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작품명 : 위대한 가족
아티스트: 르네 마그리트
이 작품에서 새는 존재하는 것 같지만 존재하지 않는다. 부재한다는 것이 실제한다는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도가 잘못됬다는 것을 알려준다. 효과를 극대화하기 위해 아주 일상적인 사물을 제시한다. 참이라고 믿었던 행위에 대해 반성하게 만든다. 이 그림에서 새와 하늘을 보는 것이 동시에 보여져 절대성이 희미해진다. 이 작품은 이중성을 보여주는 것 같다.

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다. 그러나 관람객은 으레 새를 떠올린다.

이처럼 부재하는 것(새)이 실재한다(새 모양의 하늘)는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도에서 연유한다. 르네 마그리트는 이 작품을 통해 하나의 사물이 두 개의 사물로 인식될 수 있다는 점을 보여줌으로써 우리의 인식 태도에 의문을 던진다. 이런 효과를 극대화하기 위해 마그리트는 교묘하게도 아주 일상적인 사물을 제시한다. 그렇기에 관람자는 감각기관을 이용해 얻은 정보를 바탕으로 인식하여 '참'이라고 믿었던 일련의 행위에 대해 돌아보게 되는 계기를 얻는다. 이처럼 마그리트는 어떤 존재든 고정된 것이 아니라고 생각했다. 그렇기에 모든 이미지는 역동성을 가진다고 보았고 그것을 캔버스에 표현하려 했다. 그래서 내부와 외부가 함께 존재하는 이중적 이미지를 보여주기도 했다. 하나의 사물에 잠재하는 또 다른 성질, 즉 이중성을 보여주는 것이다.

여기서 하나 더 생각할 수 있는 점은 하늘을 보는 행위와 새를 보는 행위가 동시에 캔버스에서 일어난다. 이렇게 되면 시간을 두고 순차적으로 일어나야 할 사건이 동시에 일어나게 되어 시간의 절대성이 희미해지는 효과도 낳는다. 이는 바다를 배로 표현한 작품(<유혹자>)이나 꽃다발 속의 풀밭을 그린 작품(<표절>)에서 느끼는 효과와 같은 맥락으로 이해된다.

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다.

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작품이름:기억의 지속
아티스트:살바도르 달리
작품내용:앙상한 나뭇가지와 각진 모서리, 그리고 감은 눈을 연상시키는 바닥의 신체 일부에는 녹아 흘러내리는 시계가 걸쳐져 있고, 그리고 왼쪽 아래에 놓인 주황색 회중시계에는 개미 떼가 몰려있다. 여기서 등장하는 시계는 과거의 달리와 그의 억눌린 욕망을 보여주는 것으로, 그의 가족사와 성적 욕망이 포함되어 있다고 한다. 그래서 이 시계는 현실 세계와 달리 견고한 모습이 아니라 녹아내리는 형상을 지니고 있는 것이다. 한편 개미로 뒤덮인 시계는 죽음을 상징한다고 한다.

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기억의 지속

카탈루냐 출신의 에스파냐 화가 살바도르 펠리페 하신토 달리 도메네크(1904-1989)는 20세기 가장 중요한 예술가 중 하나이다. 조각가이자 도안가, 디자이너로도 이름을 날린 그의 작품들은 예술계뿐 아니라, 패션, 광고, 연극, 영화에도 큰 영향을 미쳤다. 그러나 뭐니 뭐니 해도 그는 기이한 이미지의 초현실주의 작품들로 가장 유명한 화가일 것이다. 1922년 공부를 위해 마드리드의 레시덴시아 데 에스투디안테스(학생기숙대학)에 입학한 달리는 루이 브뉘엘, 페데리코 가르시아 로르카 등과 평생의 교분을 쌓으며 예술생활을 시작했다. 특히 브뉘엘과는 영화 <안달루시아의 개>(1922)를 공동 제작한 것으로도 유명하다. 달리는 고향 카탈루냐, 그리고 파리 및 뉴욕에서 두루 활약하면서 에스파냐의 별난 화가로 부와 명성을 쌓았으며, 영화 및 연극세트에 초현실주의적 감성을 불어넣기도 했다. 흐물흐물한 시계 혹은 녹아내리는 시계로 잘 알려진 <기억의 지속>은 달리의 가장 유명한 작품 중

죽기 전에 꼭 봐야 할 명화 1001점

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살바도르 달리는 이른바 '초현실주의' 작가 중 주요한 인물로 우리에게도 널리 알려져 있다. 그는 꿈을 꾸는 듯한, 현실에서는 시각으로 나타날 수 없는 기묘함을 캔버스에 그려낸 작가다. 초현실주의는 이성적 창작 과정보다 그것을 넘어선 무의식에서 감지되는 형상을 표현하는 미술 운동이었다. 이에 꿈이나 무의식적인 행위나 사고에서 비롯하는 비이성적 연상 작용 등에 대해 관심을 가졌다.

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1. 네이버 지식백과 회화 페이지에서 원하는 그림을 검색한다.

2. 주소를 복사한다.

3. 패들렛에 들어와서 (-) 모양에서 주소를 입력한다.

4. 제목에는 내번호와 이름을, 설명에는 그림에 대한 설명중 흥미로운 부분을 골라서 적는다.

작품이름:

작가(아티스트):

작품설명:

5. 다른 친구들의 게시물을 참고하여 감상학습지에 내용을 적고 제출한다.

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작품이름:과일명화

작가:알심보도

작품 설명:이 작품은 16세기 이탈리아의 풍자화가이자, 프라하의 합스부르크 왕가의 막시밀리안 2세와 루돌프 2세의 궁에서 궁정화가로 활동했던 주세페 아르침볼도 의 <베르툼누스>이다. 이 그림은 아르심보도가 가 말년에 그린 루돌프 2세의 초상인데, 보이는 것과 같이 온갖 과일과 야채로 풍성하다. 과일이 보였다가 사람이 보였다가 그림을 감상하는 동안 우리의 시선은 퍼즐을 맞추듯 위아래, 옆으로 끝없이 왕복한다.

여기 다양한 과일과 각양각색의 꽃들, 그리고 곡식과 야채로 가득한 재미있는 그림이 있다. 그림은 분명 과일과 야채들을 그린 그림인데, 이것들을 다 모아 완성하니 사람의 얼굴이 선명하게 보인다.

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작품이름:골콩드

작가:르네 마그레트

작품설명:이 작품은 나른한 휴일 오후 공중에 떠있는 풍선의 낭만 같기도 하고, 정반대로 코트 차림의 인체가 긴 검정 막대처럼 보이는 점에서는 마치 평온한 모습으로 투하되는 비 같다.조직에 얽혀 사는 우리의 형편을 반영하듯, 인물들은 허공 위에 불안정하게 붙잡힌 군상으로 표현되었다.

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중절모에 레인 코트 차림의 신사가 떼로 등장하는 <골콩드> 혹은 <겨울비>라는 제목의 이 그림은 재현된 이미지만 놓고 보면 영락없는 '인간비'를 그린 것이다. 중절모와 코트 차림의 사내는 르네 마그리트가 자신의 작품에 수없이 등장시킨 그의 대표 아이콘인데, 실제 마그리트 자신이 즐겨 착용한 패션이라고 한다. 화가의 분신(들)이 마치 빗줄기마냥 길쭉한 자태로 허공에 꽂혀있다. 그것은 나른한 휴일 오후 공중에 떠있는 풍선의 낭만 같기도 하고, 정반대로 코트 차림의 인체가 긴 검정 막대처럼 보이는 점에서는 마치 평온한 시가지로 투하되는 네이팜탄의 공포처럼 읽히기도 한다.

그렇다면 이 그림이 전쟁 공포를 환기시키는 그림이라도 된단 말인가? 설마 그것은 아닐 테고 네이팜탄 형상으로 표현된 신사들을 자세히 보기를 바란다. 똑같은 의상에 똑같은 포즈를 취한 이 무개성한 개인들의 열거를....... 현대 조직 사회가 박탈한 도시인의 개성은 아닐까? 그것이 네이팜탄처럼 위협적인 것은 아닐까? 중력에 지배당하는 비라면 지면을 향해 떨어지겠지만, 조직에 얽혀 사는 우리의 형편을 반영하듯, 인물들은 허공 위에 불안정하게 붙잡힌 군상으로 표현되었다. 그래서일까? 많은 관람자가 이 그림을 유독 선호한다. 쓸쓸한 현대적 삶에 대한 공감에서일까? 하지만 그런 복잡한 속내를 따지지 않고도 관객은 불가능을 가능하게 만든 이 그림의 상황 설정에 열광한다. 회화의 고전적인 책무는 눈앞의 대상을 있는 사실 그대로 옮기는 것이었다.

반면 이 그림은 그와 상반되는 역할을 수행한다. 회화의 재현은 기본적으로 기만을 전제로 한다. 따라서 이 그림도 회화의 존립 근거인 '재현의 기만성'에 대한 우회적인 자기 고백인 듯하다. 동료 초현실주의자들이 무의식에 천착했다면, 마그리트는 또렷한 의식이 만들 수 있는 허구의 유희에 충실했다. 그 때문에 마그리트의 아이디어는 후대 상업 광고에 꾸준히 아이디어를 제공했다. <골콩드> 역시 예외가 아니다. 마그리트의 <골콩드>는 한국에서도 공공 미술의 형식으로 인용된 바 있다. 2005-2007년 사이 신세계 백화점 본관 리노베이션 공사의 알루미늄 차양막 위로 <골콩드>가 크게 확대 인쇄되어 세간의 이목을 끌었다. 일 년 저작권 사용료가 1억 원이나 된다는 보도도 인구에 회자되었다. 또 2009-2010년 사이 서울역 맞은편 서울스퀘어(구 대우센터) 건물 전면에 LED를 설치한 미디어 작품 가운데에도 우산을 쓰고 낙하하는 '변형된' 골콩드 동영상이 선보였다.

