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Nuevas realidades necesitan de nuevos proyectos para deconstruir la idea de que los museos son para un único tipo de público. La educadora de museos Johanna Palmeyro nos habla de su último proyecto, orientado a la ruptura de dichos mandatos.

Desde el Museo Casa Ricardo Rojas se vienen llevando a cabo proyectos y cursos para la diversidad de públicos, tales como Al museo en pijamas, Las personas marrones indígenas en el arte. Una mirada crítica a las representaciones y arquetipos, Repensando la cultura nacional: conversación con la Unión de Trabajadores de la Tierra. Además, continúa la convocatoria Dale vida al logo en conjunto con Identidad Marrón. Las obras que reciba el museo formarán parte de una intervención en la fachada durante este mes de noviembre.

La co-coordinadora del Área de Museología y Comunidades en el Museo Casa de Ricardo Rojas, Johanna Palmeyro, nos cuenta sobre su nuevo proyecto personal, Movimiento Justicia Museal.

Palmeyro es Licenciada en Museología y Gestión del Patrimonio Cultural (UMSA), arte educadora y artivista. Obtuvo la Beca de Formación del Fondo Nacional de las Artes (FNA) para realizar una residencia en 2019 con el equipo de Educathyssen del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, donde se desempeñó en proyectos de géneros y accesibilidad. Previamente trabajó en la Dirección Nacional de Museos como asesora en proyectos educativos. Le interesan los proyectos que desdibujan los límites entre la curaduría, la educación, la museografía, la accesibilidad y el trabajo comunitario.
-¿Cuál es el origen del proyecto "Movimiento Justicia Museal"?
-Este proyecto de artivismo surge en pandemia a raíz del cierre repentino de todos los museos y la necesidad de reflexionar sobre la poca cantidad de gente que los frecuentaba cuando estaban abiertos. De acuerdo a la Encuesta Nacional de Consumos Culturales (SINCA, 2017) sólo el 12,5% de la población frecuenta museos en Argentina.

Empecé haciendo una intervención digital sobre una fotografía de la fachada del Museo Nacional de Bellas Artes con la frase "Los museos son para todes pero solo una elite lo sabe", soñando con que algún día esa frase estuviera realmente colgada en la fachada. Inspirada en una frase de la artista Dora García, con el espíritu de la gráfica de los afiches de Juan Carlos Romero y con la desobediencia de Liliana Maresca me animé a este primer afiche digital.

El artivismo, heredero del arte urbano, del situacionismo y del grafitti, es un término acuñado globalmente en el siglo XXI, basándose en la recuperación de la acción artística con fines de inmediata intervención social.
-¿Cómo llega este proyecto al Museo de Arte Moderno de Buenos Aires?
-Después de conversar con el colectivo Identidad Marrón en un taller virtual que dieron en el canal de Youtube del Museo Casa de Ricardo Rojas, me quedó dando vueltas un concepto que mencionó uno de ellxs en referencia a las barreras invisibles que impiden el acceso a los museos. Llamó a esto " puertas de cristal" y así fue que hice una foto intervenida con la fachada del museo adentro de una caja de emergencia con la consigna "rompa el cristal".

Unos días más tarde me llamó Ayelén Rodríguez, coordinadora del área de Comunidades del Museo de Arte Moderno. Junto con María Carri y Victoria Boulay me propusieron hacer una serie de afiches en el marco de la semana del racismo que estaba aconteciendo en las redes sociales del Moderno. Titulamos a esta acción "Por favor rompa el cristal". Los afiches los pensamos para que puedan descargarse y circular por redes sociales, reuniones, espacio urbano. También forman parte de un cuadernillo específico para docentes y ya hay algunas docentes que me escribieron para usarlos con sus alumnxs.

Podés descargar los afiches en este link.
-¿Cómo fue el trabajo con Taller Fina estampa?
-Tenía ganas de materializar los afiches digitales con la frase "Los museos son para todes pero solo una élite lo sabe" con la idea de ir y pegarlos en las calles, específicamente cerca de los museos más hegemónicos de Buenos Aires a modo de denuncia. La llamé a Mariana Gayoso, una artista increíble, con quien trabajamos con la convicción de que los museos y el arte son para todas las personas. A ella la conozco desde 2013 cuando trabajamos juntas en el área de educación del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Es artista visual especializada en gráfica y desde 2015 dirige su Taller Fina Estampa, ubicado en Chacarita. Es un espacio autogestionado que tiene como propósito el encuentro y el intercambio de artistas en torno al arte impreso.

