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Agregar sus aportes sobre el orden de las columnas en el arte griego.

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Agregar sus aportes sobre el orden de las columnas en el arte griego.

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Utilice todos los recursos que pueda integrar a sus aportes.

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Tipos de columnas (griegas, romanas y egipcias)

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Las columnas de arte griego, se que existen 3 tipos de columnas que son: dórico, jónico y corintio. Que la columna dórica no tiene base y quisiera saber porque es la única de las columnas que no lo tiene. Que no sabía que las bases de las columnas jónica y corintia tienen base para poder sostenerla.

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Tutorial - COLUMNAS Griegas II para Escenografía o Dioramas

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La arquitectura griega y sus características.  Bárbara (mi aporte)

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La arquitectura griega y sus características.  Bárbara (mi aporte)

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La arquitectura griega es fundamentalmente adentellada, dominando las líneas rectas, tanto horizontales como verticales, no usan la bóveda.

Por lo tanto, es lo que caracteriza a los griegos de las demás cultura.

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Sara Alvarez

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Detalle de unas columnas pareadas en la Catedral Metropolitana de la Ciudad de Guatemala, centro histórico zona 1.

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Las columnas Jónicas eran mas altas que las dóricas. Esto hacia que el aspecto sea mas delgado. Las bases eran grandes que parecía un conjunto de anillos. El estilo jónico es un poco mas decorativo que el estilo dórico.

Los capiteles corintios tiene flores y las hojas debajo de un pequeño pergamino. Templo de Zeus en Olimpia.

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Cualidades de la arquitectura griega y romana.

En este caso tenemos de las dos culturas, griega y romana pero nos estamos centrando en la arquitectura griega. Es monumental sin llegar a ser colosal como Egipto. Tiene un estilo arquitectónico muy equilibrado, todo está hecho con una medida, un canon.

Escuchemos un poco de este podcast enfocado a la arquitectura griega.

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Galería 77: Arquitectura griega y romana

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Galería 77: Arquitectura griega y romana

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Orden Dórico

Es el más sobrio en cuanto a formas y proporciones. Su decoración se caracteriza por preservar la mayor austeridad posible. Suele estar asociado a divinidades masculinas.

Orden Jónico

Suele estar asociado a lo femenino, por tanto, se emplea en los templos de las diosas. El pedestal es igual que el del dórico. La columna arranca de una basa formada por una escocia y dos toros.

Orden Corintios

Tiene las mismas características que el orden jónico, sin embargo su capitel se encuentra decorado con hojas de acanto, y su friso puede estar decorado o no.

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Los tres órdenes clásicos de la arquitectura griega son el dórico, el jónico y el corintio.

Ingresando a este documento podemos indagar un poco más acerca de las columnas griegas.

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Aunque la invención de la columna como parte de la estructura de la edificación no se atribuye directamente a los griegos, si la desarrollaron al máximo.

De hecho, se le atribuye al mítico arquitecto Imhotep la perfección de la columna hacia el año 2600 a de C en el Imperio Egipcio.

La columna se había usado por las más antiguas civilizaciones del Mediterráneo y oriente próximo desde hace miles de años.

Su uso más rudimentario fue perfeccionado por los egipcios quienes desarrollaron columnas talladas en piedra como una sola estructura.

El imperio egipcio consideró a la columna como un elemento principal en la construcción y decoración de sus construcciones religiosas y/o funerarias.

No obstante, aunque haya sido usada por muchas civilizaciones, fue la arquitectura griega quien dio a la columna un lugar privilegiado.

Los órdenes de columnas griegas han traspasado las fronteras del tiempo y han llegado a formar parte de la iconografía de la arquitectura universal.

Analizaremos hoy los órdenes, características y los principales elementos que componen a la columna griega.

Órdenes de la columna griega

La columna griega llegó a un grado de perfeccionamiento tal que ha estado presente en todos los templos y principales construcciones griegas.

Además de considerarse un elemento constructivo y estructural, los griegos consideraban a la columna como el principal elemento decorativo arquitectónico.

Los templos eran las construcciones más sagradas de los griegos, para ellos era la morada de los dioses y como tal debían recibir la máxima atención.

Es por ello que dedicaban todo su esfuerzo constructivo, los mejores materiales y las técnicas más avanzadas en la construcción de los templos.

La perfección de la técnica constructiva de los templos griegos les llevó a desarrollar tres órdenes que fueron desarrollándose en el transcurrir del tiempo.

