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A tela A criança doente carrega muito da infância do próprio pintor. Ainda jovem, Munch perdeu a mãe e a irmã Sophie para a tuberculose. Apesar do pai do pintor ter sido médico, nada conseguiu fazer para impedir o falecimento da esposa e da filha. O próprio artista teve uma infância marcada pela doença.

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O quadro originalmente chamado Amor e dor, também ficou conhecido como O vampiro e foi exibido pela primeira vez em Berlim no ano de 1902. A tela escandalizou a sociedade por representar uma mulher ao mesmo tempo mordendo e abraçando um homem.

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Com essa obra, Kirchner propõe uma realidade pessimista e violenta, quase chocante. A garota inspira ingenuidade, mas seus olhos, sob a pesada maquiagem, deixam claro sua consciência corrupta e a aceitação de sua condição. O ambiente rústico apresentado na obra de Munch aqui se torna luxuoso, com almofadas e muitos objetos pendurados.

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A alegria de viver, 1906 – A mais aclamada

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Acredita-se que esta tela foi uma espécie de resposta à hostilidade que sua obra recebeu no salão de outono, um ano antes. Mas esta obra também foi alvo de críticas ferozes ao ser exibida. Até mesmo Paul Signac, que apoiou as primeiras produções do artista e que foi, para Matisse, uma inspiração no início de carreira, não poupou críticas.

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A pintura retrata uma paisagem montanhosa sob um céu dramático em tons de vermelho. As montanhas são representadas em tons de azul e branco, sugerindo neve, enquanto o céu é uma mistura flamejante de vermelho, laranja e amarelo. Um fio de lua amarela espreita por trás de uma nuvem rodopiante. O primeiro plano apresenta um conjunto de árvores perenes estilizadas, suas formas simplificadas e representadas em rosa vibrante.

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Harmonia em vermelho, 1908 – A obra prima

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Matisse, conforme fora encomendado, pintou a tela em azul, mas não gostou do resultado e reproduziu a obra em vermelho. Com esta tela, o artista iniciou um período de sua produção marcado por experimentações e investigações com a cor vermelha, o que inclui a obra The Red Studio (citada no início desta matéria).

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É um exemplo peculiar do movimento Fauvista, caracterizado por suas cores ousadas e vibrantes. Pintado em 1905. O uso de Derain de cores vibrantes e pinceladas ousadas captura a beleza da natureza e mostra sua composição hábil. O estilo Fauvista é evidente na ênfase na cor sobre representação realista, criando uma arte dinâmica e expressiva.

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Barcos em Collioure é uma obra de arte bidimensional do artista André Derain. A obra representa um momento importante na história da arte, quando o fauvismo começou a redefinir a cor e a representação na pintura.

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“Les Demoiselles d’Avignon” teve um impacto significativo no mundo da arte. Concluída em 1907, esta obra é considerada uma das primeiras manifestações do cubismo. A pintura retrata cinco figuras femininas em um estilo altamente geométrico e abstrato. Os rostos e corpos das mulheres são representados de forma fragmentada e angular, desafiando a noção tradicional de proporção e perspectiva.

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La Vie ou A Vida é uma das obras mais marcantes da fase azul (1901-1904) de Picasso, na qual a maior parte das pinturas retratam os sofrimentos físicos e mentais humanos através de tons azulados – lembremos que, em inglês, se sentir blue, ou seja, azul, é sinônimo de se sentir triste ou deprimido.

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Esta obra prevê uma série de naturezas mortas, nas quais objetos simbolizam agonia ou miséria mental. Ele pintou crânios repetidamente após seu retorno da guerra e durante o início da Segunda Guerra Mundial. Aqui, ele utilizou uma variedade de cores brilhantes para representar reações emocionais ao desconforto político que sentiu com a guerra.

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A obra Os Pássaros, de Georges Braque, é uma pintura que retrata dois pássaros negros voando num céu estrelado. A obra é um exemplo da fase final do artista, em que as asas gigantescas dos pássaros rasgam os espaços.

