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Por Ariadna Carrasco

El Teatro del Libertador San Martín de Córdoba Capital estuvo silenciado por la pandemia del Covid-19 como tantos otros espacios culturales. A principios del mes de agosto vio regresar sus espectáculos. La Banda Sinfónica de la Provincia una de las presentaciones más recurrentes. El 5 de septiembre, la Banda Sinfónica estuvo acompañada por la cantante Paula Rodríguez (voz en proyectos como Funky Animal Orquesta y La Swing 69) en un show de formato Big Band-jazz con un repertorio de música popular amplio, desde León Gieco a Michael Jackson.

La experiencia de volver a escuchar música en vivo después del confinamiento sanitario fue como recibir una hermosa brisa de verano en un día soleado. La majestuosidad del Teatro, con sus suntuosas alfombras rojas, sus altas columnas labradas, el dorado desteñido por el tiempo, le dieron al show un marco mágico, con el broche de oro de tratarse de uno de los teatros con mejor acústica del país. El hecho de tener lugares altos me dio además el bonus de tener una panorámica de la sala del teatro que me dio una vista única.

La Big Band comenzó interpretando piezas instrumentales de Billy Cobham (Red Baron) y Cole Porter (Begin The Beguine). "Begin" contó con la participación del clarinetista David Antezana, sobre una adaptación de Gustavo Yapura. El director colombiano Andrés Acosta se destacó desde la segunda canción participando como tecladista, complementando el trabajo de la pianista. Acosta fue el responsable de reivindicar en sus elecciones de repertorio lo latinoamericano, elección que se vio reflejada en la versión jazz de la canción Ve la luna de León Gieco. Por su parte, la cantante Paula Rodríguez brilló desde el inicio de su set, cuando interpretó a Alicia Keys con la canción If I Ain't Got You. Su presencia le dio luz al bello ensamble musical, otorgándole movimiento al escenario. Su voz filosa y bien afinada fue subiendo progresivamente de potencia, hasta estallar en The Way You Make Me Feel de Michael Jackson, donde los y las espectadores se vieron obligados a vitorearla.

Otro momento álgido de la presentación fue Masterblaster de Stevie Wonder, donde el público acompañó con palmas rítmicas. La cantante tomó el papel de frontwoman en varias ocasiones dialogando con el público y agradeciendo la oportunidad de participar en este show, agradecimiento que también expresó el director Acosta.

Tanto los instrumentos como la voz me dieron una experiencia única, reviviendo el vínculo con la música tan íntimo y personal. Estaba allí, en la butaca de reina, de espectadora, pero también estaba en el escenario, rememorando lo que se siente ser músico y entregarse al sonido en las tablas, en el cuerpo de Paula, imitando sus movimientos y melodías en mi garganta. Fue un precio económico el de la entrada de $500, que no sobran, pero volver a enlazarse por más de una hora a la música en vivo, después de tanto tiempo de aislamiento, es algo invaluable.

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EL CORRER DE LAS EMOCIONES

Por Mara Daniela Díaz

Sábado 28 de agosto, 20.30. Las calles de la ciudad de Fiske Menuco/General Roca estaban cubiertas con unos pequeños charcos de agua, excedentes de las lluvias de días anteriores. Con unas amigas, nos dirigimos en bicicleta al Club de Arte “El Biombo”, ubicado en la calle Coronel Rohde al 1454. Habíamos comprado entradas para ver la obra de teatro "La corredora", una comedia dramática escrita por Fabían Díaz, dirigida por Nicolas Caminiti e interpretada por Ana Muzzin.

Teníamos que llegar al menos unos diez minutos antes del espectáculo y el tiempo no parecía correr a nuestro favor. Tuvimos que realizar una parada no calculada y los semáforos en rojo no colaboraban con nuestro apuro. Luego de unos cuántos minutos apretados, logramos distinguir el portón blanco del teatro.

Apenas entramos al edificio, comenzamos con los protocolos: primero desinfectarnos con el alcohol en gel y el sanitizante de manos que se encontraban sobre una mesa; luego, Lina Destefanis, fundadora de El Biombo, nos recibió amablemente, nos tomó la temperatura e indicó por dónde entrar.

Ingresamos a la sala de  luz tenue y nos ubicamos en la fila de adelante. Los reflectores violetas apuntaban a un pequeño escenario que se veía enfrentado a unas cuántas sillas esparcidas en ese lugar oscuro.

La escenografía era de pocos elementos: una cinta de correr, un banco en el que reposaba un bolso deportivo y un locker de cuatro casilleros. Fuera de los reflectores, Ana, ya en la piel de su personaje, viendo como ingresaba el público. La iluminación se tornó más cálida y la función comenzó. La protagonista, vestida con ropa deportiva, empezó a correr, gesto que terminó de ambientar el lugar y atraer la atención de los espectadores.

