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dessins, enfants, la guerre des crayons, pour la victoire, emprunt national, arrivée des américains, hôtel de ville d'Arras, le moulin de la Galette, cathédrale de Reims,

Quand les petits Parisiens dessinaient la Grande Guerre

Pendant toute la durée du conflit de 1914-1918, les élèves des écoles des rues Sainte-Isaure et Lepic à Montmartre furent invités par leurs instituteurs à dessiner la guerre. Miraculeusement parvenues jusqu'à nous quand tant d'autres ont été perdues, les œuvres de ces jeunes Parisiens délivrent un bien rare : la parole des enfants.

Que perçoit-on du chaos quand on a entre 6 et 13 ans et qu'on est soumis à une intense propagande guerrière ? Les pères et les frères sont partis au front, les femmes travaillent hors du foyer, le rationnement, les alertes affectent la vie quotidienne : qu'en disent les petits dessinateurs ? Leurs sentiments, tout simplement, dissonant souvent de la culture de guerre officielle.

Un fonds unique de 1300 dessins réalisés entre 1914 et 1918 par les enfants des écoles de Montmartre, à Paris.

Une vision de la pédagogie, de l'éducation et de l'incroyable propagande anti-germanique sont montrés dans cet ouvrage.

A l'école de la guerre

Les écoliers et le " bourrage de crâne "

Les " petits poilus " de l'arrière

La guerre avec des yeux d'enfants

L'extrême violence et les plus jeunes

Vivre à Paris en 1914-1918

La guerre à Montmartre

La leçon de dessin La récréation

Les enfants de ma classe versent leur souscription

Voir le lien :

http://philippepoisson-hotmail.com.over-blog.com/article-32562664.html

Dessins d'enfants de province

Dessins d'enfants de l'école publique de Bénodet

Entre le plaisir et le devoir.

Dessin de Jolivet, 17 octobre 1916

Dessin de H. Bourgeois, 1 décembre 1916

L'Alsace apparaît au soldat blessé, Charles Willms

L'allégorie de l'Alsace apparaît à un soldat blessé.

L'officier reprend le drapeau de ses mains.

Ce dessin de pillage et de massacre reprend tous les thèmes de l'atrocité des Allemands. Nul n'échappe au massacre, femmes, enfants, vieillards. L'auteur est Jean Bruller, dit Vercors, l'auteur du Silence de la mer, publié clandestinement durant l'occupation.

Dessins des écoles parisiennes sur le thème de l'arrivée des Américains en France, 1917

L'arrivée des Américains en France

Le 5 juillet 1917, le départ des contingents américains en gare de l'Est.

Amitié franco-américaine

Défilé de troupes américaines dans le jardin des Tuileries

2 juillet 1917, arrivée des troupes américaines à St Nazaire

L'Amérique nous secourt

Voir le lien :

http://www.ecole-alsacienne.org/spip/les-dessins-de-la-grande-guerre.html

Incendie de l'hôtel de ville d'Arras, André Corriez

Incendie de l'hôtel de ville d'Arras, Jean Yves Riedberger

Incendie de la cathédrale de Reims

La destruction de la cathédrale du sacre des rois de France, le 19 septembre 1914, devient immédiatement le symbole des destructions allemandes.

Anatole France écrit : "Le nom allemand est devenu exécrable à tout l'univers pensant."

Auteur : Christian Saurwein.

Le pillard allemand, Georges Bloch

Texte : Ach mein Gott !! J'aurai la croix de fer, j'ai pris à moi seul toute une batterie.. en cuivre !

Dans le couloir d'une maison bourgeoise, un soldat allemand porte sur son dos le fruit de sa rapine. Derrière l'humour de la formule, les éclaboussures de sang sur son manteau et ses bottes et les deux mains coupées qui pendent de son sac évoquent l'horreur du pillage.

Texte : Personnage de gauche : Mein Gott !! C'est du bronze !!!

Ce dessin fait référence à la Statue de la liberté, oeuvre de Bartholdi, dont les élèves pouvaient voir une copie au jardin de Luxembourg. La liberté est remplacée par un soldat allemand marchant au pas de l'oie et tenant un flambeau qui n'éclaire pas. Au pied du socle à droite un personnage grotesque dans un youpala, à gauche un Allemand observe les reste de la statue, réduite en un amas de bronze, prêt à être fondu.

