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1975, "Lips of Thomas", Innsbruck (Autriche), performance, Musée des Arts Modernes

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Abramović est entré en scène, où une table avec une nappe blanche et une chaise ont été fournies, et déshabillées. Sur la table se trouvaient un verre de miel, une bouteille de vin, un verre, une cuillère et un fouet. Sur le sol se trouvait une croix formée de blocs de glace, au-dessus de laquelle pendait un radiateur radiant. L’artiste a mangé un kilo de miel, puis a bu un litre de vin et a cassé le verre à vin avec sa main. Elle a dessiné un pentagramme autour d’une photographie accrochée au mur. Elle a sculpté le même motif dans son ventre agenouillée devant le public avec une lame de rasoir. Puis elle enleva le fouet de la table et se flagella. Elle a ensuite posé le dos sur la croix des blocs de glace et a placé le pentagramme saignant sous le radiateur radiant. La représentation a été annulée environ 30 minutes après que l’artiste se soit allongé sur les blocs de glace dans une pose de crucifixion, en raison du chahut de spectateurs inquiets, et Abramović a été emporté.

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2013, "Champs de Petrol", tapisserie en laine, 159 X 200cm 

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Tapisserie comportant des formes de couleurs (rouges, bleus et jaunes) représentant des sortes de chemin, ainsi que les tracé en noir (correspondant surement aux "champs de pétrole"

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Figures 1889, "Planisferio", 2015 and courtesy the artist; Afronova, Johannesburg; and Kehrer Galerie, Berlin

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Carte du monde redessiner avec des éléments de culture d'un pays/continent

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1556, "Autoportrait", huile sur toile, château de Łańcut (Pologne)

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Cette autoportrait fait partie du mouvement du Maniérisme, ayant comme caractéristique :

un espace désuni, et souvent indéfini ;

une image trouble et obscure ;

une déformation et une torsion des corps avec notamment l'utilisation de la "ligne serpentine" qui permet un allongement des proportions des figures leur donnant ainsi une douceur langoureuse ;

des tons acides et crus ;

une recherche du mouvement ;

un art de codes, de symboles, de citations d'artistes classiques ;

un art de cour, qui s'adresse à des gens cultivés et lettrés ;

une exagération des formes qui caractérise le maniérisme du xvie siècle.

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Oeuvre mêlant des formes de couleurs vives et l'image d'une tête de femme ouvrant la bouche, en nuance de gris.

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1916, "The Battle of Tolochenaz", Huile et gouache sur papier, 56 X 75 cm

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Peinture représentant une bataille, dans la ville de Tolochenaz en Suisse

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Photo d'une représentation de dauphin surement laissé a l'abandon. On peut aussi voir des traces de pattes de chien sur le sable.

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"Crystal Heads", 1936, photographie, British Museum, Londres

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"Le Téléphone", 2006-2012, 5m de hauteur, commande publique, 15e arrondissement à Paris, France

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"Sans titre", 1969, plexiglas, miroir, tube lumineux, 22 x 22 x 22 cm

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"En el barco", 1954, 25,4x20,3cm, Tempera et feuille d'argent sur panneau

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"A Woman and a Girl Driving", 1881, peinture, huile sur toile, 89,764x130,607cm

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"Sombras projetadas", 1964, installation 

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"Flowers and fruit", 1904, peinture de fleur

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"Birth Tear", 1985, Macramé sur dessin sur tissu, 116,84x140,97cm

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"The Gates to Times Square", 1966, acier inoxydable soudé, néon et plexiglas, 304,8 x 304,8 x 304,8 cm, collection Albright-Knox Art Gallery

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2017, "continent du vide" ("le parti pris des nuages"), 355 x 155cm, coton

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Depuis une dizaine d'années Marion Baruch intervient sur des chutes de tissus, provenant de l'industrie textile milanaise. Rebuts de la société industrielle et urbaine, Marion Baruch trie, sélectionne et arrange ces matériaux, jusqu'à obtenir des formes à la géométrie flexible. Suspendues au plafond ou épinglées au mur, ses oeuvres décrivent une histoire tant sociale et politique qu'individuelle et sensible.

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1883, "The Umbrella", huile sur toile, 93 x 74cm

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On peut voir une fille/femme vêtue de noir sous un parapluie.

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1680, "Autoportrait", huile sur toile, 73 x 89cm

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Cette oeuvre fait partie du mouvement Baroque du 17eme siècle ayant pour caractéristiques :

l’utilisation de couleurs chaudes ;

les contrastes de lumière ;

l’impression de mouvement donnée par les gestes des personnages et les drapés ;

des lignes de force en diagonale ;

des personnages communiquant par le regard ;

des personnages très expressifs.

