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¿Qué es un títere?

Es un muñeco que puede ser manipulado por una o varias personas. Puede tener un aspecto de animal o humano.

¿Qué tipos de títeres existen?

• Títere de mesa: aquellos montados en una mesa.

• Títeres de dedo: diminutos que caben en un solo dedo.

• Títeres bocones: se hace con la mano doblada, formando la boca.

• Títere de varilla: son marionetas de vara, varillas. Entre otros.

Conclusión:

¿Qué nos enseñan los títeres?

Su importancia para la mejora del habla, mejorar su lenguaje, aprender a escuchar a los demás y crear sus propios personajes.

Conclusión:

Con ellos podemos dar clases más dinámicas y dar un significado más fantasioso, además de ser un arte transformador para la enseñanza, para su imaginación y educación.

Se puede utilizar para abordar temas varios, por ejemplo: de contar números hasta contar historias.

También no solo se basa en lo didáctico sino el hecho de dejar una huella en su experiencia personal y de una forma de un lindo recuerdo para el sujeto.

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"La imaginación y el arte en la infancia".

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"La imaginación y el arte en la infancia".

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Vygotsky, en su obra "La imaginación y el arte en la infancia," investiga cómo la imaginación, la fantasía y la expresión artística son vitales en el desarrollo infantil. Afirma que a través del arte, los niños no solo manifiestan emociones y sentimientos estéticos, sino que también desarrollan habilidades cognitivas, simbólicas y sociales.

La imaginación permite a los niños crear y explorar mundos nuevos, conectando experiencias reales con posibilidades y deseos. Esto no solo fomenta la creatividad, sino también la capacidad de pensar abstractamente y resolver problemas de manera innovadora. El arte se convierte en una herramienta para la autocomprensión y la expresión emocional, ayudando a los niños a procesar y comunicar sus experiencias.

En términos de educación, Vygotsky argumenta que el arte debe integrarse porque promueve un desarrollo integral. Permite que los niños experimenten y entiendan sus emociones, desarrollen empatía y mejoren su capacidad de comunicación. Esto va más allá de las habilidades técnicas, buscando formar individuos completos y sensibles, capaces de interpretar y transformar su realidad. Por lo tanto, el arte en la educación es esencial para cultivar tanto la mente como el espíritu, brindando a los niños las herramientas para expresarse plenamente y comprender el mundo que les rodea.

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Los lenguajes artísticos, como la música, el teatro, la danza, la pintura y la escultura, desempeñan un papel crucial en la educación. A través del arte, los estudiantes no solo desarrollan habilidades técnicas y creativas, sino que también adquieren un conocimiento más profundo de sí mismos y del mundo que les rodea.

Los lenguajes artísticos en el aula no solo enriquecen la experiencia educativa, sino que también preparan a los estudiantes para ser individuos completos y sensibles, capaces de enfrentar desafíos con creatividad y empatía.

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Es la representación de una obra de ficción que se distribuye por radio. Es totalmente acústico y no tiene componentes visuales.

Una herramienta para la educación ya que avanza con los objetivos pedagógicos como una alternativa de la enseñanza. Utilizando los diferentes talentos de cada persona. Aparte de esto se puede trabajar la oralidad y lectura, vinculándose fácilmente con los aprendizajes Combinando sucesiones, sonidos y temas diferentes y entablando un dialogo mientras tanto. Recordamos sus características descriptas por: Lompart-Zellis 2008 y también el valor del arte para el desarrollo subjetivo de la persona.

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Nociones de imaginación y fantasía, expresión, emoción y sentimiento estético.

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Nociones de imaginación y fantasía, expresión, emoción y sentimiento estético.

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La imaginación y la fantasía son esenciales en el desarrollo infantil. La imaginación permite a los niños crear nuevos mundos, relacionarse con lo abstracto y expresar sus emociones de manera estética. A través del arte, los niños no solo manifiestan sus sentimientos, sino que también desarrollan habilidades cognitivas y simbólicas.

Vygotsky argumenta que el arte ofrece una vía para la expresión emocional, fomentando una conexión profunda entre el mundo interior del niño y su entorno. En este contexto, la emoción y el sentimiento estético juegan un papel crucial, permitiendo a los niños experimentar y comunicar experiencias de una manera que las palabras no siempre pueden.

