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Un peu d'histoire...

Le Muséum central, installé dans l'ancien palais des rois de France, le Louvre, ouvrit en 1793. Sa création était à la fois moderne et révolutionnaire et forma un des actes fondateurs de la République naissante. La lettre, adressée le 17 octobre 1798, par Jean-Marie Roland (1734-1793), alors ministre de l'Intérieur, au peintre Jacques Louis David (1748-1825) soulignait les ambitions fortes de la nouvelle institution : " Ce Muséum doit être le développement des grandes richesses que possède la nation en dessins, peintures, sculptures et autres monuments de l'art. (...) Il doit attirer les étrangers et fixer leur attention ; il doit nourrir le goût des beaux-arts, récréer les amateurs et servir d'école aux artistes ; il doit être ouvert à tout le monde (...). Ce monument sera national, il ne sera pas un individu qui n'ait le droit d'en jouir. " Le programme fixé au musée associait ainsi des missions cruciales et différentes, celle de devoir incarner la nation, d'être ouvert à toutes et tous - promulguant ainsi un universalisme singulier lié à ses visiteurs -, d'être un espace d'éducation mais aussi de plaisir et d'émerveillement.

Musée critiqué, mais musée soutenu

Fondé, dans son acception moderne, à la fin du XVIIIe siècle, le musée occidental traverse aujourd'hui une période non sans complexités où il lui est tout à la fois reproché sa puissance et sa dimension symbolique, son succès auprès de certains publics - touristiques notamment- et son incapacité à s'ouvrir à de nouveaux visiteurs comme son apparente indifférence aux idées et attentes nouvelles d'une société en constant bouleversement. Tiré à hue et à dia, vilipendé par ses détracteurs qui considèrent les institutions muséales comme autant de forteresses dominantes, enfermé dans une posture étroite par certains de ses thuriféraires, le musée semble devoir répondre à toutes ces critiques et tous ces reproches dans le même temps, sans pour autant, le plus souvent malheureusement, bénéficier de moyens humains, financiers et calendaires supplémentaires. Soutenus par les puissances publiques dans leur très grande majorité, les musées en France - environ 1250 en France métropolitaine qui forment un des réseaux les plus denses en Europe - constituent à la fois des lieux de pouvoir et de représentation qui les distinguent tout en paraissant impuissants, aux yeux de certains des décideurs, à assumer pleinement leur rôle de service public. Rôle de service public, souvent, peu ou mal défini par celles et ceux mêmes qui en attendent des bénéfices immédiats.

Le musée, lieu de tous les possibles

Les institutions muséales sont héritières de la pensée des Lumières. Elles ne cessent d'en composer, aujourd'hui encore, la petite partie effectivement mise en œuvre de cette utopie philosophique. Les tensions qui s'expriment aujourd'hui sont inhérentes à la dimension utopique de leur création, en France notamment. Vouloir résoudre ces tensions de manière trop immédiate, désirer répondre à certaines d'entre elles en ignorant les autres, enfermer ces lieux protéiformes et pluri-temporels en un seul espace-temps, seraient autant de tentations dommageables qui ne rendraient pas compte de la formidable opportunité d'ouverture, de renouveau, d'échanges, qu'offrent et permettent aujourd'hui les musées, que le récit de leur fondation originelle ne cesse de traverser. La force du symbole muséal, les attentes multiples qu'elle suscite chez tous nos contemporains - visiteurs actifs du musée ou non, il n'y a ainsi pas de " non-public " du musée - oblitère la réalité des entreprises mises en œuvre. Ce symbole muséal, pourtant, ne peut prendre vie qu'en s'incarnant, dans les femmes et les hommes qui animent les musées et les font vivre.

Le musée, un lieu de plaisir, d'éducation et de découvertes

Ainsi, les musées sont des lieux où réel et imaginaire, éducation et émerveillement, pensée académique et fiction, temps court de l'émotion éprouvée et temps long de l'histoire passée et future des œuvres, se croisent, se retrouvent, se mêlent et s'entremêlent. L'institution muséale, dans sa diversité, semble à la fois familière et distante, paraissant, trop souvent, poussiéreuse, convenue, réservée à un petit nombre d'initiés, ou, pire, jointe de manière obligatoire à l'école. Peu distinguent, malheureusement, le formidable pas de côté que proposent les musées aux cursus scolaires et académiques, peu célèbrent la dimension créative de leurs récits. Rares sont celles et ceux qui exaltent cette relation étroite du musée au plaisir de la découverte, de la déambulation, de la rencontre, ouvrant ainsi le chemin à tout apprentissage futur, grâce à l'émerveillement de la visite. Les musées constituent autant de chemins de traverse, d'arrière-pays, pour reprendre la belle expression d'Yves Bonnefoy, ils sont des lieux, comme l'avait formulé Patrice Chéreau, lecteur attentif de Marcel Proust, qui mènent ailleurs.
>> Les cinq émissions de la série donneront la parole à des professionnels de musée et à des connaisseurs de l'institution :

Le musée universel, les complexités d'une utopie réelle généreuse, avec Constance Rivière, directrice générale de l'établissement public de la Porte Dorée (Musée national de l'histoire de l'Immigration et l'Aquarium tropical), et Pierre Singaravélou, historien, professeur à l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et au King's College à Londres.

Restitutions-Destitutions-Renouveaux, avec Anne-Solène Rolland, directrice du musée et des collections au musée du Quai-Branly Jacques Chirac, et Malick Ndiaye, directeur du musée Théodore Monod de Dakar.

Les artistes au musée, avec Nathalie Obadia, galériste à Paris et à Bruxelles, et Alexia Fabre, directrice de l'École nationale des Beaux-Arts.

Les publics des musées, visiteurs ou acteurs, avec Bruno Girveau, directeur du Palais des Beaux-Arts de Lille, et Emilie Girard, directrice des collections du Mucem (Marseille) et présidente de l'ICOM France.

Musée réel, musée virtuel, musée imaginaire, avec Marie Lavandier, directrice du musée du Louvre Lens, et Philippe Bettinelli, conservateur au Centre Pompidou des collections vidéos et numériques.

Dominique de Font-Réaulx, productrice de la série

Dominique de Font-Réaulx est conservateur général au Musée du Louvre. Elle a été directrice de la Médiation et de la Programmation culturelle au Louvre (2019 à fin 2022), a dirigé le musée national Eugène-Delacroix (2013 à 2019), a coordonné, au sein du Louvre, le projet du Louvre Abu Dhabi (2008 à 2013), et préside actuellement le Point du Jour, centre d'art d'intérêt national, à Cherbourg. Elle enseigne à Sciences po, en Master 2 Affaires publiques, en tant que conseillère scientifique de la filière Culture ; son enseignement porte sur les enjeux des musées et du patrimoine. Depuis janvier 2018, elle est rédactrice en chef de la Revue Histoire de l'art, où elle a notamment coordonné le numéro 84/85, Etats du musée, publié en 2020.
>> Elle a été commissaire de nombreuses expositions

Le daguerréotype français, un objet photographique (2003, musée d'Orsay, The Metropolitan Museum of Art).

Gustave Courbet (1819-1877) (2007/2008, Galeries nationales du Grand Palais, The Metropolitan Museum of Art, musée Fabre).

Jean-Léon Gérôme (2010, musée d'Orsay, The Getty Museum, Fondation Thyssen à Madrid).

Une Brève histoire de l'avenir (2015, Louvre).

Mythes fondateurs, d'Hercule à Dark Vador (2015, Louvre).

Shakespeare romantique (2017/2018, Saint-Omer et à Namur).

Amour (2018, Louvre Lens).

Courbet e la Natura (2018, Ferrare).

Bibliographie de Dominique de Font-Réaulx
>> Elle a dirigé de nombreux catalogues d'exposition, d'ouvrages et d'actes de colloques et publié notamment

Peinture et photographie, les enjeux d'une rencontre, chez Flammarion, en 2012, réédité en 2020.

Delacroix, la liberté d'être soi, chez Cohen & Cohen en 2019, qui a reçu le Prix Montherlant de l'Académie des beaux-arts.

Rédactrice en chef de la Revue Histoire de l'art, coordination du numéro 84/85, Etats du musée, publié en 2020.

Bibliographie en lien avec la série

Bettinelli, Philippe, Bonfait, Olivier, Font-Réaulx, Dominique de, Kisiel, Marine (dir.), " Etats du musée ", Histoire de l'art, n°84-85, Paris, APAHAU, 2019-2020.

Chastel-Rousseau, Charlotte, des Cars, Laurence, Font-Réaulx, Dominique de, Le Louvre Abu Dhabi, musée universel ?, Paris, PUF, 2016.

Font-Réaulx, Dominique de (dir.), Mythes fondateurs d'Hercule à Dark Vador, catalogue de la Petite Galerie du Louvre, Louvre/Le Seuil, 2015.

Font-Réaulx, Dominique de, Quel avenir pour l'expérience muséale ? Site de la Revue Esprit.

Hamon, Philipe, Le Men, Ségolène (dir.), " Musée/Musées ", Romantisme, n°173, 3/2016, Paris, Armand Colin, 2016.

Lafont, Anne, (coordinatrice), " Le partage de l'universel ", Esprit, n°461, Janvier-Février 2020, Paris, Seuil, 2020.

Loisy, Jean de, Font-Réaulx, Dominique de (dir.), Une brève histoire de l'avenir, d'après le livre de Jacques Attali, Paris, Louvre/Hazan, 2015.

McGregor, Neil, A monde nouveau, nouveaux musées, Louvre/Hazan, 2021.

Maczek, E., Meunier, A. (dir.), Des musées inclusifs : engagements, démarches, réflexions, Dijon, OCIM, 2021.

Mairesse, François, Van Geert, Fabien, Médiation muséale, nouveaux enjeux, nouvelles formes, Paris, L'Harmattan, 2022.

Singaravélou, Pierre, Fantômes du Louvre, les musées disparus, et à paraître sous le même titre, Louvre/Hazan, 2023.

Rapport sur les musées du XXIe siècle, 2017.

Ministère de la Culture, projets Vie des musées/Temps des publics, 2018-2020.

Sharing Museums/Musées partagés, colloque international organisé par le musée national de l'histoire de l'Immigration à Paris, 20, 21 et 22 octobre 2022.

Workshop 2, Construire l'inclusion de nos musées, inclure, participer, réparer, ralentir, organisé par le Palais des Beaux-Arts de Lille, 26-27 janvier 2023.

Chéreau, Patrice (dir.), Les visages et les corps, Paris, Louvre/Skira, 2010.

Le Clézio, J.M.G., Les musées sont des mondes, Paris, Louvre/Gallimard, 2011.

McWilliam, Neil, Passini, Michela (dir.), Faire l'histoire de l'art en France (1890-1950) - Pratiques, écritures, enjeux, Paris, Presses universitaires de Strasbourg/INHA.

Salles, Georges, Le Regard, Paris, Le Passage, 2022, nouvelle édition préparée et annotée par Françoise Mardrus.

Viéville Dominique (dir.), Histoire de l'art et musées, Paris, Ecole du Louvre, 2005.

Bawin, Julie, Mairesse, François (dir.), "Artistes et musées", Culture et musées, n°27, 2016.

Girveau, Bruno (dir.), Le Rêve d'être artiste, Paris, RMN-GP, 2019.

Diouf, Mamadou, Frioux-Salgas, Sarah, Ligner, Sarah, Senghor et les Arts, réinventer l'universel, Paris, Musée du Quai Branly-Jacques Chirac, 2023.

Vidéo : un documentaire de Nora Philippe coproduit par Cinétévé et ARTE (83 min., 2021), Restituer ? L'Afrique en quête de ses chefs-d'oeuvre (chaîne You Tube de la RTS).

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L'Art est le musée : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Fondé, dans son acception moderne, à la fin du XVIIIe siècle, le musée occidental traverse aujourd'hui une période non sans complexités. Une série proposée par Dominique de Font-Réaulx, conservateur général au Musée du Louvre.

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culture artistique en lien avec le thème du bac :

"Nature à l'oeuvre"

- Peindre sur le motif, en plein air, d'après l'observation de la nature / Naturalisme, Réalisme, Ecole de Barbizon

- le processus de création de Rosa Bonheur, scénographie d'exposition

-corpus d'oeuvres à analyser

- scénographies d'exposition sur les axes de travail :

cabinet de curiosités, chambre des merveilles, glaner des matériaux dans la nature, exposer le land art, arte povera

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Copie de _ La nature comme atelier – 18 novembre à 21_01 [Enregistré automatiquement]_compressed (1)

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C'est à ces visiteurs que s'adresse le musée, pour eux que sont agencées les collections, mis en place les discours sur les œuvres, les programmes valorisant leurs visites. Ces éléments d'information - catalogues, étiquettes et cartels - datent des premières décennies d'ouverture des musées. La création de services des publics, de services culturels, a, depuis la fin des années 1980, ouvert la porte à plus d'inventivité.

Pour autant, le musée demeurait l'auteur de ses discours, offerts à ses visiteurs, de manière descendante. Les années récentes ont mis en évidence le désir croissant de nos sociétés contemporaines pour une connaissance plus partagée, inclusive. A la visite établie suivant des codes, beaucoup préfèrent la conception d'une expérience muséale inédite et renouvelée, où ils et elles peuvent jouer un rôle : devenir actrices et acteurs de leur expérience muséale.