Los tres principales órdenes de la columna griega son:

La columna griega del orden dórico

El orden dórico es el orden más simple y antiguo de los estilos arquitectónicos de la columna griega.

Se usó de manera muy frecuente en construcciones majestuosas como en el Partenón de Atenas.

La columna griega es uno de los elementos más representativos del orden arquitectónico y la época en la que fue erigida la obra.

El orden dórico, se representa por sus columnas y además por:

Columnas sin una base visible que las separe del suelo de la estructura.

Capiteles lisos y sin decorados a la vista.

Entablamento y friso con elementos ornamentales.

Columnas robustas y estriadas.

Diseño sencillo y sin florituras

No posee elementos decorativos destacables.

Partes del orden dórico

Las partes de las columnas dóricas son:

La plataforma o krepis: Base sobre la que se levanta la columna. Contiene el estereóbato y el estilóbato.

Estereóbato: Se denomina así a los escalones inferiores de las edificaciones.

Estilóbato: Así se conoce al escalón superior sobre el que descansa la columna griega.

Columnata o peristilo: Una fila de columnas levantadas dentro de una estructura. Rodea la edificación.

Fuste: Puede ser de una sola estructura de piedra o también por varios tambores superpuestos, es decir bloques de piedra apilados uno sobre otro sin argamasa.

Capitel: Es la parte más descriptiva del orden arquitectónico de una estructura. Es el soporte del entablamento y es la parte superior de la columna.

El friso puede contener triglifos y metopas. Un triglifo es un tipo de decoración rectangular de tres bandas verticales. Una metopa es un espacio liso, rectangular y con relieves.
El capitel se compone de:

Collarino: Une el fuste con el capitel con forma de anillo y con tres o cuatro pequeñas hendiduras, algunas columnas no lo presentan.

Equino: Es el elemento circular que se sitúa sobre el collarino y se define por un perfil convexo.

Ábaco: Esta es la pieza superior del capitel, es una losa rectangular en la que descansa el arquitrabe.

Entablamento: Se conoce como 'cornisamento' y es la parte de la columna griega que descansa sobre el capitel y se constituye por arquitrabe, el friso y la cornisa.

Arquitrabe: Parte inferior del entablamento en contacto con la parte superior de la columna. Transmite el peso de la parte superior a la columna.

Friso: Este se constituye por la parte decorada del entablamento, por lo general se realizaba en relieve y debajo de la cornisa.

Cornisa: Es la moldura que sobresale en la parte superior del entablamento, su función es el resguardo de muros y también como elemento decorativo.

Cubierta: Se llama así a la parte de la estructura que encierra la construcción y que puede estar inclinada.

El orden dórico contempla cubiertas conformadas por:

Frontón: Una estructura de forma triangular rematada en la fachada de la estructura.

Sima: Parte en la que se apoyan las tejas que cubren los techos.

Gárgola: Ornamento que sobresale de la estructura con función de desagüe de aguas de lluvia.

La columna griega del Orden Jónico

Se desarrolló en los asentamientos griegos de la región de la Jonia, en lo que actualmente es Turquía.

Vitrubio, el mítico arquitecto romano describió a la columna griega jónica como la contraparte femenina de la masculinidad de la columna griega dórica.

Características de la columna jónica

Uso de la policromía en el orden jónico:

La columna griega del orden jónico se diferencia de la del dórico porque la jónica es mucho más ornamentada y colorida que la dórica.

El capitel de la columna griega jónica es más representativo del orden jónico. Se reconoce con facilidad por sus volutas o espirales visibles y característicos.

Se cree que fueron adaptaciones de los diseños del capitel fenicio y de los capiteles egipcios del primer imperio.

Se consideran como la parte ornamental de la columna y se establecen en forma de dardos y de ovas. Tiene un ábaco rectangular.

Una cornisa coronada por un alero sobresaliente con una moldura en forma de S, lo que se conoce como cimacio.

La columna descansa sobre la basa, la que está formada por una escocia y dos molduras. La columna griega jónica no tiene éntasis y además tiene entre 20 a 24 acanaladuras verticales separadas por superficies planas.

La basa se apoya sobre el plinto, es decir, una pieza inferior de características prismáticas, cuadradas y de muy poco espesor.

El fuste es bastante parecido al orden dórico, con una sección circular con gálibo levemente resaltado.

El pedestal es similar al del orden dórico.

