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En su ensayo “sobre el arte moderno”, paul Klee expone sus ideas sobre la multidimensionalidad del arte y el valor de su forma. Entiende a la pintura como la coexistencia de diferentes dimensiones en el proceso en el que el artista plasma algo en un lienzo, acción con la cual transita la realidad. Cada decisión, cada línea, cada transición entre el blanco y el negro (clarooscuro) y cada bloque de color responde a una nueva dimensión o a un reencontrarse con una dimensión ya explorada.

Estas cuestiones formales son aquellas herramientas  de la obra que le dan al artista la facultad de tramitar aquello que ve y vive. La representación de esto puede dar noción de un objeto, permitir relacionar aquello que está en la pintura con algo que ya se conoce. Pero las decisiones de cómo está dispuesto un elemento formal deberían ser libres, libres de buscar un mimetismo y solo deberían responder al artista.

Esta propuesta sobre el arte me pareció muy valiosa, ya que es de las pocas que se han estudiado en el curso que nace del quehacer artístico. En esta, el proceso es parte fundamental de la definición de arte, y aunque pudiera parecer contradictorio ya que es una propuesta formalista no busca enfatizar en un significado, Klee resalta el poder de la forma sin hacer énfasis en algo que vaya más allá de lo que compone la pintura.

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En su escrito “Sobre el arte moderno” Paul Klee busca refutar la noción del arte como imitación fidedigna y exacta de la realidad. Esto lo hace dando cuenta de como en el arte, aunque sí hay una relación profunda con la naturaleza, la realidad, y lo que es plasmado en el lienzo, esta no necesariamente tiene que significar una copia del mundo físico. En la lectura de Klee el arte contiene en sí misma mayor valor, pues se centra en el rol del artista como intermediario entre la realidad y la mirada. En cierta medida, el artista penetra la realidad existente y crea una nueva realidad, pues la pieza artística implica la necesidad de deformación de lo visible y por tanto la creación de una nueva realidad visible.

Con esto en mente el autor introduce las tres dimensiones específicas de lo plástico que se hacen necesarias para la revelación de la realidad mediada por el artista: el color, lo claroscuro, y la línea. Según Klee cada una de estas es contenida por la anterior y a la base de todo está el color, con el cual se pueden crear los pesos generados por el claroscuro, y las líneas que producen medidas a lo largo del lienzo.

Este texto de Klee me lleva a pensar un poco en el término de vida imaginativa de Roger Fry, pues al ver en el artista una capacidad de revelar la realidad mediante la penetración de lo visible, también ve un potencial elevado en la práctica artística. A pesar de esto, no me queda muy claro el tema de crear realidades a partir de la pieza artística, pues no veo como esta revelación de lo visible pueda crear más de una realidad sobre un mismo objeto.

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En el texto “Sobre el arte moderno” Paul Klee nos propone desde un inicio la dificultad que supone el describir los aspectos formales que integran al artista, el arte y los aspectos técnicos del proceso creativo. Es gracias a esto que, para lograr entablar una relacion entre estos medios, recurre a la interpretación de la naturaleza como parte del proceso creativo que al juntarse con el acontecimiento artístico (el cual suele desarrollarse en el subconsciente) permite el analisis formal/ de contenido del arte. Para comprender esto lo primero que nos expone es el papel del artista frente a la obra, pues es el acontecimiento artístico ejecutado por el artífice el que sirve como medio para enfrentar las divergencias figurativas acontecidas por la interpretación de la naturaleza y dar paso a la imagen transformada de la naturaleza o arte.