글

반이정/미술 평론가
미술평론가. 등에 미술평론과 시평을 고정 연재한다. 의 미술 고정 패널 출연했다. 중앙미술대전 심사위원 동아미술제 심사위원 에르메스 재단 미술상 추천위원 등을 역임했고, 서울대 홍익대 중앙대 산업대 등에 출강한다. 자전거 마니아로도 널리 알려졌다. 많은 매스컴이 우수도서로 선정한 (월간미술 2006년)외에 여러 공저를 집필했다. 네이버 파워블로거에도 선정된 반이정의 거처는 dogstylist.com

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중절모에 레인 코트 차림의 신사가 떼로 등장하는 <골콩드> 혹은 <겨울비>라는 제목의 이 그림은 재현된 이미지만 놓고 보면 영락없는 '인간비'를 그린 것이다. 중절모와 코트 차림의 사내는 르네 마그리트가 자신의 작품에 수없이 등장시킨 그의 대표 아이콘인데, 실제 마그리트 자신이 즐겨 착용한 패션이라고 한다. 화가의 분신(들)이 마치 빗줄기마냥 길쭉한 자태로 허공에 꽂혀있다.

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작품이름:해바라기

작가: 반고흐

작품 설명 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장에 있는 집을 빌렸다. ‘노란집’이라 불리는 이 곳에서 반 고흐는 다른 화가들과 함께 생활하길 원했다.

반 고흐는 동료화가들 중 특히 평소에 존경하던 고갱과 함께 하고 싶었다. 그는 5월부터 무려 5달 동안 고갱에게 편지를 썼고, 그의 동생 테오도르 반 고흐 또한 고갱을 아를로 부르기 위해 노력했다. 긴 설득 끝에 고갱은 아를의 ‘노란 집’에 올 것을 약속했고 반 고흐는 그와 함께 생활할 보금자리를 정성스럽게 꾸미기 시작했다. 평소 해바라기 꽃을 유달리 좋아했던 반 고흐는 그들의 방을 노란색의 해바라기로 가득 채우고 싶었다. 그러나 방전체를 해바라기로 장식하고자 했던 첫 계획과는 달리 반 고흐는 연작 중 잘 된 작품 두 점만을 고갱이 쓸 방에 걸어두었다. 1888년 완성된 12송이의 해바라기가 그려진 <해바라기>는 8월에 고흐가 그린 <해바라기>연작이다.

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작품 이름:도라 마르의 초상

화가:파블로 피카소

작품 설명: 도라 마르는 피카소가 다른사람과 연인관계일때 만난 사진가이다. 그리고 곧 둘은 연인사이가 되었다. 사실 도르마르가 피카소가 사귄 여자중 유명한 이유는 피카소의 게르니카 제작 과정을 사진으로 담아냈기 때문이다. 그래서 이 그림은 둘이 연인관계일 당시에 그린 도라마르의 초상화중 하나이다. 피카소는 도라 마르의 외모의 끌렸고 그게 작품의 잘 담겨있다.

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사랑하는 대상에 대한 작가의 열정은 그것을 대상으로 한 작품으로 나타나는 것이 당연하다. 대상에 대한 관심과 사랑 없이 작품이 탄생하겠는가! 피카소도 마찬가지였다. 도라 마르는 파블로 피카소가 마리테레즈 발테르와 연인 관계일 때인 1936년 만난 사진사였다. 초현실주의 시인인 폴 엘뤼아르(1895-1952)의 소개로 피카소와 만난 도라 마르는 이내 그의 연인이 되었다. 피카소는 수많은 여인들과 연인 관계였음은 유명한 사실인데 도라 마르가 특히 유명한 까닭은 피카소가 파리의 작업실에서 그린 대표작 <게르니카>의 제작 과정을 그녀가 사진으로 담아냈다는 점 때문이다. 이 사진을 통해 미술사학자들은 <게르니카>의 드로잉 과정부터 완성작까지 모두 분석할 수 있게 되었다. 피카소는 도라 마르를 만난 1936년부터 1939년까지 그녀의 초상화를 많이 그렸다. 이 <도라 마르의 초상>(1937)도 그때 그린 작품 중 하나다.

피카소는 그녀의 외모보다 지적인 면에 끌렸음을 인정했고, 그 느낌이 작품에서 잘 드러나고 있다. 검은 옷을 입고 의자에 앉아 오른손으로 얼굴을 받치고 있는 그녀는 빨간 매니큐어가 그려진 손을 통해 도도함과 지적인 면이 강조되고 있다. 이 작품은 이후 피카소가 그린 여인 초상의 기본적 형태가 된다. 앞서 이야기했듯, 여성 편력이 심한 피카소는 도라 마르와 사귀고 있을 당시에도 마리테레즈 발테르라는 여인과도 연인 관계였다. 그래서 도라 마르의 초상을 그렸을 때, 마리테레즈의 초상도 함께 그렸다.

1937년 그린 마리테레즈의 초상을 보면 피카소가 보는 〈마리테레즈〉의 모습은 매우 온화하고 부드러운 느낌으로 그려져 도라와는 다름을 알 수 있다. 이후 도라 마르의 초상은 신경이 곤두선 느낌이나 우는 모습 등으로 표현되었는데, 피카소의 여성 편력에 지친 모습으로 보이며 실제 그녀는 정신과 치료를 받아야 할 정도로 지쳐있었다고 한다.

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사랑하는 대상에 대한 작가의 열정은 그것을 대상으로 한 작품으로 나타나는 것이 당연하다. 대상에 대한 관심과 사랑 없이 작품이 탄생하겠는가! 피카소도 마찬가지였다. 도라 마르는 파블로 피카소가 마리테레즈 발테르와 연인 관계일 때인 1936년 만난 사진사였다. 초현실주의 시인인 폴 엘뤼아르(1895-1952)의 소개로 피카소와 만난 도라 마르는 이내 그의 연인이 되었다.

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작품이름:사랑의 노래

작가:르네 마그리트

작품설명:이 거대한 사과를 더욱 이상하게 만드는 장치는 바로 뒤편의 배경이다. 평범한 바닷가를 배경으로 쌓아 올린 사과는 도무지 현실 세계에는 존재하지 않는 상황으로 보이게 한다. 그러기에 이 작품 앞에 선 관람객은 친근한 사물을 앞에 두고 생소함을 경험하게 된다. 이렇게 되면 표현된 대상은 원래 의미나 기능이 상실된 새로운 대상으로 다가가는 경이가 발생한다. 이와 같은 마그리트의 다양한 실험은 의심없이 지속되어온 사물에 대한 인식의 문제를 건드리는 것이다. 그런데 그가 작품에 등장하는 사물은 매우 사실적으로 표현되어 있기에 관람객의 당혹감은 더욱 배가된다.1965년에 이 그림을 그리고 1967년 생을 마감한 마그리트의 말년작이다

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르네 마그리트의 작품에 등장하는 사물들은 대부분 매우 익숙하고 낯익은 것들이다. <사랑의 노래>에 등장하는 사과를 비롯, 유리잔, 구름, 장미, 악기, 우산, 배 등 쉽게 떠올릴 수 있는 대상들은 마그리트의 캔버스에 등장하는 순간 매우 낯선 사물로 변한다. 이를 위해 마그리트는 여러 가지 방법을 사용했다. 이 작품처럼 <사랑의 노래>처럼 작은 사물을 거대하게 표현하는 것도 그 방법 중 하나다.

이 거대한 사과를 더욱 이상하게 만드는 장치는 바로 뒤편의 배경이다. 평범한 바닷가를 배경으로 쌓아 올린 사과는 도무지 현실 세계에는 존재하지 않는 상황으로 보이게 한다. 그러기에 이 작품 앞에 선 관람객은 친근한 사물을 앞에 두고 생소함을 경험하게 된다. 마그리트의 작품은 이렇게 익숙함을 낯섦으로 느끼게 하는 몇 가지 방법을 취하고 있다. 거대한 사과나 방안을 꽉 채운 장미와 같이 세부를 확대하거나, 머리는 새이지만 몸체와 외관은 잎 모양을 하거나(<공포의 친구>(1942)), 발가락 모양의 신발이나(<붉은 모델>(1935)), 유방을 가진 옷(<부인의 내실의 철학>(1947)), 풍경 내의 다른 풍경 등이 그것이다. 이렇게 되면 표현된 대상은 원래 의미나 기능이 상실된 새로운 대상으로 다가가는 경이가 발생한다. 이와 같은 마그리트의 다양한 실험은 의심없이 지속되어온 사물에 대한 인식의 문제를 건드리는 것이다. 그런데 그가 작품에 등장하는 사물은 매우 사실적으로 표현되어 있기에 관람객의 당혹감은 더욱 배가된다.