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1800, "Portrait de Madeleine", 81 x 65cm, huile sur toile

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Marie-Guillemine Benoist réalise le portrait d'une servante noire longtemps restée anonyme, « dénué de tout pittoresque exotique malgré la mémoire d'un anneau à l'oreille ». La jeune femme, assise dans un fauteuil à médaillon drapé d’un riche tissu bleu, est immobile sur un fond vide, avec les bras posés sur le ventre et la cuisse. Vêtue d'une robe ceinte d'un ruban rouge et coiffée d'un tignon blanc, elle a le profil légèrement tourné vers le spectateur. L'épaule et le sein droit dénudés, ainsi que la position en arc du bras gauche, évoquent la fécondité nourricière mais aussi les Amazones.

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1916, "Mujer Sentada Composición Con Mancha Roja", 

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Cette peinture représente une femme assise.

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Peinture représentant un cerf en pleine nature.

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Composition montrant des fesses encadrées comme-ci c'était une sorte de spectacle.

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En superposant du latex sur du plâtre, Bourgeois a obtenu une texture charnue et tactile dans cette sculpture suspendue. Bien qu’il représente le plus évidemment un phallus, l’œuvre peut également être considérée comme un torse féminin, comme le titre l’indique; dans cette lecture, les deux formes rondes sont le sommet de deux jambes, attachées à leurs articulations de la hanche. Cette élimination des genres crée de l’ambiguïté, tout comme les doubles qualités de puissance érigée et de vulnérabilité fragile de l’œuvre. « D’un point de vue sexuel, dit Bourgeois, je considère que les attributs masculins sont très délicats. »

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Ses premiers modèles pour la production sont deux cendriers basés sur les formes élémentaires qui sont au programme du Bauhaus et mettent en question les formes habituelles utilisées pour ces objets. Elle a créé plusieurs des œuvres les plus iconiques du Bauhaus : le cendrier en forme de demi-balle métallique et une communs théière en argent, dont certains sont encore édités aujourd'hui.

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1880, "Portrait de Henry Davison", 87 x 46 cm, huile sur toile, Musée d'Orsay

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Henry Davison (1859-1947) est le fils de la pianiste franco-britannique Arabella Goddard et du journaliste James William Davison.

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1912, "Jean Cocteau à l'époque de la grande roue", huile sur toile, 250 x 133 cm

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Représentation de Jean Cocteau à Paris sur une balustrade, pendant l'époque de la grande roue

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All Together 1995, Huile sur toile, 240 x 254 cm

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Shirley Jaffe déclare d’emblée à propos de sa formation artistique : « Je préférais dessiner dans le métro et chercher ma propre voie ailleurs. » Elle découvre Kandinsky au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, admire chez les derniers Bonnard « les choses là qui apparaissent et disparaissent ». Mais c’est à Paris, où elle s’installe définitivement à partir de 1949, que ses liens d’amitié avec Joan Mitchell, Sam Francis ou Jean-Paul Riopelle lui permettent de découvrir l’expressionnisme abstrait américain. En 1968, elle renonce à cette peinture gestuelle qui lui paraît trop dépendante de la matière, pas assez mate. Elle recherche d’abord un mouvement, une coexistence, comme dans la vie, de formes ouvertes, insolites, qui ne soient liées à rien de connu sinon à un espace purement mental.

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Mère Poussepin/ vers 1915-1920	huile sur toile 60,5 cm ; 45,3 

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Cette œuvre vient du post Impressionnisme.
Active en  France de 1904 à 1939, sa peinture est essentiellement celle de portraits de femmes anonymes peints dans des camaïeux de tons sourds. Éclipsée de son vivant par la célébrité de son frère, le peintre Augustus John, son œuvre est redécouverte à partir des années 1950. Elle est considérée en Grande-Bretagne comme une des artistes les plus importantes du début du xxe siecle

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Peinture à l'huile sur toile/61,25 × 47 cm/Portrait

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Elle représente sa douleur et sa tristesse dues à son divorce de Diego Rivera quelque temps auparavant, et date de sa relation avec le photographe Nickolas Muray

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Sibylle de Cumes vers 1763	huile sur toile	98 × 127 cm 

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Elle est l'une des femmes peintres et portraitistes les plus célèbres du xviiie siècle. Connue pour ses portraits et ses autoportraits, Kauffmann se spécialise également dans la représentation de thèmes classiques tels que les mythes de Zeuxis et de Pygmalion.

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Rainbow Swash• 1971•	Pop Art•	Peinture murale

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En 1971, le président de la Boston Gas Company, Eli Goldston , a chargé Corita Kent de peindre le design Rainbow Swash sur l'un des deux réservoirs de GNL adjacents faisant face à l'autoroute sud-est de Boston. La conception originale a été peinte sur un modèle à l'échelle de 8 pouces (20 cm), à partir duquel 20 peintres ont reproduit l'œuvre sur le réservoir de 140 pieds (43 m) de haut.