Gracias a la acción de salir a pegar a las calles se empezó a correr la voz y me escribieron compañeros de distintas provincias, varios países hermanos latinoamericanos y compañeros de España para pegar los afiches por sus ciudades y ahora estamos viendo la forma de que el Movimiento Justicia Museal sea federal y transfronterizo.
-¿Cuál es el mensaje que querés transmitir y cuál es tu destinatario principal?
-Los museos tienen una deuda social con el 90% de la población que no los frecuenta. Desde lo discursivo no se deja de repetir que los museos son para todas las personas, pero en la práctica los números no mienten. No basta con instalar rampas, poner carteles de baños unisex y audioguías en 45 idiomas.

Necesitamos incorporar una mirada decolonial y antirracista. Necesitamos escuchar lo que pasa en las calles y construir nuevas memorias. Dar la palabra. Mientras sigamos apelando a los intereses de una clase dominante, no vamos a dejar de ser lugares para élites.

Al mismo tiempo me interesa visibilizar una lucha que venimos teniendo desde adentro de las instituciones museísticas quienes trabajamos en áreas educativas, de accesibilidad y de comunidades - áreas históricamente invisibilizadas- que ponemos el cuerpo todos los días para revertir esta situación, que salimos de la endogamia y trabajamos de forma colectiva con poblaciones diversas, pero no es suficiente con voluntades individuales sino que es necesario tanto un acompañamiento con políticas públicas accesibles e inclusivas como el reconocimiento de nuestro trabajo.
-¿Qué acciones se están llevando a cabo desde el Museo Rojas para esta idea de "Decolonizar la mirada"?
-En el Rojas estamos en pleno desarrollo de Voces de la Casa, en conjunto con la Asociación Civil Lengua Franca. Se trata de un proyecto de accesibilidad que abarca tanto la museografía como los programas públicos donde invitamos a la comunidad a través de distintas propuestas para participar de la construcción de un nuevo relato, en defensa de una sociedad más justa y diversa. Trabajamos en colaboración con distintas organizaciones, colectivos e instituciones como la Unión de Trabajadores de la Tierra, el Centro de Arte Sonoro (CASo) e Identidad Marrón. Todas las propuestas que desarrollamos están en lectura fácil y cuentan con interpretación en Lengua de Señas Argentina (LSA) para que más personas puedan acceder.

Un gran desafío que vamos a tener para el 2021 es conservar el alcance federal e internacional que generamos con nuestras propuestas virtuales y accesibles. Logramos diversificar y ampliar nuestros públicos.
-¿Qué opinás de las actividades que se están llevando a cabo en los museos del mundo, a partir del uso de las redes sociales y orientadas a un público joven que no suele ser el principal visitante?

-¿Qué tipo de políticas públicas te parece que deberían implementarse en nuestros museos en los próximos años?
-Pienso que todo suma, pero que no hay que caer únicamente en el exitismo de las redes sociales ya que es efímero. El verdadero desafío está no sólo en captar la atención, sino en involucrar la participación activa de los públicos y promover espacios de intercambio, de sensibilización y de transformación. En este sentido destaco proyectos educativos a largo plazo que tienen algunos museos con adolescentes y jóvenes, como la Generación Benja del Museo Franklin Rawson en San Juan.

-En una próxima reapertura, más allá de los protocolos de salud y cuidados necesarios, es importante que nos preguntemos ¿para quiénes vamos a abrir?

En pandemia se logró una gran sensibilización de parte de los museos con los públicos. Empezamos a acompañar a las personas desde casa en un momento de mucha incertidumbre y dolor con propuestas significativas, pensadas desde el afecto y para no sentirnos solos. Estas son cosas que veníamos trabajando desde las áreas educativas pero que en pandemia cobraron relevancia en el resto de las áreas del museo. Creo que es importante no perder esto.

Veo la necesidad de romper la endogamia y promover el desarrollo de proyectos en conjunto con diversos grupos sociales, instituciones educativas y comunitarias, trabajadores y militantes sociales, artistas, personas físicas, que amplien derechos, visibilicen otras voces y miradas y cuestionen la hegemonia cultural especialmente desde la práctica - teoría tenemos un montón-.

Necesitamos saldar esta deuda que tenemos con casi toda la población incorporando políticas públicas que contemplen la accesibilidad y la perspectiva de género de manera transversal. Necesitamos trabajar con otres y de forma desjerarquizada. Lograr que las audiodescripciones, las interpretaciones en lengua de señas, los planos hápticos, las rampas, la lectura fácil, la no violencia y discriminación, el respeto hacia la diversidad cultural y sexual sean comunes en todos los museos y no eventos aislados. Entrecruzar saberes populares y académicos, que apelen a una gran diversidad de intereses y miradas.

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"Movimiento Justicia Museal", un proyecto de acción artística con fines de intervención social

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Nuevas realidades necesitan de nuevos proyectos para deconstruir la idea de que los museos son para un único tipo de público. La educadora de museos Johanna Palmeyro nos habla de su último proyecto, orientado a la ruptura de dichos mandatos.

