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Dans les feuillages les lignes ramifications noeuds

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Excuse les copies d'écran vite faites !

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Nick Bantock

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L'homme qui savait la langue des serpents

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L'homme qui savait la langue des serpents

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Un roman que j'ai découvert récemment. La traduction est vraiment de qualité, assez pour que l'on y décèle le style, l'esprit et la fantaisie de l'auteur. ça parle de légendes fondatrices, de relations inattendues (ou oubliées...) entre l'homme et l'animal, d'une confiance infinie en la nature, c'est tour à tour plein d'humour et de mélancolie.

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Andrus Kivirähk, Jean-Pierre Minaudier

Voici l'histoire du dernier des hommes qui parlait la langue des serpents, de sa sœur qui tomba amoureuse d'un ours, de sa mère qui rôtissait compulsivement des élans, de son grand-père qui guerroyait sans jambes, de son oncle qu'il aimait tant, d'une jeune fille qui croyait en l'amour, d'un sage qui ne l'était pas tant que ça, d'une paysanne qui rêvait d'un loup-garou, d'un vieil homme qui chassait les vents, d'une salamandre qui volait dans les airs, d'australopithèques qui élevaient des poux géants, d'un poisson titanesque las de ce monde et de chevaliers teutons un peu épouvantés par tout ce qui précède.

Peuplé de personnages étonnants, empreint de réalisme magique et d'un souffle inspiré des sagas scandinaves, L'Homme qui savait la langue des serpents révèle l'humour et l'imagination franchement délirante d'Andrus Kivirähk. Le roman, qui connaît un immense succès en Estonie depuis sa parution en 2007 (plus de 40 000 exemplaires vendus pour un pays d'à peine 1,4 million d'habitant) retrace dans une époque médiévale réinventée la vie peu banale d'un jeune homme qui, vivant dans la forêt, voit le monde de ses ancêtres disparaître et la modernité l'emporter. Une fable? Oui, mais aussi un regard ironique sur notre propre époque, comme le souligne Jean-Pierre Minaudier dans une postface bien renseignée.

L'Auteur

Andrus Kivirähk est un écrivain estonien né en 1970 à Tallinn. Véritable phénomène littéraire dans son pays, romancier, journaliste et essayiste, il est l'auteur d'une oeuvre déjà importante qui suscite l'enthousiasme tant de la critique que d'un très large public, qui raffole de ses histoires. Andrus Kivirähk écrit des romans et des nouvelles, des pièces de théâtres, des textes et des scénarios de films d'animation pour enfants.

Le Traducteur

Jean-Pierre Minaudier est né en 1961 à Lyon. Ancien élève de l'École Normale Supérieure, professeur d'histoire en hypokhâgne et khâgne, traducteur, il est également chargé de cours d'histoire estonienne et de traduction littéraire depuis l'estonien à l'INALCO et enseigne le basque à la Maison Basque de Paris. Son temps libre est assez compté.

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L'Homme qui savait la langue des serpents

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Andrus Kivirähk, Jean-Pierre Minaudier Voici l'histoire du dernier des hommes qui parlait la langue des serpents, de sa sœur qui tomba amoureuse d'un ours, de sa mère qui rôtissait compulsivement des élans, de son grand-père qui guerroyait sans jambes, de son oncle qu'il aimait tant, d'une jeune fille qui croyait

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Expo à venir à Nice ;)

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Sur la terre des dieux. Marc Chagall et le monde grec

16 novembre 2019 - 27 avril 2020

A travers un ensemble d'œuvres rarement montrées, l'exposition explore le rapport entre Marc Chagall et la littérature antique grecque. A l'invitation de son éditeur d'origine grecque, Tériade, l'artiste entreprend deux voyages en Grèce en 1952 puis en 1954, desquels découlent plusieurs projets.

Nourries par la lecture de Daphnis et Chloé de Longus et de l' Odyssée d'Homère, les œuvres de Chagall prennent des formes variées. De livres illustrés à une monumentale mosaïque pour la Faculté de droit de Nice, en passant par les décors et les costumes du ballet Daphnis et Chloé pour l'Opéra de Paris, le maître vençois navigue et s'approprie ces classiques de la culture méditerranéenne, sur lesquels l'exposition propose un éclairage renouvelé.