Gracias a esta primera exposición podemos entender que para Paul Klee es la imagen transformada de la naturaleza la que se ve sujeta a una serie de dimensiones especificas de lo plástico donde hallamos ciertos elementos formales que permiten el acontecimiento de la obra de arte. El primer elemento formal es: La linea, pues al ser un agente delimitativo se cierne unicamente sobre la medida generando segmentos y dando forma a las cosas mesurables; El segundo elemento formal es: La tonalidad o claroscuro, debido a que en ella se deposita el peso o la ligereza que puede tener un objeto en la obra siendo un elemento gradual que predispone la importancia o inclinaciones en la obra; El tercer elemento formal es: El color, siendo este el mas complejo debido a que en el se atañen todo aquello que no se compete a lo diametral o gravitacional de la obra, en consecuencia es el color, partiendo de su entendimiento desde el circulo cromático, el único elemento formal cualitativo que da a la obra lo perceptual y sensorial.

A traves de estos elementos formales Paul Klee nos construye una serie de relaciones pues aunque son distintos tienen relaciones entre si, expresándolo de mejor manera nos explica que en el color podemos encontrar el claroscuro y la linea pues es capaz de generar fronteras y pesos, en el peso podemos encontrar la linea en medio de las gradaciones y el peso mismo de las gradaciones. Y la linea como agente divisorio solo se desglosa en si misma. Gracias a esto podemos entender que toda obra de arte bajo estos elementos formales es un producto traducido de la naturaleza gracias al artista. Ahora mi pregunta o duda radica en, si bien estos términos buscan englobar al arte en general, ¿cómo podemos romper la barrera del arte imitativo y formal/abstracto con el intercambio de materiales en la técnica? Pues para mi en la actualidad el arte rompe el lienzo y se traslada a distintos medios que ya no se rigen bajo principios tan claro y entra la materia como nuevo factor formal que limita o encapsula todo el contenido buscado por el artista.

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El texto que transcribe el discurso de Paul Klee, Sobre el arte moderno, propone el entendimiento del arte desde la visión del artista. Identifiqué una afinidad por la música y lo que ella puede aportar a el entendimiento del arte; lo que me parece muy interesante, pues llega a relacionar dos disciplinas diferentes, pero que ayudan a entender sus visiones.
Comienza con explicar el papel del artista y por este medio llega a explicar las dimensiones del arte, sus medios formales y casi que la esencia del arte de ahora (justificando su propio arte).
La pregunta más grande que me queda es si propone un método para entender el arte, desde sus dimensiones; y si desde ahi, su percepción del arte que cumpla con sus estándares. ¿Hasta qué punto un artista puede ser libre? ¿Dónde empieza y termina el papel de mediador del “creador”?

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En el texto "Sobre el arte moderno" de Paul Klee se habla de la idea del arte como una manifestación de la mente en su forma más libre y pura y como hay un vínculo entre la imagen del mundo y la práctica artística pura. Además se desarrolla la idea de que el valor del arte no debe ser subestimado ni limitado por las convenciones tradicionales. Por otro lado, Klee habla de la importancia del artista ya que es este el que logra captar una profundidad y plasmarla en una composición con elementos formales. Estos elementos formales son: la línea, los tonos de claroscuro y el color.

Klee cree que el arte moderno es una respuesta a la complejidad y la fragmentación de la vida moderna. Argumenta que la sociedad está experimentando cambios rápidos y que el arte moderno es una forma de procesar y dar sentido a esos cambios. El artista moderno actúa como un "traductor" de la realidad moderna, creando obras que capturan la esencia de una época tumultuosa y cambiante.

Teniendo en cuenta que Klee sostiene de este arte alejado de las convenciones me surgió la pregunta: ¿Hasta qué punto el arte moderno, al liberarse de las convenciones tradicionales, corre el riesgo de volverse incomprensible o elitista para el público en general?

