondo sportivo.

La statua rappresenta la giovane dea alata mentre si posa sulla prua di una nave da battaglia. La figura si presenta protesa in avanti come scossa da un vento impetuoso, sul seno la veste è molto aderente e, diventando quasi trasparente, si può intravedere il corpo come se il tessuto fosse bagnato. Osservando la dea è visibile come grazie alle ali spiegate il suo corpo obliquo sia equilibrato. Esse sono rese con un gioco di chiaroscuro e un'alternanza precisa della lunghezza delle penne, dando risalto allo slancio della figura e creando effetti di vibrante luminosità.

La dea posa delicatamente il piede destro sulla nave, mentre la gamba sinistra rimane indietro e il petto si protende in avanti a causa del fitto battere delle ali, dando come la sensazione che questa stia atterrando dolcemente sulla nave per annunciare la vittoria. Alcuni frammenti ritrovati delle mani e dell'attaccatura delle spalle fanno dedurre che probabilmente il braccio destro fosse abbassato nell'atto di reggere il pennone che si trovava sulla spalla destra, mentre quello sinistro sollevato, con la mano aperta a compiere un gesto di saluto o nel reggere, forse, una corona. La venere è senza dubbio una delle opere più importanti e sensazionali di tutta la produzione ellenistica, poiché in essa è visibile il gusto ellenico per il virtuosismo nella resa del corpo femminile e per la sua esposizione teatrale e scenografica.

La Nike suscita un incanto popolare, il suo fascino sta, probabilmente, nell'assenza del volto. Per i primi quindici anni l'opera è stata esposta ricomposta solo in parte, senza ali e prima che venissero ritrovati anche i pezzi della prua, per rimpiazzare le parti mancanti si fece un abbondante uso di gesso. Un recente e accurato restauro ha portato alla luce lo splendore delle sfumature di marmo, e ha permesso di svelare nuove informazioni sul concetto e sulla decorazione del monumento.
Ramona Aricescu, Alex Cacciatore, Laura Fiocchi, Claudia Lleshi.
Approfondimenti

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190 a.C. 245 cm Marmo Louvre - Parigi Attribuita a Pitocrito grazie al ritrovamento del suo nome sul basamento della statua, la Nike di Samotracia è una scultura alta 245 cm in marmo pario di scuola rodia, databile al 190 a.C.

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L'urbanisticae la figura di Ippodamo da Mileto

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La Valle dei Templi è un'area archeologica della Sicilia caratterizzata dall'eccezionale stato di conservazione e da una serie di importanti templi dorici del periodo ellenico. Corrisponde all'antica Akragas, monumentale nucleo originario della città di Agrigento. Oggi è parco archeologico regionale.
Dal 1997 l'intera zona è stata inserita nella lista dei patrimoni dell'umanità redatta dall'UNESCO. È considerata un'ambita meta turistica, oltre ad essere il simbolo della città e uno dei principali di tutta l'isola. Il parco archeologico e paesaggistico della Valle dei Templi, con i suoi 1300 ettari, è il sito archeologico più grande del mondo.

La nascita della polis agrigentina è legata allo sviluppo della polis Gela: la città, infatti, fu fondata nel 581 a.C. da alcuni abitanti di Gela, originari delle isole di Rodi e di Creta, col nome di Ἀκράγας (Akragas), dall'omonimo fiume che bagna il territorio. Fu una delle principali città del mondo antico, centro urbano importante sia economicamente che politicamente.

L'insediamento fu protetto nel VI secolo da un sistema difensivo, consistente in un circuito di mura che sfruttava le caratteristiche topografiche del luogo, costituito dal pianoro su fianco di colline che dominavano il litorale e di cui la "valle dei templi" occupava il margine sud e non costituiva l'acropoli, localizzata invece più a monte, in corrispondenza del nucleo medievale dell'attuale città.

L'espansionismo militare di Akragas ebbe particolare impulso al tempo del tiranno Terone (488-473 a.C.) e della vittoria sui Cartaginesi. Seguì un periodo di rivalità con Siracusa. I grandi templi, costruiti nel V secolo, testimoniano comunque la prosperità della città.

Dopo il saccheggio da parte dei Cartaginesi, nel 406 a.C., seguì un periodo di decadenza della città, che comunque fu ricostruita. Dal 262 a.C. Agrigento entrò nel dominio romano, restando tuttavia una città importante. A partire dal VII secolo la città si impoverì e si spopolò ed il centro urbano si ridusse alla sola collina dell'acropoli, venendo così abbandonate sia l'area urbana, che la zona dei templi.

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Analisi dell'opera

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Il Mosaico della battaglia di Alessandro fu ritrovato in seguito agli scavi archeologici a Pompei nel 1831 all'interno della casa del fauno.

Mosaico della battaglia di Alessandro, II secolo a.C., da originale greco dipinto del IV secolo a.C., mosaico, 313 x 582 cm. Napoli, Museo Archeologico Nazionale

Indice

Descrizione del Mosaico della battaglia di Alessandro

Nella parte sinistra del mosaico compaiono Alessandro, la Medusa che decora la corazza del condottiero e il muso del cavallo Bucefalo. Nelle parti ancora visibili è possibile riconoscere anche Dario Oxyathres, fratello di Dario III, che si sacrifica per il sovrano. Infatti è trafitto dalla lancia di Alessandro. Il militare indossa una divisa di colore giallo e alza il braccio sinistro impugnando con la mano destra la lancia che lo trafigge. Il suo cavallo nero giace a terra ferito.

A destra si trovano i soldati persiani e al centro si coglie il loro re, Dario, in piedi su una quadriga, trainata da quattro cavalli neri. Il re mostra un'espressione spaventata e solleva il braccio destro. Intanto il cocchiere incita i cavalli mentre il carro travolge un uomo ferito e caduto a terra. Il viso spaventato del soldato si riflette sulla superficie metallica dello scudo tondo. Anche i soldati schierati in sua difesa sembrano travolti dall'esercito macedone di Alessandro Magno. Proprio al centro del mosaico poi un soldato persiano trattiene a stento il cavallo imbizzarrito.

Dario III sembra sporgersi verso Alessandro Magno e stende il braccio destro con la mano aperta nella sua direzione. Il condottiero macedone invece giunge a cavallo da sinistra circondato dai suoi uomini. Contro il cielo si sollevano le lance dei persiani inclinate versoi macedoni e i cavalli procedono spinti dai soldati. Sullo sfondo un albero privo di foglie alza i rami nudi verso il cielo.

Interpretazioni e simbologia del Mosaico della battaglia di Alessandro

L'opera è anche conosciuta come La battaglia di Isso. Infatti la scena raffigura un momento della battaglia combattuta nel 333 a.C. da Alessandro Magno contro Dario III, re di Persia. Alessandro Magno è ritratto come un eroe giovane e aitante. Infatti il viso mostra un'espressione decisa e impassibile. I capelli folti sono mossi dal vento e gli occhi sono grandi e spalancati.

Il condottiero macedone nel Mosaico della battaglia di Alessandro

Alessandro il Macedone è conosciuto anche come Alessandro Magno cioè il Grande per via delle sue campagne di conquista. Alessandro e Dario III si scontrarono in diverse occasioni. Nel 334 a.C. combatterono presso il Granico. Quindi a Isso nel 333 a.C. e infine a Guagamela nel 331 a.C. Gli storici considerando le aste molto lunghe delle lance macedoni e la testa di Alessandro priva di elmo ipotizzano che il mosaico ritragga la Battaglia di Isso.

Alessandro è in sella al suo amato cavallo dal nome Bucefalo, termine greco formato dalle parole βοῦς (boûs), bue, e da κεφαλή ( kephalḗ), testa. Bucefalo si può tradurre quindi in italiano come " testa di bue ". Secondo gli storici, viste le caratteristiche fisiche del cavallo, Bucefalo apparteneva alla razza tessalica.

Sulla superficie della corazza di Alessandro Magno è raffigurata un Medusa. Il viso della Gorgone è circondato da capelli ondulati. L'effige e nell'insieme ricorda la ritrattistica reale dell'arte greca del IV secolo a.C..

La scena presenta un efficace effetto drammatico. Infatti le lance che si alzano contro il cielo e la sovrapposizione di soldati e cavalli evocano la confusione della battaglia. Inoltre il soldato travolto dal carro di Dario III osserva la sua espressione di terrore riflessa sulla superficie di uno scudo.

L'analisi dell'opera continua dopo questo avviso!

Esami 2020-2021

I committenti, le collezioni, la storia espositiva e la collocazione

Il Mosaico che raffigura la battaglia con Alessandro si trovava sul pavimento della Casa del Fauno di Pompei in Italia, in Provincia di Napoli, in Campania. La Battaglia di Isso o Mosaico di Alessandro Magno si trova ora presso il Museo Archeologico Nazionale di Napoli.

Il committente dell'opera era legato in qualche modo al re macedone attraverso i suoi antenati.