La main coupée, Charles Willms

Le thème des atrocités allemandes revient régulièrement. La charge dramatique de celui-ci est renforcée par le contraste de la petite fille à la main coupée, qui pleure sa mère égorgée, et le couple de soldats endormis. Le mythe des mains coupées remonte à la guerre de 1870.

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Dessins d'enfants pendant la Grande Guerre - Grande Guerre : territoriaux bretons et normands du 87 DIT

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dessins, enfants, la guerre des crayons, pour la victoire, emprunt national, arrivée des américains, hôtel de ville d'Arras, le moulin de la Galette, cathédrale de Reims, Quand les petits Parisiens dessinaient la Grande Guerre Pendant toute la durée du conflit de 1914-1918, les élèves des écoles des rues Sainte-Isaure et Lepic à Montmartre furent invités par leurs instituteurs à dessiner la guerre.

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Suzon, enfant de la seconde guerre mondiale (Mémorial de Caen)

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Suzon, enfant de la seconde guerre mondiale (Mémorial de Caen)

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"Partout dans les rue de Paris, on voit des affiches marquées "Ordre de mobilisation générale" et papa doit partir à la guerre... J'ai 9 ans et je n'y comprends pas grand chose mais j'ai peur... Maman m'a conseillé de raconter tout dans mon journal intime."

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p1 - Votre recherche - La Seconde guerre mondiale Tout : 692 résultats - Gallica

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Accéder au site de la Bibliothèque nationale de France

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> Henry à 10 ans, il vit à Aumetz quand la guerre éclate. Il rentre en CM2 quand, par décision gouvernementale il est déplacé, lui et ses parents, en septembre 1939 dans la Vienne.

> Il fait sa rentrée dans la Vienne. Sa classe est une grange, froide et rudimentaire. C'est le curé d'Aumetz, qui les a suivis, qui est son professeur.

> Ses parents trouvent du travail difficilement car l'accent lorrain est un vrai problème, le plat a des sonorités allemandes qui dérangent. L'intégration est compliquée.

> Il reste dans la Vienne jusqu'en été 1940. A son retour, sa maison a été pillée et le village bombardé.

> Il vit alors la germanisation car Aumetz est en zone rouge, devenu allemande, l'école est de ce fait nazie : les noms des rues changent, lui s'appelle maintenant Heinrich. La propagande allemande est lourdement pratiquée à l'école. Il n'a d'ailleurs plus le droit de parler français.

> mais progressivement il prend conscience des choses, il fait face a un conflit intérieur et commence à résister à ce qu'on essaie de lui inculquer. Il refuse de chanter, dessine des croix lorraines sur les murs et s'oppose à l'idée d'intégrer la jeunesse hitlerienne..

> Lorsque la Moselle est libérée, il a 15 ans, c'est en septembre 1944.

Je m'appelle Henri Altzinger, j'ai 10ans. Mon grand frère, Paul, m'a offert ce journal avant de me dire aurevoir. Je lui ai promis d'y raconter et d'y dessiner toute ma vie pour qu'à mon retour je puisse lui montrer tout ce que nous n'avons pas pu partager.

Il a été mobilisé, je ne sais pas trop ce que cela veut dire mais je sais qu'il ne vient pas avec nous.

Nous sommes en septembre .Je devais faire ma rentrée avec mes copains que tu vois sur la photo. On voit, Aristide, Louis et Jean, mes meilleurs copains. Mais, à cause de la guerre, on nous a demandé de partir. Papa et maman m'ont dit de prendre des affaires importantes, mais nous avons dû laisser notre maison, celle sur la photo avec le petit balcon.

Je ne sais pas encore où nous allons et j'ai un peu peur...En écoutant les adultes parler, on entend le mot guerre.

les copains de ma classe et ma maison à Aumetz.

J'aime beaucoup jouer au foot avec mes copains

Rendez cette histoire réèlle.

Poursuivez les pages réelles du journal intime d'Henry.

En lien avec les passages que vous aurez écrits en français, les chansons créées en musique et les témoignages que vous avez entendus, réalisez les illustrations du journal : dessins, photos, commentaires...puis les objets qui rempliront le cartable d'Henry.

L'ensemble des éléments créé devra être réaliste et plausible, correspondant donc au personnage, (son caractère, son âge, sa situation, ses idées...) et à son époque.

Chaque élève aura une création propre, il faudra donc vous répartir les tâches.

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Henry à 10 ans, il vit à Aumetz quand la guerre éclate. Il rentre en CM2 quand, par décision gouvernementale il est déplacé, lui et ses parents, en septembre 1939 dans la Vienne. > Il fait sa rentrée dans la Vienne. Sa classe est une grange, froide et rudimentaire.