El entablamento corresponde a un quinto del orden total. Su composición se basa en un arquitrabe , friso y cornisa.

El arquitrabe tiene tres bandas horizontales.

El friso se compone por una viga decorada con relieves en la parte inferior. Tiene un friso continuo de relieve escultórico, a diferencia del friso dórico compuesto de triglifos y metopas.

La cornisa contiene ornamentos con dentículos.

De hecho, la columna dórica se plantea como una estructura monocromática, del mismo color que la piedra que la estructura.

Sin embargo, la columna jónica es una columna policromática con brillo, mezcla de colores y muy festiva.

Se usaron colores dorados, azules, amarillos o rojos como parte de la coloración de las columnas jónicas.

La columna griega del Orden Corintio

La columna griega del orden corintio es la más decoradas de todos los órdenes arquitectónicos griegos.

Una de sus características indiscutibles más icónicas es la decoración vegetal compuesta por hojas de acanto con una forma curva en su capitel.

Características de la columna griega corintia

La columna griega del orden corintio es la última en la evolución de las columnas de la Grecia antigua.

Su desarrollo vino acompañado de la gran evolución constructiva de los griegos y por lo elaborado de su diseño se destina a los templos más importantes.

La columna griega corintia se caracteriza por las siguientes características:

En algunos casos, la basa se apoya sobre un plinto en su parte inferior.

Los tallos proyectan volutas o espirales en las cuatro esquinas.

Basa: La columna tiene una pieza de apoyo que se compone por tres molduras: dos boceles en círculo y una escocia intercalada entre ambas partes. Esta última puede ir adornada con listeles.

Principales obras por orden de columna griega

Fuste: Tiene una sección circular y con un ligero éntasis. Se presenta acanalado en 24 estrías que se separan por filetes longitudinales. La columna puede tener veinte módulos y el fuste solamente puede tener dieciséis y dos tercios.

Capitel: Se reconoce fácilmente por el aspecto de campana invertida o cesta. Esta representación simboliza la abundancia, pues de la cesta rebozan hojas de acanto.

La arquitectura griega basada en la columna, han dado a la columna griega un lugar privilegiado en la historia de la construcción humana.

Muchas obras legendarias han mostrado a la columna griega como un estilo arquitectónico de gran importancia.

Entablamento: Este mide por lo general un quinto del orden total y se forma por:

Arquitrabe: Descompuesto en 3 bandas horizontales que se superponen en escalones o fasciae.

Friso: se compone en una banda continua sin metopas, ni triglifos y que se adornaba con figuras sucesivas y en relieve. El friso se carga directamente sobre el arquitrabe.

Cornisa: Se corona por un alero en forma saliente con una moldura de tipo cimacio.

Históricamente, las principales obras arquitectónicas por estilo de columna griega son:

El Partenón (Orden Dórico)

Es un templo situado en la Acrópolis de Atenas y se dedicó como adoración a la diosa Atenea Parthenos. Atenea era la diosa protectora de la ciudad de Atenas.

Una curiosidad es que reemplazó al templo anterior en el mismo emplazamiento y muchos historiadores lo denominan el Pre-Partenón. Este fue destruido por los persas en las guerras médicas.

Está construido casi totalmente en mármol blanco del Pentélico y se rodea de columna griega de orden dórico por todo su perímetro.

Se inició su construcción por Pericles los arquitectos encargados de la obra fueron Ictino y Calícrates.

Templo de Atenea Niké (Orden Jónico)

Se construyó como sitio de descanso de la estatua de la diosa Atenea Niké o la diosa alada como la conocían los griegos.

De acuerdo a la mitología griega, Atenea es la diosa de la guerra, de la civilización y de la sabiduría. Además es la garante de la estrategia, el arte, la justicia y la habilidad del ser humano.

Atenea es una de las más destacadas divinidades del panteón griego con culto en toda Grecia.

El templo se construyó como una celebración a la Batalla de Salamina y la columna griega de orden jónico rodea al templo de manera decorativa.

Arquitectónicamente, es un edificio de planta rectangular y orden jónico, lo cual se distingue por su columna griega.

Se puede decir que es un templo tetrástilo con cuatro columnas en la fachada principal y con columnas en la parte delantera y trasera.

El templo es mayor a ocho metros de altura por lo que se considera de reducidas dimensiones comparado con otros templos del arte griego.

Linterna de Lisícrates (Orden Corintio)

Este es uno de los monumentos de mayor significación en el estudio de la columna griega del orden corintio.