Le rapport des musées du XXIe siècle, commandé en 2016, par Audrey Azoulay, alors ministre de la Culture, avait mis en évidence ce désir profond de nos contemporains et la demande faite aux musées d'y répondre. L'attente se double du désir de voir le musée, institution au fort pouvoir symbolique, s'ouvrir aux enjeux de notre société contemporaine - humains, sociaux, climatiques, notamment - en donnant place aux regards d'aujourd'hui sur les collections anciennes.

L'espace-temps du musée associe ainsi passé, présent et futur en un même lieu. De telles aspirations questionnent la nature de l'expérience muséale, la place donnée à la connaissance mais aussi à l'émerveillement et au plaisir, en un mot le rôle du musée.

Pour en parler, Dominique de Font-Réaulx, conservateur général au musée du Louvre, productrice de la série " L'Art est le musée", reçoit, pour ce quatrième épisode, Émilie Girard, conservateur en chef des collections du Mucem et présidente de l'ICOM France, et Bruno Girveau, directeur du palais des Beaux-Arts de Lille.

Bruno Girveau "Il ne faut pas s'illusionner, on n'arrive jamais à toucher tout le monde et il faut sans doute sortir des murs du musée pour toucher tous les publics. Mais néanmoins, au sein dans l'enceinte du musée [Palais des Beaux-Arts de Lille], on met en place à la fois dans la programmation mais aussi dans les dispositifs une expérience de visite qui est complètement tournée vers le visiteur, vers tous les visiteurs."

**Emilie Girard *"*** La pensée du public a vraiment guidé le projet même du MuCEM dès les prémices de sa mise en œuvre, puisque l'idée était de faire se rencontrer une collection d'art qui a vocation à toucher un public populaire. Ce public et cette idée du lieu de rencontre a vraiment guidé la conception à la fois de la programmation muséographique du bâtiment, de son architecture, un bâtiment contemporain adossé à un fort qui est progressivement devenu un lieu de promenade, un lieu de rencontre entre les gens."

Bruno Girveau "Nous sommes persuadés, en tant qu'historiens d'art et conservateurs, que si on ne passe pas dix minutes voire 20 minutes devant une œuvre, on n'a pas pu l'apprécier. La réalité, c'est que lorsque vous examinez scientifiquement le regard, même un regard de 15 à 20 secondes - le regard moyen sur une œuvre dans tous les musées du monde - la personne est en capacité de vous dire ce qu'elle a vu, qu'elle connaît le tableau et de vous en parler."

Émilie Girard "Parce que je crois que le musée peut être impressionnant, tout notre travail aujourd'hui consiste à faire que le musée soit un lieu accueillant et chaleureux où l'on a envie de venir et de voir des expositions. [...] On ne pense plus au musée simplement comme lieu de collection, mais surtout comme comme un espace de rencontre et d'expression des publics."

Émilie Girard *"On essaye d'être assez ouvert à une connaissance autre, à des discours autres, tout en gardant une vigilance forte sur la qualité de ce qui est délivré puisque, **pour reprendre les termes d 'Alberto Garlandini *: "les musées sont aujourd'hui les institutions qui sont parmi les plus crédibles"**. Et je crois que c'est de notre devoir aussi, en tant professionnel de musée, de garder ce niveau d'exigence."

Émilie Girard " En 2019, une nouvelle définition est proposée à l'assemblée générale de , portée par un courant plutôt anglo-saxon, où le musée se transforme en un outil à vocation politique. Un proposition qui annonce fait disparaître les missions fondamentales de collecte, de préservation et d'études au profit d'objectifs de droits humains, d'objectifs humanitaires très importants. [...] Donc il y a eu vraiment un schisme lors de la proposition de cette définition [...] qui n'a finalement pas été votée, et il y a eu ensuite trois ans de débats inclusifs qui ont réuni l'ensemble des professionnels de l'ICOM pour finalement adopter une définition lors de la conférence triennale de Prague en août 2022 qui revient aux fondamentaux."

Bruno Girveau "La querelle qu'il y a eu autour de la définition des musées et de a le mérite de rééquilibrer les choses, entre une définition qui était obsolète et une autre qui allait trop loin. Oui, le musée doit rendre compte de la société et de ses évolutions, mais il doit toujours le faire à partir de sa collection."

Bruno Girveau *" L'Open Muséum * est l'invitation d'une personnalité ou d'un genre artistique décalé par rapport à ce qui est proposé dans le musée, pour dialoguer avec les collections permanentes. L'objectif est d'élargir le public et de le rajeunir. C'est de le faire à partir de cette prétendue opposition entre culture populaire et culture savante pour montrer qu'en réalité, les frontières sont perméables."

Emilie Girard "Au Mucem, on a invité une classe de collégiens, puis de lycéens à être commissaire d'exposition. C'est un projet pédagogique qui s'ancre sur le temps long. Pendant une année, on accompagne une classe, on les forme à ce qu'est le musée, rapidement et pas de manière extrêmement profonde, on les sensibilise aux métiers du musée, de l'exposition jusqu'à la réalisation, dans cette salle d'exposition d'un peu moins de 100 mètres carrés, et cela aboutit à un projet dont ils assument complètement le commissariat."

Bruno Girveau "Pendant trois semaines de suite, nous avons installé une véritable œuvre dans la gare de Lille-Flandres, avec un médiateur qui était comédien. Ce sont des expériences qui obligent à sortir des murs, à aller à la rencontre d'un public qui ne ferait pas la démarche de se rendre au musée. Je pense que ces initiatives qui se multiplient un peu partout en France, sont les bienvenues."

Pour aller plus loin

Site du Mucem, le Musée des Civilisations et de la Méditerranée.

Détails de l'opération Destination Mucem : le dimanche, un bus spécial, de collection, traverse la ville pour rendre le musée plus proche.
Le bus passe dans votre quartier une fois par mois.

Site du Palais des Beaux-Arts de Lille, page Facebook.

Ministère de la Culture, projets Vie des musées/Temps des publics, 2018-2020.

Le rapport des musées du XXIe siècle, commandé en 2016, par Audrey Azoulay, ministre de la Culture.

Site de l'ICOM, Conseil International des Musées.

Workshop 2, Construire l'inclusion de nos musées, inclure, participer, réparer, ralentir, organisé par le Palais des Beaux-Arts de Lille, 26-27 janvier 2023.

➢ A propos d'Émilie Girard

Émilie Girard est Directrice scientifique et des Collections du Mucem et conservateur en chef du patrimoine. Elle rejoint l'équipe du MuCEM en 2006. En 2008, elle prend la direction du département des collections du musée où elle conduit entre autres le chantier qui a permis le transfert de Paris à Marseille de l'intégralité des collections et fonds conservés, et la mise en place du Centre de Conservation et de Ressources du Mucem. Elle assure régulièrement le commissariat d'expositions au Mucem (comme la Galerie de la Méditerranée en 2013 ; Food en 2014, Un génie sans piédestal, Picasso et les arts et traditions populaires en 2016, On danse ? et Les reliquaires de A à Z en 2019, Jeff Koons Mucem et Le Désir de regarder loin avec l'artiste Ilaria Turba en 2021). Elle coordonne la programmation de La Chambre d'amis depuis sa création en 2021. Depuis le 1er aout 2019, elle est dirige l'équipe scientifique et des collections du Mucem.
➢ A propos de Bruno Girveau
Quelques références citées

Extraits musicaux

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Les publics des musées, visiteurs ou acteurs ? : épisode * 4/5 du podcast L'Art est le musée

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AUDIO * 4/5 : Les publics des musées, visiteurs ou acteurs ?. L'Art est le musée est une série inédite proposée par France Culture. Écoutez gratuitement en ligne ce podcast et parcourez tout notre catalogue.

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E-LRO est la terminologie employée pour désigner nationalement un « Espace-Lieu de rencontre avec l’œuvre d’art » en établissement scolaire.
Il s’agit principalement d’un lieu physique d’exposition et/ou d’un espace virtuel de monstration de l’œuvre. Il permet une mise en espace et en regard d’œuvres d’art et/ou de productions artistiques d’élèves. C’est donc un lieu de rencontre avec la création artistique.

# data[].attributes.attachment_link.title
Les métiers des musées | Ministère de la Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Les métiers exercés dans les musées de France couvrent un large éventail de missions et compétences : gérer le musée en tant que bâtiment et institution ouverte au public mais également conserver et valoriser les collections dans des conditions optimales de présentation, d’accueil, de séc

# data[].attributes.body
Temps 1 : Pratique individuelle

Tirage au sort d’une « incitation » (déclencheur)

Fragile

Polyptyque

Plein/vide

Point de vue

Diptyque

Échelle

Verticalité

Équilibre /déséquilibre

Miniature

Haut/bas

Accumulation

Recto/verso

Profondeur (fausse)

Planéité (fausse)

Temps 2 :

Mettre en scène dans l’établissement la réalisation plastique pour que les conditions de sa présentation la révèlent davantage

Contenu de la fiche :

Quelques pistes

- Croquis ou photo de la réalisation

- Croquis ou photo mise en scène dans l’espace

- A quel moment ?

- Pour quelle durée ?

- Où ? Comment ? Quand ?

# data[].attributes.attachment_link.title
_découvrir le métier de scénographe cenographie Louvre Lens 

# data[].attributes.body
https://laurentpernot.net/fr/2023-paysage-fenetre-sur-la-nature-louvre-lens/

vidéo :https://youtu.be/t3_Zy5uC8zo?si=OX0cW4xlwLh9Zq6x

2'35", 19'24"

dossier pedagogique / paysage

https://www.louvrelens.fr/wp-content/uploads/2023/03/Dossier-pedagogique_Paysage_5_BD.pdf

# data[].attributes.attachment_link.title
Paysage fenêtre sur la nature laurent pernot louvre lens

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https://www.studiomatters.eu/fr/work/voyage-voyages

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Horaires

Tous les jours sauf le mardi de 10h à 18h

Un seul billet pour accéder à toutes les expositions

Tarif plein: 11€ Tarif réduit : 7.50€ Billet famille: 18€

L'exposition " Voyage voyages " réouvre... en ligne. Partez à la (re)découverte de nouveaux horizons artistiques tout en restant chez vous.

#Culturecheznous #LeMucemchezvous

Contenus augmentés

Parcours sonores Interview des commissaires Extraits du catalogue d'exposition
Portfolio " Voyage émoi " par Pascal Messaoudi

Avec Chiharu Shiota, Henri Matisse, Marcel Duchamp, Andy Warhol, Mona Hatoum, Richard Baquié...
Un voyage à la découverte de nouveaux mondes artistiques !

Quelle qu'en soit l'idée (ou le point) de départ - une envie de soleil ou un désir d'évasion, la fuite, l'errance ou l'exil -, le voyage a toujours été pour les artistes source d'inspiration, d'influences et d'échanges. L'exposition " Voyage Voyages " propose un parcours à travers ces mouvements et leurs histoires au fil d'une centaine d'œuvres (peintures, sculptures, installations, dessins, photographies, vidéos) nous menant vers autant d'horizons réels ou imaginaires.

Ainsi, suivant les pas de Paul Gauguin qui, poussé par un terrible besoin d'inconnu, s'embarque en 1891 pour Tahiti, on découvre les inspirations que tant d'artistes - de Kandinsky à Warhol, de Duchamp à Gursky - ont retirées de cet attrait pour un ailleurs qui les entraîne à renouveler leur manière de percevoir l'autre et de représenter le monde.

Frontières, migrations, tourisme de masse... La question du voyage, de l'exil et des circulations est aujourd'hui récurrente dans le geste artistique.

L'exposition " Voyage Voyages " nous invite à en ressentir l'immensité créative, qui trouve un port d'attache naturel au Mucem qui privilégie depuis son ouverture le dialogue entre les cultures.L'exposition présente une centaine d'oeuvres (peintures, sculptures, installations, dessins, photographies, vidéos) issues de collections publiques et privées, plus particulièrement des fonds du Centre Pompidou / Musée national d'art moderne et des collections modernes et contemporaines des musées de Marseille.

Le titre de l'exposition est librement inspiré de la chanson " Voyage, Voyage " (interprétée par Desireless en 1986).
Que son auteur, Jean-Michel Rivat, qui a bien voulu accepter son utilisation, en soit remercié.

-Commissariat : Christine Poullain, directrice honoraire des musées de Marseille et Pierre-Nicolas Bounakoff, historien d'art et commissaire d'exposition

-Scénographie : Floriane Pic et Joris Lipsch-Studio Matters

Publications

Les Éditions du Mucem, vous proposent deux extraits du catalogue d'exposition en accès libre.

-Richard Baquié, des ciels étoilés, des nuits d'été
Essai de Jean François Chougnet (président du Mucem) sur Richard Baquié, dont l'œuvre monumentale, Le Cockpit (1987), est présentée au Mucem dans le cadre de l'exposition " Voyage Voyages ".
© Editions du Mucem/Hazan, 2020 © photos Yves Gallois
Feuilleter

-Le XIXe siècle comme un bagage
À l'occasion de " Voyage, voyages ", l'historien Sylvain Venayre a écrit pour le catalogue de l'exposition un texte inédit qui apporte un point de vue à la fois décalé et éclairant au propos de l'exposition.
Feuilleter

Catalogue d'exposition

Direction d'ouvrage : Christine Poullain et Pierre-Nicolas Bounakoff
Avec les contributions de Dominique Dupuis-Labbé, Jean-François Chougnet, Guillaume Theulière et Sylvain Venayre.