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Movimiento de Justicia Museal- EL SABER ACADÉMICO NO ES EL ÚNICO SABER 

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Movimiento de Justicia Museal- EL SABER ACADÉMICO NO ES EL ÚNICO SABER 

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🔥💜EL SABER ACADÉMICO NO ES EL ÚNICO SABER
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Nueva acción del #MovimientoJusticiaMuseal
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La academia es uno de los millones de lugares de aprendizaje, no el único. La academia no vale más que los...

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Muchas veces la Institución no entiende que el trabajo con Comunidades no es CUANTITATIVO sino CUALITATIVO y generalmente no se trata de una Industria Cultural sino que se acerca más a un artesanato: se mueven fibras pequeñas... ¿Cómo hacemos entender a las demandas institucionales de esta dimensión? ¿Cómo lograr que la Institución aprenda?

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Estudiantes del Master de Innovación Educativa de la Carlos III.

Imaginemos un árbol cargado de melocotones. Estos melocotones crecen, maduran y después caen al suelo, cada uno a su tiempo. Ahora imaginemos que, tras haber caído, son recogidos el mismo día, a la misma hora, y que los meten a la misma temperatura en cámaras frigoríficas que fuerzan artificialmente el proceso para acceder (¡a tiempo!) a los canales de distribución sin que puedan completar su proceso de maduración individual.

Esta metáfora, aunque naturalista, puede representar cómo estamos gestionando el tiempo en nuestras vidas, condicionados por los dictados del neoliberalismo, lo que nos lleva a una infelicidad de fondo difícil de enunciar marcada, precisamente, por la necesidad de que el tiempo deba ser gestionado. En este modelo de gestión parece que quien va más rápido, quien es más productivo, impaciente y ansioso, quien tiene, paradójicamente, menos tiempo alcanza un mayor éxito, porque, como los melocotones artificialmente madurados, llegará antes al mercado y se venderá mejor. En cambio, quien tiene mucho tiempo, quien no se siente agobiado, agotado ni agitado, quien es capaz de poner el tiempo de su lado y vivir con bienestar, parece un vago, alguien perezoso que está instalado en el ocio y el confort.

Aprendemos a gestionar el tiempo de esta manera concreta en los contextos educativos, familias incluidas. La escuela, la universidad y el museo nos privan de los tiempos necesarios para que cada persona desarrolle su propio proceso de aprendizaje. Estas instituciones naturalizan un uso artificial que acaba por parecernos normal. Podríamos afirmar, retomando el concepto currículum nulo que acuñó Elliot Eisner ( The Educational Imagination: On the Design and Evaluation of School Programs, MacMillan, 1994), que aprendemos más de lo que no nos enseñan que de aquello que nos enseñan, de manera que, ante la ausencia de tiempos calmos y tranquilos, aprendemos que las prisas y la ansiedad son lo que debe ser y que el tiempo ha de ser continuamente controlado y gestionado, sin dejar que fluya el transcurrir de los procesos.

Los tiempos estándares de los horarios escolares (clases de 45 minutos, con materias y profesores diferentes en la ESO, por ejemplo) o los reducidísimos que los públicos destinan a contemplar las obras de arte en los museos constituyen un sistema invisible de apoyo a la gestión neoliberal en las instituciones educativas y culturales. En lugar de potenciar la maduración de los procesos de aprendizaje, la escuela, la universidad y el museo estandarizan dichos procesos, de forma que los estudiantes y espectadores, como los melocotones refrigerados de la metáfora, experimentamos una inmadurez permanente que nos produce el malestar que nos atraviesa.

Contemplar una obra de arte o asistir a un proceso educativo formal son experiencias que necesitan que migremos de tiempos productivos a tiempos fecundos, de tiempos urgentes a tiempos emergentes, tal y como escribe Amador Fernández-Savater en Habitar y gobernar (Ned ediciones, 2020). La tiranía de lo rápido tampoco tiene que traducirse en la tiranía de lo lento, sino en la búsqueda del tiempo adecuado.

¿Cómo podemos poner el tiempo de nuestro lado? ¿Cómo dar al tiempo la forma que deseamos en vez de vivir tiempos gestionados por el capital? ¿Cómo hacer esto en la universidad, en la escuela y en el museo para transformar la tiranía que nos somete al estrés y a la supervivencia en una experiencia reconfortante que nos permita el buen vivir, la calma y la super-vivencia? En definitiva, ¿cómo pueden los contextos educativos acompañarnos a desaprender a gestionar el tiempo?