Depuis les années 1970, le Rainbow Swash fait polémique. La peinture murale a été critiquée comme présentant prétendument un profil du visage du leader vietnamien Ho Chi Minh dans sa bande bleue. Kent était une militante pour la paix, et certains pensent qu'elle protestait contre la guerre du Vietnam , mais Kent elle-même a toujours nié avoir intégré un tel profil. En 1992, le réservoir de GNL original peint en arc-en-ciel a été démoli et le Rainbow Swash a été recréé sur le réservoir adjacent malgré les objections des groupes d'anciens combattants. Cependant, la bande bleue est moins prononcée dans la reproduction de 1992. Moins controversé, on dit que la bande jaune ressemble au profil de Fred Flintstoneregardant vers le sud.

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Marina Abramovic
Ethel Adnan
Malala Andrialaridrazana
Sofonisba Anguissola
Evelyne Axell
Alice Bailly
Yto Barrada
Marion Baruch
Marie Bashikitsef
Mary Beale
Marie-Guillemine Benoist
Maria Blanchard
Rosa Bonheur
Pauline Boty
Louise Bourgeois
Marianne Brandt
Louise Breslau
Romaine Brooks
Carolee  Schneemann
Nancy Holt
Mary Miss
Rosario Weiss Zorrilla
Sophie Gengembre Anderson

carte mentale

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 The Dream, 1963, acrylique et collage de papier sur toile, 101,6 x 76,2 cm, Courtesy Garth Greenan Gallery, New York

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City at night, 1913, 88×71 cm, oeuvre Cubo-futurisme

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Self-Distraction, issu de la serie Morfologías [Morphologies], 1973, acrylique sur toile et bois, 100 x 100 cm, Museo Reina Sofía

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Le chapitre relate l'histoire d'une jeune femme, Suzanne qui, observée alors qu'elle prend son bain, refuse les propositions malhonnêtes de deux vieillards. Pour se venger, ceux-ci l'accusent alors d'adultère et la font condamner à mort, mais le prophète Daniel, encore adolescent, intervient et prouve son innocence. Il fait condamner les vieillards.
Vivant dans la première moitié du xviie siècle, elle reprend de son père Orazio la rigueur du dessin en lui ajoutant une accentuation dramatique héritée de l'œuvre du Caravage et chargée d'effets théâtraux, ce qui contribua à la diffusion du caravagisme à Naples, ville dans laquelle elle s'installe en 1630.
Elle devient une peintre de cour à succès, sous le patronage des Médicis et de Charles Ierd'Angleterre.
Remarquablement douée et aujourd'hui considérée comme l'une des premières peintres baroques, l'une des plus accomplies de sa génération, elle s'impose par son art à une époque où les femmes peintres ne sont pas facilement acceptées. Elle est également l'une des premières femmes à peindre des sujets historiques et religieux. Elle nous a laissé d'elle un autoportrait d'une grande vigueur qui dénote une maîtrise consommée de son art.

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Suzanne on her bed, New York City de la série “The Ballad of Sexual Dependency” Tirage à destruction de colorants (Cibachrome) ; 51 x 61 cm

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Les œuvres de Nan Goldin constituent un véritable journal intime visuel sans fards ni tabous. Sa série emblématique, The Ballad of Sexual Dependency [La ballade de la dépendance sexuelle], rassemble près de 700 images, projetées initialement dans de petits bars underground et des lieux alternatifs sous forme d’un diaporama mis en musique. Nan Goldin y saisit son monde tel qu’il est, sa tribu, ses amis, « une famille recréée », dit-elle, dans des images prises sur le vif, au plus proche de ses sujets. Elle donne à voir l’amour, le sexe, le plaisir, la drogue, la solitude, la fragilité ou encore le désir  et se dévoile autant que son entourage dans des moments intimes, qu’ils soient heureux ou tragiques. Cette œuvre, qui existe également sous forme d’un livre publié en 1986, est révélée lors des Rencontres d’Arles en 1987, sur grand écran dans le théâtre antique. Elle est devenue depuis incontournable.

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Titre: Résolution, 2015/Peintures Acrylic /Taille :180 x 200 cm. 

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Bien que son travail soit fondé sur un style réaliste socialiste, Yu Hong évite les représentations anodines de travailleurs souriants et vigoureux, et explore plutôt l'expérience complexe des femmes chinoises contemporaines dans ses peintures luxuriantes et expressives.

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Le cycliste, 1913, huile sur toile, 78 cm × 105 cm, oeuvre Cubo-futurisme

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 (Américaine né en 1933) Titre : I lift my lamp besides the golden door, 1977 Support :color silkscreen / 83,7 x 59,6 cm. 