Vygotsky subraya que la imaginación y el arte son fundamentales para el desarrollo integral de los niños, proporcionando una herramienta poderosa para la expresión, la autocomprensión y la interacción con el mundo.

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La importancia de su implementación.

Enseñar caligrafía desde el arte ofrece varias ventajas:

1. Desarrollo creativo: Su forma de caligrafía como arte fomenta la expresión y creatividad.

2. Conexión emocional: El enfoque artístico hace que la caligrafía sea más atractiva y emocionante.

3. Valor estético: Los estudiantes aprecian la belleza y la estética de la caligrafía.

4. Desarrollo de la motricidad fina: (coordinación mano/ojo).

1. Integración con otras disciplinas: se relaciona con la historia, la cultura y la literatura.

2. Fomento de la paciencia y práctica, requiere práctica y dedicación.

3. Desarrollo de la observación y atención al detalle.

4. Posibilidad de explorar diferentes estilos y técnicas.

5. Estimulación de la imaginación y originalidad.

Podemos:

- Utilizar diferentes materiales (plumas, pinceles, fibras)

- Explorar estilos históricos y culturales.

De esta manera, la caligrafía se convierte en una herramienta artística y creativa que enriquece la educación de los estudiantes.

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"La Voz de los Niños: El Arte en la Educación como Herramienta de Expresión y Crecimiento"

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"La Voz de los Niños: El Arte en la Educación como Herramienta de Expresión y Crecimiento"

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La canción "Que canten los niños" de José Luis Perales nos habla de la importancia de la voz y la expresión de los más pequeños. En ella, se aboga por la libertad, la justicia y el amor, temas profundamente humanos que el arte en la educación también busca fomentar.

El arte en la educación es crucial porque permite a los niños expresarse de manera creativa y única. A través de la música, la pintura, el teatro y otras formas artísticas, los niños aprenden a comunicar sus emociones, desarrollar empatía y entender el mundo que les rodea. Así como la canción nos invita a escuchar y valorar las voces de los niños, el arte en la educación les da las herramientas para que esas voces sean fuertes y significativas.

Al integrar el arte en la educación, no solo estamos enseñando habilidades técnicas, sino también ayudando a formar individuos más completos y sensibles. Para que los niños puedan entender, reflexionar y transformar su realidad, el arte les proporciona un espacio seguro y enriquecedor para crecer.

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QUE CANTEN LOS NIÑOS -- JOSE LUIS PERALES

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Registro de estereotipos y la implicancia como límite en el desarrollo creador

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Registro de estereotipos y la implicancia como límite en el desarrollo creador

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En el desarrollo artístico, los estereotipos se refieren a patrones visuales y conceptuales que los niños repiten en sus creaciones. Estos estereotipos pueden ser beneficiosos, ya que:

- Ayudan a los niños a desarrollar habilidades técnicas.

- Proporcionan una base para la exploración y experimentación.

- Permiten la creación de patrones y estructuras.

Sin embargo, si los estereotipos se convierten en rígidos y restrictivos, pueden limitar el desarrollo creador, ya que:

- Impiden la exploración y experimentación.

- Restringen la expresión personal y emocional.

- Limitan la capacidad para innovar y tomar riesgos.

La implicancia se refiere a la tendencia a repetir patrones y estereotipos sin cuestionarlos ni explorar nuevas posibilidades. Esto puede limitar el desarrollo creador de varias maneras:

- Restringe la libertad de expresión.

- Impide la resolución de problemas y la toma de decisiones.

- Limita la capacidad para adaptarse a nuevas situaciones y contextos.

Para fomentar el desarrollo creador y superar la implicancia, es importante:

- Fomentar la exploración y experimentación.

- Proporcionar oportunidades para la expresión personal y emocional.

- Animar la resolución de problemas y la toma de decisiones.

- Estimular la reflexión y la crítica constructiva.

Las etapas del desarrollo según Lowenfeld proporcionan un marco para entender el crecimiento artístico y creativo en niños. El registro de estereotipos y la implicancia pueden ser límites en el desarrollo creador si no se equilibran con la exploración, experimentación y expresión personal.

