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A continuación presento las obras que más me gustaron:

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La página web ofreció la posibilidad de explorar las obras según los años a los cuáles pertenecen. La última obra fue producida en 2017 y fue la única de ese año. Esto se presta a un análisis interesante de sus estilos por años, o también de cómo en algunos años la producción de un artista es a veces escasa.

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Primera Parte: Recorrido por los espacios y mi impresión del museo

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Primera Parte: Recorrido por los espacios y mi impresión del museo

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Sin duda esta exposición pertenece a aquellas donde más espacio se les ha dado a las obras de arte. Gozan de un gran espacio entre ellas y no se percibe que estén atiborradas. El espacio entre estas también permite exponer obras de diferente tipo tales como aquellas donde que son esculturas o asumen o abarcan un espacio tridimensional.

En general en el arte de Beatriz González se pueden ver algunas constantes en su uso de colores y en la determinación de los elementos. Lo que más me gustó en esta exposición es que el arte está expuesto no sólo sobre lienzo, sino también en tambores, televisores, lo que parecen ser camas y demás. Esto le da una inmensa variedad y hace que uno nunca sepa qué esperar.

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Para el análisis formal he seleccionado la siguiente obra:

Vive la France
Año: 1975
Diámetro: 80 x 40 cm
Esmalte sobre lámina de madeflex ensamblado en tambor

Elementos Formales:

El color es el protagonista en esta obra. Se evidencia un uso de los 3 colores primarios, que hacen alusión a la bandera colombiana. En la obra priman los colores cálidos, como el fondo de un tinte muy claro del rojo. También hay un color frío como el cyan, lo que complementa de forma notoria con el pantalón, zapatos y fondo.

La textura en esta obra es una de las que vemos de forma común en las obras de González. El uso del esmalte, le da una textura que une al protagonista con su entorno. Esta textura también le da una calidez a la obra, e incluso invita al tacto.

La forma de la obra, enmarcada en un tambor, también es importante. La obra en sí toma un tamaño mayor, no es sólo la ilustración  Incluso, le da un toque de curiosidad al ser pintada sobre un instrumento musical.

Principios de Composición:

La postura del niño con la flauta le da un balance asimétrico a la obra. Él está en una posición humana de estabilidad, con las dos piernas establecidas de tal forma que esté apoyada. Al estar centrado el personaje, atrae el énfasis del espectador.

Por último, los colores le otorgan cierto ritmo visual a la obra, donde los colores encajan entre sí y parecen estar en unidad. Además, la postura del personajes, y la posición de sus manos le dan un sentido de movimiento permanente.

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Esta exposición   es organizada por el Museum of Fine Arts de Houston (MFAH) y el Pérez Art Museum de Miami (PAMM), con curaduría de Mari Carmen Ramírez y Tobias Ostrander.

Esta exposición es hecha posible por el Museo de Arte Miguel Urrutia y el Banco de la República.

Beatriz González es una de los grande nombres en la historia de arte colombiano. Nación en Bucaramanga en el año 1932. Estudió en la Universidad de los Andes y se graduó en Bellas Artes. Ha sido considerada como miembro del movimiento de "Arte Pop", si bien ella misma no se considera perteneciente. En sus obras expone críticas políticas, temas culturales y presenta su arte en formas muy innovadoras.

Fecha de Visita:
5/05/2021

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Exposición Beatriz González más abajo
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A continuación presento las obras que más me gustaron dentro de lo que pude observar. Son bastante diferentes entre sí, lo que rinde cuentas de la gran variedad que tiene el arte moderno y contemporáneo.

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Para el análisis formal he seleccionado la siguiente obra:

Título: Index Two Composition Three

Creador: Xaviera Simmons

Fecha de creación: 2012

La obra en sí es una fotografía del montaje seleccionado por la artista. Decidí seleccionarla ya que maneja fue un montaje que me pareció muy interesante y único dentro de las obras modernas y contemporáneas que se pueden encontrar en este museo.

Elementos Formales:

La paleta de colores en esta obra tiende a los colores cálidos. Se nota la presencia del naranja, y en el fondo un tinte muy clari del matiz rojo. También se puede ver el contraste donde la parte superior pareciera ser como una esfera de tela en color negro, que contrasta con las fotografías que están en blanco y negro.

