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Investiga en este enlace las principales características del teatro romántico

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Al leer teatro romántico todos pensamos en esas historias de amor idealizado, pero este teatro es mucho más que sentimentalismo e historias desgarradoras. La corriente romántica en el teatro significó la demolición de las normas hasta entonces usadas en el arte escénico, y fundó el teatro moderno tal como hoy lo conocemos. Espectáculos BCN te acompaña a conocer todo lo que necesitas del teatro romántico.

Qué es el teatro romántico y cuándo surgió

Nacido de la convulsa Europa del siglo XIX, es parte de la rebelión artística contra el neoclasicismo que caracterizó la época. El teatro romántico quiso expresarse sin limitaciones, y traslado la subjetividad y la emoción contra la racionalidad y la rigidez en forma y sustancia del teatro clásico y neoclásico.

El teatro fue siempre valorado como la expresión artística rica y transformadora social. Especialmente en esta época su relevancia y su poder moldeador los convirtió en recintos paridores de nuevos géneros y . El teatro romántico bajo a los héroes del pedestal de divinidad y rigor, llevándolos al ras de la condición humana: a veces ininteligible, irracional y paradójica.

Origen histórico del teatro romántico

La esencia misma del Romanticismo desafiaba la Era de la Razón, y es que el Romanticismo partía de la subjetividad y la creatividad por encima de las pretensiones racionales del ser. La situación política de Europa durante el siglo XIX fomentó también el nacimiento de esa corriente. La protesta, la inconformidad y el fin del absolutismo y el feudalismo y las contantes revoluciones alimentaron este espíritu.

En Francia, por ejemplo, ejemplificó el movimiento protestatario contra la cultura aristocrática típicamente inspiradora de la estética neoclásica. Los autores del teatro usaron sus obras para validar los reclamos del naciente mercantilismo, la clase media y la moral protestante que terminó definiendo la época.

Entre los precursores del Romanticismo, Shakespeare es el más popular. Y es que Shakespeare sentó las bases de los temas y estructuras románticas durante el barroco. Shakespeare inspiró, como un objeto transicional, la revolución artística que significaría el romanticismo. El teatro isabelino y shakespeariano fue el primer acercamiento exitoso a desentenderse del halo divino y acercarse a las pasiones humanas.

Manifiesto del Romanticismo

Víctor Hugo, famoso novelista y dramaturgo francés, escribió en 1826. Este texto terminó convirtiéndose en el manifiesto fundador del movimiento romántico en Francia. Se convirtió, también, en una declaración de "guerra" entre clasicista y románticos franceses.

La confrontación estética entre ambos bandos partía no solo de las temáticas, sino también de la forma tradicional de los clásicos. Víctor Hugo defendía la abolición de la versificación forzosa e innecesaria, y la complacencia política de los textos clásicos.

Conquista del Romanticismo sobre el Clasicismo

Víctor Hugo marcó el inicio de la confrontación y también el más representativo de sus encontronazos. En 1830 la "guerra" ideológica entre ambas corrientes se volvió física durante el estreno de de Víctor Hugo. El auditorio dividido entre clasicistas y románticos al final del montaje estalló por igual en aplausos y abucheos.

Los detractores lanzaron basura, gritaron y golpearon, lo que desató la furia del resto de los presentes. Las confrontaciones se extendieron durante días con duelos, y amenazas de muerte entre ambos bandos.

Después de muchas semanas de confrontaciones y los clasicistas desistieron y se presentó durante semanas, comenzando el periodo de oro del Romanticismo parisino que duraría más de 50 años.

Características del teatro romántico

Las características del teatro romántico influyeron durante años la realidad y el imaginario popular por igual. Incluso las ciencias humanistas, como l a psicología y la sociología, se nutrieron del entendimiento romántico de la realidad. Sigue leyendo y conoce algunas de las características que trascendieron a nuestra época.

Natural inspiración

La naturaleza fue musa e inspiración para muchos artistas románticos. No solo en cuanto a tópico y estética, sino también a proceso creativo. Los artistas románticos querían que sus obras fluyeran de forma natural, sin planificación ni límites estructurales.