Coédition Mucem/Hazan
27 x 19 cm, 160 pages
140 illustrations comprenant la totalité des œuvres montrées dans l'exposition
32 €
ISBN 978-2-7541-1129-4
Parution janvier 2020

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La sélection de la librairie du Mucem

Découvrez la sélection de livres numériques de la librairie du Mucem autour de l'exposition " Voyage voyages ".

Disponibles à la vente en ligne.

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Entretien avec Christine Poullain et Pierre-Nicolas Bounakoff, commissaires de l'exposition

Mucem (M.)

Pourquoi avoir choisi de parcourir l'histoire de l'art à travers la thématique du voyage ?

Christine Poullain (C.P.)

Il est passionnant de montrer comment un thème a inspiré les artistes, et quelles formes et interprétations ce sujet leur a offertes. Le voyage a toujours été source d'influences, d'échanges et d'évolutions artistiques. Le premier d'entre eux et le plus déterminant dans l'art occidental est, dès le XVIe siècle, le Grand Tour en Italie des Nordiques, des Français et des Espagnols, qui a profondément marqué les mouvements artistiques dans toute l'Europe. Au XXe siècle, le développement considérable des moyens de communication, les deux guerres mondiales, les phénomènes migratoires et la mondialisation ont transformé la notion de voyage et de déplacement qui sont par là même devenus une question centrale dans le geste artistique.
Notre propos est d'étudier comment, depuis la traversée de la Méditerranée vers l'Afrique du Nord au début du siècle dernier par Matisse, Klee, Kandinsky et tant d'autres, jusqu'aux phénomènes migratoires récents, le XXe siècle et le début du XXIe siècle ont été jalonnés de multiples déplacements induits par des motifs très divers. Ils ont conduit les artistes à inventer une conception nouvelle de l'art, une vision autre du monde, à explorer toutes les techniques possibles et à métamorphoser le paysage artistique.

Pierre-Nicolas Bounakoff (P.-N. B.)

Il existe aujourd'hui nombre de manières de voyager, du voyage d'affaires au tourisme pur et simple, et ces déplacements sont vus comme un des éléments importants de la mondialisation. Dans ce contexte, il nous a semblé pertinent de nous arrêter un instant pour regarder ce que les artistes du siècle dernier ont pu raconter du voyage, et ce que les artistes contemporains en disent aujourd'hui. Dans l'image collective que l'on en a, il est assez courant d'associer un artiste à un atelier, dans lequel on l'imagine travaillant seul et enfermé. Notre exposition se propose de montrer une réalité bien différente.
Lorsque Matisse part découvrir la Polynésie, c'est avant tout avec le besoin de renouveler son œuvre en allant chercher de nouvelles sources d'inspiration. L'idée d'une exposition sur le voyage provient de cette histoire, parmi tant d'autres. Nous avons voulu rechercher et montrer ce qui raconte le voyage au-delà de la simple biographie des artistes. S'il est intéressant de savoir que Marcel Duchamp est parti pour New York en 1915, et que On Kawara y était en 1972, ce que nous avons voulu reprendre ici, ce sont surtout les œuvres tangibles qui résultent de ces voyages : pour On Kawara, des cartes postales quotidiennes qui suivent le rythme d'une vie, pour Marcel Duchamp des œuvres provocantes pour les milieux américains.
En suivant ces œuvres, il apparaît clairement que les voyages qui inspirent les artistes sont à l'origine de grandes avancées dans l'art moderne et contemporain, qui n'auraient jamais eu lieu si les artistes étaient restés tranquillement chez eux.

M.

De Matisse à Zineb Sedira, l'exposition présente des œuvres réalisées de la fin du XIXe siècle à nos jours. Comment la perception du voyage a-t-elle évolué durant toute cette période ?

C.P.

Est-ce une question d'évolution ? Ou plutôt de transformation, liée à des réflexions très diverses et aux bouleversements historiques que le XXe siècle a pu traverser ? Gauguin, dans sa fascination pour la Polynésie, puis les artistes fauves français et les Allemands fondateurs du Blaue Reiter (Klee, Kandinsky, Macke...), qui ont traversé la Méditerranée en quête d'autres formes et d'une lumière différente, étaient animés par leur désir de bouleverser les codes picturaux classiques et d'inventer une représentation autre. Le voyage en miroir à la fin du siècle dernier de l'Afrique du Nord vers la France répond quant à lui à un besoin de fuir la misère, la pauvreté, l'absence de liberté, l'instabilité politique, dans l'espoir de rencontrer un ailleurs, un avenir possible, une vie nouvelle et acceptable.

Alors que la Deuxième Guerre mondiale a contraint nombre d'artistes et d'intellectuels, réfugiés dans le sud de la France, à fuir l'invasion allemande pour gagner les États-Unis, où les influences partagées des surréalistes et de la jeune peinture américaine ont joué un rôle déterminant des deux côtés de l'Atlantique, le thème de la valise, attribut symbolique du voyage, est devenu source d'inspiration métaphorique pour certains artistes tels que Marcel Duchamp et sa Boîte-en-valise, conçue comme un musée portatif autour de l'univers condensé de la boîte surréaliste ou d'un cabinet de curiosités. La Japonaise Chiharu Shiota, quant à elle, s'est emparée de ce matériau banal pour créer une vague mouvante et poétique composée d'une centaine de valises d'occasion suspendues dans l'espace, qui pose une question récurrente dans son œuvre : les souvenirs que l'on conserve du passé nous construisent-ils ou nous empêchent-ils d'avancer (From where we come and what we are) ?
L'errance devenue une posture artistique de quête d'un " nulle part " (" Toujours aller là où les routes s'arrêtent sur les cartes, là où il n'y a plus rien ", Bernard Plossu) dans les années 1960-1970, probablement destinée à trouver d'autres voies que celles de l'utilitarisme, a incité nombre d'artistes à défendre un art où le concept de déplacement sans but ni destination précis était à lui seul synonyme d'une liberté affirmée de l'expression artistique.

Plus tardivement, et motivés par des raisons migratoires liées à la situation politique et économique de leurs pays d'origine, certains artistes comme Barthélémy Toguo se sont réfugiés dans un exil sans fin fondé sur l'idée de transit, de mouvement incessant, ouverte et altruiste sur le destin de l'homme et la marche du monde.

P.-N. B.

Pour les artistes comme pour nous tous, il me semble que la perception du voyage a évolué parallèlement à la perception de la planète en général. Et cette évolution suit deux directions opposées. D'une part la possibilité de découvrir le monde s'est agrandie, à travers les transports qui peuvent atteindre quotidiennement n'importe quel point du globe, à travers les informations qui nous racontent à la fois les incendies en Amazonie et les problèmes diplomatiques en Corée, et d'autre part les nombreuses distances se sont rétrécies, avec les réseaux Internet qui peuvent faire instantanément le tour du monde. C'est l'ambiguïté d'un monde qui devient en même temps plus grand et plus petit.

Umberto Eco disait à ses étudiants que si les recherches du début du siècle consistaient à fouiller les bibliothèques pour trouver les textes qui leur seraient utiles, aujourd'hui les textes sont disponibles partout en grande quantité et la recherche consiste surtout à en faire le tri. Il me semble que ce conseil correspond assez bien à l'évolution du travail des artistes. Alors qu'au début du siècle, voyager revenait à explorer d'autres lieux, d'autres cultures, et que les œuvres de Klee ou de Kandinsky faisaient part de leurs découvertes, aujourd'hui, les vidéos de Camille Henrot montrent l'afflux énorme d'informations disponibles partout, et témoignent de sa manière de les trier et de les associer pour en tirer sa propre vision de notre époque.
Ce qui inspire les artistes et nourrit leurs œuvres est devenu un mélange de regards, de personnes et de lieux de plus en plus complexe, notamment grâce au voyage.

M.

Qu'est-ce qui vous a le plus étonnés, questionnés, durant vos recherches sur cette exposition ?

C.P.

Le plus étonnant dans cette exposition, et même si c'est souvent le cas au cours des recherches menées autour d'un thème, c'est l'incroyable diversité du parcours et des œuvres exposées. Il est vrai que le sujet et la période ouvrent des perspectives historiques, géographiques et artistiques particulièrement riches et offrent une abondance d'évocations métaphoriques qui nous montrent à quel point le voyage, dans toutes les formes qu'il a pu prendre, est devenu une question centrale dans notre civilisation. Les artistes l'ont interprété de mille manières : quel rapport existe-t-il entre Air de Paris de Marcel Duchamp et Polynésie d'Henri Matisse - soit entre une ampoule pharmaceutique vidée de son contenu et remplie de l'air léger et joyeux de la capitale française, et ces tapisseries où de grands oiseaux blancs environnés d'algues et de coraux symbolisent la poésie de l'archipel du Pacifique -, si ce n'est deux visions, deux versions du concept de déplacement et de voyage ?
Ce sont ces symbolisations et ces inspirations si différentes qui ont porté notre intérêt et souvent suscité nos questions. Notre idée, dès le départ, a été de faire voyager les visiteurs dans le temps et dans l'espace à travers la création artistique. La position géographique du Mucem à Marseille, édifié à l'entrée de l'un des plus grands ports de la Méditerranée, n'a pas été sans jouer un rôle déterminant dans notre propos.

P.-N. B.

Plus qu'un étonnement à proprement parler, la mise en place de cette importante suite d'œuvres qui traverse plus d'un siècle à travers les mers et les continents fait apparaître une forme d'observation du monde qu'il est désormais possible d'étudier rétrospectivement. À l'heure où la réflexion sur l'appropriation culturelle fait largement débat, le mouvement du voyage permet d'ajouter de nombreux éléments à cette large question. Par exemple, comment définir la culture d'un personnage comme Kandinsky, issu de la faculté de droit de Moscou, devenu artiste engagé dans le Bauhaus en Allemagne et ayant produit ses œuvres tardives à Paris ? Son travail réalisé en Tunisie montre un artiste aux yeux grands ouverts, inspiré et influencé par tout ce qu'il découvre, partout où il se rend.

Et Kandinsky n'est en rien le seul parmi les artistes représentés dans cette exposition à avoir mêlé plusieurs bases à sa culture artistique. Avant la Polynésie, Gauguin a été largement inspiré par la découverte de la Bretagne puis de la Martinique. Barthélémy Toguo, qui a fait ses études entre Abidjan, Grenoble et Düsseldorf, travaille maintenant avec un pied à Paris et l'autre à Bandjoun. Plutôt que d'appropriation, qui se trouve désormais violemment critiquée, il me semble qu'il s'agit là d'une forme de partage ouvert entre tous ceux qui habitent la même planète.

M.

Quelles sont les œuvres les plus remarquables parmi la centaine de pièces présentées ?

C.P.

La réunion des deux tapisseries d'Henri Matisse Polynésie le ciel et Polynésie la mer, qui n'a jamais eu lieu à ma connaissance, est l'un des événements remarquables que nous nous réjouissons d'offrir aux visiteurs de l'exposition. Les cartons de ces œuvres tissées tardivement ont été inspirés à l'artiste 18 ans après son voyage à Tahiti, et révèlent la liberté de pure fantaisie et le bonheur de vivre que Matisse a toujours tenté de transmettre.
Les tableaux de Vassily Kandinsky (Arabische Stadt), de Paul Klee (Kairouan devant la porte, Dünenlandschaft) et d'Henri Matisse (La Baie de Tanger) montrent la formidable inspiration que le voyage en Afrique du Nord a pu apporter à ces artistes, en enrichissant leur vocabulaire pictural.
Citons enfin l'œuvre impressionnante et théâtrale de l'artiste japonaise Chiharu Shiota (Accumulation Searching for Destination), qui habite un espace du Mucem grâce à un réseau de fils rouges entrecroisés auxquels elle suspend une centaine de valises animées d'une vague houleuse.

P.-N. B.

Toutes ces œuvres sont remarquables ! Elles correspondent toutes à de vraies réflexions qui les rassemblent sous le thème du voyage. Ensuite, il y a des attirances plus personnelles, propres à chacun. L'œuvre de Victor Brauner, Le Dernier Voyage, malgré ses petites dimensions, me laisse par exemple profondément pensif. Brauner a souvent travaillé l'image de l'œil isolé ou déformé - que l'on retrouve ici -, avant de perdre réellement son œil gauche dans une bagarre en 1938. Il a de ce fait été considéré comme un artiste prémonitoire et Le Dernier Voyage, réalisé juste avant la Deuxième Guerre mondiale, semble confirmer cette idée. On y trouve une route droite vers un coucher de soleil incertain, une terre stérile où ne reste qu'une cheminée d'usine, un voyageur ne sachant plus où aller. Brauner produit là une image dure, mais lucide, de ce qui menace le monde à son époque. À l'heure du dérèglement climatique, elle semble d'ailleurs trouver un sens nouveau.

Mais il ne faut pas toujours être pessimiste, et il y a heureusement des œuvres beaucoup plus souriantes dans cette exposition, comme le Cockpit de Richard Baquié, qui nous invite à laisser voler notre pensée dans les airs, ou Le Retour d'Ulysse, de Giorgio De Chirico, qui semble se moquer gentiment à la fois de l'Odyssée d'Homère et de son propre parcours d'artiste, les deux semblant stagner sur le tapis du salon.