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En su tratado titulado “Sobre el arte moderno”, Paul Klee busca entender un punto en común dónde se puedan encontrar al que él llama “el profano” y el arte en la obra de arte. La propuesta de Klee realmente está centrada en el rol del artista, el cual es un tipo de intermediario en la creación de la obra de arte espacial, mostrando así la independencia de la obra de arte que es muy común de las propuestas formalistas. El rol que tiene el artista es solo sacar a la luz aquellas combinaciones y transiciones de diferentes elementos formales presentes en el arte las cuales, hechas de manera adecuada, logran darle a la obra cualidad, peso y medida. Estas combinaciones correctas, según el autor, es lo que llamamos como “composición”. Por otro lado, Klee explica que estas transiciones ocurren dentro de los tres grandes aspectos formales del arte: la línea, que es el elemento formal más limitado pues puede ser mensurable; los tonos de claroscuro en blanco y negro; y el color, que es el aspecto más amplio y el que Klee parece otorgarle una mayor importancia.

En la última sección del escrito, Klee le da valor al arte que puede ser considerado como “primigenio”, ejemplificado con el impresionismo. Este arte es un arte puro para Klee, que tiene una pureza capaz de sacar a la luz “lo secretamente contemplado”. De esta lectura, cuestiono el rol del profano, o en otras palabras, el espectador de la obra de arte que tiene intereses naturalistas y más tradicionales acerca del modo de ver el arte. Klee parece desestimar al papel que tiene este personaje a la hora de ver a la obra de arte. Por otro lado, me llama la atención la preferencia que le da Klee a la dimensión del color, pues es el elemento formal que es capaz de darle a la obra cualidad, peso y valor lumínico. Las otras dos dimensiones son más limitadas que el color en la propuesta de Klee.

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El texto de Paul Klee me pareció un poco confuso en su redacción, posiblemente porque se trata de un discurso más que un texto argumentativo. Sin embargo, puedo destacar dos cuestiones importantes que este menciona, por un lado, los aspectos formales y, por otro lado, la representación de la naturaleza en el arte. En cuanto a los primeros destaca tres elementos principales: la línea, el claro-oscuro y el color. Primero, la línea se trata de segmentos más cortos o largos, los cuales siempre son mensurables. Segundo, el claro-oscuro se trata de las diferentes gradaciones entre el negro y el blanco. Por último, los colores los cuales se dividen en tres relaciones diametrales: rojo/verde, amarillo/violeta y azul/naranja, siendo el rojo, amarillo y azul los colores principales y los otros los secundarios principales. Simultáneamente estos tres elementos se pueden analizar según la medida, el peso y la cualidad. Según Klee, la combinación de estos elementos formales logra las configuraciones abstractas que forman construcciones, en las cuales la cuestión del contenido cobra sentido. En cuanto a la representación de la naturaleza Klee afirma que el papel del artista es aquel de representar la naturaleza solo en la forma análoga, en el sentido de la movilidad y la libertad. Para ilustrar esto me parece pertinente la frase “Tampoco quiero reproducir al hombre tal como es, sino solamente tal como también podría ser”.

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El texto Sobre el arte moderno de Paul Klee es un escrito muy sencillo de leer y comprender, no utiliza lenguaje ni proposiciones que remitan a un lenguaje completamente académico. Sin embargo, contiene una propuesta formalista muy interesante en la que el centro se sitúa en el artista y se expone una visión sobre qué es el arte y cómo debería ser producido y entendido. Paul Klee, pintor, explica que vivimos en un "mundo multiforme" en el que el trabajo del artista consiste en aprehender dichas formas y, a través de combinaciones de líneas, claroscuros y colores, componer una obra. No obstante, él no pone al artista como creador sino como un mediador entre la naturaleza y el arte, él no es más que un vehículo y por eso goza de una libertad (de la que también goza la naturaleza). Esta se manifiesta en la capacidad de decidir cómo representar esa naturaleza (el mundo fenoménico) que se le presenta al artista. Más adelante en su texto Klee comienza a llamar a las obras construcciones y por último, las nombra composiciones al igual que en el lenguaje de la música. El pintor explica que este ensayo es un complemento a sus obras, pero no es una explicación de ellas. Así, llega a afirmar que existe una resistencia por parte del público y de los críticos hacia nuevos tratamientos de la forma artística de plasmar y dice que es algo característico de la sociedad, por lo que él reconoce esa condición de imposibilidad de entendimiento pero intenta, con su escrito, describir el nuevo tratamiento que se está proponiendo en su presente.