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Dans son journal, Anne Frank raconte sa vie dans la clandestinité et livre ses réflexions au jour le jour, par le biais de lettres adressées à une amie imaginaire qu'elle nomme " Kitty ". Cette lettre datée du 7 mars 1944 est l'une des dernières qu'elle écrit avant d'être arrêtée et déportée dans un camp de concentration.

Chère Kitty,
Quand je songe aujourd'hui à ma petite vie douillette de 1942, elle me paraît irréelle. Cette vie de rêve était le lot d'une Anne Frank toute différente de celle qui a mûri ici. Oui, une vie de rêve, voilà ce que c'était. Dans chaque recoin cinq admirateurs, une bonne vingtaine d'amies et de copines, la chouchoute de la plupart des profs, gâtée par Papa et Maman, bonbons à foison, assez d'argent, que désirer de plus ? [...] Tant d'admiration ne m'aurait-elle pas rendue arrogante ? C'est une chance qu'au milieu, au point culminant de la fête, j'aie été soudain ramenée à la réalité, et il m'a fallu plus d'un an pour m'habituer à ne plus recevoir de nulle part de marques d'admiration.
Comment me voyaient-ils à l'école ? Celle qui prenait l'initiative des farces et des blagues, toujours partante, jamais de mauvaise humeur ou pleurnicharde. Quoi d'étonnant si tout le monde voulait m'accompagner à vélo ou me témoigner de petites attentions ? Aujourd'hui je regarde cette Anne Frank comme une fille sympathique, amusante, mais superficielle, qui n'a rien à voir avec moi.
[...] Malgré tout, en 1942, je n'étais absolument pas heureuse, c'est impossible, je me sentais souvent abandonnée, mais comme j'étais occupée du matin au soir, je ne réfléchissais pas et je m'amusais autant que je pouvais. [...] La première moitié de 1943, mes crises de larmes, la solitude, la lente prise de conscience de tous mes torts et de tous mes défauts [...].
Après le Nouvel An, deuxième grand changement, mon rêve... c'est ainsi que j'ai découvert mon besoin d'un garçon ; pas d'une amie fille, mais d'un ami garçon. Découvert aussi le bonheur en moi et ma cuirasse de superficialité et de gaieté. Mais de temps à autre je retombais dans le silence. À présent je ne vis plus que pour Peter, car c'est de lui que dépendra pour une large part ce qu'il adviendra désormais de moi !
Et le soir, lorsque je suis couchée et que je termine ma prière par ces mots : " Je te remercie pour tout ce qui est bon, aimable et beau ", alors je me sens emplie d'une intérieure, je pense à " ce qui est bon " dans la clandestinité, dans ma santé, dans tout mon être, à " ce qui est aimable " en Peter [...]. Alors, je ne pense pas à toute la détresse, mais à la beauté qui subsiste encore. C'est là que réside pour une grande part la différence entre Maman et moi. Le conseil qu'elle donne contre la mélancolie est : " Pense à toute la détresse du monde et estime-toi heureuse de ne pas la connaître. " Mon conseil à moi, c'est : " Sors, va dans les champs, dans la nature et au soleil, sors et essaie de retrouver le bonheur en toi ; pense à toute la beauté qui croît en toi et autour de toi et sois heureuse ! "
À mon avis, la phrase de Maman ne tient pas debout, car que doit-on faire quand on connaît soi-même la détresse ? On est perdu. En revanche, je trouve que dans n'importe quel chagrin, il subsiste quelque chose de beau, si on le regarde, on est frappé par la présence d'une joie de plus en plus forte et l'on retrouve soi-même son équilibre. Et qui est heureux rendra les autres heureux aussi, qui a courage et confiance ne se laissera jamais sombrer dans la détresse.

Journal d'Anne Frank, 1947, © Calmann-Lévy, 2002 pour la traduction française par Philippe Noble et Isabelle Rosselin-Bobulesco.

1. Grande joie.

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Dans son journal, Anne Frank raconte sa vie dans la clandestinité et livre ses réflexions au jour le jour, par le biais de lettres adressées à une amie imaginaire qu'elle nomme " Kitty ". Cette lettre datée du 7 mars 1944 est l'une des dernières qu'elle écrit avant d'être arrêtée et déportée dans un camp de concentration.