Se establece como un monumento de construcción singular que descansa sobre un pódium de planta cuadrada de 3 metros.

Sobre esta base se erige un cuerpo cilíndrico con 6 columnas adosadas de orden corintio. Es una construcción arquitrabada, es decir, adintelada.

Por encima de cada columna griega encontramos un entablamento con arquitrabe, friso corrido y cornisa característicos del orden corintio.

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La columna griega es el elemento arquitectónico más resaltante e icónico de una de las arquitecturas más desarrolladas en la historia de la humanidad.

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Especialmente en su arquitectura.

Lo que sabía era que en su arquitectura, sus artes plásticas y demás manifestaciones eran muy detallistas, muy perfeccionistas, en el hecho de que trataban de hacer los detalles lo más finos posibles, por ejemplo en la escultura, ahora en las columnas ya podemos ver detalles decorativos y bien hechos.

Lo que no sabía era que habían diferentes técnicas por ejemplo en las columnas, yo las veía muy bonitas y diferentes a otras culturas pero no entre la misma.

Lo que me gustaría saber es las demás técnicas no tan reconocidas que utilizaban los griegos en ese entonces. Y claro, me gustaría intentar practicar sus formas artística como ellos lo hacían.

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https://historia.nationalgeographic.com.es/a/dorico-jonico-y-corintio-tres-ordenes-griegos_12757

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Lo que los historiadores del arte llaman "órdenes" en arquitectura griega son diferentes estilos de construcción que se distinguen básicamente por la disposición de los elementos arquitectónicos fundamentales -las columnas, los capiteles que las coronan y el entablamento (los elementos dispuestos sobre los capiteles)-, y también por las proporciones de estos elementos. En Grecia hubo dos órdenes arquitectónicos básicos: el dórico, el más antiguo y que se caracteriza por su sencillez, y el jónico, que se define porque las columnas tienen un capitel en forma de volutas. Ambos órdenes surgieron entre los siglos VII y VI a.C. El tercer orden, el corintio, era una variante del jónico y es más tardío, apareció en el siglo IV a.C. Su principal característica son los capiteles decorados con hojas de acanto.

El dórico y el jónico perduraron durante toda la Antigüedad clásica, si bien variaron las proporciones, en especial la altura y el diámetro de las columnas, que tendieron a hacerse más esbeltas, a la vez que se aligeraba el entablamento. Ejemplos de templos construidos en estos estilos son el Partenón, paradigma del orden dórico; el Erecteion, erigido en órden jónico, y el templo de Zeus Olímpico, con sus grandiosas columnas de orden corintio. Los dos primeros se alzan en la Acrópolis de Atenas, y el último, también en Atenas, a los pies de la colina sagrada.

Para saber más

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Dórico, jónico y corintio, los tres órdenes griegos

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Lo que los historiadores del arte llaman "órdenes" en arquitectura griega son diferentes estilos de construcción que se distinguen básicamente por la disposición de los elementos arquitectónicos fundamentales -las columnas, los capiteles que las coronan y el entablamento (los elementos dispuestos sobre los capiteles)-, y también por las proporciones de estos elementos.

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COLUMNAS DÓRICAS, JÓNICAS Y CORINTAS ¿En qué se diferencian? Sus principales características. 🏛📢

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SE refleja el estilo dórico en las columnas de la iglesia de Santo Tomàs Chichicasstenango Guatemala. Sara Alvarez.

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Instrucción: agregar elementos de la cultura griega, pintura, escultura, relieves, cerámica entre otros que sea parte del arte. 

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Instrucción: agregar elementos de la cultura griega, pintura, escultura, relieves, cerámica entre otros que sea parte del arte. 

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Morelia

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Morelia

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Historia de la escultura griega · El Auriga del Arte

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Imágenes
El arte de la Grecia arcaica: pintura, escultura y cerámica

historiaeweb.com

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Haz clic aquí si no vuelves a acceder en pocos segundos. Imágenes El arte de la Grecia arcaica: pintura, escultura y cerámica historiaeweb.com Las imágenes pueden estar sujetas a derechos de autor.

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La pintura de la Antigua Grecia es el conjunto de obras artísticas producida por artistas del mundo helénico.

Con anterioridad la formación del llamado Arte Griego en territorios de la antigua Grecia se cataloga el llamado arte prehelénico, conservado en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y vida. En el ámbito de la cerámica, se anotan asimismo las primitivas decoraciones de vasijas, en las que raras veces se representa la figura humana, muy estilizada y con escasos detalles.

