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MAPA CONCEPTUAL DEL ROMANTICISMO ESPAÑOL

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MAPA CONCEPTUAL DEL ROMANTICISMO ESPAÑOL

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El romanticismo fue un movimiento cultural, artístico y literario que tuvo lugar en Europa durante el paso del siglo XVIII al siglo XIX.

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ANÁLISIS DE UN CUADRO ROMÁNTICO: EL CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES

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ANÁLISIS DE UN CUADRO ROMÁNTICO: EL CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES

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Hay obras de arte que, cuando las miras, simplemente te embelesan. Te transmiten, además de belleza, tranquilidad de mente y de espíritu. Obras que te transportan al interior del mundo pintado, en el cual podrías pasar horas de tu tiempo sin cansarte. El caminante sobre el mar de nubes, es una de ellas. Actualmente se conserva en el museo de arte en Kunsthalle de Hamburgo, en Alemania, y es considerada como una de las obras maestras y más representativas del Romanticismo.

El movimiento romántico está considerado como el primer movimiento cultural que se extendió por toda Europa. Con un rasgo revolucionario incuestionable, su característica más importante es la ruptura y crítica cultural ejercida sobre la tradición clasicista anterior, que se basaba en un conjunto de reglas estereotipadas

Como en el desarrollo de todo movimiento artístico y cultural, los artistas románticos se rebelaron contra los dictados de la razón, que durante el siglo XVIII, llamado siglo de las luces, habían dominado el panorama cultural y artístico. En una época en donde la razón y la intelectualidad tenían los papeles más importantes, la imaginación, y la sensibilidad era una forma de expresar el desacuerdo con los parámetros que dictaban la sociedad y el pensamiento crítico.

El Romanticismo es un movimiento crucial para poder comprender la cultura occidental moderna. A modo de fotografía cultural o cultugrafía de la época, el Romanticismo afecto a todo movimiento cultural y artístico. La filosofía, el arte, la literatura, la música y la política fueron su territorio de acción durante el turbulento periodo que se extendió entre las que se conocen como revoluciones liberales y fomento el espíritu critico.

El mundo occidental había sucumbido a varios procesos revolucionarios, que desde la Revolución de las Trece Colonias de Inglaterra en 1776, la Revolución Francesa en 1789 y la Primera Revolución industrial, empezaban a cambiar la vida tradicionalmente agraria. Por lo tanto, los nuevos modos de vida se debían reflejar en nuevos modos de pensar y El Romanticismo pasó a significar esta nueva forma.

Los románticos proclamaban la supremacía del sentimiento y la subjetividad frente a la razón fría y calculadora, que, para ellos, era estéril. Para el Romanticismo y los Románticos, el ser humano es ante todo, una manifestación de las fuerzas naturales, de las cuales no puede desprenderse. De ahí surge el amor a la naturaleza, pero que no tiene sentido si no es observada y a la vez admirada por el sujeto.
Este movimiento global puso de moda pintar paisajes. Unos paisajes que mostraban las fuerzas de la naturaleza: tormentas, nieblas, vientos, lluvias, nieves, que los artistas llamaban "lo sublime". Una metáfora y reflejo de lo que el artista sentía por dentro, emociones extremas. Un paisaje tanto exterior como interior, en el fondo.
El caminante sobre el mar de nubes representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio artista.

Se encuentra de pie, en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. El paisaje que aparece en la obra es de la Suiza de Sajonia.

Se trata de un emplazamiento suizo, donde el propio autor estuvo refugiado por la amenaza de las guerras napoleónicas. El monte de la izquierda es el Rosenberg, y la atalaya de la derecha es el Zirkelstein.

Friedrich parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos y que, tal experimentación, debía hacerse en soledad, aislado.

Ha sido el artista alemán más sobresaliente de su generación. En su escenas alegóricas muestra figuras contemplativas contrapuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, viejos árboles o ruinas góticas. Pero, la presencia humana es marginal frente a la importancia que adquieren los imponentes paisajes.

Friedrich maduró en una época en la que crecía la desilusión en toda la clase media europea dando lugar a una nueva apreciación de la espiritualidad. Este cambio en los ideales se expresa a menudo a través de una revaluación de la naturaleza en su obra.