1967년 생을 마감한 마그리트의 말년작인 이 <사랑의 노래>는 과슈(gouache)라는 기법으로 그려졌다. 과슈는 재료의 특성상 투명한 느낌과 불투명한 느낌을 표현할 수 있으며 이 기법을 이용한 작품은 선명한 색감을 가진다. 단 색을 혼합하면 탁한 느낌이 생기기 때문에 주로 단색으로 사용한다. <사랑의 노래>은 이러한 과슈의 특징을 잘 드러낸다고 할 수 있다. 특히 각 사과의 왼쪽 위 하이라이트를 표현은 백색 물감을 칠했는데 이 또한 과슈 기법의 특징을 나타낸다.

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르네 마그리트의 작품에 등장하는 사물들은 대부분 매우 익숙하고 낯익은 것들이다. <사랑의 노래>에 등장하는 사과를 비롯, 유리잔, 구름, 장미, 악기, 우산, 배 등 쉽게 떠올릴 수 있는 대상들은 마그리트의 캔버스에 등장하는 순간 매우 낯선 사물로 변한다. 이를 위해 마그리트는 여러 가지 방법을 사용했다. 이 작품처럼 <사랑의 노래>처럼 작은 사물을 거대하게 표현하는 것도 그 방법 중 하나다.

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• 작품이름 : 인상 : 해돋이

• 작가 : 클로드 오스카 모네(Claude-Oscar Monet)

• 작품설명 : 이 작품은 인상주의와 인상파라는 이름을 만들어낸 작품이며, 해가 뜨는 새벽의 바다모습을 표현한 작품입니다. 해돋이 작품은 제목만큼이나 단순한 기법을 선보인작품입니다. 모네는 뚜렷한 사물의 형상을 통해 풍경을 나타내려고 하지 않고 빛과 그림자 효과를 통해 인상을 전하려고 했습니다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채입니다. 모네는 색채와 명도의 관계를 정확하게 표현했는데, 이를 통해서 인상주의 그림들이 눈에 보이는 대로 그린다는 근대적 리얼리즘에 얼마나 충실했는지를 알 수 있습니다. 또한 새벽을 밝게 표현한 부분에서 흥미를 느낄 수 있는 작품입니다.

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인상주의와 인상파라는 이름을 만들어낸 작품이다. 원래 최초의 인상파 전시회는 바지유의 발의로 기획되었지만, 보불전쟁으로 무산되었다. 클로드 모네는 이런 바지유를 기억하면서 최초의 인상파 전시회를 제의한다. 누구를 참가시킬 것인지를 두고 논란이 있었지만 마침내 카푸시네 대로에서 역사적인 기획전이 열렸다. <인상, 해돋이>는 이 전시회에서 첫선을 보였는데, 루이 르로이라는 비평가가 이 제목을 비꼬아서 조롱조의 감상기를 썼다. 모네가 이런 제목을 붙인 까닭은 말 그대로 르아브르의 고향집에서 내려다본 항구를 보고 느낀 즉흥적인 인상을 그린 것이기 때문이다. 전시 도록을 만들 때 동료들이 제목을 요구하자 떠오르는 대로 말해준 것이 <인상 : 해돋이>였다. 제목만큼이나 이 그림은 단순한 기법을 선보인다. 주목할 점은 검은색을 사용하지 않는다는 인상주의 기조가 모네의 그림에서 확연하게 드러나고 있다는 사실이다.

어둠 속에서 해가 막 떠오르는 풍경을 담은 이 그림에는 검은색이 전혀 사용되지 않았다. 검은색을 쓰지 않고도 충분히 어둠을 표현할 수 있다는 사실은 매우 혁신적인 실험이었다. 그런데 이런 실험들이 비평가와 관객을 불편하게 만들었다고 할 수 있다. 밤은 검은색이라고 믿는 이들에게 색채는 빛의 문제일 뿐이라는 과학적 설득이 당장은 받아들여지기 어려웠다. 이 그림은 확연하게 터너나 컨스터블 같은 영국 화가들의 기법을 연상시킨다.

모네는 뚜렷한 사물의 형상을 통해 풍경을 나타내려고 하지 않고 빛과 그림자 효과를 통해 인상을 전하려고 했다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채다. 붉은 빛이 도는 하늘과 푸른 바다는 서로 겹치면서도 묘한 대조를 이룬다. 여기에서 태양이 가장 밝은 것처럼 보이지만 실제 명도를 따져보면 하늘과 거의 차이가 없다. 모네는 색채와 명도의 관계를 정확하게 표현했는데, 이를 통해서 인상주의 그림들이 눈에 보이는 대로 그린다는 근대적 리얼리즘에 얼마나 충실했는지를 알 수 있다.

글

이택광/경희대 영미문화전공 교수, 문화 평론가
부산에서 자랐다. 영문학을 공부하다가 문화연구에 흥미를 느끼고 영국으로 건너가 워릭대학교에서 철학석사학위를, 셰필드대학교에서 문화이론을 전공해서 박사학위를 받았다. 1999년 영화주간지 에 글을 발표하면서 본격적으로 문화비평을 쓰기 시작했다. 시각예술과 대중문화에 대한 분석을 통해 정치사회문제를 해명하는 작업에 많은 관심을 갖고 있다. 현재 경희대학교 영미문화전공 교수로 재직하면서 문화비평가로 활동하고 있다.

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인상주의와 인상파라는 이름을 만들어낸 작품이다. 원래 최초의 인상파 전시회는 바지유의 발의로 기획되었지만, 보불전쟁으로 무산되었다. 클로드 모네는 이런 바지유를 기억하면서 최초의 인상파 전시회를 제의한다. 누구를 참가시킬 것인지를 두고 논란이 있었지만 마침내 카푸시네 대로에서 역사적인 기획전이 열렸다. <인상, 해돋이>는 이 전시회에서 첫선을 보였는데, 루이 르로이라는 비평가가 이 제목을 비꼬아서 조롱조의 감상기를 썼다.

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작품명:알프스를 넘는 나플레옹

작가:자크 루이 다비드

그림에서 나폴레옹은 어두운 날씨 속에서 힘차게 뛰어오르는 말 위에 앉아 손가락으로 위를 가리키고 있다. 나폴레옹의 망토 또한 손가락과 같은 방향으로 휘날리고 있어 관람자의 시선은 전체적으로 그가 가리키는 방향을 향해 쳐다보도록 되어 있다. 나폴레옹이 실제 알프스를 넘을 때 날씨는 맑았고 그는 지리를 잘 아는 현지인이 끄는 노새를 타고 있었다고 알려져 있어 이 그림이 기록화가 아닌 정치적 분위기를 이끌기 위해 미화된 것임을 알 수 있다. 사나운 날씨와 위험한 산세는 위험 속에서도 침착하게 병사들을 승리로 이끌 수 있는 영원한 영웅 나폴레옹의 모습을 강조하고 있다.

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캔버스에 유채로, 크기는 259x221㎝이며, 말메종 성(Château de Malmaison)에 있다.

이 그림은 나폴레옹의 궁정화가였던 자크 루이 다비드가 1801년부터 1805년에 걸쳐 그린 그림으로 나폴레옹이 1800년 5월 알프스의 생 베르나르 협곡을 넘는 모습을 영웅적으로 묘사하고 있다.

1799년, 쿠데타로 정권을 장악하고 원로원으로부터 제 1통령(Le Premier Consul)으로 임명 받은 나폴레옹은 이듬 해 이탈리아 원정에 나선다. 나폴레옹은 1797년 프랑스군을 이끌고 롬바르디아 지방을 점령하였으나 1800년경 프랑스군은 이탈리아 제노아에서 오스트리아군에 포위당해 있었다. 나폴레옹은 이 위기에서 프랑스에서 가장 빨리 제노아로 갈 수 있는 길은 알프스를 넘는 것이라는 판단을 내려 생 베르나르 고개를 넘기로 결정했다. 1800년 5월, 알프스를 넘은 나폴레옹은 비록 제노아에서는 패배했지만 그에 이은 6월의 마렝고 전투에서 승리하여 이탈리아 원정을 성공으로 이끌 수 있었다.

나폴레옹이 이끄는 프랑스 군대가 이탈리아를 장악하자 스페인 왕 카를로스 4세는 프랑스 혁명 이후 냉각관계에 있던 양국의 외교관계를 회복하지 않을 수 없게 된다. 당시의 외교적 관례대로 프랑스와 스페인 양국은 초상화, 의복, 보석 등 여러 선물을 주고 받았다. 이 그림은 그 일부로 카를로스 4세가 나폴레옹에게 약속한 '다비드가 그린 초상화'이다. 비록 카를로스 4세가 나폴레옹을 위해서 주문한 것이지만 완성된 후 그림은 두 나라의 우정의 상징으로 스페인 마드리드의 궁전에 걸리게 되었다.

〈알프스를 넘는 나폴레옹〉은 1808년 카를로스 4세가 아란페스 폭동으로 왕위에서물러나고 대신 나폴레옹의 형인 조제프 보나파르트가 스페인 왕이 될 때까지 궁전에 걸려있었으나 나폴레옹의 실각 후 조제프 보나파르트가 미국으로 망명하면서 함께 가지고 갔다. 그 후 그림은 1949년까지 미국에 있다가 후손인 유제니 보나파르트의 기증으로 프랑스에 돌아가게 된다. 〈알프스를 넘는 나폴레옹〉은 이 그림이 원본이지만 나폴레옹이 다비드에게 같은 그림을 3점 더 제작하도록 하였고 이 외에도 다비드가 개인적으로 제작한 1점이 더 있어 전부 5점이 제작되었다.