L'exposition " Voyage voyages " réouvre... en ligne. Partez à la (re)découverte de nouveaux horizons artistiques tout en restant chez vous.

#Culturecheznous #LeMucemchezvous

Contenus augmentés

Parcours sonores Interview des commissaires Extraits du catalogue d'exposition
Portfolio " Voyage émoi " par Pascal Messaoudi

Avec Chiharu Shiota, Henri Matisse, Marcel Duchamp, Andy Warhol, Mona Hatoum, Richard Baquié...
Un voyage à la découverte de nouveaux mondes artistiques !

Quelle qu'en soit l'idée (ou le point) de départ - une envie de soleil ou un désir d'évasion, la fuite, l'errance ou l'exil -, le voyage a toujours été pour les artistes source d'inspiration, d'influences et d'échanges. L'exposition " Voyage Voyages " propose un parcours à travers ces mouvements et leurs histoires au fil d'une centaine d'œuvres (peintures, sculptures, installations, dessins, photographies, vidéos) nous menant vers autant d'horizons réels ou imaginaires.

Ainsi, suivant les pas de Paul Gauguin qui, poussé par un terrible besoin d'inconnu, s'embarque en 1891 pour Tahiti, on découvre les inspirations que tant d'artistes - de Kandinsky à Warhol, de Duchamp à Gursky - ont retirées de cet attrait pour un ailleurs qui les entraîne à renouveler leur manière de percevoir l'autre et de représenter le monde.

Frontières, migrations, tourisme de masse... La question du voyage, de l'exil et des circulations est aujourd'hui récurrente dans le geste artistique.

L'exposition " Voyage Voyages " nous invite à en ressentir l'immensité créative, qui trouve un port d'attache naturel au Mucem qui privilégie depuis son ouverture le dialogue entre les cultures.L'exposition présente une centaine d'oeuvres (peintures, sculptures, installations, dessins, photographies, vidéos) issues de collections publiques et privées, plus particulièrement des fonds du Centre Pompidou / Musée national d'art moderne et des collections modernes et contemporaines des musées de Marseille.

Le titre de l'exposition est librement inspiré de la chanson " Voyage, Voyage " (interprétée par Desireless en 1986).
Que son auteur, Jean-Michel Rivat, qui a bien voulu accepter son utilisation, en soit remercié.

-Commissariat : Christine Poullain, directrice honoraire des musées de Marseille et Pierre-Nicolas Bounakoff, historien d'art et commissaire d'exposition

-Scénographie : Floriane Pic et Joris Lipsch-Studio Matters

Publications

Les Éditions du Mucem, vous proposent deux extraits du catalogue d'exposition en accès libre.

-Richard Baquié, des ciels étoilés, des nuits d'été
Essai de Jean François Chougnet (président du Mucem) sur Richard Baquié, dont l'œuvre monumentale, Le Cockpit (1987), est présentée au Mucem dans le cadre de l'exposition " Voyage Voyages ".
© Editions du Mucem/Hazan, 2020 © photos Yves Gallois
Feuilleter

-Le XIXe siècle comme un bagage
À l'occasion de " Voyage, voyages ", l'historien Sylvain Venayre a écrit pour le catalogue de l'exposition un texte inédit qui apporte un point de vue à la fois décalé et éclairant au propos de l'exposition.
Feuilleter

Catalogue d'exposition

Direction d'ouvrage : Christine Poullain et Pierre-Nicolas Bounakoff
Avec les contributions de Dominique Dupuis-Labbé, Jean-François Chougnet, Guillaume Theulière et Sylvain Venayre.

Coédition Mucem/Hazan
27 x 19 cm, 160 pages
140 illustrations comprenant la totalité des œuvres montrées dans l'exposition
32 €
ISBN 978-2-7541-1129-4
Parution janvier 2020

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Entretien avec Christine Poullain et Pierre-Nicolas Bounakoff, commissaires de l'exposition

Mucem (M.)

Pourquoi avoir choisi de parcourir l'histoire de l'art à travers la thématique du voyage ?

Christine Poullain (C.P.)

Il est passionnant de montrer comment un thème a inspiré les artistes, et quelles formes et interprétations ce sujet leur a offertes. Le voyage a toujours été source d'influences, d'échanges et d'évolutions artistiques. Le premier d'entre eux et le plus déterminant dans l'art occidental est, dès le XVIe siècle, le Grand Tour en Italie des Nordiques, des Français et des Espagnols, qui a profondément marqué les mouvements artistiques dans toute l'Europe. Au XXe siècle, le développement considérable des moyens de communication, les deux guerres mondiales, les phénomènes migratoires et la mondialisation ont transformé la notion de voyage et de déplacement qui sont par là même devenus une question centrale dans le geste artistique.
Notre propos est d'étudier comment, depuis la traversée de la Méditerranée vers l'Afrique du Nord au début du siècle dernier par Matisse, Klee, Kandinsky et tant d'autres, jusqu'aux phénomènes migratoires récents, le XXe siècle et le début du XXIe siècle ont été jalonnés de multiples déplacements induits par des motifs très divers. Ils ont conduit les artistes à inventer une conception nouvelle de l'art, une vision autre du monde, à explorer toutes les techniques possibles et à métamorphoser le paysage artistique.

Pierre-Nicolas Bounakoff (P.-N. B.)

Il existe aujourd'hui nombre de manières de voyager, du voyage d'affaires au tourisme pur et simple, et ces déplacements sont vus comme un des éléments importants de la mondialisation. Dans ce contexte, il nous a semblé pertinent de nous arrêter un instant pour regarder ce que les artistes du siècle dernier ont pu raconter du voyage, et ce que les artistes contemporains en disent aujourd'hui. Dans l'image collective que l'on en a, il est assez courant d'associer un artiste à un atelier, dans lequel on l'imagine travaillant seul et enfermé. Notre exposition se propose de montrer une réalité bien différente.
Lorsque Matisse part découvrir la Polynésie, c'est avant tout avec le besoin de renouveler son œuvre en allant chercher de nouvelles sources d'inspiration. L'idée d'une exposition sur le voyage provient de cette histoire, parmi tant d'autres. Nous avons voulu rechercher et montrer ce qui raconte le voyage au-delà de la simple biographie des artistes. S'il est intéressant de savoir que Marcel Duchamp est parti pour New York en 1915, et que On Kawara y était en 1972, ce que nous avons voulu reprendre ici, ce sont surtout les œuvres tangibles qui résultent de ces voyages : pour On Kawara, des cartes postales quotidiennes qui suivent le rythme d'une vie, pour Marcel Duchamp des œuvres provocantes pour les milieux américains.
En suivant ces œuvres, il apparaît clairement que les voyages qui inspirent les artistes sont à l'origine de grandes avancées dans l'art moderne et contemporain, qui n'auraient jamais eu lieu si les artistes étaient restés tranquillement chez eux.

M.

De Matisse à Zineb Sedira, l'exposition présente des œuvres réalisées de la fin du XIXe siècle à nos jours. Comment la perception du voyage a-t-elle évolué durant toute cette période ?

C.P.

Est-ce une question d'évolution ? Ou plutôt de transformation, liée à des réflexions très diverses et aux bouleversements historiques que le XXe siècle a pu traverser ? Gauguin, dans sa fascination pour la Polynésie, puis les artistes fauves français et les Allemands fondateurs du Blaue Reiter (Klee, Kandinsky, Macke...), qui ont traversé la Méditerranée en quête d'autres formes et d'une lumière différente, étaient animés par leur désir de bouleverser les codes picturaux classiques et d'inventer une représentation autre. Le voyage en miroir à la fin du siècle dernier de l'Afrique du Nord vers la France répond quant à lui à un besoin de fuir la misère, la pauvreté, l'absence de liberté, l'instabilité politique, dans l'espoir de rencontrer un ailleurs, un avenir possible, une vie nouvelle et acceptable.

Alors que la Deuxième Guerre mondiale a contraint nombre d'artistes et d'intellectuels, réfugiés dans le sud de la France, à fuir l'invasion allemande pour gagner les États-Unis, où les influences partagées des surréalistes et de la jeune peinture américaine ont joué un rôle déterminant des deux côtés de l'Atlantique, le thème de la valise, attribut symbolique du voyage, est devenu source d'inspiration métaphorique pour certains artistes tels que Marcel Duchamp et sa Boîte-en-valise, conçue comme un musée portatif autour de l'univers condensé de la boîte surréaliste ou d'un cabinet de curiosités. La Japonaise Chiharu Shiota, quant à elle, s'est emparée de ce matériau banal pour créer une vague mouvante et poétique composée d'une centaine de valises d'occasion suspendues dans l'espace, qui pose une question récurrente dans son œuvre : les souvenirs que l'on conserve du passé nous construisent-ils ou nous empêchent-ils d'avancer (From where we come and what we are) ?
L'errance devenue une posture artistique de quête d'un " nulle part " (" Toujours aller là où les routes s'arrêtent sur les cartes, là où il n'y a plus rien ", Bernard Plossu) dans les années 1960-1970, probablement destinée à trouver d'autres voies que celles de l'utilitarisme, a incité nombre d'artistes à défendre un art où le concept de déplacement sans but ni destination précis était à lui seul synonyme d'une liberté affirmée de l'expression artistique.

Plus tardivement, et motivés par des raisons migratoires liées à la situation politique et économique de leurs pays d'origine, certains artistes comme Barthélémy Toguo se sont réfugiés dans un exil sans fin fondé sur l'idée de transit, de mouvement incessant, ouverte et altruiste sur le destin de l'homme et la marche du monde.

P.-N. B.

Pour les artistes comme pour nous tous, il me semble que la perception du voyage a évolué parallèlement à la perception de la planète en général. Et cette évolution suit deux directions opposées. D'une part la possibilité de découvrir le monde s'est agrandie, à travers les transports qui peuvent atteindre quotidiennement n'importe quel point du globe, à travers les informations qui nous racontent à la fois les incendies en Amazonie et les problèmes diplomatiques en Corée, et d'autre part les nombreuses distances se sont rétrécies, avec les réseaux Internet qui peuvent faire instantanément le tour du monde. C'est l'ambiguïté d'un monde qui devient en même temps plus grand et plus petit.

Umberto Eco disait à ses étudiants que si les recherches du début du siècle consistaient à fouiller les bibliothèques pour trouver les textes qui leur seraient utiles, aujourd'hui les textes sont disponibles partout en grande quantité et la recherche consiste surtout à en faire le tri. Il me semble que ce conseil correspond assez bien à l'évolution du travail des artistes. Alors qu'au début du siècle, voyager revenait à explorer d'autres lieux, d'autres cultures, et que les œuvres de Klee ou de Kandinsky faisaient part de leurs découvertes, aujourd'hui, les vidéos de Camille Henrot montrent l'afflux énorme d'informations disponibles partout, et témoignent de sa manière de les trier et de les associer pour en tirer sa propre vision de notre époque.
Ce qui inspire les artistes et nourrit leurs œuvres est devenu un mélange de regards, de personnes et de lieux de plus en plus complexe, notamment grâce au voyage.

M.

Qu'est-ce qui vous a le plus étonnés, questionnés, durant vos recherches sur cette exposition ?

C.P.

Le plus étonnant dans cette exposition, et même si c'est souvent le cas au cours des recherches menées autour d'un thème, c'est l'incroyable diversité du parcours et des œuvres exposées. Il est vrai que le sujet et la période ouvrent des perspectives historiques, géographiques et artistiques particulièrement riches et offrent une abondance d'évocations métaphoriques qui nous montrent à quel point le voyage, dans toutes les formes qu'il a pu prendre, est devenu une question centrale dans notre civilisation. Les artistes l'ont interprété de mille manières : quel rapport existe-t-il entre Air de Paris de Marcel Duchamp et Polynésie d'Henri Matisse - soit entre une ampoule pharmaceutique vidée de son contenu et remplie de l'air léger et joyeux de la capitale française, et ces tapisseries où de grands oiseaux blancs environnés d'algues et de coraux symbolisent la poésie de l'archipel du Pacifique -, si ce n'est deux visions, deux versions du concept de déplacement et de voyage ?
Ce sont ces symbolisations et ces inspirations si différentes qui ont porté notre intérêt et souvent suscité nos questions. Notre idée, dès le départ, a été de faire voyager les visiteurs dans le temps et dans l'espace à travers la création artistique. La position géographique du Mucem à Marseille, édifié à l'entrée de l'un des plus grands ports de la Méditerranée, n'a pas été sans jouer un rôle déterminant dans notre propos.

P.-N. B.

Plus qu'un étonnement à proprement parler, la mise en place de cette importante suite d'œuvres qui traverse plus d'un siècle à travers les mers et les continents fait apparaître une forme d'observation du monde qu'il est désormais possible d'étudier rétrospectivement. À l'heure où la réflexion sur l'appropriation culturelle fait largement débat, le mouvement du voyage permet d'ajouter de nombreux éléments à cette large question. Par exemple, comment définir la culture d'un personnage comme Kandinsky, issu de la faculté de droit de Moscou, devenu artiste engagé dans le Bauhaus en Allemagne et ayant produit ses œuvres tardives à Paris ? Son travail réalisé en Tunisie montre un artiste aux yeux grands ouverts, inspiré et influencé par tout ce qu'il découvre, partout où il se rend.