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Teoría sobre el desarrollo de la capacidad creadora

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Teoría sobre el desarrollo de la capacidad creadora

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Etapa 1: Expresión Pre-Simbólica (0-2 años) Caracterizada por la exploración sensorial y motora. Los niños experimentan y descubren su entorno a través de los sentidos.

Etapa 2: Expresión Simbólica (2-4 años)

Los niños comienzan a utilizar símbolos y representaciones. La creatividad se expresa a través del juego y la imaginación.

Etapa 3: Expresión Preesquemática (4-6 años). Los niños desarrollan habilidades para representar objetos y formas. La creatividad se enfoca en la experimentación y la exploración.

Etapa 4: Expresión Esquemática (6-9 años). Los niños crean esquemas y patrones. La creatividad se centra en la organización y la estructura.

Etapa 5: Expresión Realista (9-12 años). Los niños buscan representar la realidad de manera precisa. La creatividad se enfoca en la técnica y la habilidad.

Etapa 6: Expresión Abstracta (12 años en adelante). Los niños y adultos pueden crear obras abstractas y simbólicas. La creatividad se centra en la expresión personal y emocional.

Lowenfeld también identificó dos tipos de creatividad:

Creatividad Primaria: Asociada a la expresión espontánea y emocional. Se manifiesta en las primeras etapas del desarrollo.

Creatividad Secundaria: Asociada a la reflexión y la planificación. Se desarrolla en etapas más avanzadas.

Su teoría resalta la importancia de: la experimentación y la exploración, la libertad y la autonomía, el apoyo y la motivación, la práctica y la repetición.

Cada niño es único y tiene su propio ritmo de aprendizaje. por lo tanto, es muy importante respetar y apoyar su desarrollo creador.

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Dibujos realizados por niños entre 1 y 13 años.

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El desarrollo creador en la infancia es fundamental por varias razones:

Por qué:

-Fomenta la imaginación y la innovación: la creatividad permite a los niños explorar nuevas ideas y soluciones.

-Desarrolla la autoexpresión: los niños pueden comunicar sus pensamientos y sentimientos a través de diversas formas de expresión creativa.

-Fortalece la confianza y la autoestima: la creación y realización de proyectos creativos aumenta la sensación de logro y orgullo.

-Mejora la resolución de problemas: la creatividad ayuda a los niños a encontrar soluciones innovadoras y efectivas.

-Estimula la curiosidad y el aprendizaje: la exploración creativa fomenta la investigación y el descubrimiento.

Para qué:

-Preparar para un futuro incierto: en un mundo en constante cambio, la creatividad es clave para adaptarse e innovar.

-Desarrollar habilidades del siglo XXI: la creatividad, el pensamiento crítico y la resolución de problemas son habilidades esenciales para el éxito en la vida.

-Fomentar la originalidad y la individualidad: la creatividad permite a los niños expresar su unicidad y contribuir con nuevas perspectivas.

-Mejorar la calidad de vida: la creatividad puede enriquecer la vida de los niños y adultos, proporcionando satisfacción y realización personal.

-Cultivar la empatía y la comprensión: la creatividad puede ayudar a los niños a entender y conectar con los demás de manera más profunda.

Para fomentar el desarrollo creador en la infancia, se pueden implementar estrategias como:

- Proporcionar materiales y recursos creativos.

- Estimular la exploración y el juego.

- Ofrecer oportunidades para la autoexpresión.

- Fomentar la colaboración y el intercambio de ideas.

- Celebrar y valorar la creatividad y la originalidad.

La creatividad es un proceso, no un producto. Lo importante es disfrutar del viaje y no solo del destino.

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La educación artística es fundamental para desarrollar la capacidad de pensar de manera crítica y creativa. El arte en la escuela es el espacio donde los estudiantes pueden experimentar, innovar y crear sin límites. La creatividad es un músculo que se fortalece con la práctica y el arte en la educación es el entrenador perfecto. 

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El arte es fundamental en la educación ya que:

-Fomenta la creatividad y la imaginación.

-Desarrolla la expresión y comunicación.

-Estimula la observación y la percepción.

-Cultiva la sensibilidad y la empatía.

-Proporciona una visión global y multifacética.

-Ayuda a desarrollar habilidades motoras y finas.

-Estimula el pensamiento crítico y reflexivo.