다비드의 작품에는 보통 수많은 관련 밑그림과 스케치가 남아 있다. 그러나 나폴레옹이 이 초상화를 위해 모델을 선 것은 단 세 시간에 불과했기 때문에 이 그림과 관련된 자료는 많지 않다. 다비드는 결국 나폴레옹의 흉상을 바탕으로 이 그림 속 나폴레옹의 얼굴을 그릴 수 밖에 없었다고 한다.

처음 카를로스 4세가 주문한 것은 제 1통령의 제복을 입고 있는 나폴레옹의 초상이었으며 다비드는 기마상을 그리고 싶어했다. 그러나 초상화는 결국 나폴레옹이 원하는 대로 '침착하고 용맹하게 말을 타고' 알프스를 넘는 모습으로 결정되었다. 말의 발굽 아래, 그림의 오른쪽 하단 바위에 나폴레옹 이전에 알프스를 넘은 두 영웅, 기원전 3세기 카르타고의 장군 한니발과 9세기경 신성로마제국의 황제였던 샤를마뉴의 이름이 새겨진 것도 나폴레옹의 제안일 가능성이 크다.

그림에서 나폴레옹은 어두운 날씨 속에서 힘차게 뛰어오르는 말 위에 앉아 손가락으로 위를 가리키고 있다. 나폴레옹의 망토 또한 손가락과 같은 방향으로 휘날리고 있어 관람자의 시선은 전체적으로 그가 가리키는 방향을 향해 상승하도록 되어 있다. 나폴레옹이 실제 알프스를 넘을 때 날씨는 맑았고 그는 지리를 잘 아는 현지인이 끄는 노새를 타고 있었다고 알려져 있어 이 그림이 기록화가 아닌 정치적 프로파간다 역할을 하기 위해 미화된 것임을 알 수 있다. 사나운 날씨와 험준한 산세는 위험 속에서도 침착하게 병사들을 승리로 이끌 수 있는 영원한 영웅 나폴레옹의 모습을 강조하고 있다.

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알프스를 넘는 나폴레옹

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캔버스에 유채로, 크기는 259x221㎝이며, 말메종 성(Château de Malmaison)에 있다. 주제 이 그림은 나폴레옹의 궁정화가였던 자크 루이 다비드가 1801년부터 1805년에 걸쳐 그린 그림으로 나폴레옹이 1800년 5월 알프스의 생 베르나르 협곡을 넘는 모습을 영웅적으로 묘사하고 있다. 1799년, 쿠데타로 정권을 장악하고 원로원으로부터 제 1통령(Le Premier Consul)으로 임명 받은 나폴레옹은 이듬 해 이탈리아 원정에 나선다.

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제목: 인형을 든 마야

한눈에도 피카소의 작품임을 알 수 있을 이 작품은 주된 주제인 딸 마야의 얼굴 정면과 옆면을 한꺼번에 보여준다. 그런데 마야가 들고 있는 인형은 정면을 향하고 있는 점이 매우 흥미롭다. 피카소를 비롯한 입체주의 화가들이 이런 형태의 작업을 하는 이유는 캔버스가 평면이기 때문이다. 입체주의자들은 평면에 입체를 그리는 방법을 고민했는데 이는 평면에 구축하는 입체의 환영이다. 피카소가 선택한 방법은 정면성을 지키면서 형태를 분해하는 것이었다. 마야의 얼굴 표현이 바로 그 좋은 예다. 눈을 보면 정면에서 바라본 형태를 띠지만 코는 약간 측면에서 본 형태다. 다리도 마찬가지다. 왼쪽 발과 오른쪽 발은 자연스러운 포즈를 취하고 있지 않다. 하지만 이런 형태로 표현된 얼굴은 왠지 온화하고 평화스러운 분위기를 자아내고 있다.

이 작품에서 또 눈여겨볼 부분은 바로 색채의 이용이다. 물론 강렬하지는 않지만 색채가 초기 입체파의 그것보다 훨씬 밝아지고 다양해졌다는 점이다. 사실 입체주의는 색채 이용이 강렬한 사조는 아니었다. 이는 형태에 치중했던 이유에서 비롯하는데 대상의 기하학적 형태를 사물의 본질로 보았기 때문이다. 이에 비해 색채는 보는 이와 때에 따라 변화하는 부차적인 것으로 보았기 때문에 입체주의 작가들은 색채 표현에 치중하지 않았다.

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한눈에도 피카소의 작품임을 알 수 있을 이 작품은 주된 주제인 딸 마야의 얼굴 정면과 옆면을 한꺼번에 보여준다. 그런데 마야가 들고 있는 인형은 정면을 향하고 있는 점이 매우 흥미롭다. 피카소를 비롯한 입체주의 화가들이 이런 형태의 작업을 하는 이유는 캔버스가 평면이기 때문이다. 입체주의자들은 평면에 입체를 그리는 방법을 고민했는데 이는 평면에 구축하는 입체의 환영이다. 피카소가 선택한 방법은 정면성을 지키면서 형태를 분해하는 것이었다. 마야의 얼굴 표현이 바로 그 좋은 예다. 눈을 보면 정면에서 바라본 형태를 띠지만 코는 약간 측면에서 본 형태다. 다리도 마찬가지다. 왼쪽 발과 오른쪽 발은 자연스러운 포즈를 취하고 있지 않다. 하지만 이런 형태로 표현된 얼굴은 왠지 온화하고 평화스러운 분위기를 자아내고 있다.

이 작품에서 또 눈여겨볼 부분은 바로 색채의 이용이다. 물론 강렬하지는 않지만 색채가 초기 입체파의 그것보다 훨씬 밝아지고 다양해졌다는 점이다. 사실 입체주의는 색채 이용이 강렬한 사조는 아니었다. 이는 형태에 치중했던 이유에서 비롯하는데 대상의 기하학적 형태를 사물의 본질로 보았기 때문이다. 이에 비해 색채는 보는 이와 때에 따라 변화하는 부차적인 것으로 보았기 때문에 입체주의 작가들은 색채 표현에 치중하지 않았다.

피카소는 자신의 연인을 모델로 한 작품을 여러 점 그렸고 그것은 그가 표현할 수 있는 애정이었다. 하물며 그들과의 사이에 둔 자식은 어떠했겠는가. 평소에도 그는 자식을 일러 자신의 최고 예술품이라고 말하곤 했다. 그러나 실제로 피카소는 자신의 작품 제작에 너무 열중한 나머지 자식과 사이는 그리 좋지 않았다고 전한다. 1938년에 그려진 <인형을 든 마야>에 등장하는 이 어린 소녀 마야는 1935년 피카소의 나이 54세에 네 번째 연인인 마리 테레즈 발테르와의 사이에서 얻은 딸이다. 원래 이름은 마리아 데 라 콘셉시온이다.

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한눈에도 피카소의 작품임을 알 수 있을 이 작품은 주된 주제인 딸 마야의 얼굴 정면과 옆면을 한꺼번에 보여준다. 그런데 마야가 들고 있는 인형은 정면을 향하고 있는 점이 매우 흥미롭다. 피카소를 비롯한 입체주의 화가들이 이런 형태의 작업을 하는 이유는 캔버스가 평면이기 때문이다. 입체주의자들은 평면에 입체를 그리는 방법을 고민했는데 이는 평면에 구축하는 입체의 환영이다.

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작품 이름:연인

작가:구스타프 클림트

작품설명:두 인물 관계에서 연인의 머리를 잡고 자신에게 향하게 하여 그녀의 볼에 입맞추고 있는 남자의 남성성이 특히 강조 되어 보입니다. 탑, 혹은 종의 모양을 하는 형태 역시 남자의 등을 따라 결정되고 있어, 모든 움직임과 힘이 마치 그에게서 나오는 것처럼 느껴집니다. 이에 비해 여자의 태도가 수동적으로 비춰지는 이유는 연인 앞에서 무릎을 끓고 있는 그녀의 자세 때문 입니다. 클림트 예비 스케치를 보면 클림트가 남자와 무릎을 끓고 있는 여자 사이의 신장 차이를 해결하기 위해 여러 구성 방식들을 실험했음을 알 수 있으며, 그는 여자의 발이 거품에서 튀어나오도록 해서 무릎 꿇고 있는 그녀의 자세를 강조하는 동시에 서 있는 남자의 자세를 표현을 하였습니다.

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주제 및 제작 배경 꽃이 흩뿌려진 작은 초원 위에 서 있는 두 연인은 주변과 분리되어 그들을 마치 후광처럼 둘러싸고 있는 금빛 아우라 안에서 서로에게 황홀히 취해 있다. 이 공간이 어디인지, 또 시간은 언제인지 말해주는 단서가 거의 없기 때문에 그들은 모든 역사적이고 사회적인 현실에서 벗어나 마치 우주와 같은 곳에 존재하는 것처럼 보이며, 보다 완전하고도 유일한 경험을 맛보고 있는 것으로 표현될 수 있었다. 열정적인 사랑에 대한 우의화인 구스타프 클림트의 <연인(키스)>는 역시 사랑하는 연인들이 등장…

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작품 피레네의 성

작가 르네 마그리트

작품 설명 피레네성은 벨기에의 초현실주의 화가 르네 마그리트가 1959년에 완성한 캔버스 유화이다. 이 그림은 바다 위에 떠 있는 큰 바위와 돌로 된 성이 있는 탑을 묘사하고 있다. 이 그림은 현재 예루살렘의 이스라엘 박물관에 전시되어 있다.

