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Mi familia ha sido religiosa durante generaciones y todo mi acercamiento a ella ha sido a través de tíos, abuelos y demás familiares. Aunque soy muy crítica de la religión, quisiera saber un poco más de la historia de la misma para poder entenderla mejor y así formar mis inclinaciones adecuadamente por lo cual creo que estudiar la historia del arte enfocada en el tema de religión me beneficiará no solamente intelectualmente sino también en ámbitos personales.

Aparte del provecho que puedo sacar de este tema, considero que es de mucho interés para mi ya que siempre me he visto expuesta a la misma religión y estudiar el tema en general me puede exponer a otras religiones con las cuales no me familiarizo. Me interesa mucho ver como las religiones se adaptan al contexto de las personas que la constituyen en cuanto a época, geografía, edad y género.

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Libro de la Salida al Día de Nany, 1050 a. C

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La obra Diosa Serpiente es una escultura que representa una mujer con los brazos abiertos y una serpiente en cada brazo. Además, también se puede ver una especie de felino posado sobre la cabeza de la mujer. La mujer lleva puesta una falda con capas, hombros cubiertos y los senos expuestos.

El protagonismo y descubierto de sus senos puede aludir a la fertilidad por lo cual se puede intuir que era una obra de culto. Aunque su función sigue siendo desconocida, la importancia de la obra para la cultura minoica es incuestionable.

La falda con capas era una prenda clásica de la época. Las serpientes parecen ser dominadas y retorcerse bajo las manos de la mujer representada. Las serpientes fueron relacionadas a la tierra y provenientes de la tierra bajo el término ‘ctonicos’ que pueden ser relacionados con deidades religiosas de la tierra, el inframundo y la muerte. Además, la serpiente era símbolo del dios Asclepio, de la medicina en la tradición griega.

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Atenea pensativa. Relieve sobre una estela (ca. 460-450 a.C.). Museo de la Acrópolis de Atenas

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Victoria alada de Samotracia (323 a.C. -31 d.C.). Museo del Louvre. Mármol blanco

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La victoria alada de samotracia es una escultura, de mármol blanco. Muestra una figura femenina vestida con una túnica  y con alas. La figura femenina se encuentra sin cabeza, aunque se cree que no fue así originalmente. Las alas de la figura se encuentran abiertas como si fuera a emprender vuelo o acabara de volar. Sus alas se extienden hacia atrás, creando una sensación de movimiento. El fresco romano muestra en el centro un hombre desnudo, rodeado por cinco figuras que parecen ser femeninas. Estas figuras se muestran halando de los brazos del hombre y cargando algunos objetos que parecen flechas y arcos.

El fresco romano muestra una escena de la mitología griega en la que Penteo que es el rey de Tebas es asesinado por las ménades que sirven a Dionisio por irrespetarlo. Por otro lado, La Victoria alada de Samotracia es una famosa escultura griega que representa a la diosa Niké, la personificación de la victoria. En este sentido, podemos ver que en ambas obras se hace una representación de personajes mitológicos. Esto demuestra la importancia que tenía la religión para estas comunidades de diferentes épocas.

A partir de la relación de las obras con la mitología, se puede notar que los dioses eran figuras sumamente poderosas que por un lado, tenían el poder de hacer que una madre asesine a su propio hijo como lo cuenta el mito en el que se basa el fresco romano solo por irrespetar a Dionisio, y por otro lado, ser la personificación de la victoria, capaz de hacer ganar o perder guerras a la cual rendir culto ayudaría en combate. En ambas representaciones se espera alabanza a los dioses, en la victoria alada se espera por su majestuosidad alada y postura triunfante y en el fresco se hace entender las consecuencias del irrespeto

La proveniencia del fresco romano nos da cuenta de que las personas adineradas que podían tener este tipo de frescos en sus casas consideran la religión tan importante como para tener una escena de su mitología en sus hogares. La victoria alada no puede darnos este tipo de información acerca de las prioridades de la época, sin embargo, muestra que el arte rendía culto a algo sobrehumano en la época y que el arte no tenía como propósito entretener.

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Representación del rey Penteo a punto de ser destrozado por las ménades, fresco romano de la casa de los Vetti. Alto 13,7" x Ancho. 17,7" x Profundidad 1,5" 35

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Estatua de bronce de Afrodita Pselioumene, ca. 200 a.C., después del siglo IV a.C. Estatua de la reconocida escultura griega Praxiteles. Esta pieza es hueca. 5

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Crismón en el sarcófago paleocristianode Domitila. Museos Vaticanos. Siglo IV.