El conocimiento de la pintura griega y sus artistas se debe casi por completo a los historiadores de la antigüedad clásica, pues no se conservan cuadros de Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados sus mayores representantes. Las únicas obras pictóricas conocidas son las conservadas en las decoraciones de los diversos periodos de la cerámica decorada helénica (con abundante producción de vasijas de todo tipo). También podrían incluirse algunos mosaicos y placas de arcilla pintadas. Ya posteriores al periodo griego clásico, pueden citarse las obras de pintura romana en que intervino mano griega. Se ha sugerido la posibilidad de que algunas decoraciones de las grandes ánforas o cráteras, pudieran ser copias de pinturas murales originalmente realizadas al fresco, al encausto, al temple y con menor probabilidad, incluso al óleo. En general, los temas y asuntos representados en las muestras de pintura conservada en las cerámicas son escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas.

La pintura griega se divide en tres periodos (después de los periodos llamados protohistoricos o anteriores al arte griego, como el cretense y micénico ya nombrados que pueden considerarse como protohistóricos).

1. El de formación y arcaico que dura hasta el siglo V a. C., el cual se distingue por los resabios de influencias asirias y egipcias que revela en sus dibujos. La pintura de las vasijas correspondientes al primero de dichos periodos suele ofrecer desde mediados del siglo VIII a. C. las figuras de color negro sobre fondo amarillo o rojo (pues antes de dicha fecha consistía en dibujos de estilo geométrico y figuras estilizadas)

2. El de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C. en que se emancipó la pintura con Polignoto, seguido de Apolodoro, Zeuxis y Parrasio, muy correctos en el dibujo, atribuyéndose al primero la invención del claroscuro. Las vasijas de este periodo tienen las figuras rojas sobre fondo negro, siendo excepción los célebres lecitos blancos de tenas que sobre fondo blanquecino ostentan figuras polícromas.

3. El alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos más tarde en que fue Grecia conquistada por los romanos. Las vasijas de este periodo que es la época de las grande ánforas decorativas o de lujo continúa casi en lo mismo que en el precedente pero con menor corrección y con cierto barroquismo en el dibujo hasta principios del siglo II a. C. en que cesan las figuras pintadas y se usan de relieve con uniforme color negro o rojo.

A principios de este último periodo rayó con el famoso Apeles el arte pictórico en lo más alto a que pudo llegar ocupándose su pincel en representar hazañas y gentilezas de la persona de Alejandro. Pero muy pronto decayó el arte, parando en una especie de barroquismo debida esta decadencia a la voluptuosidad y vulgaridad de los asuntos y a la misma difusión y éxodo fuera de Grecia que realizaron los talleres o escuelas principales e influyentes y que propiamente forman el periodo helenístico.

De todo ello hay abundantes muestras en los principales museos del mundo. No obstante, este legado pictórico queda restringido al género decorativo, al carecer de perspectiva y claroscuro. También son determinantes de su primitivismo recursos como la representación de los pliegues de la vestimenta y demás líneas con rayas negras o de color rojo oscuro más o menos gruesas, según lo exige las figura, o la carnación de las figuras -sobre todo las femeninas- con pasta de color blanco.

El contenido de este artículo incorpora material de Arqueología y bellas artes, de 1922, de Francisco Naval y Ayerbe, que se encuentra en el dominio público.

Harvey Alan Shapiro: Art, Myth, and Culture, Greek Vases from Southern Collections (Arte, mito y cultura: vasijas griegas de colecciones del sur).

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La pintura de la Antigua Grecia es el conjunto de obras artísticas producida por artistas del mundo helénico. Con anterioridad la formación del llamado Arte Griego en territorios de la antigua Grecia se cataloga el llamado arte prehelénico, conservado en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y vida.

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Colección OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA UNIVERSAL

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Morelia

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Cerámica griega

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Morelia

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Morelia

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Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son fragmentos que no dan una idea de cómo era aquella pintura plenamente.

De reproducciones hechas por los romanos de antiguas pinturas griegas es que nos han llegado algunas referencias de cómo posiblemente fueran estas últimas. Decoraciones de los griegos en edificios y templos, realizadas en mármol con pequeños tesseract, con los que conformaron pinturas y cenefas nos dan también una idea de las características de su pintura. Muchos de estos se han encontrado decorando los pisos de importantes edificios.