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© ADAGP, Banque d\'Image, Paris - GNC media, Seoul, © René Magritte \/ ADAGP, Paris - SACK, Seoul, 201...

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https://m.terms.naver.com/frame/entry.naver?docId=976227&cid=46720&categoryId=46851

작가: 폴 세잔
작품이름: 병과 사과바구니가 있는 정물
제작연도 1890년 ~ 1894년
종류:유화

사과 바구니는 상자 위에 위치해 있고, 쿠키는 책 위에 놓인 그릇에 정렬되어 있다, 사과들은 아무렇게나 구겨진 흰색 천 위에 배치되어 있거 이 모든 정물들은 테이블 위에 위치하고 있다. 이 정물들의 배치는 우연히 그려진것 처럼 보이지만 각각의 위치는 세잔이 의도적으로 그린것 이며, 세잔의 작품이 새롭게 느껴지는 것은 이러한 균형이 정물화에서 만들어지고 있다는 점이다.개인적으로는 균형은 맞지 않지만 이상한 느낌이 안드는 풀 세잔의 그림이 정말 마음에 든다.

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작품이름:위대한 가족

작가이름: 르네 마그리트

작품설명: 창공을 나는 새 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 “넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새”라고 말했다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다. 그러나 보는 사람은 새를 떠올린다.

여기서 하늘을 보는 행위와 새를 보는 행위가 동시에 캔버스에서 일어난다. 이렇게 되면 시간을 두고 일어나야 할 사건이 동시에 일어나게 되어 시간의 절대성이 희미해지는 효과도 낳는다.

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다. 그러나 관람객은 으레 새를 떠올린다.

이처럼 부재하는 것(새)이 실재한다(새 모양의 하늘)는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도에서 연유한다. 르네 마그리트는 이 작품을 통해 하나의 사물이 두 개의 사물로 인식될 수 있다는 점을 보여줌으로써 우리의 인식 태도에 의문을 던진다. 이런 효과를 극대화하기 위해 마그리트는 교묘하게도 아주 일상적인 사물을 제시한다. 그렇기에 관람자는 감각기관을 이용해 얻은 정보를 바탕으로 인식하여 '참'이라고 믿었던 일련의 행위에 대해 돌아보게 되는 계기를 얻는다. 이처럼 마그리트는 어떤 존재든 고정된 것이 아니라고 생각했다. 그렇기에 모든 이미지는 역동성을 가진다고 보았고 그것을 캔버스에 표현하려 했다. 그래서 내부와 외부가 함께 존재하는 이중적 이미지를 보여주기도 했다. 하나의 사물에 잠재하는 또 다른 성질, 즉 이중성을 보여주는 것이다.

여기서 하나 더 생각할 수 있는 점은 하늘을 보는 행위와 새를 보는 행위가 동시에 캔버스에서 일어난다. 이렇게 되면 시간을 두고 순차적으로 일어나야 할 사건이 동시에 일어나게 되어 시간의 절대성이 희미해지는 효과도 낳는다. 이는 바다를 배로 표현한 작품(<유혹자>)이나 꽃다발 속의 풀밭을 그린 작품(<표절>)에서 느끼는 효과와 같은 맥락으로 이해된다.

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다.

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아티스트:앙리 마티스

작품명:이카르수

작품소개:이카르수는 정말 단순하지만 인간의 동정심을 확실하고 강력하게 유발했다. 이 그림은 총에맞는 사람을 표현한것이다.

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야수주의의 대가인 앙리 마티스. 여인의 초상에 느닷없이 초록색 물감을 끼얹다시피 했던, 그 당시로써는 파격적인 표현을 한 화가 아닌가. 그 작품을 본 평론가들이 얼마나 당혹스러웠으면 “짐승과도 같다”라고 했을까. 그만큼 마티스의 색채 표현은 과격하고 강렬하다. 그런 마티스를 생각한다면 <이카루스>는 너무나 단순해 보인다. 하지만 인간의 동경심을 상징하는 이카루스를 이보다 더 간결하고 강렬하게 표현한 작가도 없을 것이다. 같은 시기에 제작된 비슷한 형태의 색종이 작업이 더 잘 알려져 있다. 마티스는 말년에 색종이를 이용해 형태를 단순화한 여러 점의 작품으로도 유명하며 <이카루스>는 『재즈』라는 그의 작품집에 수록되어 있다. 물론 이는 마티스가 말년에 하던 편한 작업 방식으로도 보인다. 그렇지만 마티스는 “가위는 연필보다 더 감각적이다.”라는 말을 남긴 것으로 보아 단순히 편한 작업을 지향한 것만은 아닌 것 같다. 게다가 이 종이로 만든 작품의 크기는 작은 것도 있지만 한 면의 길이가 2m가 넘는 것도 있어 마티스가 또 하나의 새로운 작업방식을 발견했다는 추론을 하게 한다. 널리 알려졌다시피 미로동굴에 갇혔던 이카루스는 동굴을 빠져나와 깃털로 만들어진 날개를 밀랍으로 고정하여 도망친다. 그러나 비행의 즐거움은 과욕을 낳았고 높이 날아 태양 가까이에 갔던 이카루스는 결국 밀랍이 녹는 바람에 추락하여 죽고 만다. 마티스의 <이카루스>는 추락하는 장면을 보여주는 것 같다. 하늘은 파란색 바탕으로, 검은 이카루스의 가슴에는 동경심을 가진 인간의 심장이 빨간 색으로 표현되어 있다. 노란색의 별 무늬는 날개의 깃털로 보인다. 여기서 이카루스로 보이는, 추락하는 이는 사실 제2차 세계대전 당시 전사한 공군 비행사를 의미한다고 한다.

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작품명 행복한 눈물

작가 로이 릭텐스타인

앤디 워홀과 함께 미국의 팝아트를 대표하는 로이 릭텐스타인은 우리나라에서는 워홀에 비해 상대적으로 덜 알려진 작가였다. 물론 대부분의 사람들에게는 작품 자체가 인상적이었다기 보다는 그 가격이 충격적이었다. 오래된 만화책에서나 볼 법한 촌스러운 아가씨의 얼굴이 화면을 가득 채운 그림이 수십억 대를 호가한다니, 작가로서는 진정 ‘행복한 눈물’을 흘려 마땅하겠지만, 평범한 이들은 과연 이것이 그만한 가치가 있는가에 대해서 의문을 가졌다.

‘팝아트’는 글자 그대로 대중문화와 미술이 결합하여 탄생한 새로운 미술의 흐름으로, 1960년대 미국문화의 산물이다. 텔레비전이 광범위하게 보급되고, 대량 생산과 대량 소비를 미덕으로 하는 본격적인 소비 문화가 형성되던 시기였다. 눈을 현혹하는 포장과 로고, 새로운 것에 대한 욕망을 끝없이 자극하는 상품 광고가 티브이와 신문, 잡지, 거대한 광고판과 할리우드 영화를 뒤덮었다.