Caspar David Friedrich no pintaba paisajes sin más. Les imprimía sentimiento. Sus paisajes, un tema recurrente en su trayectoria artística, son una proyección del espíritu humano. El estilo del cuadro logra un sentimiento de misterio, propio del Romanticismo. Como los demás cuadros del artista, no se trata de un mero paisaje, sino que tiene un contenido simbólico. Pero, a diferencia de otros pintores, se inspiró en paisajes reales.

No seguía la tendencia artística italiana ni a los antiguos maestros. Para él, el arte debía mediar entre las dos obras de Dios, los humanos y la Naturaleza. Con este punto de vista se acerca a la naturaleza, en cuya representación procesó tendencias y sentimientos. Sus obras no son, por lo tanto, imágenes de la Naturaleza, sino un sentimiento metafísico, donde el primer plano y el fondo, de la obra, separados a menudo por un abismo, se relacionan entre sí.

El espíritu que domina la obra de Friedrich es radicalmente romántico: abundan las escenas a la luz de la luna, espacios gélidos, noches, paisajes montañosos y agrestes. Cuando incluye elementos humanos, suelen ser de carácter sombrío, como cementerios o ruinas góticas. Una y otra vez aparecen elementos religiosos, como crucifijos o iglesias.

El hecho de que el viajero esté de espaldas en El caminante sobre un mar de nubes ha sido objeto de análisis e interpretaciones. El artista impide que podamos verle la cara, convirtiéndolo en un personaje anónimo. Pero cumple una importante función como figura de identificación, es decir, cualquiera que observe la pintura puede ser el personaje.

El personaje de espaldas cubre el punto de fuga de la composición y ello hace, que el espectador tienda a colocarse en el lugar de la figura, y de esta manera seguir también de cerca el fenómeno natural del paisaje que le rodea. La naturaleza, por lo tanto, serviría de proyección a los sentimientos del espectador.

El hecho de que el viajero se encuentre en el centro de la pintura, indica una posición de dominación. Sin embargo, al llevar un bastón, quizá para facilitarle la ascensión, apunta a cierta debilidad, de personaje frente a la naturaleza grandiosa.
El viajero se encuentra solo, lo que viene a indicar el aislamiento y soledad del individuo.

El caminante sobre el mar de nubes es una de las obras más reinterpretadas a lo largo de la historia, al igual que versionada.

La interpretación espiritual o religiosa que se ha dado a esta obra, es que el caminante simbolizaría, al ser humano que concibe su vida terrena, es decir, la montaña a la que corresponde la masa rocosa en primer plano como un preludio a la vida eterna, simbolizada por el mar de nubes. El mar de nubes en sí, se ha entendido también como alusión a la divinidad, estando el ser humano entre la naturaleza (la montaña del primer plano) y Dios (el mar de nubes).

Otras interpretaciones, de corte filosófico, aluden a que, el mar de nubes representaría la inmensidad del universo, frente a la pequeñez del ser humano. La naturaleza se regenera, pero el ser humano es mortal. Con la obra, el artista pretende transmitir el sentimiento de lo sublime, la impresión de magnificencia y sobrecogimiento que produce la naturaleza en toda su grandeza. El hombre de espaldas, simboliza la condición presente del hombre. El mar de nubes se prefigura como un futuro incierto

Finalmente, cabe apuntar una interpretación política y nacionalista de esa obra. Durante las guerras napoleónicas se logró cierta unificación de los estados alemanes. Ésta se perdió después del Congreso de Viena. Friedrich expresaría la espera de una Alemania libre y mejor. En este sentido, el caminante no sería Friedrich, sino un caído en las guerras de liberación (1813-1815). Por ser un símbolo político, viste la típica levita alemana, prohibida en 1818.

Técnicamente, esta pintura es de una manufactura propia de un maestro consumado. Destacan las delicadas tonalidades azules, combinadas con los tenues rosas que le dan una asombrosa armonía cromática.

Friedrich fue un extraordinario pintor de paisajes, pero no trabajó este tema como sujeto de estudios figurativos, sino como representación de la subjetividad y la emoción que contemplaba en ellos. Para él la naturaleza era ante todo una expresión de la más profunda espiritualidad. No es raro encontrar en algunos de sus cuadros a personajes de espaldas, insignificantes, frente a un entorno vasto y cargado de simbolismo.