L'artista e la società. La storia dell'opera Mosaico della battaglia di Alessandro

Il mosaico che ritrae Alessandro Magno in battaglia fu copiato dal dipinto realizzato intorno al IV secolo a.C dal pittore greco Filosseno di Eretria. Seconda un'altra ipotesi il mosaico è un originale greco di epoca ellenistica staccato e portato a Roma. Il mosaico non è integro. Nonostante questo i personaggi sono riconoscibili e l'immagine di Alessandro Magno ha assunto una grande notorietà.

Il mosaico pavimentale fu scoperto il 24 ottobre 1831 a Pompei durante gli scavi archeologici. Le autorità in seguito agli scavi trasferirono quindi il mosaico nel 1843 a Napoli. La parte sinistra dell'opera è quella più danneggiata.

Consulta anche l'articolo intitolato: I libri utili alla lettura dell'opera d'arte.

Consulta anche l'articolo intitolato: La scheda per l'analisi dell'opera d'arte.

Lo stile del Mosaico della battaglia di Alessandro

Sul cavallo che si trova al centro del mosaico è presente un accenno di chiaroscuro che permette di rappresentare il volume. L'animale acquista così una massa muscolare che rende più naturalistica la rappresentazione.

La tecnica

L'opera è realizzata con circa un milione e mezzo di tessere unite a mosaico che coprono una superficie di 313 x 582 cm. Le piccole piastrelle colorate sono disposte in curve graduali secondo la tecnica dell' opus vermiculatum. In questo modo le tessere sono affondate nell'intonaco seguendo il contorno della forma.

Il colore e l'illuminazione

L'opera presenta una gamma limitata di colori. Infatti sono visibili quattro tinte distinte, il bianco, il giallo, il rosso e il blu molto scuro. La luce che coglie la scena proviene da sinistra e i raggi del sole proiettano lunghe ombre sul terreno.

Lo spazio

I personaggi raffigurati in primo piano si assiepano e saturano tutta la metà inferiore del mosaico. Lo spazio è quindi prodotto dalla sovrapposizione dei corpi. La profondità della scena è così limitata alle figure dei soldati che si scontrano.

La composizione e l'inquadratura

La disposizione ritmata spazialmente delle lance crea un dinamismo che insieme alla calca dei personaggi suggerisce la confusione dello scontro.

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Bibliografia

Fabrizio Pesando, Marco Bussagli, Gioia Mori, Pompei. La pittura, Giunti Editore, Collana: Dossier d'art, 2003, 2005, EAN: 9788809032064

Pittura romana. Dall'ellenismo al tardo-antico, 24 Ore Cultura, Collana: Le gemme, 2006, EAN: 9788871795133

Rosso pompeiano. Le decorazione pittorica nelle collezioni del Museo di Napoli e a Pompei. Catalogo della mostra (Roma, 20 dicembre 2007-31 marzo 2008),( a cura di M. L. Nava, R. Paris, R. Friggeri), Mondadori Electa, Collana: Soprintendenza archeologica di Roma, 2008, EAN: 9788837059330

Salvatore Settis, La villa di Livia. Le pareti ingannevoli, Mondadori Electa, Collana: Soprintendenza archeologica di Roma, 2008, EAN: 9788837062040

Roma. La pittura di un impero, Skira, Collana: Arte antica. Cataloghi, 2009, 2012, EAN: 9788857204253

M. Paola Guidobaldi, Domenico Esposito, Ercolano. Colori da una città sepolta, Arsenale, 2012, EAN: 9788877433701

Valeria Sampaolo, Irene Bragantini, La pittura pompeiana, Mondadori Electa, Collana: Guide artistiche, 2013, EAN: 9788837094997

Ranuccio Bianchi Bandinelli, La pittura antica, Ghibli, 2016, EAN: 9788868011376

Monica Salvadori, Horti picti. Forma e significato del giardino dipinto nella pittura romana, Padova University Press Anno, 2017, EAN: 9788869380723

La scheda è completa. Periodicamente troverai ulteriori approfondimenti, a presto!

La data dell' ultimo aggiornamento della scheda è: 7 ottobre 2020.

Approfondisci la lettura consultando le schede delle altre opere di Pittura romana intitolate:

Mosaico della battaglia di Alessandro

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Consulta la pagina dedicata al Mosaico della battaglia di Alessandro, sul sito del Museo Archeologico Nazionale di Napoli.

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Mosaico della battaglia di Alessandro - ADO Analisi dell'opera

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Il Mosaico della battaglia di Alessandro fu ritrovato in seguito agli scavi archeologici a Pompei nel 1831 all'interno della casa del fauno. Mosaico della battaglia di Alessandro, II secolo a.C., da originale greco dipinto del IV secolo a.C., mosaico, 313 x 582 cm.

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PAESTUM: VIBRAZIONI E CAMBIAMENTI CLIMATICI MINACCIANO IL TEMPIO DI NETTUNO.

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PAESTUM: VIBRAZIONI E CAMBIAMENTI CLIMATICI MINACCIANO IL TEMPIO DI NETTUNO.

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Articolo sulla fragilità dei beni archeologici e sulle misure per la loro conservazione.

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Paestum: vibrazioni e cambiamenti climatici minacciano il tempio di Nettuno. Ora il monitoraggio con Art Bonus

Non ci si deve arrivare al sisma, che è un caso eccezionale - anche vibrazioni quasi impercepibili causate da un treno che passa a 1 km di distanza o persino da una tempesta forte incidono sul tempio di Nettuno, costruito 2500 anni fa dai coloni greci di Paestum e miracolosamente conservato fino alla punta del frontone. E il sospetto è che purtroppo negli ultimi tempi il deterioramento dello stato di conservazione del monumento si stia accelerando, anche a causa dei cambiamenti climatici e dell'intensificarsi di calamità naturali con forte incidenza sulla conservazione dei beni culturali. Si tratta di un tema "caldo" che è all'attenzione dei livelli più alti del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, come conferma il sottosegretario con delega ai siti Unesco, Lucia Borgonzoni, la quale precisa che <<Il Mibac sta lavorando a un sistema integrato con il supporto di tecnologie avanzate per garantire una maggiore salvaguardia del patrimonio italiano>>.
<<Noi ci siamo spaventati - racconta il direttore del Parco Archeologico di Paestum, Gabriel Zuchtriegel - quando con i restauratori siamo saliti sul tempio per un intervento periodico di manutenzione e restauro: il degrado, rilevato pochi mesi prima con un drone, era molto avanzato in un breve arco di tempo; ora l'idea è di avviare un monitoraggio continuo per avere maggiore certezza>>.
Per farlo esiste già una soluzione, elaborata dal Dipartimento di Ingegneria Civile dell'Università di Salerno. <<Otto sensori di tecnologia avanzata posizionati sul monumento permetterebbero un monitoraggio continuo, una specie di TAC, che può essere consultato attraverso la rete in tempo reale - spiega il prof. Luigi Petti dell'Ateneo salernitano - Ciò consentirà di rilevare il comportamento del tempio ed elaborare un modello della struttura interna del monumento, onde prevenire eventuali fenomeni di deterioramento statico>>. Le principali informazioni sul comportamento del tempio di Nettuno saranno messe a disposizione di tutti gli utenti in rete in un'ottica di open data e di trasparenza nell'amministrazione del patrimonio archeologico.
Per attuare il progetto, i tecnici del Parco Archeologico e dell'Università hanno stimato costi pari a 110mila euro. <<Abbiamo avviato una raccolta fondi sul portale Art Bonus - annuncia il direttore Zuchtriegel - tutti possono aiutarci a monitorare il tempio di Nettuno, approfittando tra l'altro degli sgravi fiscali previsti dalla legge Art Bonus. Anche una piccola donazione rappresenta per noi un sostegno prezioso>>.
Il monitoraggio di Paestum si inserisce in un progetto più ampio, coordinato dal Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e che vede come protagonista il Parco Archeologico del Colosseo, che sotto la guida della direttrice Alfonsina Russo sta mettendo a punto una strategia per la salvaguardia dei monumenti attraverso un articolato progetto di monitoraggio e di manutenzione programmata. In programma, tra l'altro, un convegno a Roma il prossimo 21 marzo su "Monitoraggio e manutenzione nelle aree archeologiche. Cambiamenti climatici, dissesto idrogeologico, degrado chimico ambientale" a cura del Parco Archeologico del Colosseo e una mostra su archeologia e cambiamenti climatici a Paestum, elaborata insieme agli scienziati della Fondazione "Centro Euro-Mediterraneo sui Cambiamenti Climatici", che sarà inaugurata il 17 settembre 2019.
<<Oggi la questione non è più se il cambiamento climatico c'è o non c'è - dice Zuchtriegel - Siamo ormai passati a una fase in cui la questione è come reagire a dei fenomeni che come tali forse non saranno nemmeno nuovi, ma che si stanno verificando con una rapidità inaudita rispetto al passato. Oggi è richiesto il nostro impegno concreto per far sì che i nostri nipoti e bisnipoti potranno ancora ammirare i templi di Paestum nel 2100. Purtroppo non sembra che ciò sia così scontato, guardando anche il recente studio dell'università di Kiel che parla di 42 su 49 siti Unesco analizzati intorno al Mediterraneo a rischio per i cambiamenti climatici in atto, tra cui i templi di Paestum>>.