Ana interpretaba a una mujer que iba diariamente a entrenar a un gimnasio para ver a una nadadora con la que se obsesionó. Un personaje exagerado y por momentos incómodo, con ocurrencias exuberantes fueron el resultado de un monólogo catártico y una interpretación espléndida.

Al finalizar, los aplausos se extendieron por minutos y una vez estando afuera del teatro, se transformaron en comentarios entusiastas y positivos.
"La corredora", definitivamente es una obra que interpela y hacer correr por una gran cantidad de emociones. La obra unipersonal es un combo explosivo que gesta las risas desde un comienzo.  Un espectáculo de poco más de una hora cargado de emociones, con una iluminación y musicalización imprescindible para transportarnos a la imaginación del personaje.

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Por Florencia Cerda

La danza y sus ritmos, sus movimientos, sus expresiones corporales, faciales. El teatro y su peculiaridad, sus personajes, su interesante uso del espacio. Esto se sumó a la pasión, la disciplina, y a un gran trabajo en equipo que dio como resultado “Recuerdos en Viaje”, una obra de danza teatro presentada el pasado viernes 10 a las 21.30, en el Teatro Deriva -Sarmiento 841- de la ciudad de Neuquén.

El público comenzó a amontonarse desde poco antes de las nueve de la noche. El motivo fue que el teatro ofrece un pequeño bar en el cual podés pedir una bebida, sentarte en una mesa y aguardar que inicie tu función. Por otro lado, para aquellos más impacientes, se puede recorrer la instalación para encontrarse con las fotografías promocionales de la performance la cuales brindan un pequeño vistazo de la misma y alguna que otra pieza artística. El reloj pasa la hora prevista para el inicio y permiten la entrada al escenario, se oye el ruido del tren y el viaje comienza…

La obra producida por Púlsar Danza Teatro se estrenó el pasado viernes 3 de septiembre. Cuenta con las interpretaciones de solo tres actores: Graciela Calcaterra, Sofía Inés Tarifeño y Santiago Aza Sena. Recuerdos en Viaje pretende contar una historia atemporal en la que una mujer transita por diversos momentos de su vida en las cuales se inscriben las memorias de una relación. La obra se desarrolla en una época antigua, lo cual puede apreciarse gracias al vestuario de los personajes.

Este espectáculo tiene la particularidad de brindarle a cada espectador la posibilidad de crear un universo a través de su interpretación individual. Esto se debe a que posee muy pocos diálogos -exceptuando algunos monólogos de los protagonistas- por lo que la historia es narrada a través del baile contemporáneo utilizando como soporte sonidos de fondo y música, que ayudan a que cada persona se imagine el contexto en el que la historia ocurre.

El escenario pintado totalmente de negro contribuye a que el público deje volar la imaginación. Asimismo, la historia se narra con casi nula utilería; lo más destacable es una silla negra, la cual permanece en el escenario todo el tiempo y deja al ingenio del público lo que ella representa. La  armonía de la obra es brindada por música clásica, casi nostálgica, que va de la mano junto con los excepcionales movimientos de baile.

El guión está muy bien logrado, Paula Boselli, su autora y a la vez directora de la obra, aborda de manera extraordinaria temas como la infancia, el amor, el reencuentro y sobre todo, la memoria. Logra expresar a la perfección los sentimientos de los personajes a través de los movimientos corporales, e incluso le añade un toque de humor inocente que deja con un buen sabor de boca.

Lo que se vio en esos cortos 40 minutos fue, por así decirlo, una historia de vida. Comenzando desde la infancia, el primer amor y concluyendo -o no- con un esperado reencuentro. La obra deja a cada espectador con una única interpretación. Ideal para salir de la monotonía y el encierro, este espectáculo estará disponible todos los viernes de septiembre a partir de las 21.30 en la misma sala, en el Teatro Deriva de Neuquén

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por Lucca León Machado

Cuando la claridad se desvaneció y la oscuridad gobernó la noche del sábado 11 de septiembre subió al escenario de la Casa de la Cultura de la ciudad de General Roca el grupo de danza contemporánea Claroscuro. Presentaban su actual obra, “Entre lo que digo y callo”. Con solo el 50% de aforo disponible, la sala cubrió su capacidad permitida con personas que vinieron a disfrutar la alegre y bella noche.

La expectativa era importante, en la entrada se respiraba ansias, la gente en diversos grupos etáreos se reunían; amigos, parejas, salidas en familia, hasta esos aventurados que iban solos. Nadie se quería perder la función. Lentamente la sala se fue llenando y cuando el reloj marcó 20:12, las luces se apagaron y con ellas, el murmullo de la gente. El show comenzó.