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El en el texto Sobre arte moderno, Paul Klee, desarrolla su postura frente a la definición de artista moderno, mediante la relación del subconsciente, el caudal imaginativo y las posibles deformaciones que surgen en el arte a partir de dicha exploración. Así, el artista debe alejarse de la mimesis de la naturaleza, pues no corresponde a este asemejar la belleza ya existente, insinuando que, el o la artista es un medio de esta naturaleza bella que crea desde su propio criterio una belleza única y un arte según un conjunto de elementos formales. El autor alemán ofrece una analogía en la que ve al artista como el tronco de un árbol, sus ideas intrínsecas, nacidas del subconsciente y sus fuentes diversas de inspiración como las raíces, que solo se desarrollan por la sábila que corre hasta sus ojos y que es producto de la misma naturaleza, delegando al artista un papel de mediador entre la naturaleza para finalmente, establecer las obras de arte cómo la copa visible del árbol, en el cuál se plastifica según unos caracteres que analizan su forma. Entre los elementos formales que  configuran una obra pictórica, se encuentran: la línea, las tonalidades y el color.
Reflexión:
Es un texto que, por su carácter y narrativa, pone al artista moderno cómo un medio, entre la naturaleza y la belleza en la producción artística. Su categorización de elementos de análisis formal, resulta interesante porque no pretende decir que tipos de arte específicos son más bellos que otro, en cambio, si ofrece las herramientas para una contemplación y critica de las obras de arte según sus elementos de forma.

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Sobre el arte moderno es la justificación de Klee respecto su propio arte, explicando mediante una metáfora de un árbol como el artista es el tronco de este que tiene la capacidad de percibir al mundo sensible (las raíces) y lo plasma en la obra de arte; en la copa del árbol. Klee estípula que nadie se espera que la copa del árbol sea igual a sus raíces (es decir, no se espera que la obra sea una copia del mundo sensible), ni que la belleza de esta copa es culpa del tronco, sino que la belleza solo paso desde las raíces a través del tronco hasta llegar a la copa. Esta metáfora es la que le permite a Klee empezar a discutir tres elementos formales que el considera claves para su argumentación (la línea, el claroscuro y el color) ya que dice que la copa del árbol (la obra de arte) es la necesidad de deformación mediante las dimensiones específicas de las artes plásticas.

Klee organiza a los tres elementos formales en una jerarquía; la línea va en lo más bajo ya que es solo una unidad de medida; el claroscuro de segundas porque no solo se puede utilizar como una unidad de medida, sino que también es una característica que tiene peso; y de primeras está el color, un concepto que no solo cuenta con peso (su valor lumínico), medida (tiene límites y contorno) sino que también lo ve como una cualidad. El artista ideal de Klee empieza a jugar con todos estos elementos para poder crear formas y a través de ellas composiciones que logren crear un nuevo mundo en su lienzo; una obra abstracta que haga visible aquello que no suele ser contemplado en nuestro mundo sensible.

Aunque Klee tenga ciertas ideas con las que me encuentro de acuerdo, lo que no he podido superar de este escrito es la rabia y elitismo con el que escribe Klee. Todo el ensayo se ha enfocado en recalcar como el profano es el que no entiende el arte que está tratando de defender (que es su propio arte), y eso hace que el ensayo se sienta como un mecanismo de defensa un poco personal y visceral.

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Paul Klee en “Sobre el arte moderno” explica que el rol del artista debe ser “…trasladar el centro de gravedad a través del trato con nuevos medios; descargar un poco, a través de la nueva clase de intuición, el lado formal conscientemente sobrecargado y hacer un énfasis mayor en el lado del contenido”.  Así, Klee inicia un texto en el que, por partes, va explicando su rol como artista. En palabras mías, entiendo que Klee argumenta que el buen artista dista del realismo en sus obras, puesto que el fin del arte no es ser una mímesis de la naturaleza. En ese sentido, para Klee lo realmente fundamental en el arte, y para el artista, debería ser lo que denomina como “fuerza formadora” y no tanto el resultado final mimético. Según lo anterior, el artista resulta ser un puente entre el mundo y la obra final y usa la libertad para la creación.