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Vieillir du papier (ne pas faire seul si on ne connaît pas le four )

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Vieillir du papier (ne pas faire seul si on ne connaît pas le four )

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Comment vieillir du papier (Astuce facile et rapide) - Technique #1

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Parmi les artistes contemporains, Anselm Kiefer bénéficie d'un statut particulier. Rarement critiqué, même par les adversaires les plus résolus de l'art tel qu'il apparaît aujourd'hui dans les institutions culturelles et sur le marché. Accueilli avec le respect dû à ceux qui semblent posséder une connaissance supérieure. Admiré pour son courage quand il affronte les démons de l'Allemagne après la Seconde Guerre mondiale.

Chez Kiefer, tout est énorme: la signification démonstrative de ses œuvres qui brassent les mythes et les sagesses, leur nombre, leurs dimensions, les moyens qu'il utilise en se jouant des matériaux (les cendres, le plomb, le sable, le béton, les végétaux et la peinture au sens le plus traditionnel du terme). C'est un homme qui n'hésite pas à déplacer littéralement les montagnes, comme il l'a fait autour de sa résidence du sud de la France à Barjac, creusant les collines et construisant des tours.

Peintures gigantesques

Il est pourtant sans cesse à la limite du malentendu, c'est-à-dire de l'interprétation fautive, comme ce fut le cas dès ses débuts lorsque vers 1970, avec ses œuvres intitulées Occupations, il s'est représenté tendant la main comme un salut nazi dans différents lieux de l'Europe où la guerre était passée, geste qui fut interprété comme une simple reproduction alors que c'était déjà une interrogation, une prise en charge par l'expérience personnelle des questions posées par l'histoire.

Les deux expositions qui lui sont consacrées à Paris au Centre Pompidou et à la Bibliothèque nationale de France donnent la mesure de l'entreprise. La première est une rétrospective, 150 œuvres dont environ 60 peintures la plupart gigantesques, des travaux sur papier, des livres d'artiste, des vitrines évoquant l'alchimie et la Kabbale créées spécialement selon une méthode qu'il avait adoptée dans sa jeunesse et où il assemble toutes sortes d'objets dont les relations provoquent un sentiment d'écoute ou d'étrangeté. Et, dans le forum du Centre, une haute installation que l'artiste avait construite à Barjac, une tour à l'intérieur de laquelle sont suspendues des bandes de plomb recouvertes de photographies prises depuis des années par Anselm Kiefer. L'exposition de la Bibliothèque nationale est une installation constituée d'œuvres allant de 1968 à aujourd'hui, à la fois atelier et bibliothèque, conçue par l'artiste autour des thèmes permanents de son art, la parole, les mots, l'écriture et les livres, avec vitrines, peintures et sculptures.

Chez Anselm Kiefer, ce qu'on appelle aujourd'hui "le travail de mémoire" n'est pas une vague injonction morale à usage intermittent. C'est une pratique. Il est d'ailleurs plus exact de dire qu'il s'agit d'un travail de la mémoire, d'un exercice musculaire voire d'une discipline, tant Kiefer en fait une activité quotidienne de fouille, d'exhumation et de mise en forme, qui lui donnent la carrure d'un véritable athlète de la mémoire allemande et même occidentale.

Pour comprendre cette œuvre assez intimidante à cause de la portée des moyens qu'elle mobilise et de l'étendue des questions qu'elle pose, il faut en évoquer le lieu et les circonstances. Kiefer naît en Allemagne le 8 mars 1945, deux mois avant la capitulation nazie. Il grandit dans un pays dévasté où restent encore les décombres de quelques bâtiments hitlériens construits afin de produire des ruines fabuleuses mille ans plus tard selon la volonté d'Hitler et la doctrine de l'architecte du Reich, Albert Speer. Après la guerre et après de courtes années passées à solder les comptes, le monde passera à autre chose, à la guerre froide avec le communisme où la République fédérale d'Allemagne devient une vitrine politique, stratégique et économique face au nouvel ennemi. Il est recommandé
d'oublier.

Plaie ouverte

Mais pour beaucoup d'artistes et d'intellectuels, la question reste entière. Cette question est souvent résumée par la citation tronquée d'un texte écrit par le philosophe Théodore Adorno en 1949 (citation tronquée reprise dans l'exposition du Centre Pompidou), "écrire un poème après Auschwitz est barbare". En fait, Adorno dit: "La critique de la culture se voit confrontée au dernier degré de la dialectique entre culture et barbarie: écrire un poème après Auschwitz est barbare, et ce fait affecte même la connaissance qui explique pourquoi il est devenu impossible d'écrire aujourd'hui des poèmes."