Per informazioni consultare il sito https://artbonus.gov.it/594-tempio-di-nettuno.html

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Paestum: vibrazioni e cambiamenti climatici minacciano il tempio di Nettuno. Ora il monitoraggio con Art Bonus - Parco Paestum e Velia

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Non ci si deve arrivare al sisma, che è un caso eccezionale - anche vibrazioni quasi impercepibili causate da un treno che passa a 1 km di distanza o persino da una tempesta forte incidono sul tempio di Nettuno, costruito 2500 anni fa dai coloni greci di Paestum e miracolosamente conservato fino alla punta del frontone.

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Restauro e Recupero dei templi C ed E di Selinunte

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Restauro e Recupero dei templi C ed E di Selinunte

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Architettura Dorica nell’Occidente Greco – Interventi Pilota di Restauro e Recupero nei Templi “C” ed “E” di Selinunte (TP)

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Restauro e Recupero dei templi C ed E di Selinunte - Eupro Srl

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46 colonne in rete metallica di 8 m sul lungomare della città

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È la sua seconda grande opera pubblica permanente in Italia dopo la Basilica di Siponto in Puglia e sorge all'interno di un parco di 2500mq, sotto il lungomare: inaugurazione prevista a settembre.

È diventato famoso per le sue architetture trasparenti in rete metallica, capaci di riprodurre antichi capolavori andati persi, come ad esempio la basilica paleocristiana presso il sito archeologico di Santa Maria di in Puglia. Ora, EdoardoTresoldi, dopo le esperienze in Arabia Saudita, Emirati Arabi e , , e , torna alle origini e realizza una nuova installazione permanente in Italia.

EDOARDO TRESOLDI: OPERA

Si tratta di Opera, un intervento di arte pubblica sul lungomare Falcomatà di Reggio Calabria, promossa e commissionata dal Comune e dalla Città Metropolitana, che si inaugurerà il 12 e 13 settembre con una serie di eventi gratuiti di musica, performance e poesia con nomi come il musicista Teho Teardo e il poeta e scrittore Franco Arminio. " Opera nasce per rimarcare il carattere del luogo attraverso il costruito, proponendone così un'ulteriore chiave di lettura", racconta Tresoldi. " Ho cercato di creare un luogo della contemplazione e indagare il ruolo dell'arte pubblica oggi, che ritengo debba saper accogliere il presente ".

EDOARDO TRESOLDI: L'OPERA SUL LUNGOMARE

Quest'opera monumentale, costituita da un colonnato di 46 colonne classiche in rete metallica che raggiungono gli 8 metri di altezza, si inserisce, infatti, all'interno di uno dei più ampi spazi pubblici europei, sotto il lungomare Falcomatà, nel parco di 2500mq posto alla fine di via Giunchi, proprio nei pressi del Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria, dove sono custoditi i celebri Bronzi di Riace. " Tresoldi è uno dei creatori più stimati a livello internazionale", conclude il sindaco della città, Giuseppe Falcomatà. " La sua opera costituisce per la nostra città una grande vetrina, rappresentando con la sua prospettiva moderna coniugata in senso classico un'ulteriore importante attrattiva, anche dal punto di vista turistico, integrandosi in un contesto di rara bellezza come il nostro Lungomare ". Ecco le immagini del progetto...
-Claudia Giraud

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Torna Edoardo Tresoldi: 46 colonne di metallo sul lungomare di Reggio Calabria

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È la sua seconda grande opera pubblica permanente in Italia dopo la Basilica di Siponto in Puglia e sorge all'interno di un parco di 2500mq, sotto il lungomare: inaugurazione prevista a settembre. È diventato famoso per le sue architetture trasparenti in rete metallica, capaci di riprodurre antichi capolavori andati persi, come ad esempio la basilica paleocristiana presso il sito archeologico di Santa Maria di in Puglia.

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interventi di restauro in calcestruzzo armato nelle areearcheologiche e problemi di conservazione.

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interventi di restauro in calcestruzzo armato nelle areearcheologiche e problemi di conservazione.

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interventi di restauro in calcestruzzo armato nelle aree archeologiche e problemi di conservazione.

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Dalla devastazione dell'Isis alla rinascita, il sito archeologico di Palmira riapre ai turisti entro il 2019

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La Sposa del deserto rinascerà dalle sue ceneri. Il sito archeologico siriano di Palmira, gravemente danneggiato dagli attacchi delle milizie dell'Isis, riaprirà al pubblico entro il prossimo anno. Lo scenario che gli studiosi si sono trovati davanti dopo la riconquista della zona da parte dell'esercito di Assad era sconvolgente: l'Isis aveva distrutto gran parte della Città Vecchia, i templi di Bel e di Baalshamin, l'Arco di trionfo e le colonne nella Valle delle tombe, sbriciolando le preziose rovine greco-romane dichiarata dall'Unesco Patrimonio dell'Umanità. Ma entro la prossima estate questi preziosi tesori saranno restituiti alla Siria e ai turisti del mondo intero.

La devastazione di Palmira è stata uno sfregio deliberato, che ha gravemente danneggiato i resti di quello che per secoli è stato un importantissimo crocevia di civiltà, tappa fondamentale per i mercanti e viaggiatori che attraversavano il deserto siriano, a metà strada fra Occidente e Oriente. A dare ora la notizia della riapertura del sito archeologico entro l'estate del 2019 è stato il governatore della provincia di Homs, Talal Barazi: "Le autorità hanno un progetto per riparare tutti i danni causati alla città vecchia di Palmira", ha detto a Sputnik News. "Questa è la storia del mondo e non appartiene solo alla Siria", ha poi aggiunto, ricordando che i lavori si svolgeranno grazie anche all'Unesco e a Italia, Polonia e Russia che si sono impegnati a offrire assistenza negli sforzi della Siria.

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Nel gennaio 2017 la direttrice generale dell'Unesco Irina Bokova aveva descritto la distruzione di Palmira un "crimine di guerra", nonché un duro "colpo contro un patrimonio culturale". Ed è per questo che, liberato definitivamente dall'Isis, l'Unesco ha avviato un progetto di recupero d'emergenza del sito archeologico: 150 mila dollari sono serviti solo per il portico del Tempio di Bel mentre le sculture sono state portate a Damasco per il restauro con l'assistenza degli specialisti del Museo Pushkin di Mosca. Il Museo di Damasco ha restauro anche la statua del leone di Al-lat mentre due busti funerari sono stati restaurati in Italia, dai laboratori dell'Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro, usando la stampa in 3D. Ora si attendono i dettagli del complesso progetto di ripristino, il cui costo è stato stimato intorno ai 2 miliardi di dollari.

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Dalla devastazione dell'Isis alla rinascita, il sito archeologico di Palmira riapre ai turisti entro il 2019

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La Sposa del deserto rinascerà dalle sue ceneri. Il sito archeologico siriano di Palmira, gravemente danneggiato dagli attacchi delle milizie dell'Isis, riaprirà al pubblico entro il prossimo anno. Lo scenario che gli studiosi si sono trovati davanti dopo la riconquista della zona da parte dell'esercito di Assad era sconvolgente: l'Isis ...

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Progetto Unesco: archeologia per la pace

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Progetto Unesco: archeologia per la pace

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La ricostruzione della città di Palmira

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il progetto VR per preservare la cultura siriana

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Perpetuity | Palmyra è un'esperienza VR che intende preservare e ricostruire il sito archeologico siriano di Palmyra, distrutto dall'ISIS.

Gli ideatori di Perpetuity | Palmyra hanno scelto un'arma particolare per rispondere alla distruzione dell'eredità siriana da parte del gruppo terroristico ISIS: la Realtà Virtuale.

Nel 2015, i ribelli dell'ISIS hanno invaso l'antica città siriana di Palmira, distruggendo siti archeologici secolari e saccheggiandoli prelevando antichi manufatti pdf vendere sul mercato nero. Durante l'antichità, negli anni in cui fiorivano i commerci nella Via della Seta, Palmira si ergeva come un'oasi multiculturale, un luogo di incontro per persone provenienti da tutto il mondo. Le sue rovine erano tra le meglio conservate in tutto il mondo, fino all'arrivo dell'ISIS.

Nonostante siano stati estromessi dalla regione dalle forze russe e siriane, i ribelli hanno inflitto un danno senza rimedio alla regione, devastando 3000 anni di storia, ma secondo i creatori del progetto Perpetuity | Palmyra non tutto è perduto!