Durante los siguientes 40 minutos el público observó atentamente las diversas rutinas de bailes y actuaciones que se iban sucediendo. Nadie quería arruinar el momento y el silencio dominó la escena. El único ruido era el de los artistas, las grabaciones que acompañaban la presentación y el de un celular que alguien olvidó silenciar.

La última parte de la obra fue la más tensa. El ruido y grito de los intérpretes ahogó el escenario y, quizás por eso, cuando las luces se apagaron por última vez marcando el final de la obra, la sala se inundó de aplausos. Entre sonrisas y caras que marcaban el agotamiento físico que requería la obra, los actores saludaron amablemente al público que lo aplaudió hasta de pie.

La salida fue en silencio y de manera ordenada. En la vereda de la Casa de la Cultura los grupos se reunían para debatir lo visto y comentar sus emociones en cada momento particular de la obra. La claridad de los rostros demostraba felicidad por lo presenciado.

La obra opacó lo oscuro de la noche de sábado y permitió disfrutar de un espectáculo en una agradable jornada. De esta manera, en paz y con signos mas que positivos, la fiebre de sábado por la noche de Claroscuro fue terminando.

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por Zoe Torres

La tarde del domingo 29 de agosto nos encontrábamos paseando con unos amigues cerca del canal de Centenario. Estaba un poco fresco, pero quisimos pasar por la cervecería que nos quedaba camino a casa. Llegamos a La Vieja Estación, que, si me preguntan, me parece un nombre muy piola, ya que literalmente está en el lugar de una vieja estación de trenes de la ciudad. Nos sentamos afuera, bajo las luces de colores, porque adentro el lugar estaba lleno.

La idea era tomar una pinta y listo, pero justo antes de irnos anunciaron a la artista que iba a presentarse esa noche: Hilda Lizarazu. Como es una artista reconocida, sólo ingresaban aquellos que tenían sus entradas reservadas, pero como la cervecería tiene un ventanal grande, desde afuera también podía disfrutarse del show.

A las 20 en punto, los músicos se acomodaron en el escenario y seguido de ellos, una mujer se presentó como Hilda, e hizo lo propio con quienes la acompañaban esa noche. Tomó su guitarra y, luego de probar un par de acordes, comenzaron con la canción “Sola en los bares”. Su voz me parecía conocida, pero no estaba segura de dónde, así que la googleamos enseguida. Para aquellos que tampoco saben, Hilda Lizarazu es una cantautora, compositora de rock y fotógrafa argentina.

Cuando terminó la canción, arrancaron enseguida con la siguiente “Caribe Sur”. Luego de un par de temas más, se acercó uno de los dueños del lugar con una pinta en la mano y se la alcanzó a la artista. El público estaba emocionado, cantando y aplaudiendo a la par. Dieron un show extraordinario, Hilda tiene una forma de cantar en la que transmite muy buena energía y se notaba que el público vibraba con ella.

La verdad es que fue un domingo totalmente diferente, ninguno se esperaba pasarla así de bien, yo ni siquiera estaba pensando en esta crponica, sino que fue una  casualidad. Para cualquiera que se dé una vuelta por Centenario, La Vieja Estación, bar ubicado en Marcial Bravo y Av. Gral. Belgrano, es un lugar súper recomendable, tiene una estética muy agradable y siempre se presentan diversos artistas durante la semana.

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Por Milagro Malaccorto Reile

El contexto de pandemia generado por la propagación del virus Covid-19 durante 2020 generó que mermara drásticamente la actividad artística y cultural en General Roca -Fiske Menuco. Sin embargo, conforme fue pasando el tiempo y encontrándonos a mediados de 2021, el amanecer que anuncia la vuelta de las actividades culturales se hace notar o al menos eso nos permite dilucidar las nuevas actividades que propone la Casa de la Cultura ubicada en 9 de julio 1043.

El 8 de septiembre se realizó la inauguración del ciclo de cine universitario a cargo de CineClub TYÖ. El horario de la cita estaba previsto para las 21.30, aunque media hora antes ya se notaba la presencia ansiosa de varios estudiantes de la Universidad Nacional del Comahue, del Instituto Universitario Patagónico de las Artes y la Universidad Nacional de Río Negro. ¿Qué generó tanto interés? La proyección de la película Eraserhead de David Lynch (1977, EE.UU.). Un film en blanco y negro con una circulación comercial no tan masiva.

De a poco todas las personas fueron entrando a una sala roja -que después de tanto tiempo parecía gigante-, con su barbijo, respetando la distancia y procurando ocupar butaca por medio. Sobretodo se evidenciaban muchas expectativas, personas cuchicheando por debajo, mirándose con extrañeza e intentando reconocer alguna que otra cara detrás de esos barbijos.