La luz juega un papel fundamental, en tanto que en la parte superior, en la bola de tela, permite generar un baile entre las luces y las sombras del pliegue de esta, dándole profundidad al esquema de los objetos. Por otro lado, permite que las fotografías y elementos colgantes generen sombra entre sí, lo que le da la sensación de volumen y cuerpo a la obra.

Por último, la textura es quizá el elemento protagonista. Esta obra se enfoca en retratar una inmensa variedad de texturas. Entre ellas está la tela de la parte superior, la sensación de madera del fondo, mientras que también se debe hablar de la hora de palma, una camisa de landa, la textura de una jarra de piedra, una bolsa plástica. La textura es lo que nos hace sentir según la intención del autor.

Principios de Composición:

A través de la obra se puede hablar de balance. Este se percibe principalmente al ver que la obra está organizada en una estructura. Así, el balance pictórico en realidad se percibe también como un balance físico. Además, dentro de la gran variedad de elementos en la obra, estos se encuentran en forma equilibrada a lo largo de la obra, donde no hay algo sobrecargado hacia un lado u otro.

El ritmo caracteriza en gran parte a la obra. El primero de este es la textura en el sombrero. La repetición del bordado hace que desde un principio se establezca ritmo. Además, la organización de las fotos y su forma de ser colgadas con ganchos contribuye hacia ese patrón.

La unidad se percibe de forma clara, los elementos pertenecen a la misma estructura. Están en el mismo espacio y no hay ubicaciones abruptas entre ellos. Su unidad está en que pertenecen al mismo cuerpo o estructura. La variedad es uno de los principios más ricos. hay toda clase de elementos aquí presentes. Hay una trenza, jarras, fotografías de toda clase, mantas, camisas de lanas y un gran sombrero de tela. Todo esto sin duda lleva a la sensación de que cada elemento es único.

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Título: NO-no Ikebana, arranged by Haruko Takeichi, December 1, 2002 (December 2–3)

Creador: Sharon Lockhart

Fecha de creación: 2003

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Título: Untitled in the Rage (Nibiru Cataclysm)

Creador: Juliana Huxtable

Fecha de creación: 2015

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Segunda Parte: Exploración de las Obras Por Años

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Segunda Parte: Exploración de las Obras Por Años

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Para poder observar la colección con una mayor tranquilidad, decidí observar las obras en su clasificación por años. Esto permitió que se observaran de a pocos las obras, y así poder enfocarse mejor en cada una de ellas.

Por ejemplo, para el año 2013, es mucho más fácil enfocarse en estas pocas obras. Así realicé el recorrido.

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Título: Trembling Landscapes - Makkah (Paysages Tremblants - Makkah)

Creador: Ali Cherri

Fecha de creación: 2016

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Primera Parte: Exploración de los Espacios y mi Impresión del Museo

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Primera Parte: Exploración de los Espacios y mi Impresión del Museo

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Hablando solamente del museo, me pareció que como fachada es una estructura fantástica. Dentro de este, su ordenación en una especia de espiral ascendente de entrada hace que el visitante se sienta un lugar que rompe con la cotidianidad. Los pasillos ascendentes sin escaleras son muy inusuales, y hace que la tónica del visitante lo predisponga a un estado diferente.

En cuanto a las obras debo decir que la palabra que recopila mis sensaciones fue:

Tensión

Siendo totalmente honesto, ver estas obras me generó una intranquilidad grande. En muchas obras se me dificultó poder entender la obra, su mensaje e incluso su forma misma. Además, la exposición se hacía sin una delineación clara, y no saber bien cuándo termina y cuando empieza la obra me generó un desafío.

Esto lo veo como algo positivo, ya que en el área del arte al igual que en otros contextos, un impacto inquietante trae cosas positivas.

No sé del tema, pero quizá también este pueda ser uno de los propósitos de estas obras, inquietar al espectador. Visitando este museo me dí cuenta de lo que poco que sé del arte moderno.

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Estas obras me dejaron impactado y no fue fácil para mí verlas

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Nueva York, Estados Unidos

El Museo y Fundación Guggenheim abarca principalmente arte de los períodos modernos y contemporáneos. Además de manejar exhibiciones, se encarga de la promoción, educación e investigación del arte de estos períodos. La fundación incluye una red de exhibiciones en otros lugares del mundo, como por ejemplo Venecia, Bilbao y Abu Dhabi. Este museo fue fundado en el año 1937.