El pasado y su significado

Para los autores románticos el presente fluía irremediablemente y la vida se entendía como una parte de un proceso incesante e indetenible. Por lo tanto, las respuestas a sus interrogantes se encontraban en el pasado y su mano modeladora. Las significaciones mitológicas, familiares y sobrenaturales abundan en esta corriente. El fin último en las historias románticas es representar el presente y no proteger un futuro ilusorio.

Estética trascendental

La respuesta emocional y visceral ante el arte forma parte intrínseca de la estética romántica. La razón, la contención y la erudición del clasicismo se hundían ante la emotividad y la contundencia que el romanticismo entendía como valor fundamental de la expresión artística.

Rechazo a las formas clásicas

El teatro romántico refutó las tres unidades básicas de la narrativa tradicional: tiempo, lugar y acción. El teatro romántico, fluía espontáneamente, sin restricciones, por tanto, podían cambiarse escenarios y tiempos sin contrariedad. Esta característica justificó el uso de elementos sobrenaturales, por ejemplo.

Adicionalmente, l a métrica, tan rígida en el clasicismo, se volvió secundaria y utilitaria en el romanticismo. Las medidas métricas que caracterizaban una composición fueron usadas sin distinción según se requerían para el discurrir del texto.

Cambios en el escenario

Las historias sin restricciones de tiempo, o acción necesitaban que los escenarios se movieran con ellas. Los avances tecnológicos de la época permitieron que las representaciones teatrales se volvieran presentaciones espectaculares e insuperables.

Lenguaje elocuente y retórico

Los monólogos recobran fuerza volviéndose y espacios donde podíamos descifrar al personaje en cuestión. Los discursos y diálogos se tornan grandilocuentes y efectistas. La prosa y la rima se combinan por primera vez en una misma obra con mucho éxito.

Temática

A diferencia de los clasicistas, el fin último del romanticismo cambia en su pilar filosófico. El clasicismo y su racionalidad pretenden educar y dar forma a la moral social. El romanticismo busca a través de la emotividad conmover y a través de eso r omper las formas de control que la racionalidad había impuesto hasta ese momento. Por eso, la muerte, argumento recurrente en estas historias, representan la liberación final de las imposiciones racionales de la realidad.

Autores y obras del teatro romántico

La Europa del siglo XIX se volvió el escenario de los mayores exponentes del romanticismo, y sus obras marcaron un punto y aparte en la constitución del teatro moderno

Víctor Hugo (1802-1885)

Víctor Hugo es uno de los representantes más conocidos del romanticismo y teórico literario del romanticismo. Sus obras con alta carga política y social abarcan desde la desigualdad, la bondad y la maldad, la revolución.

Víctor Hugo dejó un legado importante en la literatura y el teatro. El autor de Nuestra señora de París, y Los miserables, compusó también obras teatrales altamente revolucionarias. El rey se divierte, le supuso una prohibición y la censura en su momento. La obra fuertemente antimonárquica se volvió un éxito clandestino durante los 50 años que duró la prohibición.

Johann Wolfgang von Goethe

Uno de los más grandes de la lengua alemana, también fue un exponente del teatro romántico. Una de las obras más emblemáticas de la literatura universal dispuesta en forma de composición teatral por Goethe: . La composición de esta obra abarco casi todas su vida y la segunda parte fue publicada póstumamente.

La revolución francesa y el romanticismo francés estuvieron íntimamente ligados. Por su parte, en Alemania el romanticismo, las guerras campesinas, el nacimiento de la burguesía y el debilitamiento del sacro imperio romano se retroalimentaron. Goethe, por su lado, parece ser el primer ensayo de un misticismo burgués. La obra confronta las necesidades del hombre moderno frente a las del hombre medieval.

Francisco Martínez de la Rosa (1787-1862)

Representante del periodo transicional en España. Su retórica evolucionó desde lo neoclásico al Romanticismo, caracterizado por el idealismo, fluctuando entre la mesura y lo ecléctico.

Entre las primeras muestras de su renovado teatro Romántico presentó: La conjuración de Venecia. Esta obra podríamos precursora de los tan en boga twist ( giro de trama, en español). Su escritura efectista, pero política, fue un canto liberal y anti tiránico en la España del siglo XIX.