Proprio in questo mese l'organizzazione no-profit Arc/k Project ha lanciato una campagna di raccolta fondi Kickstarter per questo progetto che mira a ricreare la città di Palmira nella sua interezza in un'esperienza immersiva VR. Come dicono gli ideatori del progetto sul sito dedicato, essi non vogliono solo inviare un messaggio all'ISIS, dicendo che i loro sforzi per cancellare la storia falliscono davanti alla forza delle tecnologie per la rigenerazione virtuali, ma vogliono anche fare conoscere questa storia agli individui di tutto il mondo, che potranno vivere il sito archeologico comodamente da casa.

Gli ideatori di Arc/k Project hanno passato gli ultimi tre anni alla ricostruzione digitale di tre siti di Palmira: il Teatro Romano, il Tempio di Bell e l'Arco di Trionfo. Per realizzare ciò, hanno utilizzato un complesso sistema noto come fotogrammetria, per ricostruire le rovine in un'esperienza interattiva di crowdsourcing. Ciò significa aver raccolto migliaia di immagini della città realizzate prima della sua distruzione, grazie ai siti di Creative Commons, per poter ricreare oggetti ed edifici attraverso la scansione 3D.

Non è il primo progetto che del genere che intraprende il team: in un altro lavoro recente ha utilizzato circa 15.000 immagini per la ricostruzione di locomotive degli anni ottanta, manufatti importanti come statue classiche, vestiti vittoriani, e luoghi in giro per il mondo come ghiacciai islandesi, con risultati molto realistici e stimolanti.

Perpetuity | Palmyra rimane però il progetto più ambizioso intrapreso fino ad ora da Arc/k Project. I primi tre siti già realizzati dal tema vogliono essere la partenza per un obiettivo più ampio, ovvero espandere la ricostruzione 3D all'intera città, per creare un'unica esperienza VR. Per raggiungere l'obiettivo il team intende connettersi con più siriani possibili tramite pubblicità dai social media, oltre che a raggiungere turisti, archeologi o chiunque possa aver scattato più foto possibili pre-distruzione del sito.

Oltre a questo, Arc/k Project intende intraprendere dei corsi di formazione sulla conservazione culturale attraverso la fotogrammetria, e l'importanza di studiare la storia attraverso l'esperienza VR dedicata a Palmira. In questo senso da cinque a cinquanta studenti si potrebbero incontrare tramite visori VR nel sito virtuale. L'esperienza potrebbe estendersi a biblioteche digitali, istituzioni culturali in Medio Oriente e in tutto il mondo, musei ed istituti di istruzione superiore.

Il progetto potrebbe anche diventare la base per per poter ripristinare un giorno Palmira stessa. La campagna Kickstarter sta cercando di raccogliere 75.000 dollari entro il 5 aprile.

L'auspicio del team è diventare un trust temporale per il patrimonio culturale siriano. Aspettando il giorno in cui termineranno i confini in Siria, questi archivi potranno diventare una parte cruciale per la riscoperta e ricostruzione di un senso di identità storico-culturale per il popolo siriano.

Fonti:

http://arck-project.org/perpetual-palmyra/
http://arck-project.org/our-work/
https://sketchfab.com/arck-project

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Perpetuity | Palmyra: il progetto VR per preservare la cultura siriana | VirtuaLMentis

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Perpetuity | Palmyra è un'esperienza VR che intende preservare e ricostruire il sito archeologico siriano di Palmyra, distrutto dall'ISIS. Gli ideatori di Perpetuity | Palmyra hanno scelto un'arma particolare per rispondere alla distruzione dell'eredità siriana da parte del gruppo terroristico ISIS: la Realtà Virtuale.

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CONCLUSO L’INTERVENTO DI MANUTENZIONE SUL TEATRO GRECO-ROMANO DI VELIA: ORA È ACCESSIBILE AL PUBBLICO

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Il teatro greco-romano di Velia dopo gli interventi di manutenzione (marzo 2021)
Si è concluso un intervento di manutenzione straordinaria sull' antico teatro di Elea-Velia, finalizzato non solo a garantire la tutela del monumento, ma anche a renderlo finalmente accessibile ai visitatori del sito archeologico che, da un anno circa, rientra nelle competenze del Parco Archeologico di Paestum e Velia, struttura del Ministero della Cultura dotata di autonomia speciale.

L'intervento, per un importo di 158mila Euro, si era reso necessario a causa del degrado avanzato in cui versavano le integrazioni delle sedute dell'edificio teatrale già parzialmente ripristinate da un progetto di restauro di quasi vent'anni fa. Piante infestanti e infiltrazioni d'acqua minacciavano la tenuta dei blocchi originali che furono smontati negli anni '80 del secolo scorso per realizzare degli scavi stratigrafici nell'area e per essere poi rimontati durante il restauro promosso dalla Soprintendenza Archeologica di Salerno nel 2003. Grazie alla scelta di utilizzare un materiale diverso per le integrazioni moderne che ricalcano la sottostruttura in terra sulla quale appoggiavano i blocchi delle sedute, ora la cavea del teatro è accessibile al pubblico, cosa che il precedente intervento aveva escluso per motivi di sicurezza. Al tempo stesso, i lavori recenti hanno conservato le caratteristiche di reversibilità e riconoscibilità dell'intervento del 2003, seguendone le scelte anche nel colore delle parti integrate.

Tra i primi a vedere il teatro dopo la conclusione dei lavori è stato il Direttore generale dei Musei, Massimo Osanna: " Ho molto apprezzato il lavoro che l'équipe del Parco Archeologico di Paestum e Velia sta realizzando. Ho voluto visionare personalmente quanto fatto su questo monumento, anche dopo aver letto l'accurata relazione tecnica di Francesca Condò, funzionaria architetto della Direzione Generale Musei, che qualche settimana fa era venuta al Parco per un sopralluogo. Devo dire che il risultato finale mi sembra molto positivo anche in considerazione della storia travagliata del monumento che rende gli interventi di restauro e manutenzione particolarmente complessi. Come è noto il teatro è stato completamente scavato e poi ricostruito e l'intervento di manutenzione attuale va a migliorare una situazione che era di grande degrado ".

" Abbiamo voluto rispettare il progetto promosso dall'allora soprintendente Giuliana Tocco - spiega il direttore del Parco archeologico di Paestum e Velia, Gabriel Zuchtriegel, che all'interno del Parco svolge anche le funzioni di Soprintendente - superando però l'impossibilità, che esisteva formalmente anche se è stata spesso disattesa, di far accedere le persone alla cavea. A tal fine abbiamo coinvolto anche un ingegnere strutturista che ha valutato la stabilità del monumento. Oggi tutti possono accedere alle sedute della cavea, ovviamente rispettando delle regole come succede in tutti i siti archeologici. La finalità non è solo quella di usare l'edificio antico per spettacoli teatrali, ma anche di far accedere visitatori singoli e famiglie a un monumento che, grazie al suo restauro, ci può far riscoprire la sorprendente acustica dei teatri antichi. Chi si mette al centro dell'orchestra, infatti, può raggiungere le ultime file anche a voce bassa e senza microfono: una cosa da provare con figli, amici e scolaresche quando si potrà nuovamente visitare il sito che attualmente è chiuso per via dell'emergenza pandemica. È un modo concreto per far capire la maestranza degli antichi architetti che nella progettazione dei teatri badavano più al suono che non all'impatto visivo, come insegna Vitruvio nel libro V del suo trattato sull'architettura ".

Il teatro di Velia nasce intorno al 400 a.C. sul versante sud-orientale dell'acropoli della città magno-greca in un'area precedentemente occupata da un quartiere abitativo. La realizzazione del primo impianto si inserisce in una complessa riorganizzazione degli spazi dell'acropoli con imponenti opere di terrazzamento funzionali oltre che alla costruzione del teatro, anche alla monumentalizzazione del santuario alle sue spalle, sede del tempio più grande della città, forse dedicato al culto di Athena. Successivamente il teatro subisce una serie di ristrutturazioni e ampliamenti, raggiungendo il suo massimo splendore in epoca imperiale, quando a Velia, a differenza di altri centri magno-greci come per esempio la vicina Paestum, la lingua greca è ancora parlata. L'ultima fase di vita dell'edificio teatrale cade nel III sec. d.C.

Per la conoscenza e la valorizzazione dell'area dell'antica acropoli, il Parco ha varato un progetto di indagini stratigrafiche sull'altura dominata dal castello medievale e alle sue pendici.

" Velia è una città unica nel contesto della Magna Grecia - commenta il direttore - non solo per la sua storia che la lega ai focei originari dell'Asia Minore, ma anche per la sua importante tradizione filosofica e medica. Sul tema della medicina e del suo rapporto con gli antichi saperi mediterranei vogliamo organizzare una mostra per la quale abbiamo ricevuto un cofinanziamento dalla Regione Campania. Non vediamo l'ora di accogliere nuovamente i nostri visitatori che a Velia nell'estate scorsa sono raddoppiati rispetto agli anni precedenti, un trend che fa ben sperare per l'attesa ripresa del settore culturale e turistico nel Cilento ".
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Concluso l'intervento di manutenzione sul teatro greco-romano di Velia: ora è accessibile al pubblico - Parco Paestum e Velia

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Il teatro greco-romano di Velia dopo gli interventi di manutenzione (marzo 2021) Si è concluso un intervento di manutenzione straordinaria sull' antico teatro di Elea-Velia, finalizzato non solo a garantire la tutela del monumento, ma anche a renderlo finalmente accessibile ai visitatori del sito archeologico che, da un anno circa, rientra nelle competenze del Parco Archeologico di Paestum e Velia, struttura del Ministero della Cultura dotata di autonomia speciale.