El señor Solomon R. Guggenheim perteneció a una familia muy adinerada, y desde joven comenzó a coleccionar obras de arte, donde predominaba el arte moderno. Así, él estableció la fundación que lleva su nombre. En 1939 el museo fue fundado por la Fundación Guggenheim, y en 1952 se comenzó a llamar con su nombre actual, pues 3 años atrás falleció el señor Guggenheim.

Fecha de Visita: 29/04/2021

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Museo de Guggenheim,
Beatriz González
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Museo de Frida Kahlo ,
Guggenheim,
Beatriz González
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Título: Viva la vida

Fecha: 1954

painter: Frida Kahlo

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Título: La Quebrada

Fecha: 1956

Ubicación de creación: Acapulco, Guerrero, Mexico

provenance source: Museo Frida Kahlo

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A continuación muestro las obras que más me gustaron del recorrido.

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Seleccioné esta obra para el análisis formal ya que fue la que más me atrajo y llamó la atención.

Título: Naturaleza muerta

Fecha: 1942

Painter: Frida Kahlo

Dimensiones físicas: h630 mm (diameter)

Tipo: Painting

Elementos Formales:

En cuanto al color, se observa una paleta de colores que tienden tanto a colores cálidos como fríos. En este sentido, en esta obra se observa con mucha frecuencia el uso de varios colores complementarios. También se puede ver que los matices son de un valor que tiende a las sombras, dándole un toque sombrío.

Las líneas son todas orgánicas. Se observa cómo estas generan el contorno para cada uno de los elementos, como las flores, si bien son muy sutiles.

En cuanto a la luz, su ausencia hace que se observe la naturaleza con cierta 'sobrenaturalidad'. Es decir, se rinde homenaje al nombre de la obra 'Naturaleza Muerta'. Sin duda la luz, o su ausencia dan la sensación de una atmósfera no natural, o en la penumbra.

Principios de Composición:

Dentro de la obra se encuentra un énfasis en la Ahuyama del centro de la obra. Este énfasis se logra por dos razones, primero, la ubicación central de esta fruta y segundo, el color naranja que contraste y se complementa con las frutas que lo rodean.

Se logra cierto ritmo dentro de la obra. Se observan como los elementos congenian entre sí, pero principalmente es de resaltar el estilo de su representación, el sentido circular de la obra y el hecho de que lo elementos se doblen con el marco, contribuyen a la sensación de ese ritmo.

La obra contiene un balance muy perceptible. A ambos lados de la ahuyama se encuentran elementos en la misma cantidad, e incluso los ramos de flores claros en ambos extremos se reflejan.

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Segunda Parte: Exploración de las Obras por Popularidad

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Segunda Parte: Exploración de las Obras por Popularidad

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Seleccionando la vista de las obras por popularidad, me llamó mucho la atención el hecho de que lo que más hay es fotos de Frida Kahlo, de su vida, al igual que muchos de sus objetos, vestidos, corsés y demás. En este sentido pienso que quizá el museo no se enfoca de forma principal en su arte. Hubiera querido que hubiera más obras y no tanto cosas y objetos. En cierto sentido, me da la impresión que el museo es más un culto a Frida Kahlo, con un poco de idolatría por como ella vivía y sus cosas. Este no es algo en lo cuál logré apreciar mucho.

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Primera Parte: Exploración de los Espacios y mi Impresión del Museo

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Primera Parte: Exploración de los Espacios y mi Impresión del Museo

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La primera parada del museo es por el jardín de la antigua casa de Frida Kahlo. Sin duda es un jardín precioso, y cualquier persona capaz de tenerlo en su casa es una persona afortunada. Esta fue mi parte preferida del museo.

En cuanto a las otras partes del recorrido, en mi percepción propia, no logré apreciar mucho el concepto de casa-museo. Es decir, no me gusta tanto entrar a la intimidad del artista. Cosas como visitar su cocina y cuartos no es algo que me atraiga mucho a mí personalmente. Al igual, cosas tan personales como sus corsés, prótesis y soportes me parecieron que yo irrumpía en la intimidad de la artista, aún si ese fuera el deseo de Frida, yo no lo quisiera hacer aún con su permiso.

Hablando estrictamente de su arte, siento que no fue muy de mi gusto. Algunos de los temas en sus obras no me llamaban mucho la atención. Me pareció que esta fue una visita difícil.