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Teatro ROMÁNTICO: características y OBRAS más destacadas

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Al leer teatro romántico todos pensamos en esas historias de amor idealizado, pero este teatro es mucho más que sentimentalismo e historias desgarradoras. La corriente romántica en el teatro significó la demolición de las normas hasta entonces usadas en el arte escénico, y fundó el teatro moderno tal como hoy lo conocemos.

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El Romanticismo es la edad de oro de la ópera. La ópera era una síntesis de todos los tópicos del romanticismo: la mezcla de poesía, drama y música, la recreación de hechos históricos, su relación con los impulsos nacionalistas y el afán de libertad, y, desde luego, la espectacularidad. Por lo general, la forma operística no sufrirá grandes cambios: obertura, recitativos, arias, coros… pero su estructura se irá adaptando a eliminando las partes “menos creíbles” y buscando la unidad entre texto y música.

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El ballet romántico es un género coreográfico que se inicia en 1830 en Francia. El ballet era una parte fundamental de las óperas que triunfaban en París, pero a partir del Romanticismo se desgaja de ellas y adquiere entidad propia. Su época de auge duró unos treinta años, hasta ser sustituido por el grand ballet ruso. Se divide en dos actos: uno realista y otro fantástico o irreal, generalmente a la luz de la luna.

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Las figuras principales son femeninas, pálidas y etéreas, vestidas con vaporosas muselinas y coronadas con flores del campo, encarnando así la nostalgia y la melancolía. El bailarín quedó reducido a simple porteur (portador) que ponía de relieve la gracia y delicadeza de su pareja.

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Escucha

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Se establece el uso de las zapatillas de puntas (desde 1813). La bailarina alcanza el nivel más alto posible en el espacio. Aquí puedes ver la historia de las puntas en el ballet

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PUNTAS #cápsulasCND 4 | Compañía Nacional de Danza de España

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Se abandonan las bambalinas y los cortinajes para pasar al llamado “escenario de medio cajón” (muros continuos que representan las paredes de una habitación).

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El mejor ejemplo de ballet romántico: Giselle. Acto II Dutch National Ballet's

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En este enlace puedes ver qué recursos plásticos utilizaban en sus espectáculos los autores románticos

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El prefacio de Cromwell expone los principios de la estética romántica (1827). Víctor Hugo indica la importancia del decorado, tanto en la concepción dramática, como en la puesta en escena. "La exacta localización es uno de los primeros elementos de la realidad... El lugar en que una determinada catástrofe ha ocurrido se transforma en un testigo terrible e inseparable; y la ausencia de esta especie de personaje mudo mutilaría en el drama las más grandes escenas de la historia".

El melodrama surgió antes que los poetas románticos.
Después de Beaurmachais, inicia Hugo la era de los dramaturgos que establecieron copiosas indicaciones en la descripción de sus decorados y de los detalles del juego escénico. Sus hallazgos, así como los efectos logrados son, por lo demás, tan numerosos como singulares.
Sardou hacía maravillas en el proscenio, pasa a ser el primero que sustituyó los muebles pintados y los accesorios llamados "muebles de teatro" por muebles reales instalados en la escena. Desde el romanticismo hasta los comienzos de nuestro siglo, e inclusive hasta que el "Teatro Libre" hizo sentir sus primeras influencias, la escena parisiense conoció el perfeccionamiento del telón pintado, y se benefició con las facilidades que brindaba una técnica cada vez más hábil y una documentación histórica y artística que se acrecentaba incesantemente merced a los nuevos sistemas de reproducción y de edición. El arte del traje recorrió simultáneamente un camino semejante.

Cicéri (1782-1868) fue un diestro e innovador pintor de ruinas, paisajes nocturnos, maestro de los claroscuros e intérprete de lo fantástico: La muda de Partici, Roberto el diablo y Guillermo Tell. De su taller habían de salir entre otros, Charles Secan, Fieuchéres, Diéterle, Alfred Rubé -que ingresó siendo un niño, haciendo su carrera durante más de cincuenta años- y Cambon, artista dotado de una fecunda invención, era excelente cuando se trataba de dar la sensación de lo inmenso en un espacio limitado, como lo hizo con la iglesia del Fausto y la catedral del Profeta; murió pobre, dejando miles de dibujos y proyectos. Desplechin tuvo éxito en la composición de paisajes, se destacó por la pureza de su estilo, por su sereno colorido y por la armonía de sus arquitecturas.

