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Artista: Pablo Picasso

Título: La minotauromachie

Técnica: grabado

Dimensiones: placa: 49,6 x 69,1 cm

hoja: 56,6 x 77,2 cm

Fecha: 1935

Estilo o corriente artística: Surrealismo

Género:

Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Este grabado nombrado como "La Minotauromachie", reconocida obra creada por Pablo Picasso en 1935, representa a la criatura mitológica griega del Minotauro. Su nombre evoca también al suceso denominado la Titanomaquia de la misma mitología, donde sucede una batalla entre dioses contra titanes. A diferencia de otras obras a color de Picasso, en este tenemos un tema monocromático a escala de grises que crea una atmósfera sombría y melancólica, intensificando la sensación de conflicto y caos. Las proporciones de los personajes y las perspectivas no son del todo realistas, como suele suceder en el arte moderno y el estilo de Picasso, aquí lo importante es transmitir suficientemente lo que se quiere plasmar en la obra, en este caso por medio de esas líneas descuidadas y agresivas que dan sensación de energía y violencia en la composición.  El Minotauro, como otros animales, representa en la mitología griega el poder, el deseo, agresividad, la naturaleza primitiva del hombre y en general los toros como tema han sido recurrentes en obras de Picasso como en el Guernica, Corrida de toros y el Toro, entre otras. La lucha del caballo y el toro podría estar asociado a dos contrapartes simbólicas del comportamiento humano que están siendo enfrentadas (Macías C., 2010). En esta obra la cabeza de toro domina la composición, enfatizando su significado dentro de la narrativa. Es una obra de arte visualmente impactante que captura la esencia del estilo artístico de Picasso y su fascinación por los temas mitológicos y los toros en general.

Macías C. (2010) Aproximación al simbolismo animal en Picasso y sus posibles referentes clásicos. Euphrosyne, V 38. Pp. 447-460. https://doi.org/10.1484/J.EUPHR.5.124704

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

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Ficha técnica
Artista: Claude Monet

Título: Eugenie Graff (Madame Paul)

Técnica: Oleos y lienzo

Dimensiones: 63 x 53 cm

Fecha:1882

Estilo o corriente artística: Impresionismo

Género: Retrato

Lugar: Fogg Art Museum, Harvard University

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Ficha Técnica

Título: El Cid

Artista: Rosa Bonheur

Año: 1879

Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 76 cm × 95 cm
Estilo o corriente artística: Realismo

Ubicación: Museo de prado, Madrid España
Género: retrato

El Realismo es un movimiento que busca representar hechos y actividades cotidianos, si no existentes, por lo que es muy difícil encontrar obras antropozoomórficas que son más del imaginario, eran comunes en la mitología antigua e incluso en el cristianismo. Tanto así que Courbet, el máximo representante del Realismo, dijo "Nunca he visto ángeles. Muéstrame un ángel y yo pintaré uno. La pintura es la representación de las formas visibles. La esencia del realismo es su negación del ideal…" Por otra parte, Rosa Bonheur solía pintar animales, como en esta obra que demuestra su minucioso y preciso trabajo, donde podemos apreciar detalladamente el pelaje del león. Escogí esta obra a pesar de ser solo un animal, porque tiene una expresividad en su mirada que nos da una sensación más humana que animal, inclusive podría identificarse cierto carácter y personalidad en este león, por lo que considero que es parte humano. Esta característica de la pintura causó impresión sin dejar a un lado lo detallada y precisa.
Poveda, L. (2022). El Cid un retrato casi humano. Tomado de https://historia-arte.com/obras/el-cid

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FICHA TÉCNICA

Artista: Desconocido

Título: Iglesia abacial de Santa Fe-El tímpano del juicio final

Técnica: Arquitectónica y escultura, piedra.

Dimensiones:
Iglesia
Longitud exterior 59 metros. Longitud interior 56 metros, anchura de cada transepto es de 4 metros. Altura de la torre sobre el crucero  26,40 metros de alto.
Tímpano
6,70 m de ancho por 3,60 m de alto

Fecha: Siglo Xl Y Xll

Estilo o corriente artística: Arte románico

Género: Religioso

Lugar: Conques, Aveyron, Francia

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Artista: Desconocido, encargado por el emperador justiniano

Título: El Cordero Místico Mosaicos de San Vitale

Técnica: Mosaico Bizantino con teselas de mármol

Dimensiones: no encontradas

Fecha: 546-556 dc

Estilo o corriente artística: Arte Bizantino

Género: Religioso

Lugar: Ravenna Italia, Basilica di San Vitale

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Artista: Desconocido

Título: Panel de relieve en estuco

Técnica: Moldeado en estuco

Dimensiones: Alto 35,6 cm, ancho 34 cm y profundidad 7 cm.