Commissariat :
Anne Dopffer, conservateur du patrimoine, directrice des musées nationaux XXe siècle des Alpes-Maritimes
Jean-Baptiste Delorme, conservateur du patrimoine du musée national Marc Chagall

Légende : Marc Chagall, Daphnis et Gnathon (détail), illustration pour le livre Daphnis et Chloé, 1961, lithographie. Collection particulière. © ADAGP, Paris, 2019.

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Sur la terre des dieux. Marc Chagall et le monde grec

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A travers un ensemble d'œuvres rarement montrées, l'exposition explore le rapport entre Marc Chagall et la littérature antique grecque. A l'invitation de son éditeur d'origine grecque, Tériade, l'artiste entreprend deux voyages en Grèce en 1952 puis en 1954, desquels découlent plusieurs projets.

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WASSILY KANDINSKY

In the final years before World War I, Wassily Kandinsky (1866 - 1944) evolved an expressive abstract style in painting that would become his epoch-making contribution to twentieth-century art. From 1909 on, he divided his larger pictures into three fundamental categories he called Impressions, Improvisations, and Compositions.

Impressions was his term for "direct sensations received from 'outward nature;'" in 1911, Kandinsky painted a total of six Impressions, which appear largely nonrepresentational even though they were inspired by impressions of nature outside of him. In fact, the Impressions may render not just visual, but also acoustic sensations: Impression III (Concert) is one of the earliest and most striking examples of modern art's endeavor to fuse color and sound in a synaesthetic experience.

In the Improvisations, which frame sensations received from "inward nature," the artist visualizes inner visions, ideations, and imaginations. With these works, Kandinsky genuinely expanded the boundaries of visual art and broke new ground with regard to what it could represent. Between 1909 and 1914, he created more than thirty-five Improvisations, most of which similarly bear associative subtitles and offer an especially clear illustration of his personal path to abstraction: to Kandinsky's mind, abstraction meant a sustained effort to conceal and encode representational content in order to convey spiritual ideas in physical form by unfolding their "inner harmony."

The Compositions - over a lifetime, he created no more than ten of these pictures, seven of them between 1909 and 1913 - were what he thought of as the supreme category of painting, fusing rational conception, imagination, and intuition. In formal terms, we may observe in all his pictures the conclusive liberation of color from the depiction of objects and its unrestrained sweeping bloom in an anti-perspectival space, while the line gains independence as a symbolic vestige of the representational register. Kandinsky's Compositions VI and VII are devoted to the themes of the Flood and the Last Judgment; they must be seen in the context of the atmosphere of fervent eschatological expectation on the eve of World War I.

After the outbreak of the war, in late 1914, Kandinsky separated from Gabriele Münter, leaving her in Switzerland, and returned to his native Russia. In Moscow, he was active in several revolutionary artists' councils; in 1921, he accepted a position Walter Gropius offered him at the Bauhaus and returned to Germany with his second wife, Nina Andreyevskaya. In Weimar, Paul Klee was among his colleagues, and after the Bauhaus moved to Dessau in 1925, the two became neighbors. When the Nazis closed the school in 1933, Kandinsky emigrated to Paris, where he lived until his death in 1944, creating a late oeuvre in which he translated the constructive solidity of the formal vocabulary of his art from the Bauhaus years into a universe of organic microstructures in luminous colors such as pink, turquoise, silver, and gold.

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In the final years before World War I, Wassily Kandinsky (1866 - 1944) evolved an expressive abstract style in painting that would become his epoch-making contribution to twentieth-century art. From 1909 on, he divided his larger pictures into three fundamental categories he called Impressions, Improvisations, and Compositions.

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Expo vue aux Rencontres d'Arles 2019

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Helen LEVITT aux Rencontres photo d'Arles 2019

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Helen LEVITT aux Rencontres photo d'Arles 2019

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Photographie

Jusqu'au 22 septembre, Les Rencontres d'Arles rendent hommage à Helen Levitt, photographe new-yorkaise de renom qui, tout au long de sa vie, a cherché à immortaliser le quotidien bouillonnant des habitants de la Grosse Pomme.

Par Anna Prudhomme

Helen Levitt, New York, 1940.

Dans les rues de New York, Helen Levitt capture en noir et blanc les enfants téméraires, leurs dessins sur les murs ou les femmes qui les guettent à la fenêtre. Drôles, incongrues, vivantes et résolument humaines, ces scènes, mises bout à bout, fabriquent son œuvre picturale : un réel témoignage de l'effervescence citadine avant l'arrivée des postes de télévision. Dix ans maintenant après sa triste disparition, Les Rencontres d'Arles reviennent, à travers 130 clichés originaux, sur le parcours et l'évolution de cette saisissante artiste, passée de la photographie de rue à l'expérimentation de la couleur et la réalisation cinématographique.