Por otro lado, Klee piensa que el buen artista logra tener una composición pura y lógica entre los aspectos formales de la obra (los colores, la línea y el claroscuro). No obstante, la “buena” composición no radica, justamente, en la reproducción exacta. Más bien, Klee busca reproducir al hombre (o las cosas)  en las múltiples formas de cómo podría(n) ser.

Por último, me gustó entender la posición del artista desde su mirada. Si bien el texto no es puramente académico, sí reúne los diferentes aspectos formales que le interesan a Klee desde un lenguaje incluso poético. Para entender la visión del artista me resultó muy útil el ejemplo que usa con el árbol en el que el artista es el tronco, un medio que une la raíz (lo profundo), con la copa. Sin embargo, para Klee el tronco no es un medio por el cual la raíz se expresa igual en la copa.

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Sobre el arte moderno, es un ensayo publicado en 1945 por el artista Paul Klee, quién se caracterizó por su producción artística tan particular que a la vez encaja y no pertenece a los movimientos artísticos de su época. En este ensayo Klee explora la posición del artista moderno con respecto a su obra y al mundo creativo, allí utiliza la analogía de un árbol, dónde el tronco es el artista. El tronco no es más que un medio que se encarga de representar en distintas formas una compleja relación multidimensional de las ideas (raíces) hasta la copa (la obra de arte). Para Klee el artista hace mucho más que imitar y crear, más aún, lo considera un "filósofo" que en su obra logra explicar el mundo (bien sea interno o externo) de forma tal que inspira o despierta sensaciones íntimamente ligadas con la experiencia del alma humana.

Para lo anterior, Klee establece unos elementos formales en la línea, el claroscuro y el color. A su vez, estos elementos se describen por sus dimensiones de medida, peso y cualidad. Precisamente, la manipulación y relación de estas dimensiones a manos del artista, es donde radica el centro del crear consciente. En esta combinación y manipulación infinita de los elementos y las dimensiones, Klee encuentra la posibilidad de la creación de un "estilo". Considero que en el texto, Klee lleva a la conclusión que el verdadero artista moderno debe superar las limitaciones del estilo, es decir, elevarse por encima de una combinación definitiva y atreverse a una exploración mayor. En esto último encuentro una descripción casi perfecta del proceso creativo de Paul Klee; a pesar que su exploración plástica lo termina llevando al desarrollo de un "estilo particular", sus obras trascienden todos los movimientos artísticos de su época, llamándose incluso infantiles. Esto es porque precisamente ejemplifican esta multiplicidad e infinitas posibilidades de la creación artística en la manipulación de los elementos y dimensiones formales. A mi modo de ver y según su propia descripción, Paul Klee era un verdadero artista moderno.

Por otro lado, en su escritura casi poética, el autor incluso reconoce a un "profano" ajeno y antagonista del artista. Este profano es todo aquel que con sus juicios limita el proceso creativo a un proceso de mera imitación. Es en la lucha contra este modo profano de ver el arte que Klee encuentra una justificación a su trabajo pues, como concluye en el texto, sueña con una obra de arte que trasciende de su cualidad objetual, material, estilística y de contenido. Considero que, en teoría, es posible puesto que en una combinación infinita de formas y dimensiones es solamente lógico que por probabilidad pura lleguemos a tal punto. No obstante, para el autor esto no es lo importante, sino, obedeciendo a su disposición y pasión por la enseñanza de las artes, encuentra en la transmisión de este conocimiento su papel en la búsqueda de una "comunidad" cuyo fin sea la creación de obras trascendentales.