Fecha: mediados del siglo I d.C.

Estilo o corriente artística: Arte Romano

Género: Religioso

Lugar: Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York quinta avenida.

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Artista: Desconocido

Título: Estatua de mármol de Pan

Técnica: Esculpido en Mármol

Dimensiones: 67,6 cm altura

Fecha: siglo I d.C., 1-500 d.c

Estilo o corriente artística: Arte Romano

Género: Mitológico

Lugar: Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York quinta avenida.

Esta es una escultura de casi 68 cm de altura, tallada en mármol y que lamentablemente se encuentra incompleta. A pesar de que le faltan extremidades y una vasija que el personaje llevaba a cuestas, es posible reconocer aspectos importantes de la escultura. Se cree que era parte de una pila y era una salida agua. (MET museum, 1992) Para empezar, es un hombre de rostro algo envejecido, pero con un cuerpo musculoso que abunda de pelo en las piernas como las de un animal. Otra característica resaltable de esta obra es la postura que tiene esta criatura, puesto que esta en una posición arqueada, como si llevara peso, y representa un dinamismo como si estuviera caminando, subiendo una pendiente o escalones. Además, tiene la cabeza girada, su mirada no sigue el movimiento y parece ser parte de una escena más compleja de lo que alcanzamos a ver. Se trata del dios pan, el dios cabro que fue tomado por los romanos de la mitología griega, el único de los dioses que era parte animal en la mitología griega. Este dios a menudo se asociaba o confundía con el dios Dionisio, para los romanos se equiparaba muchas veces con el dios Fauno y Silverio. (Porres, S 2012) A pesar de que desde la cultura griega vemos representaciones más centradas en la representación del ser humano y de una forma perfeccionista, todavía quedan rastros de quimerismo en algunas deidades vigentes en el imperio romano, que fue adoptando y transformando estos dioses griegos junto con el arte que los representaba. Prueba de lo anterior es el parecido de esta representación con otras de origen griego como lo son algunas ánforas, pero más importante es la coincidencia del tema recurrente donde se representa a esta deidad con el deseo sexual, pareciera mostrar esa parte salvaje del ser humano de querer satisfacer sus necesidades reproductivas por medio de un personaje que perseguía a las ninfas y es quizás por la razón de ser mitad animal.

Porres, S (2012). La dionisización del dios Pan. Synthesis (La Plata), 19, 63-82. Recuperado en 20 de febrero de 2023, de http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0328-12052012000100005&lng=es&tlng=es.

El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. The Bothmer Purchase Fund, 1992. de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/256127

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La escultura es una de las formas de arte más representativas de la cultura griega, como también sus temáticas mitológicas que se ven reflejadas por los dioses y sus historias esculpidas. Por lo anterior enfrentamos dos obras que representan dos periodos muy importantes del arte griego, también coinciden en ser centauros, pero tienen distintas técnicas, propósitos, materiales e historia. El primero a la izquierda es una metopa de 122 x 132 cm que perteneció al gran Partenón de Atenas, en el periodo clásico entre 447AC Y 438AC . Está esculpida en mármol, tiene un volumen y profundidad notorios, pero sigue estando unida a la placa de mármol, como si los personajes se hundieran en ella. La otra obra era la parte decorativa de un Ritón o cuerno que servía como utensilio para beber, mide unos 22 x 11 cm y fue elaborado moldeando plata y oro. Las principales diferencias que podemos notar están en sus materiales y elaboración, en cuanto al Ritón podríamos estar frente a un material más fino, unos metales que debieron ser moldeados con golpes, quizás calor y que al final tiene una función más utilitaria o más cercana al uso cotidiano, mientras que la metopa perteneció a todo un complejo arquitectónico que debió ser esculpido con herramientas más bien filosas, por otra parte, este obedecía a una necesidad religiosa por haber sido un templo. En cuanto a la composición, la metopa tiene dos personajes enfrentados, pero a pesar de que es una lucha, se ven un poco rígidos. A pesar de que las posiciones muestran golpes simultáneos y cierto dinamismo, las formas son muy geométricas, en un mismo plano y no interactúan tanto en respuesta a sus ataques. Además, se ve cierta expresividad de enojo por parte del centauro, pero del hombre no tanto. En el caso de el Ritón, solo tenemos un personaje que trae consigo un movimiento muy natural, con un pie adelantado, es muy dinámico, sostiene algo con delicadeza y una de sus manos va algo preventiva, su mirada va a un costado, mientras que el torso gira al lado contrario. La anterior comparación nos muestra un poco lo que fue del cambio en cuestiones artísticas entre las dos épocas, al menos en escultura, se puede apreciar un mayor esfuerzo por representar los detalles y que se perciba más naturalidad en la escultura. La temática podemos ver que no cambió mucho, pero quizás bajó la representación de criaturas y se vió más la representación figuras completamente humanas.