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Siracusa. Diazoma del Teatro greco, si sgretolano le iscrizioni greche.

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Siracusa. Diazoma del Teatro greco, si sgretolano le iscrizioni greche.

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Siracusa. Diazoma del Teatro greco, si sgretolano le iscrizioni greche sotto i colpi della pioggia dell’incuria e dell’abbandono

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Sull'incuria e l'abbandono di siti e monumenti dalla grande valenza storico-artistica e culturale sono stati impiegati fiumi di parole. Quando le intemperie, come avvenuto negli ultimi giorni, si abbattono impietose sul nostro patrimonio archeologico-monumentale abbandonato a se stesso i danni arrecati possono essere gravissimi. Il monumento principe dell'architettura greca aretusea, il Teatro Maximum, per dirla con Cicerone, si trova in uno stato di salute preoccupante. Situazione da noi già segnalata (in "Libertà", 2 /11 /2017), riproposta ora dopo gli ulteriori danneggiamenti subiti dal Teatro Greco dopo i ripetuti giorni di pioggia battente che ha visto dilavare pietrisco e detriti sul piano di calpestio del diazoma, il corridoio mediano della cavea.

Lungo il muro del diazoma sono incise alcune iscrizioni in greco di grandi dimensioni, datate al III secolo a. C. "L'analisi paleografica delle iscrizioni conferma una cronologia alla seconda metà del III sec. a.C. già supportata dalle fonti letterarie e dalla documentazione archeologica" (Alessia Dimartino, "Iscrizioni del teatro di Siracusa" , Axon vol.I, n. 1-2017).

Le incisioni furono volute da Ierone II al fine di esaltare la dinastia regnante che poteva vantare antenati mitici e protezione divina.

Una sorta di slogan politico che ben si adattava alla valenza culturale, politica e religiosa del Teatro. La funzione delle epigrafi era anche di carattere pratico poiché facilitava l'accesso del pubblico ai vari settori. Lungo il muro del diazoma che guarda ad ovest erano incisi i nomi di alcune divinità come Zeus Olimpio nel settore centrale o di eroi come Eracle Kraterophron. Ad est sono incisi i nomi di Gelone, la moglie Nereide, la regina Filisitide e il re Ierone II. L'immagine proposta su questa testata, esattamente un anno fa, dei due turisti statunitensiin viaggio di nozze, i quali con profondo rispetto e quasi timore mi avevano chiesto il permesso di poter toccare le iscrizioni millenarie, era stata quanto mai emblematica.Ci spingeva a farci riflettere sul modo in cui ognuno di noi dovrebbe avvicinarsi ai segni del nostro passato.

Alcune epigrafi,sfiorate con delicatezza e rispetto dai nostri visitatori stranieri, sono purtroppo state danneggiate dal mal tempo. Per esempio la ∑ finale dell'iscrizione "basilissas" (regina) Nereidos, presenta una profonda fessurazione. Al suolo pietrisco e frammenti dal muro. Le altre iscrizioni non presentano situazioni eccellenti e rischiamo di perderle per sempre se non si interviene tempestivamente. Questo monumento probabilmente continuerà ad affascinare anche se ricadrà in rovina e presenterà sempre "una bellezza capace di parlare al cuore degli uomini", come ebbe a scrivere Jean Houel nel 1787. Nonostante questa considerazione ai posteri resterà l'ardua sentenza sul nostro agire.

di Laura Cassataro 18 Ottobre 2018 | 08:47
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Siracusa. Diazoma del Teatro greco, si sgretolano le iscrizioni greche sotto i colpi della pioggia dell'incuria e dell'abbandono - Libertà Sicilia

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Sull'incuria e l'abbandono di siti e monumenti dalla grande valenza storico-artistica e culturale sono stati impiegati fiumi di parole. Quando le intemperie, come avvenuto negli ultimi giorni, si abbattono impietose sul nostro patrimonio archeologico-monumentale abbandonato a se stesso i danni arrecati possono essere gravissimi. Il monumento principe dell'architettura greca aretusea, il Teatro Maximum, per dirla ...

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L’arte classica non è mai stata così contemporanea

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Scultore ed appassionato di social è un connubio inusuale che sembra uno scherzo, ma invece è la forza di Jacopo Cardillo, per gli amici Jago.

"Uso i social network per diffondere il dietro le quinte di un'opera, perché è più interessante. A quel punto le persone cercano e ti seguono e condividono lo stesso percorso. Il fine è quello di dare coraggio alle persone, di sperimentare e di fare il massimo delle proprie potenzialità".

Ma com'è collegare il percorso artistico con la digital life? Non è così difficile come sembra, anzi lo facciamo tutti i giorni senza accorgercene.
Questo è un tema molto caro a Jago, che fa della sua digital life il valore aggiunto alla comunicazione della sua arte. L'artista, utilizzando i social in favore della propria comunicazione, non dipende da nessuno, bensì recupera quella libertà da terze persone che fino a quel momento avevano parlato di lui e per lui.
Come per tutte le cose, anche l'utilizzo dei social è un'arma a doppio taglio, perché - come dice lo stesso Jago - bisogna conoscere bene il mezzo con cui si sta comunicando e gli strumenti che quest'ultimo ci mette a disposizione.

La sfida è quindi quella di trarre il massimo vantaggio dalle funzioni che abbiamo a disposizione ed è proprio quello che Jago sta tentando di fare con l'utilizzo di Facebook, il canale che ha scelto per comunicare il suo personaggio e la sua arte.

Jago è famoso per le sue quotidiane dirette su Facebook e proprio in una di queste, per quasi un'ora, affronta con la padronanza di chi sa di cosa sta parlando, il tema di come far coesistere arte e identità digitale.
Pubblicare la foto di un'opera non basta, a Jago serve altro per comunicare la sua arte. E decide quindi di farlo con delle dirette video, pur cosciente che si tratta di un'operazione molto rischiosa.

Rischiosa perché? Se da un lato comunichi in modo indipendente, dall'altro decidi di esporti a 360 gradi mettendoci la faccia. Inevitabilmente sarai esposto nel migliore dei casi a successi, nel peggiore a critiche mosse dai famosi "haters" ( letteralmente "chi odia") i quali non vedono l'ora di distruggere un personaggio pubblico da dietro uno schermo.

Ma a Jago questo poco interessa perché ha deciso di esporsi andando contro il sistema: quel sistema che impone di comunicare la tua arte come vogliono gli altri. Vuoi esporre in una determinata galleria? Bene, ma devi seguire il nostro progetto, devi stare alle nostre regole...
No, a lui questo proprio non va giù ed è su questo argomento che si sofferma la sua lunga analisi.
Un'analisi che comprende anche la storia della sua istruzione e di quel percorso accademico che ha scelto di non portare a termine.

Jago riceve quotidianamente domande su questo argomento; come quella di una ragazza, che tramite un commento durante una delle sue dirette, gli ha chiesto se non gli fosse mai passato per la mente di tornare in Accademia per prendere quel titolo che gli manca.
A questa domanda Jago risponde con un secco:

" No, proprio no". "Sono io ad aver deciso di non concludere quel percorso" - continua - "E vi dirò di più, se non lo avessi fatto ora non sarei qui. Sono felicissimo che le cose siano andate così, non mi sento inferiore per questo, anzi ne sono grato, perchè le cose che sto vivendo adesso le sto costruendo giorno dopo giorno e non le metterei da parte per nessun motivo al mondo, figuriamoci per concludere quel percorso che so già non mi porterebbe a niente, un percorso di cui già vedo la fine. Per me l'Accademia è finita e l'ho deciso io".

Che Jago sia un anticonformista lo abbiamo capito e a chi critica la sua Venere definendola una "disgustosa operazione estetica", lui risponde sbattendogli in faccia la nuda verità: quell'immagine su Instagram con cui annuncia il suo trionfale ingresso nel Museo Carlo Bilotti di Villa Borghese, sede della sua mostra romana.

Photo: facebook Jago

Qual è quindi la forza di un artista nell'era dei social? Jago si fa questa domanda e si dà una risposta: la comunicazione in tempo reale.
Non siamo più costretti ad essere spettatori di noi stessi, bensì possiamo gestire in modo completamente indipendente la nostra immagine e condividerla come meglio crediamo.
Condividere per Jago è questo: interagire con le persone in tempo reale. Poco gli importa se sotto un suo video riceve 100 o 1000 likes, per lui l'importante è l'interazione umana che si genera durante le sue dirette.