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En el texto Sobre el arte moderno de Paul Klee se habla acerca de los procesos de la formación de la obra que se llevan a cabo en el subconsciente, se traslada el centro de gravedad con el trato de nuevos medios; el lado formal es conscientemente sobrecargado mientras que hay un énfasis mayor en el lado del contenido. Se habla de una diferenciación por parte del artista que resuelve sus asuntos con sus propios medios y con ello puede ser más feliz que aquel que no crea, ya que es capaz de organizar la fuga de los fenómenos y de las experiencias, es entonces un mediador de estas experiencias, y procura una mirada comprensiva de la naturaleza. Los elementos que el autor define como formales son aquellos que son más o menos delimitados, como la línea, los tonos claroscuros y el color. La línea es vista como una cuestión de medida, la concepción de esta es bastante geométrica reduciéndose a un uso mesurable. Las tonalidades, hacen referencia al peso, las gradaciones se hacen entre blanco y negro, según la pesadez o ligereza del uso de estos se da una relacion de grados que se sopesan entre si. Los colores se clasifican como cualidades, que tienen peso por valor cromático y lumínico, y sus límites por contorno, y extensión.  Un artista puede tener disposición del alma pero le hace falta orientación formal si quiere llegar a crear una configuración que suele llamarse figura u objeto, buscando el equilibrio mediante la forma. Se habla del comportamiento de una obra que está determinado por el uso especial de la forma, es a través de las diferentes configuraciones que se desarrolla la dimensión del estilo, nombre que más adelante se cambia por composición.

En cuanto a reflexión se me hizo un poco difícil entender el texto de Klee, la divagación acerca de los mundos imaginarios, y los efectos multidimensionales me parece que a ratos no se articula de manera clara. Las diferenciaciones que él cree dejar claras en parte de la lectura verdaderamente considero que no lo hace con suficiente detenimiento como para que sea comprensible entender las diferenciaciones y asociaciones con el símil del árbol. Sin embargo, entiendo que Klee se adhiere a la escuela de la Bauhaus y cómo está impulsa a los artistas a repensar la creación artística después de la época de la posguerra.

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En el ensayo sobre el arte moderno del artista alemán Paul Klee se expone la manera en la que el arte y sus procesos creativos se relacionan con el subconsciente y son realizados en este. Del mismo modo, Klee expone que es importante pensar en el contenido y el lado del subconsciente del artista más que en el lado formal de la obra. No obstante, no es posible no mencionar los aspectos formales de la obra. También presenta la manera en la que el arte no imita la naturaleza, pero si es una imagen transformada de esta. Tras de esto se presenta lo que el artista considera cómo los elementos principales de la obra: la línea, los tonos de claroscuro y el color. Klee habla de cómo estas tres pautas funcionan como una especie de “cajas” dentro de la obra lo que permite que la obra preserve su pulcritud. Al hablar de estos elementos es posible comprender la dimensión objetual de la obra de arte.

Es pertinente pensar en cómo los elementos formales de la obra permiten que el artista llegue a un nivel de patetismo; es decir, una forma de expresión máxima. Asimismo, llama la atención cómo estos elementos son capaces de construir una obra de arte. Según Klee las combinaciones de los elementos formales crean una “expresión constructiva particular.” A partir de esto se percibe cómo estos elementos tienen la capacidad de hacer algo mucho más grande que una construcción, Klee comenta que pasa a ser una composición.
Por último, me parece interesante pensar en la idea de la dimensión objetual y cómo el artista es capaz de crear una idea de la naturaleza transformada y abstracta. Con esto se percibe como el artista no está ligado a la realidad y se relaciona más con el proceso de creación.

Me parece interesante una teoría que habla principalmente del proceso de creativo de la obra. También es llamativo que la materialidad de la obra y la actitud o subconsciente del artista se presenta en la obra.

