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La única motivación de Arthur Fleck es hacer reír a la gente. Viviendo con su madre enferma, con un trabajo de payaso y conviviendo con graves problemas mentales, el protagonista se enfrenta a una sociedad que se encarga de remarcar día a día lo raro que es. Su sueño es hacer stand-up, pero una serie de trágicos acontecimientos causarán que su ira y desprecio por el sistema crezcan hasta llevarlo al punto de locura.

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Joaquin Phoenix
Robert De Niro
Zazie Beetz
Frances Conroy
Brett Cullen
Glenn Fleshler
Bill Camp
Shea Whigham
Marc Maron

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Diario “El mundo”
https://www.elmundo.es/metropoli/cine/2019/10/03/5d95b35dfdddff0e058b4594.html

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Diario “Clarín” https://www.clarin.com/espectaculos/cine/critica-guason-rie-ultimo-rie-mejor-_0_op2HWFVX.html

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El director refleja mucho su forma de pensar en la del personaje principal, él expresa en entrevistas que hoy en día es muy difícil realizar una comedia sin que nadie se sienta ofendido o afectado en medio de la cultura woke, movimiento de EEUU donde se filmó esta película, y quizás representa ese mismo pensamiento en la historia detrás del personaje, el cual padece una enfermedad y la sociedad lo juzga por eso

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El protagonista quizás a diferencia de en otras versiones de la película, se encuentra más humanizado, se le da un motivo a toda esa “maldad”. Es un universo más realista donde justifica y humaniza al villano.

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Si bien se trata de un filme con una temática oscura, deja entrever ciertos rastros de humor, generalmente retorcido y hasta algo morboso. Por ejemplo, luego de matar a su ex-compañero de trabajo, deja ir al otro que lo había acompañado pero debido a su altura no alcanzaba el cerrojo de la puerta y Arthur, entre risas, le abre.

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El maquillaje refleja la situación psicológica y emocional del personaje. Al principio de la película, se ve un maquillaje equilibrado, simétrico y delicado, que reflejaba la poca cordura que le quedaba antes de que su vida se desborde. El maquillaje posterior, refleja su nueva situación de vida, es un maquillaje más desprolijo que no es coincidencia que lo use en su etapa más oscura. Se da cuenta de que la sociedad no va a cambiar, ese click lo hace cuando Murray pasa su video en modo de burla, y entiende que nunca alguien como él va a poder encajar en la sociedad así que se da a sí mismo libertad de ser como es.

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Como espectadoras, el cruce entre sus personalidades que se da en la escena del asesinato en el tren, donde luego se encierra en un baño público todo ensangrentado a bailar, genera una sensación de suspenso y tensión que te dejaba con una fuerte incertidumbre ante lo que podría suceder a continuación.

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Logo de la peli diseñado por Chad Danieley, diseñador gráfico y animador. Trabajo con sellos de madera. Al director le gustó la forma más analógica, escaneo las letras y las guardó en un formato que permite conservar detalles, texturas y transparencias del texto original, lo que conecta con la estética vintage de la película. Colores verdes y naranjas transmiten inmadurez, irracionalidad y creatividad.

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Como vive con su madre, hay algo de raro y adolescente en su ropa. "Vive de la asistencia pública, por lo que compra en tiendas de segunda mano... su ropa es barata y no es elegante. Se confeccionó a medida y se desgastó a mano –para darle ese aspecto vintage– un traje de inspiración setentera: color marrón rojizo un tanto psicodélico psicodélico, hombreras, chaqueta ligeramente larga y pantalones acampanados –recordemos que es un dos piezas antiguo y probablemente de segunda mano que lleva años en su armario– y al combinarlo con otros tonos estresantes y elementos pasados de moda como una camisa de seda verde adamascada consiguen una desequilibrada imagen cómica.

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Todd Phillips, el director de este filme, posee una larga trayectoria en donde sus obras buscan resaltar, a través de los diferentes géneros y temáticas, las personas marginadas de la sociedad, aquellas “abandonadas” por el sistema.