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L'œuvre de Dorothy Iannone, développée depuis plus de cinquante ans, se compose de peintures dont l'esthétique visuelle est fortement narrative, de textes et de films autobiographiques. Depuis les années 1960, elle est une pionnière contre la censure, défendant l'amour libre et la sexualité féminine autonome. Un de ses grands thèmes est l'amour extatique

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Plage de Dieppe vue depuis la falaise, 1871, huile sur toile ,28,5 cm x 70 cm

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Intermission, 1994 - 1994

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 "We have received orders not to move", 1982, photographie, 177,17 x 120,65 cm

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Elle travaille dans une agence de publicité, puis, pendant six années, pour le magazine de mode new-yorkais Mademoiselle, dirigé par Condé Nast (qui publie aussi Vogue). Elle y apprend les protocoles de construction des images destinées à la communication de masse et, notamment, à opérer les cadrages permettant le meilleur impact visuel – technique de saisie des regards, qu’elle réutilise ensuite dans ses premières pièces comme artiste en 1969. Sur de larges bannières, elle agrandit des images publicitaires issues de magazines et leur adjoint un slogan explicitement dirigé vers le public, qui questionne l’autorité, blanche et masculine, et les stéréotypes véhiculés par les médias. Ses photomontages, limités à trois couleurs (rouge, noir et blanc), évoquent l’agit-prop révolutionnaire ou les collages de John Heartfield, de Raoul Hausmann et de Hannah Höch. En 1979 a lieu sa première exposition marquante au centre d’art contemporain P.S.1 (New York). Ses collages soulignent certains rapports sémantiques internes à l’image, grâce à des messages politiques au visuel caractéristique. L’agressivité des couleurs et des mises en pages renforce la brutalité des codes visuels, qui évoquent les stratégies de surveillance de nos sociétés.

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André Malraux, 1930, tirage gélatino-argentique, 23 x 17,3 cm 

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elle publie dans des revues littéraires, photographie des bâtiments et des rails sous des angles nouveaux qui mettent l’accent sur la géométrie de la ville. À partir de 1921, elle séjourne aux Pays-Bas où, en 1924-1925, elle prend pour sujet, avec son futur mari, le cinéaste Joris Ivens, des architectures industrielles. En 1926, elle arrive à Paris, se lie avec le milieu artistique parisien, travaille dans la mode avec Sonia Delaunay, et dans la photographie publicitaire et industrielle pour Peugeot et Shell. Avec l’aide de Robert Delaunay, elle expose au Salon d’automne sa série Métal : ponts hollandais, tour Eiffel en contre-plongée et images d’automobiles. Sous le même titre, les 64 planches sont publiées chez Calavas en 1927. Malgré la qualité médiocre de l’impression, Métal est un succès et apparaît comme le manifeste d’une nouvelle vision. Ces photographies renversées, qui montrent par leurs cadrages insolites jeux de masse, détails abstraits et motifs géométriques, constituent un « manifeste du regard moderne », selon Christian Bouqueret, et symbolisent la nouvelle conscience esthétique de la beauté industrielle.

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Extrait de son film « Tonnerres », tourné pendant sa résidence à la Villa Arson, en 2021.

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Diplômée de l’Ecole des Beaux-arts de Lyon en 2012, Lola Gonzàlez réalise des films choraux mettant en scène des communautés. Elles et ils inventent de nouvelles langues, singulières manières de se libérer des convenances et des distances superflues pour entrer immédiatement dans la relation à l’autre. Elle a été résidente du Pavillon Neuflize OBC laboratoire de création du Palais de Tokyo, résidente de la Coopérative de recherche de l’ESACM Clermont Ferrand et résidente de la Flax Foundation à Los Angeles en 2017. Le Palais de Tokyo a présenté son travail à plusieurs reprises. Des expositions personnelles de son travail ont été organisées au Crédac, à Ivry-sur-Seine, au centre d’art contemporain Passerelle à Brest, au MAC à Lyon. On a également pu découvrir ses œuvres au sein de plusieurs expositions collectives, notamment au Centre Pompidou, dans le cadre du festival Hors-Piste, à l’IAC – Institut d’art contemporain de Villeurbanne dans le cadre de Rendez-vous/Biennale de Lyon ; au Kunstverein Sparkasse, à Leipzig et à La Galerie de Noisy-le-Sec. Elle a été lauréate du Prix Meurice pour l’art contemporain en 2016, nominée au Prix Fondation Ricard en 2017. Elle a été résidente de la Villa Médicis à Rome en 2018-2019 et à la Villa Arson en 2021. Elle est représentée par la galerie Marcelle Alix, Paris.

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Ascension of Polkadots on the Trees /2006/ Style: Conceptual /Genre: installation

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Pour Kusama, la peinture est une passion, mais créer est aussi pour elle opérer une catharsis des angoisses dont elle est victime. Elle dit faire de « l’art psychosomatique». Elle crée à partir de sa maladie, de ses névroses. Elle reproduit en des centaines, en des milliers d’exemplaires ce qui l’effraie (les formes phalliques, les pois qui représentent la disparition ou la mort du moi dans l’environnement) pour ainsi se débarrasser de ce sentiment d’effroi. Elle parvient ainsi à exorciser ces angoisses.