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El museo de Frida Kahlo se encuentra localizado en la casa en la que nació, vivió y murió Frida Kahlo con su esposo Diego Rivera. También llamado la Casa Azul. Se encuentra ubicado en la ciudad de México, en el barrio antigua barrio Coyoacán. Este Museo contiene obras artísticas de Frida Kahlo, al igual que muchas de sus pertenencias personales, como sus vestidos clásicos tradicionales indígenas y sus aparatos mecánicos como corsés, muletas, etc. Al igual, permite ver cómo era su forma de vivir desde su intimidad.
Este museo fue inaugurado en el año 1958, donado por su esposo Diego Rivera.

Fecha de Visita: 25/04/2021

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Como he nombrado, me costó acostumbrarme a este nuevo arte, donde la realidad no debe ser exactamente la misma para ser bella. Así, siento que elegí obras que evocan la naturaleza, y son lo más fieles posibles a lo que uno esperaría ver.

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Segunda Parte: Recorrido de las Obras Por Colores

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Segunda Parte: Recorrido de las Obras Por Colores

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Decidí explorar las obras que contiene el museo según los colores. Esto logró confirmar mi sospecha de que el Musée d'Orsay efectivamente no tiene todos sus espacios ni obras a disposición en Google Arts. Esto también tiene sentido dado que si pusieron todo disponible no habría necesidad inmediata de acudir a un museo.

Sin embargo, esto me permitió ver con más calma las obras según la gama de colores. Logré notar que las obras se alejaron de aquello que fue representar exactamente la realidad, sino más bien no enfocarse en los detalles sino evocar más las emociones, sensaciones y colores, más como en el impresionismo.

Me costó mucho entender las obras y dejarme permear por ellas. Como empezamos por el renacimiento, sumándole mi poco conocimiento del arte (por no decir ignorancia) me acostumbré en ver la belleza de una obra en su lealtad a la realidad. Claramente veo que este no es el caso.

En resumen, quisiera decir que me pareció un completo reto poder observar estas obras, y creo que esto contribuyó a mi crecimiento como apreciador del arte.

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He decidido seleccionar esta obra por Degas para el análisis formal. La razón de esto es que las dos niñas pequeñas me recuerdan a mis sobrinas, por lo cuál me sentí muy empático con esta obra y decidí seleccionarla para mi análisis visual. La información de la obra es la siguiente:

Título: The Bellelli Family

Fecha de creación: 1858 - 1869

Painter: Edgar Degas

Original Title: La Famille Bellelli

Dimensiones físicas: w2500 x h2000 cm

Tipo: Oil on canvas

Elementos Formales:

Lo primero que  identifico es un rol muy fuerte del color, particularmente en ofrecer un contraste. El vestido negro de lo que se supone es la madre o la guardiana, es un negro totalmente oscuro. Muy profundo y opaco. Esto contrasta con la pared azul de fondo, dándolo una especie de fuerza a la figura de la madre. Al igual,  el vestido protector de las niñas es un blanco que contrasta con su vestido de fondo, dándoles un aspecto muy llamativo.

Me pareció muy interesante hablar de las líneas implícitas a través de la mirada de las personas. Por un lado, la madre tiene su mirada totalmente paralela al piso. Esto le da un sentido de autoridad al fijar un techo implícito a lo que le ocurren a los hechos. Por otro lado, la mirada del padre y la niña sentada parecen ser paralelas, dándole una intimidad especial entre estos personas, contrario a la figura materna.

Finalmente, el espacio se recrea en un cuarto de una casa, muy iluminado, ayudando a la concepción de tridimensionalidad. En este espacio las niñas y el pare recrean una sombra, pero la madre no. Esto le da un sentido de intranquilidad frente a esta figura.

Principios de Composición:

El énfasis sin duda toma un papel protagónico. El vestido blanco protector de las niñas hace que de forma inmediata se centre la atención sobre ellas. El vestido completamente negro de la madre también le da un rol protagónico, y hace que su figura también ocupe atención.

La escala es importante, en mi opinión. El padre tan solo sentado le llega casi al pecho a la mujer de pie. Si él llegara a pararse, sería enorme en comparación con la altura actual de la madre. Esto puede significar que para las niñas su padre pareciera ser más importante o al menos un personaje más atractivo que las niñas. También la cabeza del padre es mucho más grande que la cabeza de la madre.

Se establece cierto ritmo visual. Conjunto a la repetición de la decoración de las paredes, el ojo rápidamente se acostumbra al ritmo de objetos y artefactos de una casa.  La mirada y su velocidad se ralentiza al saber que es un espacio de un hogar. En mi opinión, nuestra mirada llega a un ritmo de observar una casa que vemos por primera vez de la cuál somos invitados.