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Artista: Desconocido

Título: León alado con cabeza humana (lamassu)

Técnica: Esculpido en alabastro de yeso

Dimensiones: 311.2 x 62.2 x 276.9 cm y 7257.4 kg

Fecha: ca. 883–859 a. C.

Estilo o corriente artística: Arte Neoasirio

Género: Religioso

Lugar: Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York quinta avenida.

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Artista: Desconocido

Título: Thoueris amuleto

Técnica: Esculpido en piedra

Dimensiones: 6 cm Altura sin soporte

Fecha: 1077 - 332 a. C.

Estilo o corriente artística: Arte Egipcio

Género: Religioso

Lugar: Galeria Golconda
Place de la Grande Fontaine
Saint-Paul de Vence
Francia
Antiguo Egipto Estatuilla De Thoueris

En la mitología egipcia se veneraba una diosa representada con cabeza de hipopótamo, es a quien vemos en la pequeña figura de 6 cm de altura tallada en roca de color turquesa, que, además poseía otras partes animales como una cola de cocodrilo y patas de león. Parece conservarse completa y tiene sus partes perfectamente distinguibles. En cuanto a su funcionalidad se puede deducir que era un colgante, si tenemos en cuenta su tamaño y el aro que tiene en la cabeza, a veces en la espalda en otras iguales de la misma diosa, parece una estatuilla o un amuleto religioso para llevar encima como accesorio de protección, pero la galería que la expone asegura que es parte del culto a los muertos. Thouéris, teuris o Ta-rouet es el nombre de la diosa antropozoomorfa representada en la figura, significa la grande y representaba en el antiguo Egipto la madre universal ya que era la madre del dios principal Set, también como la protectora de hogares, de niños y su nacimiento por lo que era representada en embarazo. Entre las intrincadas historias mitológicas de la cultura egipcia se puede ver que era una diosa de personalidad múltiple, atribuidas incluso a otras diosas, quizás eso explique que este formada por 3 animales distintos, pero era también la encarnación de la Inundación y se veía muy relacionada con criaturas acuáticas como las de la figura e incluso peces. (Padró, 2014) De nuevo vemos la figura hibrida de animal-humano relacionada con lo metafísico, desde el chamanismo en la prehistoria y ahora en un ámbito de religión mucho más complejo. Es muy famosa la forma de representar las divinidades en Egipto usando, la mayoría de las veces, partes animales reemplazando la cabeza y atribuyendo las características sobrehumanas de dichos animales al dios, su función y posición dentro del panteón egipcio.

Referencias

Antiguo Egipto Estatuilla De Thoueris. Galerie Golconda. (n.d.). Retrieved February 6, 2023, from https://galeriegolconda.com/fr/objects/statuette-de-la-deesse-thoueris-epoque-saite-turquoise

Padró, J. (2014). Apuntes sobre la religión de oxirrinco en la Baja época. Fundación Dialnet. Retrieved February 6, 2023, from https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=5738358

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FICHA TÉCNICA

Artista

Título

Técnica

Dimensiones

Fecha

Estilo o corriente artística

Género

Lugar

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Prehistoric Rock Paintings of Libyan and Algerian Sahara

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Observando el arte y a veces la mitología de diferentes culturas a través de la historia he podido identificar una fascinación desde el imaginario por pensar criaturas híbridas de humanos con otros animales, esto parece suceder desde la prehistoria y continuar incluso hasta nuestros días. Creo que gran parte de estas imágenes pudieron haber tenido diferentes significados a lo largo del tiempo y que pudieron surgir desde lo místico, chamánico, metafísico, hasta pasar por ejemplos modernos más simbólicos o hasta satíricos. Como estudiante de biología me he encontrado con muchos casos de quimerismo en medicina con el cultivo de órganos o en la combinación de ADN, y he notado que todavía parece latente el interés por combinar especies, incluso humanos con animales como se ha llegado a proponer mediante el uso de las últimas tecnologías en edición genética. Incluso yo he pensado en cómo sería la vida teniendo las habilidades de algunas especies, parece un pensamiento colectivo innegable de nuestra especie y por eso quisiera hacer el recorrido a través del arte para ojalá entender cómo nacen estas ideas o al menos seguir las variaciones, coincidencias, patrones e ideologías detrás de las obras que se ha hecho basadas en la hibridación de humanos.