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Mosaico que representa al emperador Justiniano y su séquito en la iglesia de San Vital en Ravena. 547 D.C

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La obra se muestra con una composición simétrica con la figura de un hombre en el centro, actuando como eje de simetría. A sus lados se encuentran más figuras masculinas de caracteres estáticos y geométricos. La línea es muy importante en la obra ya que los colores y la luz no tienen tanta prioridad. No se encuentran constantes ni sombras y los colores son planos sin mostrar volumen haciendo las figuras bidimensionales. Tiene un fondo dorado.  Se ve una jerarquía en la perspectiva con la figura más importante en el centro de la obra y, conforme se va extendiendo a los lados donde las figuras van perdiendo relevancia o protagonismo. Esto también se puede observar a través de los pies en movimiento, conocidos como "pies en V", donde las figuras de mayor jerarquía pisan a aquellas que tienen un rango inferior. Además, ciertos elementos, como el libro, exhiben una característica llamada perspectiva dual, que permite ver un mismo objeto desde dos perspectivas distintas al mismo tiempo.

El estilo Bizantino es muy claro en la obra por características como “el hieratismo, la isocefalia, frontalidad y estatismo, el fondo plano, sus figuras bidimensionales, la visible tendencia a la geometría, pies danzantes, así como su perspectiva abatida” (Biombo, 2014). La escena presentada en la obra también es característica de la época, donde los emperadores tenían la costumbre de realizar ofrendas a Dios mediante las iglesias más importantes para reforzar la imagen de fe y poder frente a sus seguidores. La simbología cristiana es muy visible en la obra, lo cual, hace más referencias a la época. En uno de los personajes se puede ver el Crismón que contiene las dos primeras letras de Cristo ( X y P) junto con las letras de alfa y omega que representan el inicio y el fin de la existencia y el rol de dios en ella. El fondo dorado también tiene una simbología religiosa, ya que significa que Dios está presente en la escena, con su iluminación y divinidad.

Referencias:

La Cámara del Arte (2022) Justiniano y Su Corte, La Cámara del Arte. Available at: https://lacamaradelarte.com/obra/justiniano-y-su-corte/ (Accessed: 28 September 2023).

Camarasa, V. (no date) Análisis y comentario del mosaico de justiniano, SEÑOR DEL BIOMBO. Available at: https://seordelbiombo.blogspot.com/2014/12/analisis-y-comentario-del-mosaico-de.html (Accessed: 28 September 2023).

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El emperador Juan II Comneno, la Virgen María con Jesús y la emperatriz Irene - Cúpula de Hagia Sophia en Estambul, Turquía. Comienzo de 1122

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Sandro Botticelli, “El nacimiento de Venus” (1480s)

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Robert Campin, ‘Tríptico de la Anunciación' (sin fecha)

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Alberto Durero, Adán y Eva en el Museo del Prado, 1507.

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En esta obra se puede observar las figuras de un hombre y una mujer en el desnudo con frutas en las manos. La figura femenina está acompañada de un árbol, tiene una manzana en la mano derecha la cual está siendo cogida por una serpiente que se encuentra colgando de un árbol. Están descalzas sobre un piso rocoso y el fondo de la pintura es negra y sin paisaje además del árbol del que cuelga la serpiente. Los rostros de estas figuras son expresivos y tienen posiciones de movimiento. El fondo negro y unifrome parece ser una frmoa de enfoocar la atencion en los personajes y a escena.

La obra se puede interpretar por su título y alguna simbología como la escena bíblica de Adan y Eva en la cual se comete el pecado original en el paraíso. Se puede notar como el artista hace una gran alusión a la belleza de los cuerpos y los rostros de los personajes por lo cual se les relaciona a Adan con Apolo, el dios de la belleza y serenidad y Eva a Venus por su postura de danza y gracia. Se presentan paradigmas de belleza masculina y femenina diferente de la idealización de la figura humana planteando “la concordatio de un modelo antiguo de procedencia clásica con otro de ascendencia cristiana” donde se se entrelazan aspectos artísticos, estéticos con ideologías ideológicas y teóricas donde se puede entender que lo bueno, antes del pecado, es bello, proporcionado y medido.