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Sobre o círculo, Kandinsky disse que "é a síntese das grandes oposições. Ele combina o concêntrico e o excêntrico numa única forma e equilíbrio. Das três formas primárias, o círculo é aquela que se direcciona claramente para a quarta dimensão."

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“O cavaleiro Azul” traz um cavaleiro vestido com uma capa azul, a cavalgar por um campo verde. Entre outras coisas, destaca-se a citada predileção de Kandinsky por paisagens coloridas e ao ar livre. Além disso, temos várias características do expressionismo presentes na obra como:

A distorção nos traços;

O já citado uso de cores intensas e vibrantes;

A subjetividade, pois apesar de teoricamente ser uma obra com um tema bem definido, havia margem para interpretações. Por exemplo: para muitos, o cavaleiro segura uma criança, mas não há consenso sobre tal fato.

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Esse é um quadro finalizado em 1910, que faz parte de uma série de trabalhos retratando árvores, e no qual o artista utiliza a natureza para ir em busca da abstração. Aqui podemos também notar a influência da pintura de Van Gogh.

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Árvore cinza também integra a série de composições do pintor que tinham o objetivo de estudar as árvores, as cores e a forma.

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A pintura retrata um homem montando um cavalo no meio de uma paisagem urbana movimentada, com edifícios e outras pessoas visíveis no fundo. O homem no cavalo está vestido de preto, enquanto o cavalo em si é pintado em uma cor vermelha impressionante. Esta imagem vívida capta a essência da filosofia futurista, que procurou afastar-se das formas tradicionais de arte estática e abraçar o dinamismo da vida moderna.

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A pintura retrata uma paisagem urbana com edifícios em construção, chaminés, homens e cavalos. A cena é caracterizada por um senso de movimento dinâmico e energia, refletindo a ênfase futurista na modernidade e progresso tecnológico. O uso de cores primárias de Boccioni - vermelho, amarelo e azul - adere à atmosfera vibrante e caótica da pintura.

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Duchamp encontrou e comprou o secador de garrafas no Bazar de l’Hôtel de Ville, e a partir o fazer de uma “obra de arte” nunca mais seria a mesma

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Em 1913, com a obra “Roda de Bicicleta”, Marcel Duchamp antecipou em décadas o que viria a ser o universo de questões da arte atual. A obra que é, literalmente, o objeto que lhe deu o nome, inaugurou a proposta de readymade, ou seja, de usar, na produção da obra de arte, um objeto pronto, não construído pelo artista. Essa obra deu início a uma certa tendência da produção artística, a partir dos anos 1960, culminando no que hoje chamamos de Arte Contemporânea.

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A face da guerra é uma obra concebida no período do pós-guerra espanhol. Nessa época, também estava acontecendo a Segunda Guerra Mundial. Salvador Dalí estava vivendo por um breve momento na Califórnia (EUA), mas conservava em sua memória os horrores da guerra. Ele pinta então essa tela que exibe uma grande caveira com olhos e bocas representando demais caveiras, e dentro delas mais outras. É como o artista consegue exprimir seu horror diante de tanta brutalidade.

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Em Cisnes refletindo elefantes, o pintor usa o "método paranóico crítico", uma ferramenta calcada na psicanálise, que ele desenvolveu para que a apreciação do público fosse ainda mais profunda. Na tela, Dalí produz imagens ambíguas, em que cisnes mesclam-se a troncos retorcidos formando imagens de elefantes no reflexo do lago. A paisagem é ensolarada e árida e há também a figura de um homem - que talvez fosse um autorretrato do artista - do lado esquerdo da cena.

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A pintura retrata um grande olho com um céu azul nublado no lugar da íris. As bordas externas do olho são realisticamente pintadas, incorporando as texturas detalhadas da pele ao redor do olho. Esta imagem impressionante é ainda mais justaposta pelo aluno negro sólido no centro, criando uma sensação de profundidade e mistério.

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O Castelo dos Pirinéus tornou-se uma das imagens mais famosas e reproduzidas de Magritte. Ele incorpora sua típica justaposição perturbadora de objetos familiares, combinados com poesia cativante e mistério. Esta pintura é um exemplo peculiar da arte surrealista, desafiando o espectador a questionar a realidade e explorar o reino da imaginação.