Helen Levitt, New York, 1940.

Née à Brooklyn dans l'état de New York, Helen Levitt (1913-2009) abandonne le lycée pour suivre un photographe commercial qui lui enseigne alors les techniques de la photographie argentique. Fascinée par le photographe documentaire Eugène Atget, le cinéma de Cocteau et de Jean Vigo, elle est aussi fortement animée par le surréalisme. Alors qu'elle enseigne l'art à des enfants au milieu des années 30, elle plonge dans la photographie de rue, intriguée par les gribouillis qu'ils dessinent à la craie sur le sol. Les enfants et leur imaginaire seront dorénavant prisonniers de son Leica 35mm. À l'époque, New York étouffe quand vient l'été. Chacun fuit son immeuble pour la rue, à la recherche d'un semblant de fraîcheur. Cette émulation estivale confirme alors à Helen Levitt son intérêt pour la photographie urbaine.

L'émotion reste la pierre angulaire de son travail : en filigrane se cache cependant, un melting pot dont la pauvreté crève les yeux.

Helen Levitt, New York, 1940.

Artiste-photographe davantage que simple reporter d'images, Helen Levitt échappe pourtant à ce clivage systématique : elle fixe la société américaine et rend compte de son intimité au coeur de la Seconde Guerre mondiale. L'émotion reste la pierre angulaire de son travail : en filigrane se cache cependant, un melting-pot dont la pauvreté crève les yeux. Afin de conserver la sincérité de ses clichés, elle cache son appareil sous le pan de son manteau et recadre drastiquement ses photos, écartant à chaque fois ceux dont le regard croise l'objectif. De cette diaspora bouillonnante on retient des scènes urbaines résolument organiques décrites comme suit par le New York Times : " des moments éphémères de lyrisme et de mystère". Rapidement reconnus, ses clichés sont publiés dans des magazines ( Fortune en 1939) et différents ouvrages. Ils font l'objet de nombreuses expositions dont l'inauguration du département de photographie du MoMA en 1939.

Sa rencontre avec deux des photographes les plus iconiques du XXe siècle la galvanise. Henri Cartier-Bresson et Walker Evans lui insufflent une passion dévorante pour le médium photographique. Le second s'éprend de ses photographies d'enfants jouant dans la rue et lui propose de l'accompagner dans le métro new-yorkais afin de réaliser, incognito, sa fameuse série Subway Portrait. Il l'initie au poker et l'intègre à sa bande. Lui présente l'écrivain James Agee et la réalisatrice Janice Loeb avec lesquels elle réalisera In the Street, court métrage sur la vie des enfants afro-américains de l'Upper East Side. Peu à peu, Helen Levitt finit aux côtés du réalisateur Luis Buñuel qui l'emploie comme monteuse sur ses films de propagande.

Helen Levitt, New York, 1940.

En 1959, Helen Levitt reçoit la bourse Guggenheim afin d'effectuer des recherches sur la photographie couleur. Elle abandonne alors le noir et blanc, la bourse étant renouvelée l'année suivante, et retourne dans les rues qu'elle aime tant, capter l'éclat des New-Yorkais. Accordant une nouvelle vitalité à sa spontanéité iconographique, l'utilisation de la couleur stimule Helen Levitt, et ses clichés sont publiés dans de nombreux magazines et journaux, Harper's Bazaar, The Times, et même le New York Post. Mais au début des années 70, elle se fait cambrioler et perd l'intégralité de ses films négatifs couleurs non développés... Cela n'arrête pas la photographe. Plus déterminée que jamais, elle compense cette perte par un travail acharné. Son dur labeur est récompensé. En 1974, le MoMA organise une des premières expositions de photographies couleurs, présentant sous forme de diaporama l'œuvre d'une modernité éclatante d'une certaine Helen Levitt.

À retrouver aux Rencontres d'Arles à l'Espace Van Gogh jusqu'au 22 septembre.

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Helen Levitt capture en cachette le New York brûlant des années 40

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Jusqu'au 22 septembre, Les Rencontres d'Arles rendent hommage à Helen Levitt, photographe new-yorkaise de renom qui, tout au long de sa vie, a cherché à immortaliser le quotidien bouillonnant des habitants de la Grosse Pomme. Par Anna Prudhomme Helen Levitt, New York, 1940.