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“Lo que tiene en común todas mis comedias es la irreverencia. Así que he pensado: ¿Como hago algo irreverente, pero que le den a la comedia? Oh ya se. Voy a coger el universo del cine superheroico y ponerlo cabeza abajo. De ahí viene todo esto”

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En la gran mayoría de sus películas predomina la comedia, utiliza mucho las tramas oscuras, las narraciones lineales.

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No importaba mucho si hay algún defecto técnico como movimiento inesperado de cámara, da cierta sensación de película casera o desprolijidad.

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Ambienta la película en los 70-80

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El director cuenta que se inspiró en ciertas películas y sus tramas, como también relaciones que podemos encontrar con otras. The King of Comedy es una de ellas, las historias son muy similares, en esa película el protagonista quiere ser comediante, no lo logra y enloquece y llega a secuestrar a quien cree responsable de su falta de fama. Otra es Modern Times, donde hay similitudes entre los protagonistas. Chaplin deseaba encontrar su lugar en el mundo en un tiempo de problemas económicos, y Arthur lo mismo frente a una sociedad discriminadora. Otra de las películas relacionadas es Taxi Driver, en ambas se dejan llevar por la locura e intentan salvar al mundo.

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Si hay dos cosas contrapuestas en esta historia, esas son el equilibrio y la quietud de los encuadres frente al desequilibrio emocional y físico de su protagonista. Todd Phillips sacrifica la libertad y espontaneidad del movimiento actoral y de la acción dramática en pos de unos maravillosos encuadres simétricos de estudiada elegancia, proporción y equilibrio. Pero el resultado no pierde, sino todo lo contrario. Cada plano está pensado de forma razonada, creando un espacio simétrico que divide la composición en partes iguales y dirige nuestra mirada al centro de dicho plano. Esa estructura simétrica de la imagen se mantiene tanto en los planos interiores como en los exteriores. La vemos en las escenas de calle con edificios, en las numerosas escenas de escaleras y pasillos, en el plano general de Gotham, dividido en dos por las vías del metro, también dentro de los vagones, en el plató de televisión, en casa de Happy, en la máscara con la que se maquilla. Siempre Phillips idea la escena a partir de una posición de cámara que busque la simetría de los elementos. El centro de esa simetría casi siempre es Joker. Pase lo que pase, él está en el centro como contrapunto. Tenemos en la misma imagen el equilibrio y el desequilibrio juntos. Quizá por ello el personaje no sobreactúa, se le asignan unas líneas dentro de las que moverse y que no puede sobrepasar. El control que establece la cámara vigila, también, la dirección actoral. Interviene hasta en el baile envolvente de Joker, que no puede salirse del cuadro.

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En casi todos los planos siempre aparece el protagonista centrado, busca que la mirada siempre este puesta en él y en sus acciones por sobre los demás. Trabaja mucho con los encuadres simétricos

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Philips crea un orden en mitad del caos. Su simetría visual compone los elementos de tal forma que incluso en la escena del metro, llena de una multitud de payasos dispuestos a todo, nos permitimos hablar de equilibrio. Y como siempre, en el centro de la multitud, Joker

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Recurre mucho al plano general, el cual muestra el ambiente y los personajes son reconocibles.

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Es una película de suspenso, drama psicológico y crimen

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Toma de los cómics el que la locación sea Gotham City, le da un ambiente más conocido.

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La iluminación tiene un fuerte carácter evolutivo en toda la película. Muestra la metamorfosis del personaje desde el inicio al fin. Vemos como en un inicio la película es mucho más luminosa y advierte ciertos tonos verdes – avisos de locura inminente. Sin embargo, a medida que avanza todo se acentúa más, cada vez es más oscura, verdosa, y la posición de cámara más baja. Acentúa la locura y el trastorno que se va dando progresivamente.

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La cámara es muy concisa en cuanto a captar detalles del protagonista.

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Utiliza poca profundidad de campo y colores vibrantes, ambas cosas logran que el protagonista siempre tenga un enfoque muy marcado y sea lo más importante de la toma.