Le désir de reconnaissance et le besoin d’exhorter le public à participer à ses œuvres l’incite à passer des simples tableaux aux environnements puis aux œuvres performatives. Kusama était sans nul doute maîtresse de son image et les multiples provocations et les performances interrompues par les autorités sont autant de moyens pour elle de rester sous les projecteurs, mais aussi de faire passer son message d’égalité et d’amour.

Plusieurs symboles se retrouvent dans l'œuvre de Kusama. Le pois, sa marque de fabrique, est venu à elle lors de ses premières hallucinations avant d’être un « outil visuel ». Elle en recouvre tout ce qui l’entoure, même les êtres humains et les animaux dans certaines de ses performances. L’artiste exprime ainsi son concept de « self-obliteration ». Kusama craint la disparition de l’individualité, elle ne veut pas que l’être humain ne soit qu’un pois parmi d’autres pois.

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 Composition à la guitare, 1914, huile sur toile, 66 x 51 cm

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En 1954, Nicola Leuthe s'inscrit à l’académie Julian et à l’École des beaux-arts de Paris. Dans les années 1960, Nicola L. vit entre Ibiza et Paris. Elle est proche des nouveaux réalistes et d’artistes et rencontre Pierre Restany, Erró, Marta Minujín et l'artiste argentin Alberto Greco. Dans cette période, elle rencontre aussi le galeriste Fred Lanzenberg, qu'elle marie en 1956. Ils divorceront en 1982.

Elle abandonne la peinture en 1964. Elle réalise la série Les Pénétrables, des toiles que le spectateur est invité à pénétrer par des orifices moulés sur son propre corps.

En 1969, elle réalise Je suis la dernière femme objet. Il s'agit d'une femme télévision faite de tiroir pour les seins, poupée gonflable pour le corps et télévision pour le ventre. Elle répète en boucle « Je suis la dernière femme objet. Vous pouvez me toucher, ouvrir mes tiroirs seins et ventre, mais je suis la dernière femme-objet. Je répète : c'est la dernière fois »

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Artiste contemporaine. Son travail porte aussi la marque d'un héritage minimaliste et conceptuel comme son œuvre Socle du Monde (1992–1992), qui reprend l'œuvre du même nom de l'artiste Piero Manzoni(1962, en fer et laiton) qui est composé d'un large cube recouvert entièrement de limaille de fer.

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 Glamour, 1965, crayon et émail aluminium sur papier, 190 x 160 cm, 

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L’une de ses premières séries au début des années 1960, Argenti (1961-1970), consiste en des portraits, à la peinture industrielle laquée aluminium, de mannequins évoquant des publicités. En réalité́ l’artiste réalisait elle-même ces photographies qu’elle s’attachait ensuite à reproduire en peinture. Souvent, leurs jambes sont évanescentes et leurs pieds absents, comme si elles n’étaient pas rattachées au réel. Selon les mots de l’artiste, c’est l’élément narratif de la séquence au cinéma qui l’intéresse et la conduit à répéter ou à décomposer l’image et son mouvement.

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Le mie parole (Mes mots) , 1973/Photo et dessin sur papier/24 × 30 cm 

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Traduit de l'anglais-Ketty La Rocca était une artiste italienne des années 60 et 70. Elle était une des principales représentantes des mouvements d'art corporel et de poésie visuelle

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Marie Laurencin a fait de son style, qualifié de « nymphisme », un dépassement tant du fauvisme que du cubisme. Aux côtés des grands artistes de l'époque, notamment Georges Braque, Pablo Picasso, André Derain et Henri Matisse, elle est l'une des pionnières du cubisme comme du dadaïsme. Son style très personnel, critiqué pour sa mièvrerie, répète dans des camaïeux pastels des motifs de princesses et de bêtes féeriques, de fleurs, et d'adolescentes androgynes à la pâleur irréelle.

Bisexuelle, Marie Laurencin a eu de nombreuses aventures masculines, notamment avec le poète Guillaume Apollinaire, mais aussi de longues relations avec des femmes, en particulier Nicole Groult. Son mariage avec le peintre et pacifiste allemand Otto de Waetjen lui valut l'exil en Espagne durant la Première Guerre Mondiale. Durant l'Entre-deux-guerres, elle retourna en France et fut une figure de la vie mondaine parisienne ; elle peignit à cette occasion de nombreux portraits de l'intelligentsia parisienne. Sous l'Occupation, elle poursuivit ses activités en collaboration avec le régime, bien qu'elle tente de faire libérer son ami Max Jacob, arrêté et mort dans le camp de Drancy en mars 1944.