Et Kandinsky n'est en rien le seul parmi les artistes représentés dans cette exposition à avoir mêlé plusieurs bases à sa culture artistique. Avant la Polynésie, Gauguin a été largement inspiré par la découverte de la Bretagne puis de la Martinique. Barthélémy Toguo, qui a fait ses études entre Abidjan, Grenoble et Düsseldorf, travaille maintenant avec un pied à Paris et l'autre à Bandjoun. Plutôt que d'appropriation, qui se trouve désormais violemment critiquée, il me semble qu'il s'agit là d'une forme de partage ouvert entre tous ceux qui habitent la même planète.

M.

Quelles sont les œuvres les plus remarquables parmi la centaine de pièces présentées ?

C.P.

La réunion des deux tapisseries d'Henri Matisse Polynésie le ciel et Polynésie la mer, qui n'a jamais eu lieu à ma connaissance, est l'un des événements remarquables que nous nous réjouissons d'offrir aux visiteurs de l'exposition. Les cartons de ces œuvres tissées tardivement ont été inspirés à l'artiste 18 ans après son voyage à Tahiti, et révèlent la liberté de pure fantaisie et le bonheur de vivre que Matisse a toujours tenté de transmettre.
Les tableaux de Vassily Kandinsky (Arabische Stadt), de Paul Klee (Kairouan devant la porte, Dünenlandschaft) et d'Henri Matisse (La Baie de Tanger) montrent la formidable inspiration que le voyage en Afrique du Nord a pu apporter à ces artistes, en enrichissant leur vocabulaire pictural.
Citons enfin l'œuvre impressionnante et théâtrale de l'artiste japonaise Chiharu Shiota (Accumulation Searching for Destination), qui habite un espace du Mucem grâce à un réseau de fils rouges entrecroisés auxquels elle suspend une centaine de valises animées d'une vague houleuse.

P.-N. B.

Toutes ces œuvres sont remarquables ! Elles correspondent toutes à de vraies réflexions qui les rassemblent sous le thème du voyage. Ensuite, il y a des attirances plus personnelles, propres à chacun. L'œuvre de Victor Brauner, Le Dernier Voyage, malgré ses petites dimensions, me laisse par exemple profondément pensif. Brauner a souvent travaillé l'image de l'œil isolé ou déformé - que l'on retrouve ici -, avant de perdre réellement son œil gauche dans une bagarre en 1938. Il a de ce fait été considéré comme un artiste prémonitoire et Le Dernier Voyage, réalisé juste avant la Deuxième Guerre mondiale, semble confirmer cette idée. On y trouve une route droite vers un coucher de soleil incertain, une terre stérile où ne reste qu'une cheminée d'usine, un voyageur ne sachant plus où aller. Brauner produit là une image dure, mais lucide, de ce qui menace le monde à son époque. À l'heure du dérèglement climatique, elle semble d'ailleurs trouver un sens nouveau.

Mais il ne faut pas toujours être pessimiste, et il y a heureusement des œuvres beaucoup plus souriantes dans cette exposition, comme le Cockpit de Richard Baquié, qui nous invite à laisser voler notre pensée dans les airs, ou Le Retour d'Ulysse, de Giorgio De Chirico, qui semble se moquer gentiment à la fois de l'Odyssée d'Homère et de son propre parcours d'artiste, les deux semblant stagner sur le tapis du salon.

# data[].attributes.attachment_link.description
Tous les jours sauf le mardi de 10h à 18h Tarif plein: 11€ Tarif réduit : 7.50€ Billet famille: 18€ #Culturecheznous #LeMucemchezvous Parcours sonores Interview des commissaires Extraits du catalogue d'exposition Portfolio " Voyage émoi " par Pascal Messaoudi Avec Chiharu Shiota, Henri Matisse, Marcel Duchamp, Andy Warhol, Mona Hatoum, Richard Baquié...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
à la BnF François Mitterrand, Paris

du 12 octobre 2021 au 23 janvier 2022
BnF François Mitterand
© Anne-Frédérique Fer, présentation de l'exposition avec Giuseppe Penone, le 11 octobre 2021.

@ Giuseppe Penone. Pensieri e linfa (Sève et pensée). © Adagp, Paris, 2021, photo © Archivio Penone.

Giuseppe Penone dans son atelier, Turin, 2014. © Agence REA / Contrasto / Martino Lombezzi / Image de presse.

Au centre, l'empreinte d'un doigt : les méandres se poursuivent en dehors du petit ovale imprimé en cercles concentriques bien serrés. Ligne après ligne, le dessin finit par atteindre les bords de la page, recouvrant toute sa surface. Les cercles de croissance d'un arbre indiquent son âge, ceux-ci poursuivent l'histoire de cette impression, un récit qui commence au moment où le doigt a touché le papier. Ces empreintes que l'on n'a de cesse d'effacer, de nettoyer, Giuseppe Penone les chérit, les conserve.

Ses tableaux peints d'empreintes digitales évoquent les traces invisibles sur la couverture d'un livre de poèmes de Walt Whitman, la succession des lectures, des lecteurs. Et au centre, pendu à un fil, un morceau d'argile a gardé la forme de l'intérieur du poing qui l'a serré. Le moment imprimé dans la glaise est celui du geste transmettant sa force et son énergie à la terre, Adam étreignant le matériau dans lequel il a été modelé. Un geste, des muscles qui se tendent, et de ce petit rien quelque chose naît et refuse de disparaitre. Des photogravures font de feuilles d'arbres des traces légères, comme une image en rayons X prise dans du ruban adhésif. Une mémoire collée au scotch sur la page d'un livre, et voilà le souvenir qui devient concret, matière en couleurs.

A occhi chiusi (les yeux fermés), deux paupières closes dessinées en épines d'acacia collés sur de la toile blanche. L'épine est-elle christique ? Penone parle de la peau, de son extraordinaire sensibilité. La pointe évoque son complémentaire, le doigt qui s'y pique. Le potentiel de l'action et de la réaction, cette possibilité-là fait naître l'homme, le délimite dans son enveloppe sensible. Une minuscule surface de peau est immense de cette infinie possibilité de ressentir, de lire le monde. Les impressions sont de plus en plus grandes, Penone va dans la forêt, il frotte les feuilles, l'écorce sur de grandes bandes de tissu, imprimant des arbres entiers. Dans ces images, cartographie un peu fantomatiques d'un vert et brun poudreux, s'entrecroisent les branches. Parmi les troncs se cache un homme, on distingue le froissement de ses jeans, sa chemise. Il se fond dans l'enchevêtrement de broussailles, anonyme et sans visage.

Les deux longs troncs de Pensieri e linfa (Sève et pensée) se déroulent sur de longues bandes de toile blanche. Le grand arbre repose dans son linceul, sa silhouette apparait sur le suaire en pigments verts, impression de sève. Une histoire est écrite à la main, une écriture qui n'en finit pas, un texte du rouleau ancien, sacré. L'arbre est un livre, le tronc sculpté dévoile le jeune arbuste qu'il fut. La mémoire est mise à jour par un délicat travail d'archéologie du bois, en le creusant patiemment. L'empreinte est ici intérieure, elle est la base de la vie, de la croissance fabuleuse de ce sapin, de ce cèdre.

Des dessins et gravures rassemblés semblent issus d'un codex d'outre monde. Penone décrit une autre vie, un autre temps, consigne ses observation et son expérience dans un carnet de voyage. Il est question d'une possible harmonie entre l'homme et la nature. Un homme est fait d'une multitude de feuilles d'or, des centaines de fils le relient à la nature, aboutissant à 151 noms d'arbres. Un essaim de rêves l'entoure, comme autant d'abeilles, d'étincelles. L'arbre et l'homme sont la prolongation l'un de l'autre, ils fusionnent en un arbre-homme.

Giuseppe Penone remonte cette histoire à contre-courant, explorant le vivant jusqu'aux sources de ce courant de sève qui nourrit tout. Au départ est l'homme-arbre, l'arbre-homme, un, puis tous les deux naissent. La coupure de ce cordon ombilical nous reliant à la nature est-elle la faute originelle qui projette l'homme dans le monde ?

Sylvain Silleran
Commissariat :

" J'écris pour répondre à une nécessité qui n'est pas celle de l'écriture elle-même mais celle de mon oeuvre. " Giuseppe Penone Marie Minssieux-Chamonard, conservatrice à la Réserve des livres rares, BnF

Penone, figure majeure de la scène artistique internationale Cécile Pocheau-Lesteven, conservatrice au département des Estampes et de la photographie, BnF
La mémoire et l'écrit au coeur d'une oeuvre singulière

La Bibliothèque nationale de France accueille l'artiste italien Giuseppe Penone, figure incontournable de l'art contemporain, pour sa première grande exposition à Paris depuis 2013. Penone, dont le travail questionne, avec force et poésie, les liens de l'homme avec la nature, a réalisé pour l'occasion Pensieri e linfa ( Sève et pensée), une installation spectaculaire conçue à partir de l'empreinte d'un arbre autour duquel se déploie un texte écrit par l'artiste. En regard de cette oeuvre emblématique, des pièces inédites et monumentales côtoient dessins, photographies, livres de bibliophilie et livres d'artistes, ainsi qu'une exceptionnelle série de 18 gravures récemment créées par Penone, qui en a fait don à la Bibliothèque. Cette carte blanche à l'un des artistes majeurs de notre époque est une invitation à déambuler dans son oeuvre singulière et à interroger le travail d'écriture, les notions de trace, du temps et de la mémoire, qui entrent ici en résonance avec les collections patrimoniales et les missions de la BnF.

Parcours
Né en 1947 à Garessio, petite commune rurale du Piémont italien, Giuseppe Penone étudie la sculpture à l'Accademia di Belle Arti de Turin. À l'âge de 21 ans, il réalise une série d'actions dans lesquelles il intervient sur le processus de croissance d'un jeune arbre. Ce travail inaugural est remarqué par le critique Germano Celant qui associe le jeune artiste au mouvement de l'Arte Povera, prônant un art libéré des pratiques et des matériaux traditionnels afin de privilégier le processus créateur au détriment de l'objet fini. Penone s'intéresse très tôt aux possibilités du bronze ainsi qu'aux empreintes corporelles comme mémoire et matrice de l'oeuvre. Son travail, que sous-tend l'idée d'une interdépendance entre nature et culture, associe explorations formelles d'une grande diversité de matériaux (bois, bronze, marbre, pierre, épines d'acacia...) et fragments ou empreintes de corps. Célébré dans le monde entier, lauréat du prestigieux Praemium Imperiale, l'artiste a notamment représenté l'Italie à la biennale de Venise en 2007 et fait l'objet, en France, d'une rétrospective au Centre Pompidou en 2004 suivie d'une exposition de ses sculptures monumentales au château de Versailles en 2013.

Si Giuseppe Penone interroge depuis toujours dans son travail la relation entre nature et culture, sa pensée autour de l'écriture, de la trace et de la mémoire est cependant moins connue. C'est donc naturellement que la BnF invite aujourd'hui l'artiste à présenter son oeuvre sous cet angle, faisant ainsi écho aux collections et aux missions de la Bibliothèque mais aussi à la symbolique et aux caractéristiques architecturales du site François-Mitterrand. Réalisée spécialement pour l'exposition à laquelle elle a donné son titre, Pensieri e linfa ( Sève et pensée) en est l'oeuvre phare : il s'agit d'une spectaculaire installation formée du frottage, sur fine toile de lin, du tronc d'un acacia de 30 mètres de long et d'un texte manuscrit de l'artiste qui court de part et d'autre de l'empreinte du tronc en séquences régulières semblables aux pages d'un livre ouvert. Le texte de Penone a fait l'objet d'une traduction en français par Jean-Christophe Bailly, auteur de nombreux écrits sur l'art mais aussi de récits, poésies et pièces de théâtre. Des extraits de cette traduction, lus par Jean-Christophe Bailly lui-même, pourront être écoutés dans l'exposition. Se déployant en ramifications à partir de Sève et pensée, le parcours dévoile un réseau de filiations entre des oeuvres chronologiquement éloignées, et met en lumière, dans l'évolution des formes et des propositions, la récurrence des questionnements. On y découvre plusieurs pièces inédites telles que les douze monumentaux Alberi libro (12 Arbres-livre sculptés à la façon d'un livre ouvert) ou la surprenante série des quatre grands tableaux aux doigts Leaves of grass, inspirée de la première édition du poème de Walt Whitman. Des oeuvres " historiques " (tel le frottage d'un tronc d'arbre Verde del Bosco de 1986), des sculptures ( Pensieri di foglie, A Occhi chuisi) ou un ensemble de pièces graphiques (dessins, photographies, estampes et livres d'artistes) issues pour la plupart des collections de la BnF éclaireront sous un jour nouveau les liens intimes que Giuseppe Penone a tissés avec l'écriture et l'imaginaire du livre.

À l'image de l'étrange ramure que forment, dans Sève et pensé e, autour du tronc, sur les pans de toile, les pleins et déliés de l'écriture cursive, le parcours de l'exposition se déploie en ramifications à partir de cette pièce, dévoilant un réseau de filiations entre des oeuvres chronologiquement éloignées, mettant en lumière, dans l'évolution des formes et des propositions, la constance des questionnements, l'importance des sens -plus particulièrement du toucher -dans le processus créatif, l'incroyable inventivité et la saisissante beauté de l'art de Giuseppe Penone.