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"Sobre el arte moderno" de Paul Klee, publicado en 1945 de forma póstuma, es una definición del arte moderno según el artista. Al principio hace una analogía sobre la forma del artista de expresarse y cómo esta no debe y nunca, de hecho, refleja con exactitud lo que ve: según él, como la copa de un árbol (la obra) nunca tiene la misma forma que las raíces (la fuente) gracias a las condiciones variables a las que está expuesto el tronco (el artista, que es solo un mediador), variables que crean divergencias diferentes en las ramas. Sostiene la importancia de un discurso de obra sobre el medio que trabaja el artista en cuestión, discurso logrado a  través del proceso artístico. La pintura, dice, es simultaneidad comunicada de una, por lo es multidimensional y no se puede explicar con el lenguaje. Sin embargo es importante describir la importancia individual de las distintas dimensiones en la pintura en general. Así pues, hace una arqueología del proceso de la pintura y sus implicaciones (las del proceso y las dimensiones). Las dimensiones son: la medida (lo que viene a ser la línea y el límite), el peso (el claroscuro o luminosidad, gradiente de blanco a negro o luminosidad a oscuridad), y la cualidad (el color y su infinidad, su particularidad). Estas dimensiones formales permiten al artista acercarse a su subconsciente y psicología, así profundizando su obra. De esta manera (y para mí muy similarmente a Kandinsky) Klee sostiene que, con el conocimiento sobre estas dimensiones y cómo interactúan, se comunican más efectivamente las emociones, pensamientos e ideas al espectador. Más allá de ser pura expresión personal, el arte debe conectarse con el espectador apoyado por la técnica.

Es muy interesante la propuesta e Klee. Claro, al estar escrita de forma artística, es difícil de leer y entender. Me pareció llamativo el paralelo que dibuja contantemente sobre contenido y forma, casi como cosas intercambiables. Creo que su formalismo radica en eso: la forma es realmente lo único que hace el artista y, de cierta forma, es por lo tanto el contenido.

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El texto de Paul Klee Sobre el arte moderno busca ir en defensa de la figura del artista moderno. Basándose en una comparación directa con la naturaleza, Klee explica que el artista es un mediador entre la naturaleza profunda y la obra final, entendiendo que esta figura del artista no debería de ser juzgada desde un juicio de valor en cuánto a la mimesis de la naturaleza profunda, pues de eso no se trata el arte.

Ejemplifica esta tesis comparando al artista con el tronco de un árbol, las ideas profundas y las fuentes de inspiración como las raíces de dicho árbol y las obras finales como la copa del árbol. “Es claro que diferentes funciones, en diferentes ámbitos elementales, deben hacer madurar vivaces divergencias.”

Explica que dentro de la obra se ve la necesidad de una deformación que viene con la adaptación del artista de la inspiración proveniente de la naturaleza profunda y Klee ve esta deformación como un renacer de la naturaleza. Estas deformaciones se logran a partir de los elementos formales de una obra: línea, claro-oscuro y color. La línea también abarca los ángulos y más que todo las medidas adaptadas de la naturaleza al plano pictórico, el claroscuro es visto como la coloración de la naturaleza entendida desde una gradación de blanco a negro con unos matices grises que ayudan a dimensionar el peso de la naturaleza, y los colores son vistos como una cualidad de la obra. Por lo que los términos formales a los que se refiere Klee son medida, peso y cualidad.

Por otro lado, Klee habla de la presencia del artista y del profano. El profano siendo entendido como el espectador que espera una representación visual objetiva de la naturaleza o de un objeto que este ame. La presencia del profano en medio de la creación artística hace que se agreguen elementos formales o se busque un equilibrio mayor que ayude a reflejar y obtener esa representación objetiva de la realidad. Sin embargo, Klee explica que esa necesidad se da aveces incluso cuando el profano no está y que aveces esos agregado pueden conformar una armonía dentro de la obra que nos hace entender que siempre estuvieron planeados. Sigue por explicar que estas maneras de componer las obras de arte, o configuraciones como él las llama, aveces coinciden con las formas objetivas de objetos y sujetos, por lo que cuando esto sucede se ha llegado a tener diferentes interpretaciones, significados e iconologías precisas y establecidas para diferentes configuraciones.