Ce n'est pas une assertion univoque mais l'énoncé d'une contradiction avec laquelle il faudra vivre. Et cette nécessité, qui n'interdit ni d'écrire des poèmes ni de faire de l'art mais en fixe les conditions, est le fonds de l'œuvre de Kiefer et de ses relations avec la poésie et les poètes comme Paul Celan et Ingeborg Bachmann, de son travail sur les mythes allemands, sur l'alchimie puis sur la Kabbale et le Talmud, c'est-à-dire sur la parole, l'écriture et le Livre en tant que construction du monde. La plaie est ouverte à jamais. Y fouiller est la seule manière de survivre.

Pour les "Nachgeboren", pour ces artistes nés après la guerre, la tâche est énorme. Le sentiment d'irrémédiable après les attentats de 2015, de changement sans retour du sens de la vie, en donne une mesure infime. Anselm Kiefer n'esquive rien. Il fait face à l'incroyable effondrement de l'espérance culturelle allemande qui, de la philosophie des Lumières, de la poésie romantique, de la musique, de la peinture, de Bach ou Beethoven, Kant, Goethe, Novalis et Friedrich au triomphe d'Hitler pose le problème de la raison et de l'héritage. Il ne fait pas face par la seule pensée. Il va au cœur. Il éprouve. Il expérimente. Il se met à la place, au centre de la chose qui n'a pas empêché la barbarie et l'a peut-être, peut-être, rendue possible.

Mythes fondateurs

Il peint, il repeint les mythes fondateurs. Il peint les monuments de l'Allemagne détruite, il peint les corps perdus parce que niés par le monde tel qu'il est devenu, il évoque les poèmes nés des cendres. Jusqu'à la dernière salle de l'exposition du Centre Pompidou et aux dernières œuvres où une installation, citant De l'Allemagne de Madame de Staël, fait se côtoyer les noms de l'histoire culturelle allemande avec des reliques de la Bande à Baader et des "années de plomb" (ce plomb qu'on trouve partout dans son œuvre), pas loin de grands tableaux qui sont des parterres de fleurs. La poésie est impossible, il est impossible de ne pas faire de poésie.

Anselm Kiefer se bat corps à corps. Il accomplit l'une des possibilités de l'art (pas la seule) qui est de re-vivre, de re-faire l'expérience de l'histoire, de pénétrer au centre d'un événement qui n'a pu être évité non pour en changer le cours puisque ce re-vivre est purement symbolique, mais pour y trouver les traces d'une humanité perdue de son propre fait.

Il ne faut pas imaginer les artistes comme s'ils étaient des amateurs choisissant d'aller voir des œuvres ou de visiter une exposition parmi d'autres en fonction de leur envie du moment. Il n'y a pas de choix malgré les discours qui laissent supposer qu'il y en aurait un. Chaque artiste fait ce qu'il peut, rien de plus. Kiefer est depuis le début, c'est-à-dire depuis son début qui est sa naissance et son lieu, habité par ce qu'il doit faire. Le plus impressionnant est qu'il le fait alors que beaucoup se seraient dérobés.

Admirable et pénible

Pour reprendre un extrait du fameux texte d'Adorno où il est question de poésie: "Même la conscience la plus radicale du désastre risque de dégénérer en bavardage." Chez Kiefer, tout est une lutte contre le risque du bavardage. C'est d'ailleurs ce qui le rend à la fois admirable et pénible. Cette profondeur systématiquement recherchée. Cette incapacité à être modeste et minuscule devant la tâche phénoménale. Cette volonté de s'emparer des événements, des œuvres, des manifestations de la pensée les plus complexes et les plus considérables. De ne jamais céder au divertissement.

Il y a chez Kiefer quelque chose de l'heroic fantasy avec l'héroïsme et sans la fantaisie. La destinée lourde et la grandiloquence que le spectateur doit accepter vu la profondeur et la justesse des interrogations posées devant lui. Intimidante, péremptoire, telle est cette œuvre au-delà de l'émotion qu'elle suscite. Elle est puissante et dirigée contre la puissance. Elle est autoritaire et dirigée contre l'autorité. Elle est destructrice et dirigée contre la destruction. Elle est la contradiction incarnée. Et parce qu'elle l'est, elle produit l'inconfort (inconfort de l'histoire et de l'être dans l'histoire) en mettant ceux qui le ressentent au défi de s'en débarrasser.