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앤디 워홀과 함께 미국의 팝아트를 대표하는 로이 릭텐스타인(Roy Lichtenstein, 1923-1997)은 우리나라에서는 워홀에 비해 상대적으로 덜 알려진 작가였다. 그러나 몇 년 전, 그의 [행복한 눈물]이 대기업의 비자금 사건과 연루되어 언론의 집중적인 주목을 받은 이후, 이제는 그의 이름을 모르는 이가 거의 없게 되었다. 물론 대부분의 사람들에게는 작품 자체가 인상적이었다기 보다는 그 가격이 충격적이었다. 오래된 만화책에서나 볼 법한 촌스러운 아가씨의 얼굴이 화면을 가득 채운 그림이 수십억 대를 호가한다니, 작가로서는 진정 ‘행복한 눈물’을 흘려 마땅하겠지만, 평범한 이들은 과연 이것이 그만한 가치가 있는가에 대해서 의문을 가졌다. ‘팝아트’는 글자 그대로 대중문화(popular culture)와 미술(fine art)이 결합하여 탄생한 새로운 미술의 흐름으로, 1960년대 미국문화의 산물이다. 텔레비전이 광범위하게 보급되고, 대량 생산과 대량 소비를 미덕으로 하는 본격적인 소비 문화가 형성되던 시기였다. 하루가 멀다 하고 쏟아져 나오는 새로운 상품들은 소비자의 지갑을 열기 위해 격렬한 경쟁을 시작했다. 눈을 현혹하는 포장과 로고, 새로운 것에 대한 욕망을 끝없이 자극하는 상품 광고가 티브이와 신문, 잡지, 거대한 광고판과 할리우드 영화를 뒤덮었다. 물건을 구입하고 재빨리 소모하는 방식은 문화의 영역에도 그대로 적용되어, 대중문화는 표피적인 오락을 지속적으로 제공했고, 소비자들은 일순간의 만족 이후에는 또 다시 새로운 자극을 원했다. 이처럼 생산 – 소비 – 폐기로 이어지는 짧은 순환이 끊이지 않고 계속되는 문화는 현재 우리의 삶과도 크게 다르지 않다. 다만 그 전달의 매체에 컴퓨터와 인터넷, 이동통신 등이 더해졌을 뿐이다. 우리는 아침에 일어나서 잠자리에 들 때까지 무언가를 구입한다. 우리를 둘러싼 모든 매체들은 커피일 수도 있고, 증시전망이거나, 올 여름의 히트곡일 수도 있는 다양한 유무형의 상품들을 끊임없이 광고하며 소비를 종용한다. 자본주의사회의 우리 모두는 사실 ‘국민’이거나 ‘사회인’이기 보다는 ‘소비자’의 삶을 더 충실하게 살고 있다. 1960년대 미국의 팝아트는 이처럼 ‘소비자’의 삶 속에 파고든 일상의 모든 것들을 소재로 차용했다. 상품과 광고, 텔레비전과 영화, 만화책과 연예인 등, ‘대중 문화’의 영역에 속해있던 모든 것들은 ‘미술’로 변모하여 엄숙하기 그지없었던 미술관에 당당하게 입성했던 것이다. 말하자면 팝아트는 소위 고급 문화와 평범한 일상 사이의 경계선을 허물고자 했던 지난 세기의 전위적인 미술가들의 계보를 잇고 있는 셈이다. 그러나 그 이전의 미술이 물질만능주의와 자본주의의 폐해를 비난하고 공격하는데 몰두했다면 팝아트는 이를 그대로 포용했다는 차이가 있다. 어차피 이길 수 없다면, 즐기기라도 하자는 것이 팝아트의 기본적인 태도이다. 로이 릭텐스타인은 당대 대중문화의 총아, 만화책을 베껴 그렸다. 그는 인기 있는 만화책의 한 장면을 골라 세부를 수정하여 큰 캔버스에 유화로 옮기면서, 만화책의 전형적인 포맷은 그대로 유지했다. 단순하게 그려진 인물들은 검은 윤곽선과 몇 가지의 원색으로 채워졌고 정사각형 틀 안에 말풍선과 함께 등장한다. 색 면은 균일하게 칠한 것이 아니라, 무수히 많은 작은 점으로 채웠다. 요즘에도 값싼 신문이나 잡지책의 원색 도판을 잘 들여다보면 색 점이 망처럼 빽빽하게 찍혀 있는 것을 알 수 있다. 릭텐스타인은 이처럼 색을 점으로 분할하여 찍어내는 인쇄기법 벤데이닷(Ben-Day dot: 인쇄기술자였던 벤자민 데이의 이름에서 따왔다)을 모방하여 하나하나 손으로 점을 그렸다. 릭텐스타인의 작품을 실제로 가까이에서 보면 점의 모양이 일그러지거나 물감이 살짝 번져 있는 등 대단히 인간적인 손의 흔적을 볼 수 있다. 이전까지 카메라나 판화와 같은 기계적인 기법은 미술가의 손을 모방하기에 급급했다. 영화나 만화 역시 미술가의 독창적인 표현과 미적 감각으로부터 영감을 얻어왔다. 그러나 릭텐스타인은 만화를 모방하여 미술작품을 제작하면서, 기계적인 인쇄기법을 손으로 따라 그렸으니, 대중문화와 고급미술 사이에 엄연히 존재했던 위계질서를 완전히 뒤집은 셈이다. 그의 주제는 크게 두 가지이다. 로맨스이거나 전쟁이거나. 만화책이 결국은 소녀들이 보는 순정만화와 소년들이 보는 전쟁만화 둘 뿐이니 당연한 일이다. 만화책이란 오늘날의 연속극이나 마찬가지로, 로맨스든 전쟁 물이든 대개 뻔한 줄거리여서, 릭텐스타인의 작품에서처럼 앞 뒤 다 자르고 중간의 한 장면만 보더라도, 대략의 이야기가 머릿속에 그려지는 법이다. 파란 많은 연인을 말없이 믿어주던 착한 아가씨가 결국에는 감동적인 프러포즈라도 받은 듯한 [행복한 눈물]이 그렇고, 마음이 떠난 것이 뻔한 연인이 데이트 약속을 까맣게 잊었더라도 애써 급한 일이 있을 거라고 믿고 있는 [음 어쩌면]이 그렇다. [꽝!]은 용맹한 주인공이 결국은 적군을 물리치는 절정의 순간, 모든 소년들이 손에 땀을 쥐고 열광하는 감동의 장면일 것이다. 릭텐스타인의 작품이 물론 처음부터 대중들의 호응을 받고, 고가에 거래된 것은 아니다. 그가 본격적으로 미술계에 나선 것은 1962년, 뉴욕의 유수한 화랑이었던 시드니 재니스 갤러리(Sidney Janis Gallery)에서 열린 [신사실주의전]에서였다. 이전까지 잭슨 폴락(Jackson Pollock)과 윌렘 드쿠닝(Willem DeKooning) 등 뉴욕의 미술계를 지배했던 추상표현주의를 후원하던 시드니 재니스 갤러리의 변신은 많은 이들에게 큰 충격을 주었다. 잭슨 폴락은 물감이 뚝뚝 흐르는 붓을 쥐고, 넓은 캔버스 위에서 춤을 추듯 온 몸을 움직여 대작을 만들어냈다. 그의 육체적인 궤적으로 뒤덮인 작품은 그 만이 갖고 있던 내면적인 갈등과 폭발적인 에너지의 산물이었다. 그러나 릭텐스타인은 추상표현주의를 상징하는 강렬한 붓자국마저도 인쇄된 만화의 한 장면처럼 장난스럽게 변형시켰다. 그의 작품에서는 더 이상 고립된 스튜디오에 홀로 앉아 붓을 쥐고 고뇌하는 미술가의 전설을 기대할 수 없게 되었다. 그러나 사전 지식과 고상한 취미, 높은 학식을 갖춘 ‘교양인’이 아니더라도, 최소한 무엇을 그린 것인지를 알아볼 수 있는 미술품의 등장은 새로운 계층의 미술 애호가를 만들어냈다. 팝아트의 상업적인 성공은 소비사회의 미덕, 즉 마케팅과 프로모션, 전략적 세일즈의 파워를 보여준 새로운 세대의 딜러와 컬렉터들의 공이 컸다. 시드니 재니스와 레오 카스텔리(Leo Catelli) 등은 미술가를 발굴하여 ‘물건’으로 키워내는 데 천재적이었고, 명망 있는 가문 출신의 전통적인 부호들이 아니라, 택시회사로 부를 일구었던 로버트 스컬(Robert Scull) 등의 신흥 부자들은 자신들의 경제적 능력에 걸맞은 사회적 지위를 확보하기 위한 수단으로 팝아트를 적극 후원했다. 많은 비평가들은 여전히 당대의 정치사회적인 문제에 무심했던 팝아트를 비난했지만, 대형 미술관과 갤러리, 수집가와 딜러들의 옹호 아래 팝아트는 성공가도를 달렸다. 릭텐스타인이 보여주는 로맨스와 전쟁 담은 식상하고 진부하며 통속적이다. 그러나 말끔한 원색으로 그려진 그의 커다란 캔버스는 ‘쿨’하고 ‘핫’하다. 바로 그렇기 때문에, 릭텐스타인의 작품을 단순하게 즐길 수가 없다. 사실 로맨스와 전쟁은 결코 진부하거나 통속적일 수 없고, 절대로 ‘쿨’하거나 ‘핫’하지 않다. 남녀관계는 대단히 근본적인 인간사의 갈등이며, 사랑과 욕망은 본질적인 감정이고, 전쟁은 극도의 폭력이자 최악의 공포 상황이다. 현실 속에 존재하는 결별은 몇 번을 겪어도 아프고 구차하며 끈적거린다. 전쟁터에서는 실제로 많은 사람이 대단히 고통스럽게 죽는다. 죽음은 누구에게라도 절대로 식상할 수 없고, 폭력은 영화에서처럼 영광적이거나 감동적이 않으며, 더욱이 ‘쿨’할 수도 없다. 그런데도 릭텐스타인의 [꽝!]은 천문학적인 가격의 미술품이자, 눈길을 끄는 엔터테인먼트가 되어, 눈부신 조명 아래 세련되게 단장된 미술관 벽에 걸려있다. 그 앞에서는 누구도 진지하게 전쟁을 논하지 않는다. 전쟁이 바로 이 순간, 그리 멀지 않은 곳에서 벌어지고 있다고 하더라도 말이다. 팝아트는 진보적인 미술이 표방했던 사회 비판적 기능을 포기했을지도 모른다. 그러나 그 스스로 대중매체와 소비사회의 실체를 극명하게 보여준다. 우리는 타인의 고통과 역사적 비극마저도 상품으로 만들어 생산하고 소비한 후 ‘오-쏘-쿨’하게 폐기한다.

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작품이름 : 아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

작가 : 빈센트 반 고흐

작품설명 : 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용했다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다.짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다.

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아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다. 반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다. 동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. “푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. … 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어.” 이어서 그는 “기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야”라고 덧붙이기도 했다. 표현기법 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다. 나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

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작품 별이 빛나는 밤

작가 반 고흐

작품 설명 《별이 빛나는 밤》(영어: The Starry Night)은 네덜란드의 화가 빈센트 반 고흐의 가장 널리 알려진 작품이자 정신병을 앓고 있을 당시 고흐가 그린 그림이다. 1889년 생레미의 정신병원에서 고흐는 정신적 질환으로 인한 고통을 떠올려 그림 속의 소용돌이가 무너졌다.[1]

별이 빛나는 밤 작가 빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 《별이 빛나는 밤》은 그가 폴 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

글

황주영/서울대 환경계획연구소 연구원/서양 미술사
이화여대에서 불문학과 영문학을 공부하고, 동대학 대학원 미술사학과에서 서양미술사를 공부했다. 풍경화와 정원에 대한 공부를 더 하러 간 파리에서는 어학원보다는 거리와 미술관, 공원과 정원을 더 열심히 다녔다. 서울대학교 협동과정 조경학 과정을 수료하고 번역과 원고 기고, 강의 등으로 생계를 꾸리고 있다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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https://naver.me/GC2anoX3

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•작품이름:위대한 가족

•작가:르네 마그리트

•작품설명: 이작품은 수수께끼처럼 그림을 표현했다.