Cuando el celular -siempre en silencio- marcó las 21.45, dos representantes del CineClub TYÖ presentaron el espacio, comentaron brevemente sus expectativas y su contento con la cantidad de personas presentes (alrededor de 40 jóvenes). Agregaron que su “objetivo no es sólo facilitar ese otro cine -el no tan comercial- sino también apostar a que este cine sea visto en condiciones que remitan a la experiencia cinematográfica ideal, que es: oscuridad, una pantalla grande, alta calidad en la definición, buen sonido y, sobretodo, que el ver una película sea una experiencia de “a muchos” y no en solitario”. Y posteriormente contextualizaron la película y a su director.

Esos dos presentadores tenían razón. La tensión y los gritos avergonzados no faltaron en la proyección de esta película. La vibración del cuerpo en concordancia con los sonidos estridentes reforzaban la idea de que, no es lo mismo consumir una película desde tu dispositivo móvil, que en el cine. A pesar de las implicancias de la “nueva normalidad” impuesta por la situación sanitaria, los viejos hábitos colectivos sociales, perduran y mantienen su mística intacta.

¿Qué es lo que hace que más de 40 jóvenes asistan a un espacio para ver una película en blanco y negro, con escacez de diálogo fluido, en pleno siglo XXI? Esa pregunta rondó en algunas personas que armaron un círculo después de la proyección de la película. Y aunque hubo varios esbozos de respuesta, en algo acordaron todos y todas y es que si algo dejó muy en claro la pandemia, es que el arte –en este caso el cine- es FUNDAMENTAL para una sociedad feliz.

Milagro

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Por Nicolás Almagro

Cuántas veces hemos escuchado la pregunta: ¿cuánto faltará para volver al teatro? Y la realidad es que después de meses de distanciamiento social, trámites burocráticos para aprobar protocolos y ante la falta del calor de los aplausos o risas acaloradas en un teatro, la situación empezó a revertirse poco a poco con aforos que permite la recepción del público y, obviamente, sus hacedores, que van preparando los escenarios para brindar su espectáculo.

En San Martín de los Andes, la situación no fue ajena, al contrario, hubo que esperar algunos meses para que el principal teatro del pueblo, el Teatro San José, pudiera volver abrir sus puertas. Tras la aprobación de protocolos por parte de la Secretaría de Cultura, distintas compañías teatrales dispusieron de un calendario amplio para la realización de sus obras.

Tal es el caso de la compañía “Grupo Humo Negro” que trabajó en la propuesta teatral “Presentes Ausentes” con la autoría del guión y la actuación de Jorgelina Balsa y Sandra Monteagudo. Fue así que el domingo 29 de agosto, en una jornada lluviosa y fría en la que poco a poco la noche empezó a ser soberana, el teatro encendió sus luces, abrió sus puertas y la boletería volvió a recibir espectadores.

Aforo del 30%, distancia entre los asientos, ventilación cruzada y un escenario principal armado para el show junto a otro espacio armado en el salón. El reloj marcó las 21, hora de inicio de la obra, el salón se puso a oscuras y las artistas salieron a escena bajo un aplauso que parecía de final de obra, pero lejos de serlo sino fue el desahogo de muchos al volver a disfrutar de este arte.

La historia de Jorgelina Balsa y Sandra Monteagudo cuenta la historia de dos profesoras que han compartido más de 40 años de sus vidas en una escuela secundaria (Normal N° 9) y que se reúnen para recordar viejos tiempos. Aunque ambas están muy cambiadas, la profesora de música, Mirtha (Sandra Monteagudo) tras su jubilación se dedicó a cantar tangos en un cabaret y la profesora de gimnasia, María Isabel (Jorgelina Balsa) lleva a cuesta, junto a sus años y achaques lógicos de la edad, un pesado bolso.

El marco escénico de la obra se desarrolla en el cabaret en donde canta la profesora de música, allí hay un escenario, ubicado al frente del salón-cabaret en el que hay dos micrófonos, una pequeña tarima y un fondo de una tela blanca. Pero además de ser el lugar de canto también es el lugar en donde los recuerdos de ambas cobran vida, aunque al costado del salón hay una tarima elevada, donde ambas maestras comparten una mesa y allí los recuerdos empiezan a florar.

De este modo, el pasado y el presente están unidos en un solo lugar. Solo basta caminar unos pasos para que las docentes jubiladas se puedan convertir en jóvenes docentes dando sus primeros pasos en la educación. Lo interesante del espectáculo es que está atravesada por la escolaridad: tal vez esta sea una de las razones por la que genera empatía en el público.

Una obra que habla de enfermedades, de la pérdida de los afectos, de viejos rencores, de los absurdos actos escolares y las devociones por efemérides y símbolos, del abuso de poder y el autoritarismo. Recordar ingenuamente las anécdotas de la vida en la docencia las lleva a encontrarse con lo que son y las miserias que callaron por años.