A voir

"Anselm Kiefer", jusqu'au 18 avril, Centre Georges Pompidou, www.centrepompidou.fr

Anselm Kiefer, "L'Alchimie du livre", jusqu'au 7 février, Bibliothèque nationale de France, site François Mitterrand, quai François-Mauriac, www.bnf.fr

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Anselm Kiefer, le peintre qui n'oublie rien

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Parmi les artistes contemporains, Anselm Kiefer bénéficie d'un statut particulier. Rarement critiqué, même par les adversaires les plus résolus de l'art tel qu'il apparaît aujourd'hui dans les institutions culturelles et sur le marché. Accueilli avec le respect dû à ceux qui semblent posséder une connaissance supérieure.

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Notre bâtiment Nos chefs-d'œuvre Arts plastiques Dessins Photographies Design et prospective industrielle Architecture Films et Nouveaux médias L'Atelier Brancusi La Bibliothèque Kandinsky Plan du Musée

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Il avait marqué le monde de l'art contemporain en 2010 lors de l'exposition Monumenta au Grand Palais avec sa spectaculaire installation Personnes. Franceinfo a appris le décès de l'artiste plasticien français Christian Boltanski ce mercredi 14 juillet, à l'âge de 76 ans.

"Il est mort ce matin à l'hôpital Cochin (à Paris), où il était depuis quelques jours. Il était malade. C'était un homme pudique, il a caché les choses aussi longtemps qu'il a pu", a également déclaré à l'AFP Bernard Blistène, ancien directeur du musée d'art moderne au centre Pompidou, qui lui avait consacré une exposition en 2020 -.

Il était également le compagnon de longue date d'Annette Messager, autre artiste-plasticienne de renom.

Artiste autodidacte

Christian Boltanski fait ses premiers pas dans l'art à l'âge de 14 ans. En 1958, sans avoir connu de véritable scolarité ni suivi de formation artistique, cet autodidacte réalise des tableaux représentant des scènes historiques ou des personnages isolés dans des situations macabres, par exemple dans des cercueils.

L'artiste, qui se qualifiait lui-même de peintre s'éloigne en 1967 de la peinture et expérimente l'écriture, par des lettres, des installations ou des dossiers qu'il envoie à des personnalités artistiques. Par la suite, ses modes d'expression vont s'étendre à de nombreuses disciplines comme la photographie, la sculpture, le témoignage sonore, les installations, les assemblages ou les films.

Une enfance marquée par la Shoah

Christian-Liberté Boltanski naît le 6 septembre 1944 à Paris d'une mère écrivaine, corse et catholique et d'un père médecin, juif converti d'origine ukrainienne. Pendant l'Occupation, sa mère atteinte de polio cache son père sous le plancher de leur appartement. Ils simulent un divorce et prétendent que le père a quitté Paris.

"Mon père était juif. Pendant la guerre, ma mère a eu peur. Un jour, elle a fait semblant de s'engueuler avec lui. Ensuite elle l'a caché sous le plancher et a demandé le divorce. Il est resté un an et demi dans cette cachette... Puis mes parents se sont remariés. [...] Ma vie et mon œuvre ont été très marquées par la Shoah, et je crois que tous les survivants de la Shoah n'ont cessé de se poser la question : pourquoi j'ai survécu ?", expliquait Boltanski lors d'un entretien à Télérama. Son neveu, le romancier Christophe Boltanski raconte cette famille atypique dans La Cache, salué par le prix Femina 2015.

En 2010, son installation monumentale Personnes dans la nef du Grand Palais évoque la Shoah sans y faire directement allusion. La pince d'une grue prélève inlassablement des habits tirés d'une pile d'une quinzaine de mètres et les relâche au hasard. Au sol, 69 "carrés" recouverts de vêtements étalés comme autant de pierres tombales. Le son, très fort, anime l'atmosphère glaciale de battements cardiaques recueillis par l'artiste à travers le monde. Le visiteur est immergé dans l'oeuvre gigantesque. Il n'est plus un simple spectateur.

La mémoire, l'oubli et l'absence

Boltanski est apparenté au courant des Mythologies Personnelles. L'artiste développe sa créativité en mettant en scène sa vie mais de façon imaginaire, idéale, et à travers cette vie unique, il en appelle à l'émotion de chacun. Sa particularité : reconstituer des instants de vie avec des objets qui ne lui ont jamais appartenu mais qu'il expose pourtant comme tels. Il imagine une vie, se l'approprie et tous les objets de ses dossiers, livres, collections sont les dépositaires de souvenirs.