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Élisabeth Vigée-Lebrun, Autoportrait, 1790/Huile sur toile / 100 × 81 cm / 

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Elle fait partie des mouvements Rococo et néo-classicisme.

Élisabeth Vigée Le Brun, aussi appelée Élisabeth Vigée, Élisabeth Le Brun ou Élisabeth Lebrun, née Élisabeth Louise Vigée le 16 avril 1755 à Paris, et morte dans la même ville le 30 mars 1842, est une artiste peintre française, considérée comme une grande portraitiste de son temps.

Elle a été comparée à Quentin de La Tour ou Jean-Baptiste Greuze.

Son art et sa carrière exceptionnelle en font un témoin privilégié des bouleversements de la fin du xviiie siècle, de la Révolution Française et de la Restauration. Fervente royaliste, elle sera successivement peintre de la cour de France, de Marie-Antoinette et de Louis XVI, du Royaume de Naples, de la Cour de l'empereur de Vienne, de l'empereur de Russie et de la Restauration. On lui connaît aussi plusieurs autoportraits, dont deux avec sa fille.

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Florence Henri (New York, 1893-Compiègne, 1982), artiste protéiforme, est d’abord connue pour sa peinture, avant de se faire une place incontestable dans le domaine de la photographie des avant-gardes entre la fin des années 1920 et le début des années 1940. Après avoir vécu en Silésie, à Munich, Vienne, Rome et surtout Berlin, elle se fixe définitivement à Paris au milieu des années 1920, où elle se consacre pleinement à la photographie. Ce médium lui permet d’expérimenter de nouvelles relations à l’espace, notamment par l’introduction de miroirs et autres objets dans ses compositions.

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Natalia LL, de son nom complet Natalia Lach-Lachowicz, née le 18 avril 1937 à Zabłocie, près de Żywiec, en Pologne, est une artiste contemporaine polonaise, figure pionnière de l'art féministe dans son pays.

Ses œuvres s'inscrivent dans les courants de l'art conceptuel, du body art et de l'art féministe. Elle vit et travaille à Wrocław.

Elle débute en tant que peintre, puis se tourne rapidement, dans les années 1970, vers la performance, le cinéma expérimental et la photographie.

S’intéressant d'abord à l'esthétique de l'érotisme évolue vers des notions plus conceptuelles. Ainsi, dans la série Consumer Art (1972-1975) constitue une critique acerbe du statut des femmes dans la pornographie

Le 27 avril 2019, une installation vidéo de la série Consumer Art montrant l'artiste en train de manger une banane de manière suggestive, est supprimée de l'exposition L'art de la consommation au musée national de Varsovie. Selon son directeur récemment nommé, Jerzy Miziołek, ce serait le ministère de la Culture qui lui aurait ordonné le retrait. Il déclare aussi que son musée « n'est pas un bon endroit pour traiter de questions relatives au "genre". »

L'ancien directeur adjoint du musée et commissaire de l'exposition à la galerie d'art des XXe et XXIe siècles, Piotr Rypson qualifie quant à lui cette action de censure cruelle. La décision du gouvernement a très mal été reçue, au point que des milliers d’internautes ont publié des selfies d'eux en train de manger des bananes en soutien à Natalia LL et contre la censure artistique. Le 5 mai 2019, le musée fait marche arrière et l'œuvre retrouve sa place originelle dans l'exposition

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Rosalyn Drexler

Alexandra Exter

Giosetta Fioroni

Ángela  García

Artemisia Gentileschi

Nan Goldin

Natalia Gontcharova

Éva Gonzalès

Beatriz Gonzalez

Lola Gonzàlez

Alice Halicka

Mona Hatoum

Jann  Haworth

Florence  Henri

Camille Henrot

Eva Hesse

Sheila Hicks
Hannah Höch

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Originaire du Nebraska, Sheila Hicks est née en 1934. Elle se destine d’abord à la peinture. Elle entre à l’université de Yale dans les années cinquante où elle suit les cours de Josef Albers, figure historique du Bauhaus et théoricien de l’interaction des couleurs. À la bibliothèque du campus, elle découvre un livre sur les textiles anciens du Pérou écrit par un français, Raoul d’Harcourt. Si elle ne lit pas le français, elle est émerveillée par les images des tissus et veut s’en inspirer. Josef Albers l’encourage vivement dans cette voie et lui présente sa femme, Anni Albers, grande tisserande du Bauhaus. Lauréate de la bourse Fullbright en tant qu’étudiante en peinture, Sheila Hicks part au Chili. Elle en profite pour voyager dans différents pays d’Amérique du Sud et s’initier aux traditions ancestrales de tissage dont les motifs colorés et sophistiqués requièrent une très grande ingéniosité. À son retour, elle part à Paris pour rencontrer Raoul d’Harcourt dont le livre a transformé sa vie. C’est la fin des années cinquante, elle tombe amoureuse du Quartier Latin, s’y installe et fonde un atelier qui enverra ses créations dans le monde entier.