Joseph Thierry dio vigor, brillo y transparencia a la pintura al temple; fue durante más de diez años el asiduo colaborador de Cambon y juntos supieron lograr la más alta expresión del decorado teatral de su época. Albert Carré continuó esta trayectoria en el Vaudeville, en la Ópera Cómica y en la Comedia Francesa.
Chéret discípulo de Thierry, Caarpezat alumno preferido de Cambon. Además podemos citar a Jambon, Roussin, Amable y Cioceari quienes trabajaron a finales del siglo XIX y principios del XX.

Maquinaria teatral
Los vestuarios así como los decorados comenzaron a ser auténticos y precisos alrededor de 1810, cuando Josef Schreyvogel fue director del "Burgthéather" en Viena. El conde Bröhl, encargado del Tetro Real de Berlín siguió en 1817 el ejemplo que dio Schrevogel con Enrique IV. Charles Kean, poco talentoso como actor, compensó su falla con su capacidad como director.
Kean con el celo de un anticuario, se preocupó porque el escenario fuera adecuado al período en que se desarrollaba la acción de la obra. Las reconstrucciones más célebres de Kean fueron El rey Juan, Macbeth, Ricardo III y Enrique VIII.
En el "Lyceum", bajó la intensidad y amortiguó las luces escénicas. Utilizó cielos rasos en lugar de las bambalinas e inventó y desarrolló un nuevo método para cambiar las escenas.
Antes de desarrollarse el escenario tipo caja, los cambios de escena podían hacerse rápidamente ante los ojos del auditorio mediante el uso de bastidores laterales deslizables, bambalinas y telones. La aparición de telones para señalar la terminación de actos, probablemente sólo tuvo lugar en Inglaterra hasta 1800, y no hubo telones de escena hasta 1881.
En 1863, Fetcher quitó las ranuras del emparrillado del "Lyceum", utilizando el "carro y el tambor", otros afirman que dividió el escenario en un rompecabezas de secciones que podían bajarse para realizar los cambios de escena. Durante el siglo XIX, en teatros de Europa y América, el escenario entero fue dividido en escotillones por donde secciones del escenario podían elevarse desde el sótano. En algunos casos -y quizás en el teatro de Fechter- se practicaron unas aberturas largas y estrechas llamadas "cortes", que corrían a lo largo de cada uno de los lados del escenario desde el frente hasta la parte superior; tal vez por ellas podían elevarse las paredes laterales de un escenario tipo "medio cajón" y unirse por algún artificio colocado en la parte de atrás.
Nadie sabe exactamente cuando las piernas fueron remplazadas por primera vez por muros continuos para representar paredes de una habitación. Los planos del siglo XVIII muestran piernas montadas sobre bisagras a fin de que pudieran alinearse desde el proscenio hasta la parte de atrás.
Goethe atacó al escenario francés en 1811, por "cerrar los lados del escenario y formar habitaciones con paredes auténticas". Mme. Vestris lo utilizó en 1832.
En 1834, Drury Lane representó una obra en la cual un comentarista informó: "el escenario estaba totalmente cerrado".
El triunfo de este tipo de escenario se generó cuando Mme.Vestris puso en escena la comedio de Dion Boucicault London Assurance en Convent Garden, en 1841. los críticos escribieron sobre el realismo de sus habitaciones con sus pesadas molduras, puertas auténticas con manijas y mobiliario abundante y correcto.
Bancroft no sólo afirmó que los escenarios tenían "por primera vez, cielos rasos". Dijo que aparecían puertas con "cerraduras y cosas similares que nunca se habían visto en el escenario".
De ahí que naciera en el corazón mismo del romanticismo, un teatro "irrepresentable"; el gusto por el espectáculo "desde un sillón". Musset, Merimée y hasta el propio Víctor Hugo9 escribían para la escena de la imaginación, y durante mucho tiempo, ningún director escénico se atrevió a representar a Musset, a quien después se deformara hasta hacerlo entrar en los moldes habituales.