¡Friedrich! El único pintor de paisajes que había tenido hasta entonces el poder de remover todas las facultades de mi alma, el que realmente creó un nuevo género: la tragedia del paisaje".
David d'Angers, escultor contemporáneo suyo

Los trabajos que Friedrich realizó le trajeron renombre muy temprano en su época y contemporáneos suyos, como el escultor francés David d'Angers, lo describían como el hombre que había descubierto la tragedia del paisaje.

Sin embargo, su obra cayó en desgracia durante sus últimos años y él murió en la oscuridad y medio loco. Alemania se modernizaba y el arte con ella. En este ambiente, la quietud y reflexión, propias de la obra de Friedrich serán vistas de épocas pasadas.

Si te gusta el arte y sus curiosidades, no olvides suscribirte a ArteyAlgomás para no perderte nuestros artículos. *artículo actualizado a fecha 15/03/2023

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El caminante sobre el mar de nubes. Caspar David Friedrich

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El caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich es una de nuestras obras favoritas. Descubre lo que esconde en su interior!

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PASOS A SEGUIR PARA COMENTAR LAS RIMAS DE BÉCQUER

(Válido en parte para el resto de comentarios de texto)

a) ¿Es un poema completo o un fragmento? Autor, obra y fecha.

b) Número de estrofas.

c) Tipo de verso.

d) Tipo de rima.

e) ¿Es una estrofa conocida (soneto, romance, cuaderna vía...)? ¿Es de arte menor o de arte mayor?

a) Tema (no debe ocuparnos más de una o dos líneas)

b) Resumen. En este punto debemos ser más específicos. Debemos ir verso a verso o estrofa a estrofa y mencionar de qué trata en cada uno/a. Ejemplo:

1-4 Presentación del poemario como un conjunto de textos en los que el poeta intenta aproximarse a su psique o a sus sentimientos más íntimos.

5-8 Definición del estilo que persigue en sus poemas.

9-12 Reconocimiento de las dificultades que encuentra el poeta en la expresión de sus emociones.

c) Tópicos literarios del movimiento en cuestión que aparecen en el poema (en el caso del Romanticismo, naturaleza agreste, exaltación del yo, sentimientos desbordados...) y mencionar dónde y cómo aparecen siempre con ejemplos.

d) ¿Cómo es el lenguaje? Objetivo, subjetivo, campos semánticos...

e) Figuras retóricas (en otra entrada del blog tenéis todas las figuras que pueden aparecer.)

Pinchando aquí, tenéis un ejemplo de una rima analizada.

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PASOS A SEGUIR PARA COMENTAR LAS RIMAS DE BÉCQUER (Válido en parte para el resto de comentarios de texto) 1.- Estruc...

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Don Juan Tenorio : drama religioso-fantástico en dos partes

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No he recordado aquí esta tarde por el placer de describir una escena grande y poética. Más poética y más grande fue seguramente que mi descolorida descripción, aunque en el torrente de las escenas que a nuestros ojos pasan ya se haya hundido, y ya casi todos la hayan olvidado.

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Canción del pirata, de Espronceda
Y no hay playa,
Siempre procuro mostraros joyas en este blog sobre poesía. Hoy os traigo una de las más valiosas de la lírica en español de todos los tiempos, y de las más leídas, antologizadas y conocidas. Esta Canción del pirata, del extremeño (de Almendralejo) José de Espronceda (1808-1842), es una de las cumbres poéticas universales dedicadas a la libertad, a la rebeldía, al vivir completamente al margen de las convenciones sociales y de los bienes materiales. Es un milagro incomprensible -y maravilloso- que muchas generaciones de niños la leyéramos, memorizáramos y recitáramos en las oscuras escuelas del franquismo.