"Si sente spesso dire che l'artista è frustrato" dice Jago, " .. e certo perché c'è gente che decide al posto suo" , continua.

E proprio a quegli artisti che nei commenti gli chiedono aiuto lui risponde di lottare sempre per i propri ideali e consiglia di comunicarli attraverso i tanti strumenti che i social network ci mettono a disposizione ogni giorno. Proprio come ha fatto lui, che nel tempo ha creato così tanti contenuti che hanno reso la sua pagina Facebook un vero e proprio archivio digitale che è diventato con il tempo una vetrina di visibilità e credibilità.

Dopo più di quaranta video, lo stesso Jago ammette però di essersi reso conto di essere passato agli occhi di molti per una persona che non è. In molti infatti lo hanno criticato e definito spocchioso, arrogante e pieno di sé. Adesso però con l'arrivo delle dirette facebook tutto è cambiato ulteriormente: con la felpa sporca di polvere e le mani rovinate dalla pietra Jago ama mettersi davanti al suo smartphone in tempo reale e far vedere al mondo chi è veramente. Si filma nella sua quotidianità, durante una pausa fra un lavoro e l'altro, raccontandosi per quello che è o semplicemente facendo vedere quel "dietro le quinte" di cui vi parlavo all'inizio.

Jago afferma che il suo obiettivo adesso è uno: trasformare il social e il suo utilizzo in elemento compositivo dell'arte. Attraverso una delle sue dirette arriva una vera e propria dedica d'amore per i suoi follower:

"Voi, che ogni giorno siete qui con me nelle mie dirette ad assistere in prima persona e in tempo reale alla creazione dei miei lavori, siete il più grande contributo che io ho alla realizzazione delle mie opere. Voi siete opera d'arte ed è questo quello che voglio comunicare e far arrivare.
Il social network è opera d'arte, noi siamo opera d'arte. Quando saremo consapevoli di essere noi in primis delle opere d'arte allora potremo fare qualsiasi cosa, ma saperlo non basta, bisogna esserne consapevoli".

Facebook è la morsa nella quale ogni uomo contemporaneo si trova, Nessuno guadagna con i social, gli unici a farlo sono coloro che li hanno inventati. Noi possiamo solo provare a fare la differenza e quest'ultima la si trova nella scelta.

Jago la sua scelta l'ha fatta e la differenza anche.

Amici romani, non potete assolutamente perdere la mostra di Jago, presso il Museo Carlo Bilotti Aranciera di Villa Borghese fino al 2 aprile 2018. L'ingresso è gratuito. Inoltre vi consigliamo di seguirlo su i suoi principali canali social per rimanere sempre aggiornati su questo meraviglioso artista.

Facebook: JAGO

Instagram: @jago.artist

Website: https://jago.art
Michela Ravera
Photo: Francesco Bertola

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Jago: l'arte classica non è mai stata cosi contemporanea

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"Uso i social network per diffondere il dietro le quinte di un'opera, perché è più interessante. A quel punto le persone cercano e ti seguono e condividono lo stesso percorso. Il fine è quello di dare coraggio alle persone, di sperimentare e di fare il massimo delle proprie potenzialità".

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Distruggere le statue: una storia antica

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Distruggere le statue: una storia antica

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La ricorrente brutalità verso le statue è una reazione paradossale alla speciale attrazione che esse continuano ad esercitare su di noi.

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Ci sono state fasi del passato in cui si è infierito deliberatamente su affreschi e dipinti: l'Iconoclastia nell'impero bizantino (tra VIII e IX sec.) ed episodi più circoscritti (ad esempio nella Firenze di fine '400, al tempo della predicazione di Girolamo Savonarola). Ma la distruzione delle statue punteggia ancora più fittamente tutta la storia, nel nostro Occidente, e non solo. Vengono in mente filmati recentissimi: le bombe dei Talebani che sbriciolano i Buddha della valle di Bamiyan nel 2001, i martellatori dell'ISIS che frantumano statue nel museo di Mosul in Iraq nel 2015. Rischiamo di vedere solo la superficie di queste scene di distruzione, quasi non ci fosse altro che lo scatenarsi di una violenza insensata. In una situazione rovesciata, nelle vicende seguite all'uccisione di George Floyd - la statua di Edward Colston a Bristol - rischiamo di vedere solo le buone motivazioni (la condanna dello schiavismo e del razzismo). In realtà, questa ricorrente brutalità verso le statue (è violenza anche quella di Bristol o degli USA) è una reazione paradossale alla speciale attrazione che esse continuano ad esercitare su di noi.

Prendiamo alcuni episodi avvenuti nei primi cinquant'anni del V secolo a. C. in Grecia. Un arco di tempo decisivo per la storia dell'arte dei secoli (verrebbe da dire, dei millenni) a venire: è in questi decenni che viene messa a punto quella tecnica - la fusione a cera perduta - che permetterà di realizzare strabilianti opere di scultura come i Bronzi di Riace (e migliaia di statue che abbiamo perso per sempre). Nel 480, i Persiani entrano in Grecia e arrivano ad Atene: l'acropoli viene distrutta e le statue che affollavano il santuario di Atena vengono abbattute. Si trattava di offerte votive alla dea: in particolare, le statue femminili delle korai, alcune statue equestri, altre figure di offerenti. Più tardi, gli Ateniesi seppelliranno queste rovine - in quanto sacre - in uno strato di riempimento sull'acropoli che gli archeologi definirono "colmata persiana" (una grande scoperta della fine dell'Ottocento). Su alcune di queste statue è stato possibile riconoscere segni di martellate e colpi di ascia, in particolare sui volti.

Devastare uno spazio religioso forse rientrava nelle normali operazioni di un esercito invasore e, a quanto riferisce Erodoto, era pratica normale per i Persiani; ma non è altrettanto chiara la ragione che li spinse a non toccare e, anzi, a portar via dall' agorá - la piazza principale di Atene - le statue dei Tirannicidi eseguite da un artista di fama, Antenor; era un monumento con una forte connotazione politica, dato che raffigurava Armodio e Aristogitone, i due amanti che nel 514 avevano ucciso il tiranno Ipparco.

Nello stesso anno in cui i Persiani aggredivano Atene, nel santuario di Olimpia si svolgevano le gare quadriennali in onore di Zeus: nel pugilato vinse Theagenes di Taso, che trionfò anche nel pancrazio (un tipo di lotta) nell'olimpiade successiva. Una forza favolosa, e un singolare rapporto con le statue: si raccontava che a nove anni, tornando da scuola, avesse visto una statua bronzea nella piazza del mercato, l'avesse strappata dal piedistallo e portata a casa; non venne punito, perché qualcuno intuì nel bambino doti eccezionali, ma venne costretto a riportare il bronzo al suo posto. La celebrità ottenuta, grazie a una serie impressionante di vittorie in altre competizioni internazionali, gli aprì la strada alla carriera politica in patria, a Taso, un'isola dell'Egeo settentrionale.

Alcuni scrittori greci di età imperiale - Dione di Prusa e Pausania - raccontano su di lui una storia che spiega in modo straordinario (al di là delle prevedibili coloriture mitiche) quale fosse il rapporto degli antichi con l'oggetto-statua. Theagenes aveva ben meritato e onorato la patria, e per questo i concittadini gli eressero una statua; dopo la sua morte, un avversario politico per più notti di seguito si mise a frustare il bronzo, fino a che, una volta, esso rovinò giù e lo uccise. I parenti del morto intentarono un processo, e ottennero che la statua, in quanto colpevole, venisse gettata in mare. Ma non è finita. Passano gli anni e l'isola viene investita da una carestia; gli abitanti mandano una delegazione al dio di Delfi, che ordina (oscuramente, come al solito) di far rientrare gli esuli. Ma la carestia permane, e dopo una seconda richiesta a Delfi, finalmente si ottiene una risposta chiara: "avete dimenticato il vostro grande Theagenes". Alcuni pescatori riescono a recuperare la statua, che viene ricollocata al suo posto, dove otterrà onori quasi divini (anche perché aveva il potere di guarire).

Questi sono gli elementi interessanti del racconto (e poco importa se vanno attribuiti alla Grecia classica o all'età imperiale): le sculture sono di per sé affascinanti (se pure un bambino vorrebbe possederne una); le statue incorporano qualcosa della persona vera (percuotere il bronzo era come far male al defunto); le immagini scolpite possiedono un'efficacia speciale (puniscono il violento aggressore, risolvono una crisi climatica).

Il problema della violenza sulle statue non riguarda solo i Persiani o i barbari, gli Altri. Il secolo che si era aperto con la distruzione dell'acropoli, si chiude con un episodio drammatico e tutto interno al mondo greco; una vicenda che risultava misteriosa per gli antichi e ancora interroga gli storici moderni: la mutilazione delle erme - plinti marmorei sormontati da una testa e a volte provvisti di genitali - ad Atene; era il 415 a. C., nel mezzo della Guerra del Peloponneso, la notte prima della partenza dell'esercito ateniese verso la disastrosa spedizione in Sicilia.