Se podría decir que es un cuadro que representa una confesión de fe que representa la belleza humana antes de ser contaminada por el pecado mediante la representación del origen de la humanidad bíblico.

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Apolo y Dafne por Gian Lorenzo Bernini, 1622-1624. Mármol, Galería Borghese, 243 cm 

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Bernini utilizó el mármol para esculpir “Apolo y Dafne”, logrando una obra precisa y delicada donde se ven la figura de un hombre y una mujer. Goya utilizó óleo sobre muro trasladado a lienzo, lo que le permitió expresar una cruda imagen de violencia en “Saturno devorando a su hijo”, con pinceladas gruesas y colores oscuros que aluden a la brutalidad del acto representado de una figura devorando lo que parece ser un cuerpo humano.

Ambas obras tratan sobre temas de la mitología y religión pero de formas distintas. “Apolo y Dafne” representa una escena de persecución y transformación, donde Dafne se convierte en árbol para escapar de Apolo. Es una metáfora del amor no correspondido y de la huida. Por otro lado, “Saturno devorando a su hijo” se basa en el mito de Cronos (Saturno), que devora a sus hijos para evitar ser derrocado, simbolizando el ciclo destructivo del tiempo y el miedo a la pérdida del poder de los seres humanos.La escultura de Bernini invita a la reflexión sobre la naturaleza del deseo y la libertad. La pintura de Goya, sin embargo, transmite horror y locura, una representación gráfica de la violencia.

Ambas muestran facetas diferentes de la mitología y las creencias que permiten entender que son dinámicas y dependen de la época y la representación de las mismas por el artista. También son muestras del alcance tan amplio del arte para explorar la condición humana y su interpretación de las creencias.

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Anton Raphael Mengs: El triunfo de la historia sobre el tiempo. 1772. Óleo sobre lienzo.

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Saturno devorando a un hijo (1820-1823), Francisco de Goya, Óleo sobre revestimiento mural trasladado al lienzo. 143,5 x 81,4 cm, Museo Del Prado

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Gustave Courbet: Entierro en Ornans, Oleo sobre tela 1849. Museo de Orsay, París.

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Terraza de cafe por la noche, Vincent van Gogh, 1888, Museo Kröller-Müller, Otterlo (Países Bajos).  Óleo (81 × 65,5 cm.)

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La obra es una pintura en óleo perteneciente al impresionismo elaborada por Van Gogh en el año 1888. La pintura muestra lo que parece ser una terraza de noche con pequeñas figuras sentadas en la terraza. En la mitad se la terraza se encuentra un farol amarillo que ilumina esa escena de la pintura y contrasta con los colores del fondo que son mas oscuros, aludiendo a la noche y estrellas. El farol permite distinguir detalles de la acera y el adoquín de la calle. El contraste entre las fachadas de las otras calles con las que constituyen el resto de la calle forman el cuadro de una noche con los tonos azules, violetas y amarillos. Las figuras humanas mencionadas anteriormente se encuentran en un plano más atrás y con menos enfoque.

La técnica del autor es rápida y no muy precisa en la mayoria de las figuras ya que no se detallan, sin embargo, los bordes resaltados con negro de las figuras como mesas y los personajes son un poco mas cuidadosos. Hay una insinuación de profundidad en la obra, pero, al contrario de lo más común, lo que se encuentra un poco más alejado en la escena del café es lo que primero llama la atención por el uso de colores que genera la sensación de iluminación.

Hay quienes consideran que los personajes dentro del café son una representación de la “Última Cena” de Da Vinci adaptada al contexto de Van Gogh y a las características principales del impresionismo. La luz mencionada anteriormente hace alusión a la divinidad de Jesús, quien en esta obra lleva vestimenta blanca para referenciar la pintura de Da Vinci. Además, en la pintura se pueden distinguir doce personas diferentes a la del medio quien parece ser Jesus, aludiendo a los doce discípulos. También se encuentra una cruz detrás de la figura de blanco lo cual refuerza la teoría de que esta pintura tiene tintes religiosos. Es así como Van Gogh representa lo que significa para él la divinidad, que ilumina la noche oscura y todo lo que toca como lo hace la luz que ilumina el café.

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Un mundo, Ángeles Santos, 1929, óleo sobre lienzo.  Museo Reina Sofía, 3 metros x 3 metros