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Título: Ploughing in Nevers

Fecha de creación: 1849

Provenance: Bought in 1849

Painter: Rosa Bonheur

Original Title: Labourage nivernais

Dimensiones físicas: w2600 x h1340 cm

Alternate Title: The First Dressing

Tipo: Oil on canvas

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Título: Bassin d'Argenteuil

Fecha de creación: circa 1872

Provenance: Bequest of Count Isaac de Camondo, 1911

Painter: Claude Monet

Dimensiones físicas: w800 x h600 cm

Tipo: Oil on canvas

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Título: Rest along the Stream. Edge of the Wood

Fecha de creación: 1878

Provenance: Donation Etienne Moreau-Nélaton, 1906

Painter: Alfred Sisley

Original Title: Le repos au bord du ruisseau. Lisière de bois

Dimensiones físicas: w800 x h730 cm

Tipo: Oil on canvas

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Primera Parte: Exploración de los Espacios

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Primera Parte: Exploración de los Espacios

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Lo que primero percibí en mi visita virtual del espacio en 3D, fueron las columnas y paredes de la zona central del museo. Estas están en la foto inmediatamente a la izquierda. Me pareció que estos eran como muy 'egipcios'. Como entradas a sarcófagos. Esto me encantó y me pareció muy estético, una gran manera de adornar el espacio del museo.

Sin duda, la cúpula de cristal y la mampostería del techo del museo son de un valor arquitectónico muy grande. En general, no es usual ver un museo con tanto espacio cerrado tan grande, y esto me gustó mucho también.

Para la colección que permitió verse en el Tour 3D, el color de fondo en las paredes es de un tinte y valor que me encantó. Definitivamente este morado le da una sensación increíble al recorrido. Debo decir que me encantó la elección de este color.

Siento que restringieron el paso en 3D por el museo, pero sin duda surte el efecto de querer conocer más de estos espacios. Hasta ahora, me parece que es el museo con la mejor infraestructura y clase. Es como una especie de abrebocas

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Musée d'Orsay,
Frida Kahlo.
Guggenheim,
Beatriz González
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París, Francia

La estructura que alberga a este famoso museo fue en un principio una estación de trenes. Este fue construido para la exposición mundial del año 1900, donde serviría como hotel y también para estación de tren para la tecnología de punta de trenes de tracción eléctrica.
Su diseño fue rápidamente inadecuado para los nuevos trenes, y pasó a ser usada para trenes de cortas distancias. Por un tiempo se abandonó, hubo un gran período donde su uso no fue definido, pero en 1971 tomó el rumbo de convertirse en un museo.  El museo fue inaugurado en el año 1986.

Alberga una gran colección del impresionismo y el pos-impresionismo, entre sus artistas más célebres Van Gogh y Monet. Alberga cuadros de renombre mundial, como el autorretrato de Van Gogh.

Fecha de Visita:

25/04/2021

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Título: Orbe. Bain cél¬bre dans le Pays de Vaud, Canton de Berne

Creador: Franz Hegi, Matthias Pfenninger

Fecha de creación: c. 1820

Dimensiones físicas: h 322mm - w 416mm

Técnica: etching

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A partir de esta exploración me centré en aquellas que más me gustaron, que más me inquietaron. Estas las comparto a continuación:

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Segunda Parte: Recorrido de Algunas Obras Por Años

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Segunda Parte: Recorrido de Algunas Obras Por Años

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El recorrido en "3D" nos da una buena idea de lo que es el museo, pero siento que acceder a salones pequeños o a obras específicas que no son mundialmente famosas, es difícil. Por esto visité las obras en el panel donde se pueden encontrar todas. El recorrido organizado en años fue el que más me gustó, donde pude observar fácilmente mi técnica favorita, el aguafuerte. Me parece espectacular y hace que la realidad se vea mágica, diferente a cualquier otra cosa.

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Primera Parte: Exploración de los Espacios

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Primera Parte: Exploración de los Espacios

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En mi primera parte de la visita me enfoqué en el recorrido y de la arquitectura y estética del museo. Me encantó mucho el museo. Las columnas, paredes y estética. Me atrevo a decir que aún sin obras, este museo es espectacular. He registrado 5 imágenes de algunos espacios. Sin duda los vidrios, los tintes y el azul son espectaculares. Nunca esperé que el espacio fuera así de bello.