In Grecia si diceva che le opere di Dedalo - il mitico scultore - fossero mobili; lo dice per gioco anche Platone, nel Menone: "queste statue, se non sono legate, fuggono e se la svignano, mentre, se sono legate, restano". Nel dialogo L'amante della menzogna, Luciano di Samosata (II sec. d. C.) parla della statua di un certo Pellico, che scende dal piedistallo e conduce una sorta di vita notturna. Un motivo ricorrente, quello delle statue che si animano (tanto che arriva fino al Novecento). Affiora anche nella Vita di Nerone scritta da Svetonio: la situazione va precipitando e, una notte, l'imperatore ha un incubo, trovarsi circondato dalle statue che ornavano il teatro di Pompeo.

Poi Svetonio parla di statue vere: prima della caduta di Nerone, alcuni appendono scritte contro di lui ad alcune sue immagini scolpite. E poi, alla sua morte segue la damnatio memoriae (curiosamente si tratta di un'espressione coniata dagli studiosi moderni): il suo nome viene eraso dalle iscrizioni, le statue distrutte, i ritratti danneggiati (a volte anche quelli sulle monete). Tutto questo accade - è un dato da sottolineare - non perché la furia popolare si scateni in maniera incontrollata, ma in seguìto a una precisa sanzione legale emessa dal senato. Questa cancellazione della memoria avviene spesso anche senza distruggere le statue, rilavorando i ritratti degli imperatori caduti in disgrazia: un'immagine marmorea di Nerone, ad esempio, viene trasformata in quella di Domiziano e poi in quella del successore Nerva.

Non succede solo alle sculture a tutto tondo. A Roma, nei rilievi dell'Arco degli Argentari - agli inizi del III sec. d. C. - ci sono dei vuoti improvvisi, perché alcune figure (Commodo, Geta, Plautilla, Plauziano) sono scomparse, abrase dallo scalpello per ordine di Caracalla.

Rimaniamo in età imperiale. Dione di Prusa (detto anche Crisostomo, "dalla bocca d'oro") è uno degli scrittori che hanno ripreso la storia di Theagenes; la inserisce in una lunga orazione rivolta agli abitanti di Rodi, criticati perché i loro governi avevano da tempo adottato una scelta disdicevole: quando volevano onorare un cittadino per i suoi meriti verso lo Stato, invece di far erigere una statua, piazzavano una nuova iscrizione sotto una di quelle già esistenti. Era una consunzione, più che una cancellazione della memoria (possiamo immaginare che la scelta toccasse a persone di cui si era affievolito il ricordo); più che una questione economica, era forse un problema di spazio (secondo Plinio, e non è detto che sia un'iperbole, a Rodi c'erano addirittura 3.000 statue). In ogni caso, questa pratica ci parla ancora una volta della relazione che gli antichi avevano con le immagini statuarie: se per onorare un benefattore civico bastava aggiungere il suo nome e le sue imprese alla scultura di un altro, vuol dire che il vero ruolo della statua era quello di rendere presente il personaggio al di là della somiglianza dei volti, senza ogni preoccupazione per l'imitazione delle fattezze esteriori; una figura umana in scultura è capace di infondere vita a un nome inscritto nella pietra. Vengono in mente le riflessioni di Jean-Pierre Vernant a proposito dell'idea di kolossós nella Grecia arcaica, la presenza reale degli dèi (o dei defunti) nei simulacri di pietra, mediazione tra il mondo visibile e quello invisibile.

Un solo nome, iconoclastia, ben difficilmente può adattarsi a tutti questi episodi e a tanti altri che - vicini o lontani nel tempo, prossimi o distanti nello spazio - riguardano la distruzione delle immagini. Senza contare che esistono situazioni intermedie, in cui l'immagine viene censurata o ne vengono eliminate delle parti. La casistica è talmente ampia e diversificata da disorientare. Chi direbbe, ad esempio, che in Italia è ancora al suo posto il frammento di una grande statua distrutta tre volte per ragioni politiche nel corso del Novecento? Parlo del Monumento all'Alpino di Bruneck-Brunico, eretto la prima volta durante il Fascismo, abbattuto negli anni Quaranta, ricostruito nel 1951 e semidistrutto da una bomba nel 1966, nel pieno del conflitto che opponeva attivisti sudtirolesi allo Stato italiano; di nuovo risistemato pochi anni dopo, e ancora colpito da un'esplosione alla fine degli anni '70. Della statua rimane oggi poco più del busto, monumento agli alpini e monumento all'atto distruttivo contro le statue.

Nell'innumerevole sequenza di occasioni in cui le immagini vengono prese di mira, le statue fanno insomma una parte del tutto speciale. Nei manuali di storia dell'arte esse vengono presentate sotto la voce "scultura", accomunate con altri tipi di opere in base al fatto che per le une e per le altre si ricorre alle stesse tecniche e agli stessi materiali. Ma se consideriamo le forme con cui queste opere entrano nella vita quotidiana degli uomini e delle città, tra l'una e l'altra - ad esempio, tra i bassorilievi e le statue - passa una grande distanza. Le statue, infatti, coi loro movimenti, con le loro posture, con le loro stesse dimensioni, interpellano continuamente il passante che le guarda mentre percorre le strade della città, il fedele che le venera all'interno delle chiese, il visitatore che le ammira nei musei. Più di quanto avvenga con le immagini dipinte, le statue ci appaiono come corpi di pietra (o di bronzo) che provocano, chiamano da fuori il nostro corpo.

Salutiamo le statue. Nel I secolo a. C., Lucrezio ricorda le statue di bronzo le cui mani destre andavano assottigliandosi a forza di essere sfiorate da quelli che le salutavano. E così, fino a pochi anni fa, si faceva con la statua di Josip Broz (Tito) eretta a Kumrovec, il suo paese d'origine in Croazia.

Baciamo le statue. Lo fanno da secoli i fedeli con il piede della figura bronzea di san Pietro nella basilica vaticana, ma anche - tradizione ben più recente - con la lastra tombale (ottocentesca o rinascimentale che sia) di Guidarello Guidarelli a Ravenna.

Vestiamo le statue. L'immagine colossale di Atena, all'interno del Partenone, veniva ritualmente ricoperta di un nuovo peplo ogni quattro anni. In tutta Italia, dall'età rinascimentale in poi, è ben testimoniato il fenomeno delle "Madonne vestite": statue della Vergine ricoperte e abbellite da vesti vere e proprie.

Facciamo parlare le statue: a Roma, dal Rinascimento in poi, sono a loro modo protagoniste della vita politica e culturale urbana le due statue "parlanti" dei cosiddetti Marforio e Pasquino.

Insomma, quando abbiamo a che fare con le statue, accanto al momento della curiosità, dell'apprezzamento estetico, della venerazione religiosa, entrano in gioco altri livelli, ben più profondi. Nel rito di purificazione degli attuali distruttori di statue affiora di nuovo lo schema arcaico che fa coincidere un'immagine con il suo prototipo, come se nella statua continuasse a darsi la presenza dell'uomo da venerare o da odiare. Su ben altra posizione stavano i teologi medioevali che - sto banalizzando al massimo - consideravano impossibile contenere la grandezza divina nell'immagine prodotta da mani umane. Alla fine, quelli che infieriscono oggi sulle statue degli schiavisti assomigliano di più all'avversario di Theagenes, che ne percuoteva tutte le notti la statua convinto di punirlo a dovere.

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Distruggere le statue: una storia antica

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Ci sono state fasi del passato in cui si è infierito deliberatamente su affreschi e dipinti: l'Iconoclastia nell'impero bizantino (tra VIII e IX sec.) ed episodi più circoscritti (ad esempio nella Firenze di fine '400, al tempo della predicazione di Girolamo Savonarola).

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Il teatro greco di Epidauro tra acustica e religione

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Peloponneso, Grecia: terra di eroi, miti e grandi battaglie; ed è qui che ci recheremo, ad Epidauro, nel maggior santuario panellenico dedicato al dio della medicina, figlio di Apollo stesso, Asclepio.

Nel complesso della vita sociale e culturale della polis stessa, il teatro ebbe sempre un ruolo centrale: mettendo in scena vicende legate quasi del tutto alla dimensione del mito, gli spettacoli rappresentavano un forte collegamento con la sfera religiosa e, quindi, un momento essenziale nella vita della polis e nell'educazione dei suoi cittadini, che vivevano il teatro non solo come un luogo di svago ma anche (e soprattutto) come uno spazio d'incontro.

Il teatro possiede ancora tutto il fascino che contribuì a renderlo celebre quando esso nacque, con la sua aura quasi misteriosa, sicuramente affascinante, dove ancora oggi si respira aria di grandezza ed antichità.

Esso, oggi come allora, è uno degli esempi migliori che si possano fare per dimostrare e saggiare con mano l'acustica perfetta dei teatri greci.