Toute sa vie, Christian Boltanski a travaillé sur l'absence, la disparition et l'inquiétude universelle face à la mort. Ses œuvres font écho à la mémoire, l'oubli et la trace que chacun laisse ou laissera derrière lui. L'émotion est partout dans l'oeuvre de Boltanski, qui interpelle chacun dans la fugacité de son humanité.

On retiendra aussi de l'artiste certains de ses projets iconoclastes : Boltanski avait compilé sur une île japonaise les battements de 75 000 cœurs, vendu sa vie en viager à un collectionneur en Tasmanie et tenté de parler avec les baleines de Patagonie.

Rétrospective à Pompidou

En 2020, le Centre Pompidou lui avait consacré une exposition, Faire son temps, conçue comme une gigantesque oeuvre unique. Avec lui, "une exposition était comme un véritable récit, comme un grand mouvement", se souvient encore Bernard Blistène, qui le côtoyait depuis une quarantaine d'années.

L'évènement s'ouvrait sur un choc visuel : une vidéo d'un homme assis qui ne cesse de vomir. Vidéo qui dit l'enfermement connu par sa famille durant la guerre et les années qui suivirent, imprégnées du récit de la Shoah omniprésent.

"C'est une très grande perte, a déploré Bernard Blistène. Il aimait par-dessus toute cette transmission entre les êtres, par des récits, par des souvenirs. Il restera comme un des plus grands conteurs de son temps. C'était un inventeur incroyable."

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L'artiste plasticien Christian Boltanski, hanté par la mémoire et la mort, vient de disparaître à l'âge de 76 ans

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Franceinfo a appris le décès de l'artiste plasticien Christian Boltanski des suites d'un cancer. L'homme était considéré comme l'une des figures majeures de l'art contemporain.

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Christian Boltanski réalise dans le cadre de l'événement Monumenta une installation au Grand Palais. Fruit de son histoire personnelle et de son rapport à l'histoire et à la Shoah, l'oeuvre met le public mal à l'aise et confirme l'importance du plasticien sur la scène artistique.

Contexte historique

Né en 1944, Christian Boltanski est l'un des plus importants artistes français contemporains. Il n'a pas suivi de formation artistique, mais depuis les années 1970 creuse un sillon très personnel dans l'art.

Son œuvre s'appuie sur une fascination pour ce qui constitue la mémoire et l'identité. Elle le place dans le groupe des inventeurs de " mythologies individuelles ". Ses premières œuvres sont ainsi des recompositions de sa propre enfance par la mise en scène d'éléments réels ou inventés. Fonctionnant par séries qui présentent des traces de vies, il dresse dans les Inventaires le portrait d'hommes et de femmes anonymes à partir d'objets qui leur auraient ou leur ont appartenu. Il propose des photos ( Images modèles) et systématise sa démarche dans Reliquaires et Réserves.

Son obsession du temps, de la mort et de la mémoire s'exprime dans de grandes installations. Christian Boltanski s'y s'empare de drames historiques comme la Shoah, dont il retravaille les photos des victimes ( Entre-temps, 2003), ou de la vie ordinaire et de ses traces ( Personnes et Après, 2010). Le futur occupe une place croissante dans son œuvre, comme ses " archives du cœur " qu'accueille depuis juillet 2010 l'île de Teshima, dans la mer du Japon.

Cette dimension internationale conduit le ministère de la Culture et de la Communication, le Centre National des Arts Plastiques et la Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais à inviter le plasticien à investir le Grand Palais avec une œuvre réalisée in situ dans le cadre de Monumenta. Cette exposition annuelle propose à un artiste français ou étranger de réaliser une œuvre monumentale pour occuper les 13 500 mètres carrés de la Nef du Grand Palais, haute de quarante-cinq mètres. Par son dispositif unique, Monumenta donne à la capitale française une grande visibilité internationale en matière de création contemporaine. Le Grand Palais en devient le centre car il accueille également la Foire Internationale d'Art Contemporain (FIAC) et la Triennale d'art contemporain (ex- Force de l'art) en 2006 et 2009.

Monumenta est confiée au peintre allemand Anselm Kiefer en 2007 ( Chute d'étoiles), au sculpteur américain Richard Serra en 2008 ( Promenade), à l'artiste britannique Anish Kapoor en 2011 ( Leviathan), à l'artiste Daniel Buren en 2012 ( Excentrique(s)). La manifestation, étalée sur cinq semaines, reçoit à chaque fois autour de 140 000 visiteurs, mais Anish Kapoor en attire près du double. Elle connaît une interruption en 2009 pour laisser la place à la triennale La force de l'art.