Dar a cada proceso el tiempo que necesita es una forma de combate. Para llevar esto a cabo el primer acto consiste en darse cuenta, en reflexionar sobre cómo utilizamos el tiempo y ser conscientes de su operatividad en nuestros cotidianos. Una vez que hemos dado este paso, las acciones que podemos diseñar e implementar son infinitas: alargar las experiencias de disfrute y trabajo con las obras de arte, establecer proyectos de larga duración en los museos y generar programas que fomenten la creación de vínculos estables frente a experiencias cosméticas de consumo. Desarticular las asignaturas, generar puentes entre disciplinas o potenciar procesos que estructuren las actividades escolares pueden ser otras.

Dar a cada proceso, sea el que sea (una tortilla, una relación, un paseo), los tiempos que necesita es una de las maneras posibles de combatir el neoliberalismo latente; es llevar a cabo la revolución más profunda, esa revolución pasiva que nombró Gramsci, y que supone en sí misma un elogio de la maduración natural de las cosas.

Esto es lo que ocurre con los melocotones del comienzo, esos que caen uno a uno, esos que han sabido poner el tiempo de su lado.

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Poner el tiempo de nuestro lado: por una revolución en la escuela, la universidad y el museo

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Imaginemos un árbol cargado de melocotones. Estos melocotones crecen, maduran y después caen al suelo, cada uno a su tiempo. Ahora imaginemos que, tras haber caído, son recogidos el mismo día, a la misma hora, y que los meten a la misma temperatura en cámaras frigoríficas que fuerzan artificialmente el proceso para acceder (¡a tiempo!)

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Museos y mediación sociocultural comunitaria...

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Museos y mediación sociocultural comunitaria...

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^^Una cuestión importante, sincera y necesaria es incluir los significantes COLABORATIVO e INTERACCIONES en los proyectos/procesos comunitarios^^

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Actualizado el 21 de enero de 2020

Esteban Andrés Torres Hormazabal

Sinopse

Canciones que se pintan fue un proyecto colectivo que se desarrolló entre el 26 de marzo y el 15 de mayo del 2019, donde diferentes grupos representativos de la diversidad de los visitantes del museo, rindieron un homenaje a Violeta Parra por medio del arte mural re interpretando 25 de sus canciones.

Educación formal, tanto pública como privada, organizaciones sociales y grupos de personas en situación de discapacidad o vulnerabilidad, pueblos originarios, infancias trans, agrupaciones ecologistas, feministas o en defensa de la igualdad de género, vecinos del barrio y el voluntariado del museo fueron parte de este proceso participativo y comunitario de arte público.

Violeta Parra señaló que sus arpilleras son como "Canciones que se pintan", por eso quisimos tomar este concepto como eje curatorial y llevar a la visualidad los temas más representativos de su vasto repertorio musical.

Además, se realizaron seis talleres de muralismo con inscripciones abiertas para que las personas interesadas pudieran sumarse a esta actividad y aprendieran una técnica artística, aportando con su trabajo en esta gran obra en honor a la artista y en beneficio de nuestros futuros visitantes. Debido a su impacto con la comunidad, decidimos realizar una nueva versión de esta iniciativa, donde recogiéramos 25 nuevas canciones del repertorio de Violeta Parra para que fueran interpretadas por diferentes agrupaciones.

Objetivo

El objetivo principal de esta iniciativa era realizar un homenaje a Violeta Parra por parte de la gente a través del arte mural dando a conocer parte importante de su legado musical. La idea era desarrollar 25 murales colectivos en la explanada del museo para ornamentar y dar contenido al espacio, invitando a diferentes grupos de personas que representaran la diversidad del público del museo durante nuestros casi 4 años de apertura. De este modo dar a conocer el carácter constructivo, participativo e inclusivo de la propuesta educativa y museológica de la institución, poniendo en valor el aporte de la gente como eje central de nuestro trabajo, siguiendo la motivación de Violeta Parra.

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"Canciones que se pintan": La gente interpreta las canciones de Violeta Parra con murales en su museo | Banco de Buenas Prácticas | Ibermuseos

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Sinopse Canciones que se pintan fue un proyecto colectivo que se desarrolló entre el 26 de marzo y el 15 de mayo del 2019, donde diferentes grupos representativos de la diversidad de los visitantes del museo, rindieron un homenaje a Violeta Parra por medio del arte mural re interpretando 25 de sus canciones.

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Consideramos que este esfuerzo editorial constituye una herramienta para el trabajo de mediación educativa y comunitaria que desarrollamos d... See More

Consideramos que este esfuerzo editorial constituye una herramienta para el trabajo de mediación educativa y comunitaria que desarrollamos d... See More

Connecting content to people.

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Consideramos que este esfuerzo editorial constituye una herramienta para el trabajo de mediación educativa y comunitaria que desarrollamos desde instituciones culturales.

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Comunidad y museos: ¿Relaciones posibles?

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Comunidad y museos: ¿Relaciones posibles?

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¿Es posible que la voz de las comunidades forme parte de la puesta en escena del museo?

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¿Es posible que la voz de las comunidades forme parte de la puesta en escena del museo?

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