Las teorías de ese gran esteta de la dramática que fue Diderot marcaron un retorno al realismo, en oposición con lo insípido del clasicismo decadente, y preludiaron a la vez el romanticismo.
La afición por los estudios históricos, exigió la exactitud. Algunas tragedias de Voltaire, como Mahoma y El huérfano de la China, apuntaban ya a un cierto color local y La tumba de Semíramis fue todo un acontecimiento. La tragedia seguía usando la peluca Luis XIV y Luis XVI, y el traje de corte desplazaba al traje falsamente antiguo.
Bajo Luis XV fue cayendo el traje en lo ridículo por la amplitud de los tonillos, la profusión de los galones y de los adornos, y el andamiaje de los altos peinados.
Lekain buscaba dar al teatro "toda la majestad y toda la ilusión de que era susceptible". Voltaire se extasía al hablar de la señorita Clairon, cuando describe el traje de ésta en Electra: "Un rostro empolvado, un vestido negro, sin nada rojo, y más cadena..., ¡Es admirable!".
Las señoritas Dumensil y Clairon, entablaron una pugna de extravagancias con sus toilettes.
Las graciosas piruetas de la Comedia del Arte tradicional y la desenvoltura de los titiriteros inspiraron en gran medida la puesta en escena cómica del siglo XVIII.
Los "ropajes modernos" con decorados convencionales, era la costumbre general hasta la segunda mitad del siglo XVIII. Y la precisión histórica sólo vino a establecerse gradualmente entre 1810 y 1850.
La señorita Clairon hacía ver a las actrices la necesidad de renunciar a los voluminosos tocados y adoptar "el traje del papel que uno desempeña".
El mérito principal en la tarea de establecer una precisión verdaderamente histórica en Londres, tiene que atribuírsele a J. R. Planché, su interés de investigador contribuyó en forme notable al progreso artístico del escenario inglés. En 1823 convenció a Charles Kemble para que representara la obra King John utilizando un vestuario auténtico. Sin embargo, la principal contribución de Planché fue la parte que

El espacio escénico
El neoclasicismo apareció en Europa en el siglo XVIII. Confirmó definitivamente un modelo de espacio teatral que en sus elementos básicos ha llegado hasta nuestros días. Es el denominado teatro a la italiana.

El teatro a la italiana, de origen cortesano, fue copiado por la incipiente burguesía de la época. Consta básicamente de dos partes bien diferenciadas: por un lado, se encuentra el espacio de dedicado al público, con forma de herradura, cerrada por una serie de palcos dispuestos unos sobre otros a distintos niveles, y un patio con una cierta inclinación, donde se colocan las butacas. Por otro lado, está la caja escénica se subdivide en foso, telar y escenario.
El escenario a la italiana daría cabida a los distintos diseños escenográficos, que con el paso del tiempo, y dependiendo de las distintas tendencias teatrales, han aparecido hasta nuestros días. El Romanticismo (1790-1830) montaría, entre otras, unas escenografías que crearon una atmósfera lúgubre y tenebrosa, muy propia de este movimiento.

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El prefacio de Cromwell expone los principios de la estética romántica (1827). Víctor Hugo indica la importancia del decorado, tanto en la concepción dramática, como en la puesta en escena. "La exacta localización es uno de los primeros elementos de la realidad...

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¿Sabes dónde está el pricipal teatro de ópera en España? Míralo aquí

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Resumen de las características del teatro romántico español

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Movimiento literario que transcurre en la primera mitad del S. XIX y se origino en Alemania e InglaterraTras la muerte de Fernando VII, en 1833, los liberales que estaban exiliados regresaron con las ideas románticas que triunfarían en España.

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para saber más sobre los grandes dúos de amor en la ópera, escucha este programa

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Mucho más que Opera: Dúos de amor ópera romántica IV

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Mucho más que Opera: Dúos de amor ópera romántica IV

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Verdi - Va Pensiero - Nabucco subtítulos español

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Para estudiar la ópera en el XIX aquí tienes este resumen

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El teatro romántico recurre a argumentos históricos y bebe de las fuentes del teatro barroco

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Romeo and Juliet – Balcony Pas de deux (The Royal Ballet)

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