Otro elemento que nos brinda una pista cercana son las pinturas funerarias de los etruscos que imitaron los patrones griegos y fueron influenciados por sus conceptos de belleza y proporcionalidad, salvando claro está la impronta personal y peculiar filosofía de vida de los etruscos; que era diferente de la griega y asi lo reflejaban en su arte, como podemos apreciar en la foto inferior a estas líneas.

La decoración de vasijas de cerámica por los griegos nos aporta también una idea de sus gustos, la forma en que dibujaban los contornos de la figuras o la representación de las escenas de conjunto.

La pintura fue un capítulo importante dentro del Arte Griego, conocemos los nombres de muchos pintores famosos en su tiempo y tenemos también referencias de muchas de sus obras, pero desgraciadamente no se ha conservado. Sólo podemos apreciar algunas de sus características en la pintura de vasos cerámicos, en los mosaicos y en copias romanas posteriores.

Se destacan los siguientes pintores griegos en la antigüedad, al menos de los nombres que se conocen:

La pintura al fresco

La pintura al fresco fue un método utilizado bastante comúnmente para la decoración de las paredes de los templos, los edificios públicos, las casas y también las tumbas. Hay que señalar sin embargo que este tipo de pintura mural no gozaba del mismo nivel de reputación del que si gozaba la pintura de panel. La pintura mural tenía fundamentalmente el propósito de tapar o disimular la imperfección de las paredes cuya terminación no era muy pulida; por los materiales pobres utilizados en su revestimiento.

Los temas de los frescos griegos eran similares sin embargo a los utilizados en la pintura de panel. Los frescos griegos poseían también el balance y equilibrio que tenían el resto de sus obras artísticas, composiciones proporcionadas sin aglomeramiento de elementos adornaban sus edificios y tumbas.

Pintura griega sobre esculturas.

Las esculturas eran también pintadas sobre todo la parte que correspondía con la representación del pelo y los ropajes sin embargo la parte que correspondía a lo que es la piel carecía de pintura, se dejaba con el tono natural de la piedra.

Las esculturas eran pintadas por tanto más bien para resaltar algunos elementos y esto se hacía con gusto y detalle, con sutilidad, realzando la belleza y expresividad de esas esculturas en forma impresionante. En ocasiones la escultura entera era pintada en un solo color. También se ha descubierto que utilizaban pigmentos en la totalidad de la escultura incluido también la parte que representa la piel, estos pigmentos muy costosos se utilizaban en las esculturas de personajes de alto linaje.

Les recomiendo ver este articulo sobre como eran pintadas las esculturas griegas y romanas.

Periodo Clásico de la pintura griega (400-323) A.C

Todas la formas pictóricas florecieron en el arte griego durante el periodo clásico, la pintura de panel fue altamente utilizada en encáustica o tempera. Los temas abordan principalmente escenas figurativas, retratos y naturalezas muertas. Se utilizan representaciones de pasajes de la mitología donde los héroes y heroínas son representados con los cánones de belleza ideal, proporciones balanceadas, suavidad de las líneas.

La racionalidad de la belleza griega utilizada en estas obras produce obras serenas, equilibradas hechas para la apreciación y el gozo del espíritu. Se toman gran trabajo en representar sin embargo; la sinuosidad de los contornos de las figuras humanas y gran detalle en la representación de la naturaleza, aunque las escenas fueran una fantasía edulcorada producto de la imaginación del artista.

Durante el florecimiento del imperio Macedonio; bajo el mandato de Felipe II de Macedonia, el padre de Alejandro Magno, la pintura griega tuvo su mayor apogeo con obras de gran calidad. Se produce experimentación pictórica y se utilizan nuevas técnicas relativas al sombreado, uso del color e utilización de la luz para resaltar las figuras. Se abordan en este periodo también con éxito la caricatura y la pintura de género.

Periodo Helenista

Durante el periodo helenista comenzando alrededor del 323 A.C y coincidiendo con la muerte de Alejandro el Grande, el arte griego trasciende fronteras y su influencia es acogida incluso por los romanos; quienes aprecian e imitan el arte griego por mucho tiempo.