위대한 가족그림은 보는 사람을 신비로운 느낌을 받게 한다.작가는 일상적인 테마와 설명할 수 없는 현상을 자주 활용했는데, 이 작품도 마찬가지이다. 호기심이 생기며 으스스하고 다른 세상의 분위기를 보여준다.

현실적인데도 사물과 방을 이야기하는 것같았다 그리고 위대한가족 이라는 제목에 가족들이 마치 새의 안에 들어선것같은 느낌을 받았다.

되게 호기심을 생기게 한다. 마치 새가 대가족 바로 위대한 가족을 새로 표현한것같은 기분이 들었고 이 작품을 처음 봤을때 가족을 표현한다는걸 바로알수는 없었지만, 이 작품의 설명을 보고 위대한 가족이라는 제목을 지었는지 이해할수있었다. 이 작가 르네 마그리트는 종종 수수께끼 같은 그림을 그려서 표현하기는 하지만 이작품은 궁금하기도하고 처음 봤을때 이런그림을 그려놓고 위대한 가족이라는 제목을 붙여놓았는지 궁금했다. 신비적인것이 강하고 르네 마그리트는 신비하고 수수께끼 같은 그림을 많이 그린다고 생각을했다.

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작품이름:피아노 치는 소녀들

화가:피에르 오귀스트 르누아르

작품설명:이 그림은 매우 섬세한 필치로 그려졌다. 부드럽고 자유롭게 인물의 옷과 머리모양을 표현되어 있다. 여기에 나와있는 소녀들은 뒤에 있는 커튼과 앞에 있는 화병과도 잘 어우려진다. 그리고 커튼 뒤에 보이는 그림들과 정리가 잘 되어있는 집을 보며 부유한 과정의 편한 모습이 보인다.

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제작배경 <피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들&gt…

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그림:별이 빛나는 밤

그린 사람:빈센트 반 고흐

설명:빈센트 반 고흐의 대표작으로 뽑히는 별이 빛나는 밤은 그가 고갱과 싸우고 난 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 그림이다.이 그림에 나오는 마을 그냥 그린 것이 아닌 부분적으로 고안되었는데 교회 첨탑은 고흐의 고향인 네덜란드를 연상시키며 다른 것들도 비슷하다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

글

황주영/서울대 환경계획연구소 연구원/서양 미술사
이화여대에서 불문학과 영문학을 공부하고, 동대학 대학원 미술사학과에서 서양미술사를 공부했다. 풍경화와 정원에 대한 공부를 더 하러 간 파리에서는 어학원보다는 거리와 미술관, 공원과 정원을 더 열심히 다녔다. 서울대학교 협동과정 조경학 과정을 수료하고 번역과 원고 기고, 강의 등으로 생계를 꾸리고 있다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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작가:빈센트 반 고흐

작품 이름:별이 빛나는 밤

작품설명:빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

글

황주영/서울대 환경계획연구소 연구원/서양 미술사
이화여대에서 불문학과 영문학을 공부하고, 동대학 대학원 미술사학과에서 서양미술사를 공부했다. 풍경화와 정원에 대한 공부를 더 하러 간 파리에서는 어학원보다는 거리와 미술관, 공원과 정원을 더 열심히 다녔다. 서울대학교 협동과정 조경학 과정을 수료하고 번역과 원고 기고, 강의 등으로 생계를 꾸리고 있다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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작품 이름: 시녀들(라스메니나스)

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작품 이름: 시녀들(라스메니나스)

작가(아티스트):돈 디에고 로드리게즈 다 실바 이 벨라스케즈

작품설명: 캔버스에 그린 유화로 크기는 316 x 276cm이며, 프라도 미술관(Museo del Prado)에 있다. <시녀들>에 등장하는 인물들은 왼편에서부터 차례대로 당시 궁정화가였던 이젤 앞의 벨라스케스 자신과 시녀 도냐 마리아 아우구스티나 데 사르미엔토(Doña Maria Augustina de Sarmiento), 마르가리타 공주 (Doña Margarita María of Austria), 다른 시녀인 도냐 이사벨 데 벨라스코(Doña Isabel de Velasco), 우측 전경에 난쟁이 마리바르볼라(Maribárbola)와 니콜라시토 페르투사토(Nicolasito Pertusato)가 있다.

이 그림은 인물의 태도와 미묘한 감정을 잘 포착하고 있는데, 예를 들어 시녀 도냐 마리아 아우구스티나의 마르가리타 공주에 대한 존경 어린 태도와 다정한 친밀감을 생동감 있게 표현하였다.

거울과 열린 문을 통해 공간을 확장시키는 방식은 벨라스케스가 다른 장르의 그림들에서도 자주 사용하는 방식인데 <시녀들>에서 거울 안에 반사된 이미지로 등장하는 국왕 부부가 실제로 어디에 위치해 있었고 무엇을 하고 있었는지는 명확하지 않다.

<시녀들>에는 벨라스케스의 예술적 열망뿐 아니라 고귀한 신분에 대한 열망도 함께 투영되어 있다. 국왕과의 친밀한 관계는 화가로서의 영원한 명성을 보장해줄 뿐 아니라 귀족의 신분을 얻고자 했던 벨라스케스의 목표를 실현시켜줄 수 있는 가장 핵심적인 수단이었다.

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시녀들 (라스 메니나스)

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캔버스에 그린 유화로 크기는 316 x 276cm이며, 프라도 미술관(Museo del Prado)에 있다. <시녀들(Las Meninas)>은 17세기 스페인 화가 디에고 벨라스케스(Diego Velàzquez, 1599-1660)의 대표작으로 잘 알려져 있다. 1656년에 제작된 이 작품은 최초에 마드리드 알카사르 왕궁 (Madrid Alcàzar)에 있는 왕의 개인 집무실에 소장되었다가, 왕궁의 다른 공간으로 몇 번 이전된 후 19세기 초에 프라도 미술관으로 옮겨졌다. 왕실 가족과 그 측…

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작품명-심금

작가-르네 마그리티

작품설명-르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문이다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경이다. 이 모든 것은 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있다. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼는 것이다. 게다가 구름이 얹혀진 유리잔은 현실에서 쉽게 발견할 수 없는 것으로 신비감을 느끼게 한다.

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르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문이다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경이다. 이 모든 요소는 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있다. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼는 것이다. 게다가 구름이 얹혀진 유리잔은 현실에서 쉽게 발견할 수 없는 것으로 일종의 신비감을 느끼게 한다. 소인국 풍경에 등장한 거인국 사물을 보는…

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작품명 : 절규

아티스트 : 에드바르 뭉크

작품 설명 : 노르웨이의 표현작가 에드바르 뭉크는 친구들과 피요르드 해안과 도시가 한번에 보이는 다리를 건너고 있었습니다. 뭉크가 피요르드 해안으로 눈길을 돌리는 순간 갑자기 하늘이 핏빛으로 변하고, 엄청난 비명과 함께 피요르드 해안이 도시를 집어삼켰습니다. 하지만 친구들은 뭉크를 뒤로 하고 걸어갔습니다. 그 소리는 뭉크에게만 들리는 절규였죠. 이 작품의 가운데 귀를 가리고 비명을 지르는 사람은 뭉크의 내면을 보여주고, 뭉크의 좌절감과 절망을 보여주는 작품입니다.

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작품 이름:행복한 눈물

화가:로이 리히텐슈타인

작품 설명:삼성 비자금 의혹 사건으로 세간에 화제가 된 '행복한 눈물(Happy Tears)'은 로이 리히텐슈타인의 1964년 작품이다.행복한 눈물은 세계에서 가장 인정받는 물감인 마그나를 사용해서 캔버스 위에 그린 그림이다. '행복한 눈물'은 원화를 그대로 옮긴 전형적인 팝아트 작품이다.