Espronceda no solo fue un poeta y escritor excelso, el mejor exponente del romanticismo español. Fue también un periodista tenaz, militante de la libertad y de la crítica al poder, y un activísimo político liberal y revolucionario en la agitada España de la primera mitad del siglo XIX. En la poesía se inició muy joven, bajo el influjo de los neoclásicos e ilustrados Juan Meléndez Valdés y Alberto Lista, y maduró ya en el romanticismo bajo los de Lord Byron o del mítico Ossian. En política entró con 15 años, militando en la sociedad secreta Los Numantinos, de la que con 17 ya era el presidente. Una delación de un topo infiltrado por la policía del rey absolutista Fernando VII, contra el que conspiraban, le valió a tan temprana edad una primera condena de exilio fuera de Madrid por cinco años. Cumplió solo tres meses, en un monasterio de Guadalajara. En Cuéllar (Segovia) y en Badajoz fue también confinado a la fuerza más tarde, por sus actividades políticas. Vivió exiliado largas temporadas en Lisboa, Londres y París -donde participó en las barricadas de julio de 1830-. Llegó a ser diputado por Almería, lo era cuando murió por una difteria, muy joven, con solo 34 años.

En la capital portuguesa conoció a la que había de ser la mujer de su vida, Teresa Mancha, hija de un coronel liberal también exiliado. Con ella, que se casó con otro, tuvo el poeta amores y desamores intensos y polémicos, y una hija. A ella, cuando murió, ya separados y alejados desde tiempo atrás, le escribió uno de los más bellos poemas de amor y una de las mejores elegías en nuestra lengua: el Canto a Teresa. Es una larga composición en octavas reales. He aquí una muy significativa: "¿Quién pensara jamás, Teresa mía, / que fuera eterno manantial de llanto / tanto inocente amor, tanta alegría, / tantas delicias y delirio tanto? / ¿Quién pensara jamás llegase un día / en que, perdido el celestial encanto / y caída la venda de los ojos, / cuanto diera placer causara enojos?". El Canto acaba en dos versos muy conocidos: "Truéquese en risa mi dolor profundo... / Que haya un cadáver más ¿qué importa al mundo?".

Además de sus obras mayores - El estudiante de Salamanca o El diablo mundo, en el que se incluye el Canto a Teresa-, Espronceda escribió muchos poemas más cortos -esta Canción del pirata, la Canción del cosaco, A Jarifa en una orgía, El verdugo, El mendigo, El reo de muerte ... que se inspiran en lo que hoy llamaríamos antihéroes, en personajes marginados o excluidos de la sociedad. Muchos expertos han visto tratados ahí los temas sociales, toda "una requisitoria social", por primera vez en la larga historia de lírica en español.

Técnicamente, la Canción del pirata es un prodigio. Rimas que fluyen casi solas, muchas de ellas en agudo para darle intensidad; ritmo vivísimo, apoyado en esos súbitos cambios métricos, del octosílabo al infrecuente tetrasílabo (de 4 sílabas); y un estribillo repetido cinco veces que encierra la esencia del poema: "Que es mi barco mi tesoro..."

Yo siento y digo así esta bella canción, este potente poema:

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Canción del pirata, de Espronceda - Poemas sentidos

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Y no hay playa, Siempre procuro mostraros joyas en este blog sobre poesía. Hoy os traigo una de las más valiosas de la lírica en español de todos los tiempos, y de las más leídas, antologizadas y conocidas.

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Rosalía de Castro (1837-1885) es una figura indispensable en la literatura del siglo XIX. Los estudios sobre literatura femenina de épocas pasadas la incluyen entre las grandes escritoras en las que destacaremos a Concepción Arenal, Carolina Coronado, Gertrudis Gómez de Avellaneda y Emilia Pardo Bazán.

La Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes en su voluntad de preservar la memoria de estas grandes autoras presenta esta Biblioteca de autor de Rosalía de Castro considerada una de las mejores escritoras españolas en lengua gallega y una de las principales responsables del Rexurdimento galego decimonónico. La página recoge sus obras, su biografía, su cronología, su bibliografía, así como numerosos estudios relevantes sobre su producción y sobre el Romanticismo en general.

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bibioteca de la autora rosalía de castro

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Web sobre la poeta y escritora gallega Rosalía de Castro, figura indispensable en la literatura femenina escrita en España en el siglo XIX.

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En las orillas del Sar. Edición digital basada en la de Madrid, Establecimiento Tipográfico de Ricardo Fe, 1884