Pinturas hechas por pintores bajo el dominio del imperio romano mantienen la influencia griega y muchas imitaciones de sus pinturas se producen para decorar palacios, templos y edificios públicos romanos y de sus colonias fuera de Roma también. Los romanos utilizan más el propósito de propaganda política y religiosa, a diferencia del de simple decoración que tenía la pintura griega en la antiguedad.
Se abordan en otras entradas otras manifestaciones artísticas como la escultura, la arquitectura y la cerámica en las que se destacaron y de las que se conservan bellos ejemplos.
La cerámica en el arte griego

Arte Griego Arquitectura

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Pintura de la Antigua Grecia. Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son fragmentos...

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Españoles en el mundo: ¿Cómo se baila la danza tradicional griega? | Temporada 15

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Este Este otoño, lee Historia NG por solo 1,99€/mes dónde y cuándo quieras ¡Solo a los 500 primeros!

En el siglo V a.C. se produjo en Grecia una auténtica eclosión del arte de la escultura. Las invasiones persas a principios de siglo destruyeron una gran parte de las obras del período arcaico (800-500 a.C.), entre ellas todas las que se encontraban en la Acrópolis de Atenas, lo que dio pie a una labor de reconstrucción que se prolongó durante décadas.

Por otro lado, los griegos atribuyeron su victoria frente a los persas a la intervención de sus dioses y por ello en los años siguientes tuvieron interés en dedicarles numerosas estatuas. Igualmente, un sentimiento de orgullo patriótico impulsó la veneración de los héroes, ancestros divinizados de los distintos linajes y reyes míticos de las principales ciudades. Éstos se convirtieron en protagonistas de numerosas obras que evocaban la guerra de Troya, considerada como remoto antecedente del enfrentamiento con los persas.

También se representaron las hazañas de Heracles, símbolo de la presencia de los griegos por todo el Mediterráneo. Pero quizás el factor decisivo del a pogeo artístico del siglo V a.C. fue la bonanza económica de la que disfrutaron las ciudades griegas, que les permitió realizar obras de gran magnificencia y a la vez de carácter innovador.

Un rasgo característico del arte clásico fue el hecho de que se creó un estilo griego común, más allá de las diferencias regionales típicas del período arcaico. Tanto en Atenas como en Argos, en el Peloponeso, los artistas desarrollaron un mismo procedimiento de talla de estatuas de mármol, partiendo de la práctica del modelado en cera para esculturas de bronce, al que se añadía una decoración policromada.

La primera manifestación notable de esa evolución artística la encontramos en las estatuas del frontón oriental del templo de Atenea Afaya, en la isla de Egina (480 a.C.). Los héroes de la guerra de Troya, presididos por la figura de Atenea, se mostraban desde lo alto a los navegantes en todo su esplendor, cuando los rayos del sol resaltaban sus colores y se reflejaban en el abundante oro de su policromado.

La búsqueda de la belleza

En la escultura griega clásica se impuso el naturalismo, la búsqueda de una representación realista de los cuerpos y de las actitudes, en contraste con el hieratismo de la era arcaica. El cuerpo humano se concebía entonces como un conjunto articulado, ya estuviera en reposo o en movimiento, y el artista procuraba representarlo en una posición equilibrada y armoniosa.

Este ideal de belleza derivaba de la necesidad de distinguir a los dioses de los hombres; como los griegos imaginaban a sus divinidades con forma humana, éstas debían revestir una perfección inalcanzable para el común de los mortales.

Enfrentados al reto de representar un cuerpo humano ideal con la mayor verosimilitud y perfección, los escultores griegos se sirvieron como modelo del cuerpo musculado del atleta que frecuentaba la palestra y se exhibía en las competiciones. Se desarrollaron asimismo reglas para la representación proporcional de las partes del cuerpo humano, como el canon atribuido a Policleto, célebre escultor de mediados del siglo V:" La belleza reside en la symmetria ["relación entre las distintas medidas"] de las partes; es decir, en la relación de un dedo con otro, en la de todos ellos con el metacarpo y el carpo, en la de estos con el antebrazo, en la del antebrazo con el brazo y en la de todas las partes entre sí, como está escrito en el Kanon ["regla", "modelo"] de Policleto".

Esta referencia a Policleto aparece en un escrito del médico Crisipo, citado a su vez por el famoso médico Galeno. Ello indica que la concepción estética de los escultores estaba basada en unos conocimientos anatómicos profundos, que incluían de modo inseparable los aspectos físicos y los anímicos.