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앤디 워홀과 함께 미국의 팝아트를 대표하는 로이 릭텐스타인(Roy Lichtenstein, 1923-1997)은 우리나라에서는 워홀에 비해 상대적으로 덜 알려진 작가였다. 그러나 몇 년 전, 그의 [행복한 눈물]이 대기업의 비자금 사건과 연루되어 언론의 집중적인 주목을 받은 이후, 이제는 그의 이름을 모르는 이가 거의 없게 되었다. 물론 대부분의 사람들에게는 작품 자체가 인상적이었다기 보다는 그 가격이 충격적이었다. 오래된 만화책에서나 볼 법한 촌스러운 아가씨의 얼굴이 화면을 가득 채운 그림이 수십억 대를 호가한다니, 작가로서는 진정 ‘행복한 눈물’을 흘려 마땅하겠지만, 평범한 이들은 과연 이것이 그만한 가치가 있는가에 대해서 의문을 가졌다. ‘팝아트’는 글자 그대로 대중문화(popular culture)와 미술(fine art)이 결합하여 탄생한 새로운 미술의 흐름으로, 1960년대 미국문화의 산물이다. 텔레비전이 광범위하게 보급되고, 대량 생산과 대량 소비를 미덕으로 하는 본격적인 소비 문화가 형성되던 시기였다. 하루가 멀다 하고 쏟아져 나오는 새로운 상품들은 소비자의 지갑을 열기 위해 격렬한 경쟁을 시작했다. 눈을 현혹하는 포장과 로고, 새로운 것에 대한 욕망을 끝없이 자극하는 상품 광고가 티브이와 신문, 잡지, 거대한 광고판과 할리우드 영화를 뒤덮었다. 물건을 구입하고 재빨리 소모하는 방식은 문화의 영역에도 그대로 적용되어, 대중문화는 표피적인 오락을 지속적으로 제공했고, 소비자들은 일순간의 만족 이후에는 또 다시 새로운 자극을 원했다. 이처럼 생산 – 소비 – 폐기로 이어지는 짧은 순환이 끊이지 않고 계속되는 문화는 현재 우리의 삶과도 크게 다르지 않다. 다만 그 전달의 매체에 컴퓨터와 인터넷, 이동통신 등이 더해졌을 뿐이다. 우리는 아침에 일어나서 잠자리에 들 때까지 무언가를 구입한다. 우리를 둘러싼 모든 매체들은 커피일 수도 있고, 증시전망이거나, 올 여름의 히트곡일 수도 있는 다양한 유무형의 상품들을 끊임없이 광고하며 소비를 종용한다. 자본주의사회의 우리 모두는 사실 ‘국민’이거나 ‘사회인’이기 보다는 ‘소비자’의 삶을 더 충실하게 살고 있다. 1960년대 미국의 팝아트는 이처럼 ‘소비자’의 삶 속에 파고든 일상의 모든 것들을 소재로 차용했다. 상품과 광고, 텔레비전과 영화, 만화책과 연예인 등, ‘대중 문화’의 영역에 속해있던 모든 것들은 ‘미술’로 변모하여 엄숙하기 그지없었던 미술관에 당당하게 입성했던 것이다. 말하자면 팝아트는 소위 고급 문화와 평범한 일상 사이의 경계선을 허물고자 했던 지난 세기의 전위적인 미술가들의 계보를 잇고 있는 셈이다. 그러나 그 이전의 미술이 물질만능주의와 자본주의의 폐해를 비난하고 공격하는데 몰두했다면 팝아트는 이를 그대로 포용했다는 차이가 있다. 어차피 이길 수 없다면, 즐기기라도 하자는 것이 팝아트의 기본적인 태도이다. 로이 릭텐스타인은 당대 대중문화의 총아, 만화책을 베껴 그렸다. 그는 인기 있는 만화책의 한 장면을 골라 세부를 수정하여 큰 캔버스에 유화로 옮기면서, 만화책의 전형적인 포맷은 그대로 유지했다. 단순하게 그려진 인물들은 검은 윤곽선과 몇 가지의 원색으로 채워졌고 정사각형 틀 안에 말풍선과 함께 등장한다. 색 면은 균일하게 칠한 것이 아니라, 무수히 많은 작은 점으로 채웠다. 요즘에도 값싼 신문이나 잡지책의 원색 도판을 잘 들여다보면 색 점이 망처럼 빽빽하게 찍혀 있는 것을 알 수 있다. 릭텐스타인은 이처럼 색을 점으로 분할하여 찍어내는 인쇄기법 벤데이닷(Ben-Day dot: 인쇄기술자였던 벤자민 데이의 이름에서 따왔다)을 모방하여 하나하나 손으로 점을 그렸다. 릭텐스타인의 작품을 실제로 가까이에서 보면 점의 모양이 일그러지거나 물감이 살짝 번져 있는 등 대단히 인간적인 손의 흔적을 볼 수 있다. 이전까지 카메라나 판화와 같은 기계적인 기법은 미술가의 손을 모방하기에 급급했다. 영화나 만화 역시 미술가의 독창적인 표현과 미적 감각으로부터 영감을 얻어왔다. 그러나 릭텐스타인은 만화를 모방하여 미술작품을 제작하면서, 기계적인 인쇄기법을 손으로 따라 그렸으니, 대중문화와 고급미술 사이에 엄연히 존재했던 위계질서를 완전히 뒤집은 셈이다. 그의 주제는 크게 두 가지이다. 로맨스이거나 전쟁이거나. 만화책이 결국은 소녀들이 보는 순정만화와 소년들이 보는 전쟁만화 둘 뿐이니 당연한 일이다. 만화책이란 오늘날의 연속극이나 마찬가지로, 로맨스든 전쟁 물이든 대개 뻔한 줄거리여서, 릭텐스타인의 작품에서처럼 앞 뒤 다 자르고 중간의 한 장면만 보더라도, 대략의 이야기가 머릿속에 그려지는 법이다. 파란 많은 연인을 말없이 믿어주던 착한 아가씨가 결국에는 감동적인 프러포즈라도 받은 듯한 [행복한 눈물]이 그렇고, 마음이 떠난 것이 뻔한 연인이 데이트 약속을 까맣게 잊었더라도 애써 급한 일이 있을 거라고 믿고 있는 [음 어쩌면]이 그렇다. [꽝!]은 용맹한 주인공이 결국은 적군을 물리치는 절정의 순간, 모든 소년들이 손에 땀을 쥐고 열광하는 감동의 장면일 것이다. 릭텐스타인의 작품이 물론 처음부터 대중들의 호응을 받고, 고가에 거래된 것은 아니다. 그가 본격적으로 미술계에 나선 것은 1962년, 뉴욕의 유수한 화랑이었던 시드니 재니스 갤러리(Sidney Janis Gallery)에서 열린 [신사실주의전]에서였다. 이전까지 잭슨 폴락(Jackson Pollock)과 윌렘 드쿠닝(Willem DeKooning) 등 뉴욕의 미술계를 지배했던 추상표현주의를 후원하던 시드니 재니스 갤러리의 변신은 많은 이들에게 큰 충격을 주었다. 잭슨 폴락은 물감이 뚝뚝 흐르는 붓을 쥐고, 넓은 캔버스 위에서 춤을 추듯 온 몸을 움직여 대작을 만들어냈다. 그의 육체적인 궤적으로 뒤덮인 작품은 그 만이 갖고 있던 내면적인 갈등과 폭발적인 에너지의 산물이었다. 그러나 릭텐스타인은 추상표현주의를 상징하는 강렬한 붓자국마저도 인쇄된 만화의 한 장면처럼 장난스럽게 변형시켰다. 그의 작품에서는 더 이상 고립된 스튜디오에 홀로 앉아 붓을 쥐고 고뇌하는 미술가의 전설을 기대할 수 없게 되었다. 그러나 사전 지식과 고상한 취미, 높은 학식을 갖춘 ‘교양인’이 아니더라도, 최소한 무엇을 그린 것인지를 알아볼 수 있는 미술품의 등장은 새로운 계층의 미술 애호가를 만들어냈다. 팝아트의 상업적인 성공은 소비사회의 미덕, 즉 마케팅과 프로모션, 전략적 세일즈의 파워를 보여준 새로운 세대의 딜러와 컬렉터들의 공이 컸다. 시드니 재니스와 레오 카스텔리(Leo Catelli) 등은 미술가를 발굴하여 ‘물건’으로 키워내는 데 천재적이었고, 명망 있는 가문 출신의 전통적인 부호들이 아니라, 택시회사로 부를 일구었던 로버트 스컬(Robert Scull) 등의 신흥 부자들은 자신들의 경제적 능력에 걸맞은 사회적 지위를 확보하기 위한 수단으로 팝아트를 적극 후원했다. 많은 비평가들은 여전히 당대의 정치사회적인 문제에 무심했던 팝아트를 비난했지만, 대형 미술관과 갤러리, 수집가와 딜러들의 옹호 아래 팝아트는 성공가도를 달렸다. 릭텐스타인이 보여주는 로맨스와 전쟁 담은 식상하고 진부하며 통속적이다. 그러나 말끔한 원색으로 그려진 그의 커다란 캔버스는 ‘쿨’하고 ‘핫’하다. 바로 그렇기 때문에, 릭텐스타인의 작품을 단순하게 즐길 수가 없다. 사실 로맨스와 전쟁은 결코 진부하거나 통속적일 수 없고, 절대로 ‘쿨’하거나 ‘핫’하지 않다. 남녀관계는 대단히 근본적인 인간사의 갈등이며, 사랑과 욕망은 본질적인 감정이고, 전쟁은 극도의 폭력이자 최악의 공포 상황이다. 현실 속에 존재하는 결별은 몇 번을 겪어도 아프고 구차하며 끈적거린다. 전쟁터에서는 실제로 많은 사람이 대단히 고통스럽게 죽는다. 죽음은 누구에게라도 절대로 식상할 수 없고, 폭력은 영화에서처럼 영광적이거나 감동적이 않으며, 더욱이 ‘쿨’할 수도 없다. 그런데도 릭텐스타인의 [꽝!]은 천문학적인 가격의 미술품이자, 눈길을 끄는 엔터테인먼트가 되어, 눈부신 조명 아래 세련되게 단장된 미술관 벽에 걸려있다. 그 앞에서는 누구도 진지하게 전쟁을 논하지 않는다. 전쟁이 바로 이 순간, 그리 멀지 않은 곳에서 벌어지고 있다고 하더라도 말이다. 팝아트는 진보적인 미술이 표방했던 사회 비판적 기능을 포기했을지도 모른다. 그러나 그 스스로 대중매체와 소비사회의 실체를 극명하게 보여준다. 우리는 타인의 고통과 역사적 비극마저도 상품으로 만들어 생산하고 소비한 후 ‘오-쏘-쿨’하게 폐기한다.