Debo decir que de todas formas la navegación no es del todo sencilla, por lo que decidí sólo "caminar" por los espacios. No me imagino caminar por estos espacios en la realidad. Debo admitir, que en mi experiencia en esta clase de museos, hay gente en exceso, y uno no se goza realmente las obras. Sin duda el mayor privilegio de este mundo es poder estar prácticamente sólo en estos espacios tan magnánimes.

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Amsterdam, Países Bajos

Este museo constituye lo que es el Museo Nacional Neerlandés. Recopila grandes obras, estatuas y artefactos históricos de la cultura de los Países Bajos. Refleja el orgullo de este pueblo. Entre sus artistas más destacados se encuentra Rembrandt. También tiene grandes colecciones de arte asiático entre ellas 'La Gran Ola'. Fue fundado en 1800 y su arquitecto fue Pierre Cuypers

Dentro de la coyuntura de la pandemia mundial, se aprovechó la posibilidad de hacer una visita virtual a este museo. La fecha de visita fue:

21/04/2021

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Cuando me encontraba en lo que considero es la mitad de mi visita, me detuve a seleccionar un "aguafuerte" para su análisis formal. Esta obra me gustó mucho ya que muestra un paisaje interesante en mi opinión. Como ya he mencionado, varias circunstancias de mi vida me llevaron a tener una sensibilidad especial hacia este tipo de obras.

Título: Vergezicht met herder te paard (Ver con un pastor a caballo)

Creador: FrŠdŠric ThŠodore Faber

Fecha de creación: 1831/1831

Ubicación de creación: Brussels

Dimensiones físicas: h 137mm - w 200mm

Elementos Formales

La representación del espacio en esta obra es muy acertada en su representación de la enorme vastedad de espacio que está en el plano de la obra. Se puede observar el uso de la perspectiva atmosférica, haciendo que ya el edificio que se ve en el centro de la obra esté mucho más pálida que el plano principal. Además, los terrenos en el horizonte son casi imperceptibles y llegan a estar desvanecidos en un mayor grado.

En la obra se pueden reconocer una gran variedad de líneas naturales. La forma de los árboles y su contorno los hace parecer rugosos y ásperos. Al igual, las líneas protagonistas son las que están impregnadas en los caminos, mostrando que este es un lugar muy transitado por carretas. Las líneas de las montañas también contribuyen a una sensación de serenidad. Por último, hay unas cuantas líneas inorgánicas, correspondientes a los marcos de las edificaciones.

El color es únicamente abordado desde el contraste. Este es muy fuerte en la obra, aclarando cuál es el primer plano de la obra, al que tenemos enfrente inmediatamente. Así, para establecer la distancia de los elementos atrás en la obra, se deja un contraste muy marcada con el del primer plano.

Principios de Composición:

Si bien la edificación centrada no es aquella con el tono de mayor valor, su ubicación central la lleva a atraer la mirada del autor con énfasis. Al igual, los oscuros valores de las imágenes frontales, los dos árboles, el jinete y sus reses, también centra la atención. Hay una subordinación del pueblo ubicado a la derecha, donde su claridad le hace perder la atención.

El balance (o su ausencia) en la obra es de particular importancia. Hay más bien un desbalance que es muy importante. Definitivamente los dos árboles generan una sensación de parcialidad hacia la izquierda de la obra.

El hecho de usar un sólo matiz hace que los objetos se interrelacionen en gran medida y permite una sensación de unidad dentro del plano de la obra. Hay variedad en los temas de cada objeto. Los árboles representan la naturaleza prevaleciente, pero el camino ya desgastado, las reses y las colinas calvas muestran la transformación del hombre hacia los paisajes y su vegetación.

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Título: The Grotto of Posillipo at Naples

Creador: Antonie Sminck Pitloo

Fecha de creación: 1826/1826

Ubicación de creación: Naples

Dimensiones físicas: h 52cm - w 39.3cm

Técnica: oil on canvas

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Título: Thermen in de Villa Adriana te Tivoli

Creador: Giovanni Battista Piranesi

Fecha de creación: 1748/1778

Dimensiones físicas: h 453mm - w 483mm

Técnica: etching

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Título: A January Evening in the Woods of The Hague

Creador: Louis Apol

Fecha de creación: 1875/1875

Dimensiones físicas: h 92cm - w 121cm

Técnica: oil on canvas