Policleto plasmó su canon de proporciones en la estatua de bronce de un hombre joven que porta una lanza, tal vez el héroe Aquiles. Ese Doríforo, realizado entre los años 450 y 440 a.C. y conocido hoy únicamente a través de una serie de copias romanas más o menos fidedignas, estaba considerado por los antiguos como una obra maestra de enorme influencia, y siglos más tarde fue asumida por Augusto como modelo para su propio retrato.

¿Genios o artesanos?

Los nombres de los grandes escultores griegos de la época clásica son bien conocidos. Además de Policleto, pueden citarse, en el siglo V a.C., a Fidias y Peonio -vinculados respectivamente a la decoración de la Acrópolis y del santuario de Zeus en Olimpia-, y a los tres principales maestros del siglo IV a.C.: Praxíteles, Escopas y Lisipo. Hoy los calificaríamos a todos de genios, pero este concepto no existía en la Antigüedad. El mejor escultor era un "técnico", technites, es decir, alguien que sabía hacer muy bien determinadas cosas.

Tratándose de trabajo manual, diríamos que era un artesano. Cuando la "técnica" (techne) de alguien resultaba excepcional, los griegos creían que se debía a una especie de posesión divina (enthousiasmos), pero en la época clásica tal inspiración se consideraba exclusiva de la creación literaria. Fue en la época helenística cuando se extendió a los grandes pintores y escultores; los anteriores no conocieron esa gloria en vida.

En cualquier caso, no hay duda de que los escultores gozaban de gran consideración social. Fidias fue amigo de Pericles, el hombre fuerte de Atenas entre 461 y 429 a.C., aunque no sabemos si alternaba con los filósofos, que constituían la élite cultural de la época en Atenas (y, en el caso de los sofistas, eran los mejor pagados).

En cuanto a Praxíteles, se contaba entre los trescientos ciudadanos más ricos de Atenas y se le atribuye una vida de lujo junto a la hermosa hetera Friné, que le habría servido como modelo para su escultura de la Afrodita de Cnido. Se decía incluso que hizo un retrato de Friné cubierto de oro, para que lo dedicara como ofrenda en el santuario de Delfos.

No sabemos si Praxíteles amasó su fortuna mediante su trabajo de escultor o bien disponía de un patrimonio familiar heredado. En cualquier caso, está claro que los escultores más cotizados hacían dinero.

Las cuentas del Partenón registran el pago de un total de 16.392 dracmas en un año por la realización de la escultura de los frontones, cantidad que equivale a unas 45 dracmas diarias en una época en que un artesano cualificado tenía un salario de dos dracmas.

Doryphoros MIA 866

El famoso canon de Policleto, que establece las proporciones ideales del cuerpo masculino desnudo, se encarna en el Doríforo, joven que porta una lanza.

Al escultor y pintor Fidias, que realizó personalmente l as tallas más difíciles del Partenón y dirigió el conjunto del trabajo, le habría quedado, pues, un margen de ganancia considerable después de pagar a la gente de su taller. Por otro lado, en la Atenea del Partenón se gastaron más de mil kilos de or o, a lo que hay que sumar el marfil y las piedras preciosas. La prueba de que Fidias administraba esos materiales es que fue acusado por un ciudadano por haberse quedado con una parte, aunque la denuncia no se pudo probar.

Estatuas para todos los gustos

Los escultores trabajaban en talleres en los que guardaban las obras realizadas y las mostraban a sus potenciales clientes para que eligieran su preferida. Así lo revela otra anécdota relativa a Praxíteles y su amante Friné. Ésta quería que Praxíteles le regalara la mejor pieza que tuviera en ese momento para ofrecerla a su ciudad natal, Tespias. Para saber cuál era la obra que más estimaba, le dijo que su taller se había incendiado, a lo que el escultor replicó: "No me importa, con tal de que pueda salvar a mi Eros y a mi Sátiro".

Es llamativo que Praxíteles eligiese entre todas sus obras precisamente estas dos, dejando en segundo lugar el ideal de belleza encarnado en la figura de un hombre adulto. Parecía valorar más una figura como la del sátiro, un varón con rasgos animalescos que representaba la fuerza salvaje de la naturaleza en su capacidad reproductora, la sexualidad pura y dura.

El dios Eros, por su parte, simbolizaba la atracción erótica en la figura de un adolescente más bien andrógino. La demanda de escultura era lo bastante variada en el siglo IV a.C. como para absorber también estas obras, que tenían su lugar en los espacios públicos de las ciudades griegas.

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Escultura en la Grecia clásica, el reflejo de su apogeo económico