La scénographie de l'exposition souligne quant à elle la dimension sacrée, voire christique, de certaines des pièces exposées telles Sève et pensée, long suaire de lin recueillant l'empreinte d'un arbre couché, A occhi chiusi ( Les Yeux fermés) réalisée avec des épines d'acacia, ou la monumentale sculpture des Alberi libro ( Arbreslivre) évoquant les orgues d'église. L'espace d'exposition évoque ainsi une grande nef de cathédrale flanquée, sur la droite de deux chapelles latérales.

" Au mois de mai 1969, je suis entré dans la forêt du bois et j'ai commencé un parcours dans le temps, lent, pensif, étonné, attentif à la moindre forme renfermée dans le bois fluide. C'est alors que cette cathédrale est sortie du monde muet de la matière pour entrer dans celui de la sculpture et de l'utilisation poétique du réel. " Giuseppe Penone

Le parcours débute par une présentation d'imprimés, de livres d'artistes et de gravures, issus pour la plupart des collections de la BnF. Retraçant l'oeuvre de Penone, ces documents datant des années 1970 à nos jours montrent la récurrence des interrogations de l'artiste sur l'empreinte, la mémoire tactile et l'écriture comme support de pensée et de spéculation. Ils montrent également que le livre a toujours accompagné le geste du sculpteur et qu'il est un laboratoire ou un réceptacle des différentes réflexions qu'il a menées au cours de sa carrière.

Le visiteur découvre ensuite un vaste espace structuré autour des deux longues tables de 15 mètres de long présentant l'oeuvre sur tissu Pensieri e Linfa ( Sève et pensée), pièce principale de l'exposition, conçue spécialement pour l'occasion. Présentée à l'horizontale, Sève et pensée renvoie à la notion de fluidité : la fluidité révélée par le toucher, le " glissement aveugle de la main sur l'écorce de l'arbre ", la fluidité de la sève qui circule des racines à la cime de l'arbre, la fluidité du fil des pensées.

Aux deux extrémités, deux oeuvres spectaculaires se font face : les Alberi libro ( Arbres-livre) et le triptyque d'épines et de marbre A occhi chiusi ( Avec les yeux fermés). De part et d'autre des Arbres-livre, deux niches abritent des oeuvres qui s'offrent comme un prolongement à Sève et pensée : l'empreinte de troncs sur toile Verde del bosco ( Vert du bois) et la sculpture de branchages de bronze Pensieri di foglie ( Pensées de feuilles).

On trouve enfin aux côtés de la pièce emblématique de l'exposition, des ensembles d'oeuvres sur papier (dessins et gravures) qui documentent le processus créatif de l'artiste et font écho au texte de Sève et Pensée.

Le dernier tiers de la galerie est composé de deux " chapelles " plus intimistes. Dans la première, autour de la première édition de Leaves of grass de Walt Whitman issue de la collection de Penone, sont présentées quatre grandes peintures au doigt inspirées de la couverture du livre. Dans la seconde chapelle filant la thématique de l'empreinte digitale sont présentées trois oeuvres : Propagazione ( Propagation), réalisée in situ et deux variations anciennes de Svolgere la propria pelle ( Développer sa propre peau).

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FranceFineArt - "Giuseppe Penone" Sève et pensée, à la BnF François Mitterrand, Paris, du 12 octobre 2021 au 23 janvier 2022 - Interview de Véronique Zech, archéologue et commissaire scientifique de l'exposition, par Anne-Frédérique Fer

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Les panoramas : expo musée MUCEM Marseille 

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Les panoramas : expo musée MUCEM Marseille 

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J'aime les panoramas, Mucem,scénographie :  Adrien Roverso

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J'aime les panoramas, Mucem,scénographie :  Adrien Roverso

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Exhibition about the topics: panoramas. some 350 pieces explain and shows how that new way of showing images has been treated. From contemporary pieces to more traditional one.

The idea is to create a setup in 3 axis; the immersive walls : a fade color from light blue to very light blue create a sucession of panorama on its own; a parapet contextualise the visitors to the original setup and offer a space for the informations. Finally, on some sections, the ground has been sligthly lifted to give the feeling of a certain point of view.

The exhibition has been created for 2 location. Some parts has been realised to be able to move from one museum to the other.

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J'aime les panoramas - Adrien Rovero Studio

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MARC RIBOUD. HISTOIRES POSSIBLES Musée national des arts asiatiques - Guimet Du 24 octobre 2019 au 20 janvier 2020 Scénographie et graphisme d'exposition - A l'image de Marc Riboud qui a voyagé à travers le monde, AtoY propose au spectateur un voyage immersif chrono-thématique qui laisse place en premier lieu aux œuvres...

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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L'acte d'exposition est particulièrement riche d'apprentissages disciplinaires et transversaux. Il gagne à se travailler par l'intermédiaire de galeries d'établissements scolaires. Les récents programmes du lycée synthétisent cette démarche, commune à tous les cycles : " Ce travail ("exposer") s'opère selon deux perspectives qui, sans se confondre, s'articulent et mobilisent des compétences complémentaires :

présenter à un public sa production plastique, dans des formes diverses et comme composante d'une formation plasticienne ;

chaque fois que possible, exposer des œuvres d'art et proposer la rencontre avec l'artiste comme dynamique d'un projet et modalité d'une expérience esthétique, culturelle et sociale ouverte à la communauté éducative. "

Il s'agit, pour les élèves, d'apprendre collégialement à partager le sensible à partir de productions plastiques, de démarches, de projets, de réceptions individuelles et collectives de ces pratiques. Au-delà d'un affichage, l'exposition est une écriture (intention, mise en regard, récit, etc.) et une invention (remodelage de l'espace, parcours, audace du rythme...) Elle s'inscrit dans une dynamique de projet. Elle articule le non verbal (les langages de l'art) et le verbal (dire la pratique artistique).

Une galerie d'établissement, c'est l'opportunité d'engager les élèves dans un travail de commissariat d'exposition d'œuvres d'art réalisées par un artiste, associées à une thématique.

Grâce au numérique, les galeries virtuelles donnent la possibilité d'appréhender de nouvelles modalités d'exposition. Elles permettent de revisiter l'articulation entre pratique plastique et développement de la culture artistique de l'élève et donnent la possibilité d'accéder à des ressources culturelles et artistiques sélectionnées.

Une exposition pédagogique " virtuelle " ne se substitue pas à une galerie d'établissement ou à la fréquentation d'une structure culturelle partenaire. Elle peut être la mémoire d'une exposition physique, son prolongement, son archivage, mais aussi une exposition à part entière. Elle propose une expérience numérique qui engage des questionnements sur la diffusion de l'œuvre dématérialisée, sa reproductibilité, sa propagation virale en réseau, par exemple.

Les TraAm (travaux académiques mutualisés) menés par les équipes de recherche numérique en arts plastiques des académies de Créteil, Toulouse, Nantes, Limoges, Poitiers et Amiens ont permis d'engager une réflexion sur les galeries virtuelles à dimension pédagogique.

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Développer des galeries virtuelles à dimension pédagogique

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Conférence de Jérôme Glicenstein,  professeur au département Arts plastiques de Paris 8.

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Conférence 1 : Polychrome-edu invite Marie-Laure Bernadac sur la scénographie des oeuvres

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Conférence de Mathilde Roman à l'école d'art d'Aix-en-Provence - 5 mai 2021

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p.47

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Domaines de la présentation des pratiques, des productions plastiques et de la réception du fait artistique :

La présentation de l’œuvre.

Sollicitation du spectateur : stratégies et visées de l’artiste ou du commissaire d’exposition ou du diffuseur (éditeur, galeriste, etc.)

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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Les programmes de l'enseignement optionnel d'arts plastiques en seconde générale et technologique et en première et terminale des voies générale et technologique et l'enseignement de spécialité d'arts plastiques en première et terminale de la voie générale sont présentés en lien avec des ressources pour accompagner leur mise en œuvre.

Le programme de l'enseignement optionnel d'arts en seconde générale et technologique et en premières générale et technologique et le programme de l'enseignement de spécialité d'arts en première générale sont définis par arrêtés du 17-1-2019 publiés au BO spécial n° 1 du 22 janvier 2019.

Le programme de l'enseignement optionnel d'arts en terminale générale et technologique et le programme de l'enseignement de spécialité d'arts en terminale générale sont définis par arrêtés du 19-7-2019 publiés au BO spécial n° 8 du 25 juillet 2019.

Appropriation de la structure et de la dynamique des programmes

Articuler la pratique et la culture artistiques en arts plastiques au lycée : principaux enjeux

Questionnements artistiques transversaux

Enseignement optionnel

Installer et mettre en œuvre l'enseignement optionnel d'arts plastiques

Situations pédagogiques

Ressources pour les œuvres au programme de l'enseignement de spécialité de la classe terminale

Accompagnement de l'évaluation pour l'enseignement de spécialité

Accompagnement de l'évaluation pour l'enseignement optionnel

Consulter la page des annales des épreuves du baccalauréat

Volumes horaires d'enseignement

L'horaire élève pour l' enseignement de spécialité est de 4h en première générale, puis de 6h en terminale générale.

L'horaire élève pour l' enseignement optionnel est de 3h en seconde générale et technologique, en première générale et technologique et en terminale générale et technologique.

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arts plastiques (enseignement de spécialité)

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Programmes et ressources en arts plastiques - voie GT

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lycée

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À l'été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d'inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L'exposition déconstruit de manière inédite l'histoire du regard, au croisement de l'histoire, de l'histoire de l'art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l'histoire des sciences et techniques.

Balzac qualifiait le diorama de " merveille du siècle "⁽¹⁾ : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l'histoire du spectaculaire dans l'héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.

Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d'éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d'Histoire naturelle, formé d'une vitre, d'une toile de fond et d'éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l'illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l'impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l'invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d'une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l'authenticité de l' artifice.

S'il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l'étymologie signifie " voir à travers " - sert ainsi également de support de projection à l'imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.

Dans le sillage de l'exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l'art avec une constante ouverture à l'égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l'histoire du diorama et de son influence sur des artistes majeurs du XXème et du XXIème siècle, l'exposition Dioramas invite à plonger dans les mécanismes cachés de ce dispositif. En démantelant ses stratégies d'illusionnisme, elle offre la possibilité d'élaborer une approche critique du pouvoir de représentation, et ouvre à des problématiques actuelles telles que la conscience écologique et l'héritage visuel du colonialisme.

Avec : Marcelle Ackein, Carl Akeley, Sammy Baloji, Richard Baquié, Richard Barnes, Erich Böttcher, Jacques Bouisset, Cao Fei, Philippe Chancel, Joseph Cornell, Louis Daguerre, Giovanni D'Enrico, Caterina De Julianis, Mark Dion, Jean Paul Favand, Claude-André Férigoule, Joan Fontcuberta, Diane Fox, Emmanuel Frémiet, Ryan Gander, Isa Genzken, Arno Gisinger, Ignazio Lo Giudice, Robert Gober, Duane Hanson, Edward Hart, Patrick Jacobs, Arthur August Jansson, Anselm Kiefer, Fritz Laube, Pierre Leguillon, William Robinson Leigh, Charles Matton, Mathieu Mercier, Kent Monkman, Armand Morin, Lorenzo Mosca, Dulce Pinzón, Walter Potter, Georges Henri Rivière, G-M Salgé, Gerrit Schouten, Ronan-Jim Sévellec, Pierrick Sorin, Peter Spicer, Hiroshi Sugimoto, Fiona Tan, Jules Terrier, Tatiana Trouvé, Jeff Wall, Rowland Ward, Tom Wesselmann

Commissaires : Claire Garnier, Laurent Le Bon, Florence Ostende

L'exposition est organisée en partenariat avec la Schirn Kunsthalle, Francfort.
Commissaire de l'exposition à la Schirn Kunsthalle, Francfort : Katharina Dohm.

Un catalogue d'exposition en langue française est édité par Flammarion, en partenariat avec le Palais de Tokyo.

⁽¹⁾ Honoré de Balzac, Lettre à sa sœur Laure, 1822

À découvrir de midi à minuit, tous les jours sauf le mardi.

Cette exposition bénéficie du soutien de :

Cette exposition bénéficie du soutien de Art Museum, University of Toronto ; Galerie Almine Rech ; Galerie Thaddaeus Ropac, London/Paris/Salzburg et du Centre Culturel Canadien (Paris). Ce projet s'inscrit dans le cadre de Canada 150, qui célèbre le 150e anniversaire du Canada.

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À l'été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d'inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L'exposition déconstruit de manière inédite l'histoire du regard, au croisement de l'histoire, de l'histoire de l'art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l'histoire des sciences et techniques.

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Loin d’être un espace clos et limité, l’exposition explore le jardin comme un territoire infini. Il représente un lieu d’hybridation, d’expérimentation et d’étrangeté aux yeux de nombreux artistes. Perpétuelle source d’inspiration, ce Jardin infini rassemble environ 300 oeuvres de la fin du 19ème à nos jours. D’après une scénographie de l’artiste catalan Daniel Steegmann Mangrané, les deux galeries du Centre Pompidou-Metz incarnent un vaste espace naturel : du monde tellurique à la lumière. Le parcours libre et ouvert sur la ville de Metz, avec l’aménagement de trois jardins d’artistes hors les murs, invite le public à cheminer à travers cette exposition comme dans un paysage inconnu.