Il teatro attuale fu costruito intorno nel IV secolo a.C; secondo quanto tramandato da Pausania, esso sorse ad opera di Policleto il Giovane, architetto, per altro, sempre nello stesso santuario, del famoso tholos.

Gli spettatori entravano attraverso due grandi porte monumentali, situate ai due lati della scena.

La rappresentazione si svolgeva nell'orchestra (dal verbo greco orcheomai: "danzare"), il cui diametro è circa 20 metri, composta da uno spazio semicircolare nel quale si esibiva il coro.

In mezzo all'orchestra che si trovava l'altare dedicato a Dioniso, il cui culto era fortemente relazionato alla nascita del teatro (tragedia o commedia che fosse) nell'Atene del VI sec. a.C.

L'orchestra che vediamo ancora oggi ad Epidauro è l'unica della Grecia che mantiene in tutto e per tutto la sua forma originaria.

Dietro ad essa si trovava la scena, la cui funzione principale era quella di far da fondale o, comunque, ad uso degli attori; essa aveva la forma di un palazzo colonnato, con tre porte che portavano direttamente nell'orchestra.

Era davanti alla scena che si esibivano gli attori, sopra al proscenio - una sorta di pedana rialzata -.

La cavea, o Auditorium, ovvero le gradinate per il pubblico, è una sezione semicircolare che chiude per 2/3 intorno all'orchestra; le gradinate sono suddivise in settori e collegate da scalinate, la cui funzione era facilitare l'accesso degli spettatori, era solitamente posta in modo da sfruttare un pendio naturale, come il versante di una collina, per far sì che la costruzione fosse più semplice; essa poteva contenere fino a 13-14.000 spettatori.

La cavea è divisa in due settori: quello più in basso, con 34 file di sedute, e quello più in alto, con 21 file di sedute (risalente al II sec. a.C.), ed in mezzo ad essi si trova il passaggio di servizio, il diazoma.

Alcuni archeologi associano questi due numeri (21 e 34) alla cosiddetta sequenza di Fibonacci, chiamata, nell'antichità, Sezione Aurea.

Il teatro greco di Epidauro costituisce una testimonianza a dir poco inestimabile per noi che, a millenni di distanza, cerchiamo di ergerci sulle spalle di questi giganti per vedere più lontano di quanto, forse, ci sia permesso.

Di Gemma Granati

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Il teatro greco di Epidauro tra acustica e religione | Historia Project

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Peloponneso, Grecia: terra di eroi, miti e grandi battaglie; ed è qui che ci recheremo, ad Epidauro, nel maggior santuario panellenico dedicato al dio della medicina, figlio di Apollo stesso, Asclepio.

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Breve descrizione

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La forma del teatro greco è stata definita nei secoli V e IV a.C., quando si diffuse la rappresentazione di tragedie e commedie. Esso era collocato presso un tempio e su un pendio, sfruttando il naturale andamento del terreno; in questo modo, la costruzione si integrava armoniosamente con l'ambiente naturale.

L'acustica di questi teatri era perfetta in qualsiasi punto della gradinata, ed era ottenuta attraverso complessi calcoli che tenevano conto della forma, della dimensione e dell'inclinazione della cavea. In Italia, nei territori della Magna Grecia e in Sicilia, si possono ancora ammirare importanti resti di teatro, anche se spesso sono stati riedificati o restaurati in età romana: Taormina, Tindari, Segesta, Siracusa. Qui presentiamo l'analisi del Teatro di Epidauro nell'Argolide (Peloponneso).

La scena era il fondale architettonico, ma anche lo spazio in cui recitavano gli attori. In origine era costituita da elementi mobili. Successivamente, in Età classica, fu eretta in pietra.

L'orchestra era la zona destinata alle danze e all'accompagnamento vocale del coro. La sua forma segue quella delle gradinate, ed è dunque semicircolare o circolare. Poteva ospitare un altare.

La càvea è una gradinata semicircolare, suddivisa in più settori a forma di cuneo. Fino al V sec.a.C. era realizzata in legno, successivamente in pietra e muratura.

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La forma del teatro greco è stata definita nei secoli V e IV a.C., quando si diffuse la rappresentazione di tragedie e commedie. Esso era collocato presso un tempio e su un pendio, sfruttando il naturale andamento del terreno; in questo modo, la costruzione si integrava armoniosamente con l'ambiente naturale.

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L'evoluzione dello spazio scenico nell'antica grecia

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Non solo tagli alle pensioni (sette in totale), al welfare, alla sicurezza o alla sanità, con sforbiciate del 50% in più di un lustro di cura dei creditori internazionali. Ma anche la cultura è stata pesantemente azzoppata dall'austerità imposta alla Grecia dalla troika in questi anni di crisi economica.

L'esempio del tempio dove vi fu il rogo di Ercole lo dimostra: siamo ad un'altezza di 1500 metri, vicino al comune di Pavliani nella Grecia centrale, in una regione molto densa di vicende storiche, dominazioni e passaggio di popoli strategici come Driopi, Pelasgi, Achei, Greci, Locri, Dori, Lelegi, Eniani, Maliei. Qui abbondano figure di assoluta rilevanza come Ercole, Deucalione, Pirra, Anfizione, Achille, Patroclo, Ea, Filottete. Qui nacque Ercole, famoso per le dodici fatiche, il cui figlio Lamios fondò la cittadina di Lamia, che tra l'altro ospita anche un altro curvone della storia come la Battaglia delle Termopili con la piana dove si distinsero Leonida e i suoi 300.

Il Tempio di Ercole, ovviamente unico al mondo, è ridotto a pochi massi: è deserto e circondato da sterco di vacche che vi pascolano. La struttura che un tempo ospitava un piccolo museo e una stanza per il custode è fatiscente. Nessuna indicazione stradale, se non una piccola insegna all'esterno, corrosa dalla ruggine. Tutto è in completo abbandono, finanche i grandi massi che componevano il Tempio che qualche pastore, forse per rispetto verso la storia della propria civiltà, ha riunito sotto un albero al riparo (almeno) dalla pioggia.

Tutto intorno profuma di storia, con un corollario di bellezze naturali da togliere il fiato. Siamo nel Parco nazionale di Iti, che arriva a 2mila metri di altezza, tra le cinque vette più belle d'Europa, tra grotte grandi quanto due campi di calcio, specie rarissime di flora e fauna, gatti selvatici, orsi e lupi. È ferragosto, ma la temperatura è di 13 gradi. In una di queste grotte si dice che abbia pernottato per poche ore anche Alessandro Magno, che dalla sua Macedonia ispezionò la zona alla ricerca di altri soldati. E prima ancora per recarsi in Epiro, dove vivevano alcuni suoi parenti, in occasione di una grossa lite con suo padre, re Filippo, che lo portò a vivere alcuni mesi lontano da Pella e dal palazzo reale.

Ai piedi del Tempio c'è la cascata dove Ercole si immergeva. L'intera zona è ricca di sorgenti termali, ma solo adesso qualche stabilimento inizia a organizzarsi. Alla sorgente delle Termopili, le cosiddette " Cataractes" con l'acqua che arriva ad una temperatura di 38 gradi, mancano finanche le indicazioni per chi proviene dall'autostrada, mentre il governo vi ha realizzato un doppio hotspot per 500 migranti, tra camion che fanno sosta per la notte e grovigli di zanzare.

Tornando a Ercole, spicca l'assurdità di tale abbandono, principalmente per due motivi.

1. Il primo di carattere socio-culturale: lasciare calpestare dal tempo e dall'indifferenza un luogo così unico e magico è da folli. Senza memoria non c'è futuro, senza consapevolezza di una storia così immensa davvero non vi è speranza che le giovani generazioni possano invertire la rotta. Persino alcuni residenti locali non sapevano dove fosse il luogo dove Ercole decise di andare a morire, dopo essersi ammalato di sclerodermia e dove fece realizzare quel Tempio. Sarebbero bastati alcuni fondi europei, che invece in Grecia sono stati malamente persi, come ho raccontato nel mio pamphlet Greco-Eroe d'Europa (2014), per evitare questo scempio.

2. Il secondo di carattere turistico e quindi economico. Un luogo del genere, unico al mondo, se riabilitato, potrebbe attirare migliaia di visitatori da tutti i continenti. Certo, nessuno auspica migliaia di alberghi, ristoranti o caffè a deturpare la natura ma una progettazione sostenibile legata alla storia sì. Ma a patto di avere una classe dirigente non solo formata al business legato al turismo, ma finanche alla conoscenza della propria storia. Che in Grecia non c'è.
twitter@FDepalo

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Blog | Grecia, le grida di dolore del Tempio di Ercole. Tra degrado e storia calpestata - Il Fatto Quotidiano

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Non solo tagli alle pensioni (sette in totale), al welfare, alla sicurezza o alla sanità, con sforbiciate del 50% in più di un lustro di cura dei creditori internazionali. Ma anche la cultura è stata pesantemente azzoppata dall'austerità imposta alla Grecia dalla troika in questi anni di crisi economica.