Éclairage média

Christian Boltanski se déplace dans son immense installation visuelle et sonore. Soixante-neuf espaces carrés sont alignés sur trois rangées dans la nef du Grand Palais, révélés par un intéressant zoom arrière rapide qui en révèle l'ampleur. Chacun des espaces est recouvert de vêtements récupérés, de couleurs vives, posés au sol. Des haut-parleurs, un par carré, diffusent en même temps dans toute la nef l'enregistrement de cœur qui battent. L'ensemble donne un sentiment d'étrangeté. Au centre de la nef, une montagne de vêtements et un grappin monté sur une grue, " le doigt de Dieu ", qui en soulève quelques-uns dans les airs avant de les rejeter. Sur un côté de la nef, des boîtes rouillées empilées semblent contenir des archives, des traces, mais on ne sait pas de quoi.

Le dispositif de Monumenta est mis en relation avec des images d'archives, d'autres œuvres qui révèlent un processus récurrent chez Christian Boltanski. Des objets de mémoire, affectifs (les photos) ou plus neutres (des boîtes, identifiées par des photos) sont disposés sur un mur ou dans un espace. Un bruit, comme un chuchotement dans le reportage, y ajoute une dimension humaine mais inquiétante.

Depuis des années, l'artiste enregistre dans le monde des battements de cœur tels ceux qui sont conservés sur l'île de Teshima. " Du côté des carrés et des battements de coeur, on est encore du côté de l'existence. La pyramide, c'est la mise à mort de masse " dit Boltanski. " Les vêtements, c'est un fripier qui les a fournis. Il les reprend après la fin de l'exposition. Beaucoup seront mis en pièces pour fabriquer du feutre d'isolation. Bien sûr, ça m'a fait penser au feutre fait avec les cheveux des morts dans les camps. J'ai vu chez lui une machine terrible qui déchiquette les vêtements. J'ai pensé un moment la mettre ici. Ce serait trop dur pour le visiteur. Mais l'idée demeure ".

L'oeuvre est autobiographique en apparence, comme toute l'oeuvre de Christian Boltanski qui signale que " quand on arrive à [son] âge, on est un peu comme sur un chemin avec des mines. Il y a ces amis qui sautent et puis soit on continue et on va peut-être sauter demain ". L'installation invite à partager une expérience commune et prend le visiteur à témoin. Mais si l'oeuvre évoque la famille de Boltanski et son " monde de survivants ", Christiane Grenier qui est en une spécialiste rappelle qu'il dépasse cette dimension intime en faisant " très attention à l'ambiance, aussi bien sonore qu'au niveau de l'intensité de la lumière qu'au froid ou au chaud, donc à tout ce qui va pouvoir toucher le corps et l'émotion du spectateur ". Le public semble répondre à ce dispositif, comme cette femme qui trouve " impressionnants " les battements du cœur et qui résume son sentiment par " c'est pesant ".

L'artiste décide d'installer son œuvre Personnes au cœur de l'hiver, du 13 janvier au 21 février. Le choix de la période hivernale et de sa lumière plus mélancolique est un moyen de s'approprier le lieu car " être invité à exposer ici, c'est comme l'être à créer un opéra dont la musique serait déjà composée et dont il faut écrire le livret. Bien sûr, j'ai pris dans mon garde-manger d'idées, dans mon vocabulaire d'artiste. Mais il fallait trouver comment faire alliance avec le lieu " [entretien accordé au Monde, 10 janvier 2010].

Personnes n'est pas sans rappeler une autre oeuvre, Réserve Canada, réalisée en 1988, faite également de vêtements récupérés en référence au nom donné dans les camps aux baraques où étaient triés et stockés les effets des victimes des chambres à gaz. C'est la mise en scène d'une machine à tuer : la chute des vêtements évoque la chute des cadavres, " les vêtements c'est comme des humains ", et l'installation est une métaphore de la Shoah, le stade industriel de la mise à mort dont les boîtes rouillées sont aussi la marque.

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Christian Boltanski expose dans le cadre de Monumenta - Lumni | Enseignement

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Christian Boltanski réalise dans le cadre de l'événement Monumenta une installation au Grand Palais. Fruit de son histoire personnelle et de son rapport à l'histoire et à la Shoah, l'oeuvre met le public mal à l'aise et confirme l'importance du plasticien sur la scène artistique.

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Charlotte