-Facilita la integración y la inclusión.

-Enseña a valorar la diversidad cultural.

-Prepara para una sociedad en constante cambio.

El arte en la educación puede tomar muchas formas, como: artes visuales (pintura, escultura, fotografía) música, teatro, danza, literatura, artes digitales

Incorporar el arte en la educación puede tener un impacto duradero en el desarrollo integral de los estudiantes.

El arte en la educación enseña a los estudiantes a ver el mundo desde diferentes perspectivas, desarrollando su pensamiento crítico y creativo.

La educación artística fomenta la reflexión, el análisis y la evaluación, habilidades esenciales para el pensamiento crítico.

El arte es un lenguaje que permite a los estudiantes comunicar sus ideas y emociones, desarrollando su capacidad de expresión y pensamiento crítico.

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Con respecto a la educación puedo:

Fomentar la creatividad y desarrollarlo en temas de diferentes materias a través del ejercicio de actividad de distintas habilidades promovidas y transferirla a otras áreas y momentos de la vida.

(Imagen de improvisación y representación de la obra "La Primavera" de Sandro Botticelli.

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Abarquemos principalmente sobre ¿Qué es la Percepción y Sensopercepción?

La percepción es aquella información que sentimos con una obra de manera física y los sentidos (ver, tocar, escuchar).

En tanto a la Sensopercepción está ligada a la interpretación via actividad cerebral, está vinculada con recuerdos, asociaciones, etc.

¿Qué podemos sentir o interpretar en estas obras?

Imágen 1: Obra llamada "La profundidad del mar" realizada por Julieta Palacios. Se aprecia una percepción muy llamativa debido a los diferentes tonalidades de azul y sus diversos materiales artísticos. Transmite calma y agrado a la autora.

Imágen 2: Obra llamada "La unión", realizada por Elizabeth Leguizamón. Su percepción de colores grises y negros con decorativos en rojo. Su sensopercepción de un concepto de amor.

Imágen 3: Esta obra llamada " Abajo del mar" realizada por Yamel Esquitín se puede apreciar una sensopercepción de un equilibrio entre las figuras.

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" El arte es fundamental en la base del niño ya que nos ayuda a ver cómo piensa, cómo se siente y cómo se ve"-Lowenfeld

Además es una enriquecedora actividad dinámica y vital en la educación que nos enseña valores, nuevas imágenes y una nueva filosofía, o una nueva estructura en nuestro sistema educatico.

Si bien reconocemos que la aptitud para aprender define de una edad a la otra, también pasa lo mismo en el arte. Tengamos en cuenta el factor de creación puede sumarle más conocimientos para una acción futura.

Es fundamental en la tarea docente poder inspirar a sujetos de conocimientos y creativos.

Cuestionarse con los "estereotipos visuales" definidos como formas bastantes alejadas a la realidad o que representan un modelo. O incluso nuestras propias emociones representadas en emojis. Un ejemplo de imágen estereotipada podría ser un sol en la parte superior de la hoja o un corazón.

Como seres humanos, nuestra capacidad de desarrollo en la actividad motriz hemos relizado incontables dibujos. Un investigador y escritor de la psicología evolutiva del niño llamado Osterrieth postuló las distintas etapas del desarrollo evolutivo del dibujo.

A continuación un cuadro comparativo.

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*Podemos clasificar 2 tipos de enseñar arte: contextualista y esencialista.

*Un enfoque innovador y humanizador para la educación artística:

-Enfocarse en valores y esperanzas de los jóvenes para fomentar esfuerzo y crecimiento intelectual.

-Integrar la clase de arte en la exploración y desarrollo de modelos alternativos para abordar cambios sociales.

Puntos claves

-Educación inclusiva y equitativa.

-Conexión emocional con los alumnos.

-Fomentar pensamiento critico y creativo.

-Abordar problemas sociales y ambientales.

-Integración de el arte en la resolución de problemas.

Conclusión

El arte debe estar en las escuelas porque prioriza la empatía y comprensión, promueve la educación dinámica y reflexiva y crea ciudadanos creativos.

Reflexión

"Las artes enseñan a los niños que su sello personal es importante y que hay varias respuestas a las preguntas y varias soluciones a los problemas"

(Elliot Eisner)