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Les TINBOX sont des galeries d'art contemporain mobiles dédiées à la diffusion des expositions dans les espaces publics.

Créée en 2007 par Nadia Russell Kissoon, la flotte se compose aujourd'hui de 5 Tinbox en circulation.

En savoir plus

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Les TINBOX sont des galeries d'art contemporain mobiles dédiées à la diffusion des expositions dans les espaces publics. Créée en 2007 par Nadia Russell Kissoon, la flotte se compose aujourd'hui de 5 Tinbox en circulation. En savoir plus

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Qu'est-ce que Le Satellite ?

Le Satellite propose une exposition thématique réalisée à partir des œuvres de la collection du Frac. Les visiteurs peuvent ainsi entrer dans un univers, découvrir des artistes et se familiariser avec leur démarche.

Le public est accueilli en petit groupe par un médiateur qui invite à dialoguer et échanger autour des œuvres présentées. Des rencontres, des expérimentations, des outils de médiations spécifiques et adaptés à chacun favorisent la découverte de l'art contemporain.

Le Satellite se déplace à l'invitation de collectivités, d'associations, de structures culturelles, d'établissements scolaires..., désireux de s'engager dans un véritable partenariat et de favoriser l'accès à l'art contemporain et sa démocratisation.

Conçu par l'architecte Mathieu Herbelin, le Satellite est un véhicule original adapté à l'exposition des œuvres.

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Le Satellite propose une exposition thématique réalisée à partir des œuvres de la collection du Frac. Les visiteurs peuvent ainsi entrer dans un univers, découvrir des artistes et se familiariser avec leur démarche. Le public est accueilli en petit groupe par un médiateur qui invite à dialoguer et échanger autour des œuvres présentées.

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Micro-Folie : un dispositif culturel innovant, au service des territoires.

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Né en 2011 de la conviction que l’art est un outil de partage, MuMo est un musée-mobile destiné à aller à la rencontre des enfants, en particulier ceux qui se trouvent éloignés de l’accès à la culture.

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Il n'y a qu'à se perdre un jeudi soir dans le labyrinthe de Mains d'œuvres, à Saint-Ouen, pour comprendre. Entre apéro des voisins, fête des résidents, spectacle de danse à l'étage et répétitions en sous-sol, l'ébullition est constante. Ici, la création est sans limite, et le partage une règle d'or. Cet esprit ouvert et proche des gens, on le retrouve dans de plus en plus de sites parisiens, vers la périphérie, où les spots traditionnels du Marais semblent loin... Ils s'appellent DOC !, le 6b, Glassbox, le Wonder/Liebert ou Chez Kit. Une tendance qu'on retrouve aussi en région avec le Lieu-Commun à Toulouse, Le Hall à Rouen, La Station à Nice, Zoo galerie à Nantes, La Salle de bains à Lyon, Où à Marseille, Les Ateliers Vortex à Dijon... Le public s'y presse, la presse s'extasie. Et si ces lieux tenaient la promesse d'un nouveau rapport à la création artistique ? D'un rapport plus libre et vivant ?

Des espaces pour l'émergence

Loin des grands noms de l'art contemporain, ces lieux favorisent l'émergence artistique sous toutes ses formes. Outre quelques galeries, bourses ou centres d'art audacieux, c'est dans ces cadres non conventionnels que de jeunes artistes sortis d'école - ou à peine - donnent à voir leur production, sans attendre la consécration officielle. Là, la jeune création court-circuite le cursus honorum usuel de l'art et exprime son besoin d'espaces pour créer et montrer. " Car la précarité est le principal moteur de développement de ces lieux ; leurs instigateurs le déclarent d'ailleurs sans ambages ", analyse le critique d'art Samuel Belfond. L'hypothèse économique explique en effet que des artistes joignent leur force pour se rendre maîtres des outils de production nécessaires à la pratique de leur art. En partageant machines, ateliers et, bien souvent, gîte et couvert sous les auspices d'une bohème contemporaine, les jeunes artistes font-ils aussi converger leurs luttes ?

Le Wonder / Liebert, Bagnolet

" On est carrément au centre de la production alternative, où les choses existent fébrilement et poétiquement. "

Pierre Gaignard

C'est en tout cas ici que naissent des formes nouvelles, en marge des institutions. Ces lieux deviennent alors des laboratoires de recherche pour la création, pour des artistes en quête de réponses à des besoins concrets. C'est ce qu'avance Pierre Gaignard, membre de l' artist-run space (modèle d'atelier autogéré par des artistes) Wonder/Liebert à Bagnolet : " Le collectif est comme un moteur, chaque membre est une pièce indispensable à son fonctionnement. On connaît bien toutes les difficultés de l'institution à comprendre les besoins des jeunes artistes. Alors quoi de mieux qu'un lieu pour les artistes, gérés par ces mêmes artistes ? "

Cette grande liberté ne doit pourtant pas s'entendre comme un jeu exclusivement hors système, étanche à toute porosité avec l'institution. Au contraire, ces lieux tissent avec elle un dialogue fécond, faisant à mesure évoluer les modèles et positions de chacun. " Il n'y a aucune contradiction entre le fait que le Wonder/Liebert cherche à inventer son propre langage et le fait que certains d'entre nous travaillent avec les institutions. Le In et le Off ont besoin de l'un et de l'autre pour se nourrir. Nous, on est carrément au centre de la production alternative, où les choses existent fébrilement et poétiquement. Quand il ne reste que des certitudes à la machine mainstream ", revendique Pierre Gaignard.

La Station pendant le Garage Mu Festival

Des publics qui se croisent et osent la curiosité, permise par ces lieux versatiles qui s'emparent de la fête et du ludique pour suggérer des formes conviviales d'accès à la culture.

Faire tomber les murs ? Dans ces lieux, en tout cas, s'effritent les frontières ; on y célèbre le transdisciplinaire à chaque étage : tatouage, cuisine, sérigraphie et installations au Wonder, spectacle vivant, post-production vidéo, art plastique et photo à DOC !. Le résultat ? Une création métissée et composite qui hybride tant les formes que les usages. Conséquence première : des publics qui se croisent et osent la curiosité, permise par ces lieux versatiles qui s'emparent de la fête et du ludique pour suggérer des formes conviviales d'accès à la culture. " Dans un lieu, il y a plusieurs temporalités ; c'est comme un théâtre, il ne se joue jamais la même pièce d'un jour à l'autre. Si tu passes ton temps à t'adresser au même public, tu t'ennuies vite ", énonce Olivier Le Gal, co-fondateur de La Station - Gare des Mines, lieu d'expérimentation sonore du 18e arrondissement parisien.

Le symbole de ce bruissement de formes nouvelles : le Wonder/Liebert à Bagnolet et son vivier d'artistes désireux de secouer le concept d'exposition. Pensés à partir du lieu, ces " opéras " (terme qu'ils utilisent pour leurs expositions) réinventent l'exposition, non plus comme disposition spatiale, mais comme dramaturgie temporelle. La narration devient pour les membres du Wonder/Liebert un nouveau levier d'invention afin " d'écrire dans le temps nos expos ", explique Nelson Pernisco, qui souhaite intégrer le public au cœur du dispositif et de son " émulsion générale ". Dégustation d'œuvres organiques, séances de voyeurisme devant un rituel sado-maso, pogos désarticulés, karaokés métal, dérives automobiles embarquant le spectateur sur un parking devenu circuit ou performance live mixant musique expérimentale et VJing (création visuelle en temps réel) stroboscopique... Voilà le programme complètement fou et insolite que le public est invité à découvrir ! D'une extrémité à l'autre d'un lieu devenu terrain de jeu grandeur nature, le moindre micro-événement est perçu comme une mise en scène, et inversement.

L'exposition, pensée comme une suite de scénettes, fonctionne comme une totalité " prenant en otage le spectateur ", au sein d'une expérience tant individuelle que collective combinant ressorts plastiques, festifs et émotionnels. " Quand on fait un événement, on fait œuvre commune. On a tous envie de vivre quelque chose par cette œuvre, et de faire vivre aux gens une expérience ", explique Nelson. À l'heure où les artistes du Wonder/Liebert sont sommés de quitter leur jardin de Bagnolet, cernés par les pelleteuses, ces " opéras " nous démontrent par le faire que dans le domaine de l'exposition tout est à inventer et à réinventer, à l'image de ces sites en perpétuelle métamorphose.

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Ces nouveaux lieux où la création est une fête

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Il n'y a qu'à se perdre un jeudi soir dans le labyrinthe de Mains d'œuvres, à Saint-Ouen, pour comprendre. Entre apéro des voisins, fête des résidents, spectacle de danse à l'étage et répétitions en sous-sol, l'ébullition est constante. Ici, la création est sans limite, et le partage une règle d'or.

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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L'acte d'exposition est particulièrement riche d'apprentissages disciplinaires et transversaux. Il gagne à se travailler par l'intermédiaire de galeries d'établissements scolaires. Les récents programmes du lycée synthétisent cette démarche, commune à tous les cycles : " Ce travail ("exposer") s'opère selon deux perspectives qui, sans se confondre, s'articulent et mobilisent des compétences complémentaires :

présenter à un public sa production plastique, dans des formes diverses et comme composante d'une formation plasticienne ;

chaque fois que possible, exposer des œuvres d'art et proposer la rencontre avec l'artiste comme dynamique d'un projet et modalité d'une expérience esthétique, culturelle et sociale ouverte à la communauté éducative. "

Il s'agit, pour les élèves, d'apprendre collégialement à partager le sensible à partir de productions plastiques, de démarches, de projets, de réceptions individuelles et collectives de ces pratiques. Au-delà d'un affichage, l'exposition est une écriture (intention, mise en regard, récit, etc.) et une invention (remodelage de l'espace, parcours, audace du rythme...) Elle s'inscrit dans une dynamique de projet. Elle articule le non verbal (les langages de l'art) et le verbal (dire la pratique artistique).

Une galerie d'établissement, c'est l'opportunité d'engager les élèves dans un travail de commissariat d'exposition d'œuvres d'art réalisées par un artiste, associées à une thématique.

Grâce au numérique, les galeries virtuelles donnent la possibilité d'appréhender de nouvelles modalités d'exposition. Elles permettent de revisiter l'articulation entre pratique plastique et développement de la culture artistique de l'élève et donnent la possibilité d'accéder à des ressources culturelles et artistiques sélectionnées.

Une exposition pédagogique " virtuelle " ne se substitue pas à une galerie d'établissement ou à la fréquentation d'une structure culturelle partenaire. Elle peut être la mémoire d'une exposition physique, son prolongement, son archivage, mais aussi une exposition à part entière. Elle propose une expérience numérique qui engage des questionnements sur la diffusion de l'œuvre dématérialisée, sa reproductibilité, sa propagation virale en réseau, par exemple.

Les TraAm (travaux académiques mutualisés) menés par les équipes de recherche numérique en arts plastiques des académies de Créteil, Toulouse, Nantes, Limoges, Poitiers et Amiens ont permis d'engager une réflexion sur les galeries virtuelles à dimension pédagogique.

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Développer des galeries virtuelles à dimension pédagogique

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L’architecture et le musée - L'écriture spatiale du musée

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La participation au musée in situ - Rencontres muséo Paris

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Part 2: Participation in Practice Chapter 5: Defining Participation at Your Institution Chapter 6: Contributing to Institutions Chapter 7: Collaborating with Visitors Chapter 8: Co-creating with Visitors Chapter 9: Hosting Participants Chapter 10: Evaluating Participatory Projects Chapter 11: Managing and Sustaining Participation

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présentation exposition doc inspecteur Mr Durand 

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L’art peut-il se passer de commentaire(s)? 

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L’art peut-il se passer de commentaire(s)? 

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Mac Val / musée d’art contemporain du Val de Marne

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[Visite privée] Exposition "La Forêt Magique" au PBA de Lille

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Let Bernie Krause guide you through the soundscapes in this interactive experience designed for the exhibition at Fondation Cartier

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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UNE EXPÉRIENCE FAMILIALE

Savez-vous ce qu'est la biophonie ? Êtes-vous familier du fonctionnement des niches sonores habitées par les animaux ? Avez-vous déjà entendu parler de la dégradation acoustique ? Pour plonger dans ces sujets, www.legrandorchestredesanimaux.com propose aux internautes de tous âges cinq scénarios interactifs qui permettent de s'approprier les grands concepts associés au travail de Bernie Krause :

1. LES NICHES SONORES

Dans le paysage sonore du Mungwezi Ranch, Gonarezhou National Park, Zimbabwe.

2. APPRENDRE À ÉCOUTER

Dans le paysage sonore du Algonquin Provincial Park, Ontario, Canada.

3. LA DÉGRADATION SONORE

Dans le paysage sonore de Crescent Meadow, Sequoia and Kings Canyon National Parks, Californie, États-Unis.

4. L'ORCHESTRATION DU MONDE

Dans le paysage sonore du Camp KM41, Amazonas, Brésil.

5. OCÉANS

Dans le paysage sonore de l'océan Pacifique (Maui, Hawaï / Île de Vancouver / Nouvelle-Zélande), mer des Caraïbes, Big Sur (Californie).