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-Yu Hong
-Dorothy Iannone
-Shirley Jaffe
-Gwen John
-Angelica Kauffmann

-Frida Kahlo
-Corita Kent
-Kiki Kogelnik
-Barbara Kruger
-Germaine Krull
-Yayoi Kusama
-Nicola L
-Ketty La Rocca
-Marie Laurencin
-Vigée Le Brun
-Natalia LL
-Dora Maar
-Carrie Mae Weems

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Dora Maar (français, 1907 - 1997)Titre : Les années vous guettent , 1936 Support : gelatin silver print Taille : 30 x 21,7 cm. 

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Dora Maar, pseudonyme d’Henriette Theodora Markovitch, née le 22 novembre 1907 à Paris et morte le 16 juillet 1997 dans la même ville, est une photographe et artiste peintre française. Elle fut l'une des amantes et muses du peintre Pablo Picasso, rôle qui a longtemps occulté l'ensemble de son œuvre

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Carrie Mae Weems, Untitled (Putting on Make-Up), Kitchen Table Series II, 1990-1999, tirage gélatino-argentique, 71,12 x 71,12 cm 

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Photographe et artiste conceptuelle américaine.

La photographe Carrie Mae Weems obtient une licence au California Intitute of the Arts de Valencia en 1981 et un master d’arts plastiques à l’University of California de San Diego en 1984. Sa photographie conceptuelle fait souvent usage de techniques telles que l’installation phototextuelle, l’appropriation et la sérialité, avec un accent particulier sur le langage.

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Le violoncelliste (O Violoncelista), 1951, Huile sur toile, 105,5 x 81 cm, Collection privée

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En abordant la peinture comme un " champ d’expérimentation ", expression que l'artiste utilisa lors d’une conférence clé qu'elle donna en 1956, Clark cherchait à redéfinir ce médium en repoussant les limites de la peinture traditionnelle. Elle se consacra à l'art sans avoir de formation officielle spécifique, s'intégra au milieu artistique de Rio de Janeiro à la fin des années 1940 et participa à des mouvements fondamentaux, notamment l'Art Concret et l'Abstraction Géométrique, tout au long des années 1950. Cette exposition se concentre sur l'évolution de Lygia Clark à travers trois parties historiques : « Premières années, 1948–1952 », « Abstraction géométrique, 1953–1956 » et « Variation de la forme : La modulation de l'espace, 1957–1958 ». Chacune d’elles présente les idées les plus significatives de Lygia Clark et livre minutieusement son évolution artistique à travers une sélection d'œuvres.

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L'Âge mûr, 1899, Bronze (fonte), H. 61,5cm x L. 85cmx Pr. 375 cm, musée Camille Claudel / Marco Illuminati

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Évoqué dès 1890 dans une lettre de l’artiste, L’Âge mûr connaît une longue genèse et est exposé pour la première fois au public en 1899. Après plus de dix ans d’échanges et de tractations entre Camille Claudel et l’État, la commande publique en marbre ou en bronze de cette œuvre ne voit finalement jamais le jour. Mais un collectionneur privé, le capitaine Tissier, commande L’Âge mûr en bronze, qui est fondu en 1902. Puis, à partir de 1907, Eugène Blot, galeriste, éditeur et fidèle soutien de la sculptrice, commercialise une réduction en bronze de ce groupe. On a souvent réduit cette œuvre à sa dimension autobiographique. Mais si la sculpture fait écho à sa séparation d'Auguste Rodin, Camille Claudel y évoque avant tout la destinée humaine : cette allégorie des âges de la vie, montrant le passage de la jeunesse à l’âge mûr puis à la vieillesse, revêt une portée universelle. Surtout, la sculptrice affirme son autonomie artistique, par une expressivité, un traitement de l’espace et une vie intérieure des personnages qui n’appartiennent qu’à elle.

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"Two, One, Zero", 1968, technique mixte sur toile et boite à vitesse

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Elle réalise des œuvres qui mêlent des objets usuels – téléphone, statue de la Liberté miniature, etc. – et des représentations stylisées proches de l’univers de la bande dessinée. Une de ses séries marquantes pour sujet le vampire et sa victime, une femme (Château Barlow, 1963).

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"The Ultimate Kiss", 2002-2012, huile sur toile, 150 x 180cm, Bruxelles 

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Par sa figuration et son style exubérant, l’artiste néerlandaise Jacqueline de Jong crée des œuvres désinhibées, qui combinent humour, érotisme, violence et engagement politique. Depuis le début des années 1960, De Jong embrasse l’image picturale comme site de confusion et de subversion. Mêlant l’absurde à l’énigmatique, elle fait partie des artistes qui ont réintroduit des formes de narration en faisant des emprunts à la culture populaire, au cinéma et à l’illustration. Avide d’expérimentations, Jacqueline de Jong se joue de la forme, des styles et des idiomes picturaux pour développer un travail singulier et subversif.