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Site internet Le Grand Orchestre des Animaux

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UNE EXPÉRIENCE FAMILIALE Savez-vous ce qu'est la biophonie ? Êtes-vous familier du fonctionnement des niches sonores habitées par les animaux ? Avez-vous déjà entendu parler de la dégradation acoustique ? Pour plonger dans ces sujets, www.legrandorchestredesanimaux.com propose aux internautes de tous âges cinq scénarios interactifs qui permettent de s'approprier les grands concepts associés au travail de Bernie Krause : 1.

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Faire œuvres avec les éléments Cosmogonies au gré des éléments

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Exposition : Cosmogonies au gré des éléments

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Ca Se Visite: Expo MAMAC "Au gré des éléments"

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Après des études d'histoire de l'art et de littérature anglaise, le coeur de l'autodidacte et hyperactif Paul Cox vacilla entre illustration, peinture, graphisme et scénographie. Ça tombe bien, rien ni personne ne l'obligeait à faire un choix, surtout pas nous. Le français nourrit donc nos globes oculaires de ses diverses oeuvres à l'allure enfantine et toujours pleine de sens et créé autour d'elles de véritables expérimentations. L'exposition Aire de Jeu de Paul Cox permettra aux parents d'apprécier des installations toutes plus colorées tandis que les enfants auront le loisir de les emjamber sans répit. Exposition du 13.06 au 02.08 au Studio Fotokino à Marseille.

Exposition Aire de Jeu par Paul Cox du 13.06 au 02.08 au Studio Fotokino Paul Cox

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Après des études d'histoire de l'art et de littérature anglaise, le coeur de l'autodidacte et hyperactif Paul Cox vacilla entre illustration, peinture, graphisme et scénographie. Ça tombe bien, rien ni personne ne l'obligeait à faire un choix, surtout pas nous.

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état des lieux galerie et expositions bassin Haut-Doubs

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3. Cabinets de curiosités

Ulysse reconnaissant Achille (déguisé en femme) parmi les filles de Lycomède

Date de création : Après 1620

Cabinet de curiosité

© Archives Alinari, Florence, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Tatge

Lien vers l'image

Réunion d'oiseaux étrangers

Aquarelle et gouache sur papier marouflé sur toile.

Date de publication : Septembre 2022

Auteur : Lucie NICCOLI

La mode des cabinets de curiosités et celle de leur représentation picturale

A partir de la fin du XV e siècle, les princes d'Europe du Nord et d'Italie - les Este, à Ferrare, ou les Médicis à Florence, Ferdinand II (1522-1595) à Innsbrück ou Rodolphe II (1552-1612) à Prague, François I er à Fontainebleau - ainsi que certains érudits humanistes et dignitaires ecclésiastiques commencent à assembler de riches collections d'objets rares et étranges qu'ils conservent dans de petites pièces de leurs palais appelées Kunst und Wunderkammern (cabinets d'art et de merveilles), studioli, ou encore cabinets de curiosités. Leur curiosité est stimulée à la fois par la redécouverte de l'Antiquité grecque et romaine, source d'inspiration pour les artistes, un intérêt nouveau pour les sciences, et les premiers grands voyages d'exploration en Afrique, en Océanie et dans les Amériques.

Au cours du XVI e siècle, ce goût pour les " curiosités " se répand parmi les amateurs éclairés dont les collections peuvent être contenues dans un seul meuble ou dans de plus vastes pièces, progressivement ouvertes à la visite et à l'étude. Ce n'est qu'au siècle suivant que ces collections apparaissent dans les tableaux, servant parfois de décor à une peinture d'histoire ou à une allégorie. Ces " cabinets de curiosités " ou " d'amateur " ayant pour cadre de luxueux intérieurs bourgeois constituent un véritable sous-genre dans la peinture flamande et néerlandaise de Francken, Brueghel ou Cornélis Baellieur (1607-1671). Frans Francken II, membre le plus fameux d'une dynastie de peintres à Anvers et propriétaire d'un atelier prospère, produisit un grand nombre de ces petits tableaux.

Certains peintres de natures mortes représentent en trompe-l'œil (note 1) un unique meuble cabinet renfermant ces trésors. C'est le cas de Domenico Remps, dont on sait peu de choses hormis le fait qu'il fut actif en Italie mais sans doute d'origine allemande. Dans sa peinture en trompe-l'œil d'un scarabatollo (cabinet ou reliquaire), une lettre glissée contre l'une des portes vitrées révèle que le commanditaire était lié au grand-duc de Toscane, Côme III de Médicis (1642-1723), dont une petite partie de la légendaire collection est donc dévoilée (détail 1). Au cours du XVIII e siècle, l'influence des Lumières amène les amateurs à classer leurs collections selon leur nature, donnant lieu à la naissance des premiers musées. Le genre pictural évolue vers la représentation de galeries d'art, comme L a Tribune des Offices, par Johann Zoffany, ou de collections d'histoire naturelle, comme celle présentée au Leverian Museum.

Au début du XIX e siècle, le peintre et collectionneur Alexandre Leroy de Barde réalise de grandes gouaches donnant à voir ces collections de coquillages et d'oiseaux. Elles sont acquises par Louis XVIII, qui le nomme Premier peintre d'histoire naturelle.

Différentes sortes de cabinets de curiosités

Daté des années 1620, le tableau réalisé par l'atelier de Frans Francken II a pour sujet un épisode tiré des Métamorphoses d'Ovide (livre XIII) (note 2) : Ulysse reconnaissant Achille parmi les filles de Lycomède, roi de Skyros. Pour empêcher son fils de participer à la guerre de Troie, c'est ainsi que Thétis avait caché Achille, déguisé en femme. Ulysse, parti à sa recherche, le démasque en mêlant aux colifichets présentés aux jeunes filles une épée et un bouclier, dont Achille - qui a ici non seulement le vêtement, mais l'apparence d'une femme - s'empare spontanément (détail 1). Cette histoire, qui n'occupe que le tiers gauche du tableau, sert de prétexte à la peinture d'une vaste pièce, ouverte sur un paysage de ville flamande (détail 2), emplie d'un amoncellement d'objets hétéroclites typiques d'un cabinet d'amateur. On y trouve pêle-mêle les diverses catégories d'objets que devait comprendre une collection reflétant l'étendue de la création divine : parmi les naturalia -issus des trois règnes de la nature -, des coquillages, un magnifique bouquet de fleurs et deux perroquets ; parmi les artificialia - créés ou modifiés par l'homme -, des armes, des instruments de musique, de l'orfèvrerie et des vases en pierre dure, des bijoux dans leurs coffrets ouvragés, ainsi qu'une sphère armillaire, évoquant l'étude des astres (détail 3). Les petites pièces sont exposées sur deux tables, l'une à gauche, l'autre à droite, tandis que les plus imposantes occupent le centre du tableau, au pied d'une cheminée surmontée de statuettes à l'antique et d'un tableau imaginaire au sujet mythologique, probablement en lien avec l'histoire d'Achille à Skyros. Dans le tiers droit du tableau, un meuble en ébène aux panneaux peints, dont les portes ouvertes laissent deviner les trésors, est à lui seul un cabinet de curiosités (détail 3).

C'est aussi le cas du scarabattolo peint en trompe-l'œil par Domenico Remps vers 1690, étagère vitrée aux volets en bois ouverts en triptyque, qui renferme, tel un microcosme, une sélection de " curiosités ". A commencer par un miroir convexe, en haut à gauche, reflétant lui-même la totalité de la pièce (détail 1). Perles et coquillages, pierres et cristaux, branches de corail, plumes d'oiseaux et coléoptères exotiques, un crâne humain et un bouquet de fleurs peint appartiennent aux naturalia ; médailles et camées aux sujets mythologiques (Athéna et un phénix), statuette à l'antique de nymphe endormie, nombreuses petites toiles - essentiellement des paysages dans le goût flamand, une scène érotique et probablement un autoportrait de l'artiste, telle une signature cachée (détail 2) -, colonnes d'ivoire tourné, miroirs, pistolet et montre à gousset, ainsi qu'un instrument de mesure, en verre, comptent parmi les artificialia. Comme chez Francken, un tableau de naufrage fait pendant à la peinture d'une mer plus calme, sans doute pour évoquer la fragilité de l'existence. Le crâne, derrière une vitre brisée, le pistolet et la montre renforcent l'idée de vanité (note 3), un genre pictural à part entière en Hollande à partir des années 1620 (détail 3).

La vingtaine d'oiseaux " étrangers " - provenant probablement des Amériques - réunis par Leroy de Barde tient aussi dans un seul meuble, composé d'un assemblage de caisses rectangulaires, comme autant de compartiments. Avec une virtuosité égale à celle de Remps, le peintre rend en trompe-l'œil leur volume, les nervures du bois au niveau des tranches et les ombres portées des oiseaux empaillés qui y sont soigneusement disposés. Ils sont figurés presque tous de profil, dans la posture la plus naturelle possible, parfois perchés sur un support, à la manière des gravures de François-Nicolas Martinet (1731-1800?) pour l 'Histoire naturelle des oiseaux de Buffon, publiée de 1770 à 1783. Dans la vaste caisse occupant la moitié supérieure de la composition, de grands oiseaux aux couleurs vives - dont un ara hyacinthe du Brésil, au centre (détail 1) - côtoient des spécimens plus petits. Les autres caisses abritent un seul individu caractéristique d'une espèce ou parfois deux - sans doute un mâle et une femelle, quand leurs différences sont notables. Des œufs, remarquables par la diversité de leurs tailles, formes et couleurs, sont en outre exposés dans une caisse au centre (détail 2). En bas, à droite, un macareux est présenté à côté de la tête coupée d'un autre oiseau, macabre détail qui pourrait être une allusion aux vanités à la mode au XVII e siècle (détail 3).

De la collection hétéroclite à la classification scientifique

Ces trois œuvres témoignent de l'évolution des cabinets de curiosités et de leur représentation dans la peinture du XVII e au XIX e siècle. Chez Francken comme chez Remps, les objets réunis dans la vaste pièce ou placés dans l'armoire vitrée sont de nature et d'origine très diverses, un mélange hétéroclite de naturalia et d' artificialia n'ayant en commun que leur rareté et leur préciosité. Ils sont délibérément disposés pêle-mêle, en particulier par Francken, qui place, par exemple, des coquillages sur les deux tables et jusque sur la cheminée, afin de montrer l'abondance de ces richesses et guidé par l'harmonie des couleurs. Différents objets voisinent aussi sur les étages du scarabattolo mais certains éléments fonctionnant par paires (branches de corail, paysages et médailles sur les volets ouverts ; camées et ivoires tournés sur l'étagère centrale) apportent un effet de symétrie - contrariée cependant par de multiples détails, telle cette gravure épinglée sur une toile. Chez Leroy de Barde, les oiseaux forment l'unique catégorie de " curiosités " représentée. L'artiste en a peint d'autres sortes - coquillages, minéraux ou encore vases antiques - mais chaque classe d'objets occupe un meuble dédié et fait le sujet d'une toile. Il semble avoir inséré dans un coin une discrète vanité comme pour rappeler le XVIIe siècle et l'âge d'or de la peinture de curiosités. Cette collection d'oiseaux exotiques rangés selon leur espèce dans ce qui ressemble fort à une vitrine de musée évoque en fait la section d'un cabinet d'histoire naturelle, une des évolutions du cabinet de curiosités à partir du XVIII e siècle. Elle illustre le passage de la curiosité à la " studiosité ".
Le monde fascinant des cabinets de curiosités au château de Cadillac

Patrick MAURIÈS, Cabinets de curiosités, Gallimard, Paris, 2002.

Dominique MONCOND'HUY et Pierre MARTIN (dir.), Curiosité et cabinets de curiosités, Neuilly, Atlande, 2004.

Anna-Maria GIUSTI (sous la dir. de), Art and Illusions. Masterpieces of Trompe l'oeil from Antiquity to the Present Day, catalogue de l'exposition présentée au Palazzo Strozzi, Mandragora, Florence, 2009.

Collectif, La Licorne et le bézoard. Une histoire des cabinets de curiosité, catalogue de l'exposition présentée à Poitiers, musée Sainte-Croix et espace Mendès-France, Gourcuff Gradenigo, Montreuil, 2013.

Collectif, Les Origines du monde. L'invention de la nature au XIXe siècle, catalogue de l'exposition présentée au musée d'Orsay, coédition Gallimard/musée d'Orsay, Paris, 2020.

1 - Trompe l'oeil : Art qui met en jeu des techniques de perspective afin d'imiter la réalité et donner cette illusion au spectateur

2 - Les Métamorphoses d'Ovide (43 av. J.-C. - 17 ap. J.-C.) : Recueil de poème de 12 000 vers rassemblant des histoires de transformations en plantes, animaux...d'héros ou d'héroïnes de la mythologie

3 - Vanité : Type d'œuvre favorisant la méditation sur la mort et le caractère éphémère des plaisirs sensuels. Parmi les objets symboliques le plus fréquemment représentés figurent le crâne, le sablier, la flamme ...

Nature morte : Représentation d'objets, de végétaux, de nourriture ou d'animaux sans vie.

Lucie NICCOLI, " Cabinets de curiosités ", Histoire par l'image [en ligne], consulté le 06/12/2022. URL : histoire-image.org/etudes/cabinets-curiosites

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