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"Jeune Fille en vert", 1927-1930, huile sur contreplaqué, collection du Musée national d’Art moderne, Paris

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Tir, 1961, Plâtre, peinture, métal et objets divers sur de l'aggloméré, 175 x 80 cm60 à 80 KG, Centre Pompidou

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"Danseuse Espagnole", 1969, Lithographie, 55,5x48 cm 

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Spécialement créée par l'artiste en 1969 pour édition XXe Siècle à Paris en France

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Sonia Delaunay (1885 - 1979)
Danseuse Espagnole, 1969

Lithographie originale en couleurs sur papier vélin, non signée.
Spécialement créée par l'artiste en 1969 pour édition XXe Siècle à Paris en France.
Mise sur presse par Atelier Mourlot à Paris, France.

Dimensions de l'image: 31,0 x 24,0cm
Dimensions du papier: 31,5 x 24,5 cm

état neuf - jamais encadrée

L'oeuvre est en parfait état.

Dimensions :
- Hauteur : 55,5 cm
- Largeur : 48 cm

Dimensions :
- Hauteur : 31.5 cm
- Largeur : 24 cm

Cet objet est proposé par un expert du marché de l'art. Son authenticité est garantie

Lithographie : La lithographie tire son nom du grec lithos "pierre" et graphein, "écrire". Il s'agit d'une technique d'impression qui permet la création et la reproduction d'oeuvres graphiques en plusieurs exemplaires à partir de dessins reproduits sur une pierre calcaire. Le papier est mis en contact des pierres encrées dans une presse. Les lithographies peuvent être numérotées ou non. Des grands ateliers, comme Maeght ou Mourlot, maitres dans cette technique, et spécialisé dans cette technique on produit des lithographies des plus grands maîtres, très recherchées aujourd'hui Sonia Delaunay : (1885-1979) est une artiste française née russe. Elle est l'une des artistes féminines les plus importantes du XXe siècle. Elle a passé sa vie en grande partie à Paris, avec son mari Robert Delaunay, et a cofondé le mouvement "Orphisme", connu pour son utilisation de couleurs fortes et formes géométriques. Ses travaux incluent des peintures, design textile, et design et décors scéniques. Elle fut la première artiste femme vivante a bénéficier d'une exposition retrospective au Louvre en 1964. Elle fut nommée officier de la Légion d'Honneur en 1975. Son travail a récemment fait l'objet d'une importante rétrospective qui a débuté au Grand Palais à Paris.

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Sonia Delaunay (1885 - 1979) Danseuse Espagnole, 1969 Lithographie originale - Art Moderne - Plazzart

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Art Moderne - Sonia Delaunay (1885 - 1979) Danseuse Espagnole, 1969 Lithographie originale en couleurs sur papier vélin, non signée. Spécialement créée par l'artiste en 1969 pour édition XXe Siècle à Paris en France. Mise sur presse par Atelier Mourlot à Paris, France.

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Grüne Enten / Kakadus [Canards verts / cacatoès], 1969, acrylique sur toile, 85 x 100 cm, Courtesy Contemporary Fine Arts, Berlin

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Christa Dichgans grandit à Düsseldorf puis étudie à l’Akademie der Künste de Berlin et à la Studienstiftung des deutschen Volkes. En 1966, elle s’installe à New York pour deux ans ; à cette période, le pop art est partout. Durablement marquée par cette atmosphère, l’artiste, qui a commencé par peindre des scènes d’intérieur, invente en 1967 des natures mortes de jouets – inspirées par son environnement direct, la chambre de son enfant. Progressivement, les représentations s’organisent, les objets s’alignent comme sur les chaînes de production, s’autonomisent ou sont savamment emboîtés les uns dans les autres pour former une composition au centre de la toile, le plus souvent sur fond blanc.

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Romaine Brooks
Marcelle Cahn
Claude Cahun
Sophie Calle
Martine Canneel
Leonora Carrington
Mary Cassatt
Lourdes Castro
Émilie Charmy
Judy Chicago
Chryssa
Lygia Clark
Camille Claudel
France Cristini
Jacqueline De Jong
Tamara De Lempicka
Niki De Saint Phalle
Sonia Delaunay
Christa Dichgans

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1963, Eye Body #11 from Eye Body: 36 Transformative Actions for Camera, 61 × 50.8 cm, Impression argentique à la gélatine

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https://framindmap.org/c/maps/1258744/public

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Fra mindmap

Creator: Floriane Hornez Description: femmes artistes