La lectura del texto de Klee fue interesante por su manera de intentar simplificar un concepto tan complejo y monumental como lo es el rol de un artista. Principalmente entendiendo que está acostumbrado a que sus obras hablen por él, s eme hizo curioso que decidiera simplificarlo con su comparación del árbol. Desde las raíces hasta la copa. Es entendible, después de la lectura, que Klee crea que su obra termina sin ser realmente suya, pues dentro de su imaginario pertenece a la naturaleza misma que la inspiró. Suena refrescante y novedoso pensar en el artistas como el mensajero, no el dueño de una idea profunda, sino el mediador que permite al público ver de distintas maneras la misma naturaleza y sus objetos.

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En su texto “Sobre el arte moderno”, Paul Klee plantea que el arte no debe imitar la naturaleza como se hizo antes, sino que debe tener en cuenta la profundidad de aquello que se representa. Dicha profundidad solo puede ser representada correctamente a través de una deformación de la naturaleza en composiciones plásticas creadas por los artistas. Aquí, Klee resalta como fundamental el rol del artista, pues explica que es este quien es capaz de captar esa profundidad e interpretarla a una composición de elementos formales. Para el autor, los tres elementos fundamentales son la línea, el color y los tonos (sombras/claroscuro).

De la misma manera, Klee también le da mucha importancia al artista cuando explica que es quien es capaz de transmitir la belleza que encuentra en la profundidad. Más aún, Klee explica que el artista actúa como un vehículo o conductor entre dicha profundidad y los elementos formales. Para esto, hace uso de la metáfora del árbol, donde las raíces son lo profundo, el artista es el tronco y la copa del árbol es el producto artístico. Esta imagen nos hace entender que para Klee el arte solo puede ser comprendido por algunos, que deben poder traducirlo a un lenguaje pictórico con los tres elementos formales ya mencionados a través de diversas dimensiones, para que así pueda ser percibido por todos.

Sobre esto último, es interesante que Klee explica que la imagen se deforma a través de distintas dimensiones de lo plásticos, en donde cada una tiene una incidencia diferente relacionada a un elemento formal. Estas transformaciones son las que permiten la construcción de la composición de la obra.

Como comentario general, creo que leer a Paul Klee representa un reto al ser un ejercicio en el que él trata de plasmar y nosotros de comprender su experiencia como artista. Como lo menciona al inicio, poner algo en palabras que debería ser explicado por las obras mismas es una tarea difícil, pero, en el panorama del análisis general de esta clase, es muy enriquecedor. En particular, me llama mucho la atención la manera en la que interpreta la formación de una composición como una deformación de la naturaleza a características pictóricas y plásticas. Esta es una forma de entender el arte en la que se tiene muy en cuenta el proceso y lo importante que es el criterio del artista en este.

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Paul Klee reflexiona acerca del rol del artista, la representación de la naturaleza, y los diferentes aspectos formales que se deben tomar en cuenta al analizar una obra de arte en su texto Sobre el Arte Moderno. En primer lugar, establece que el artista no imita la belleza en la naturaleza, ni tampoco la crea, sino que su arte se convierte en un medio por el cuál la belleza fluye. Por ejemplo, menciona que en ciertas ocasiones el artista que no está acostumbradx a utilizar las palabras para comunicar ideas o sentimientos como en su medio, y entonces por eso podía resultar una comunicación ineficiente, entre otras.

El rol del artista entonces se convierte en mediar la belleza del arte a través de ciertos valores estéticos. Estos valores se dividen en tres categorías: línea, sombra, y color. La línea se refiere a los segmentos, ángulos, y cosas mesurables. La sombra o el claroscuros se trata del peso a través de la cantidad de negro o blanco que tenga. Finalmente, el color se refiere a la forma en la que interactúan los colores primarios entre sí, formando al mismo tiempo las dos categorías previas dentro de una. El color tiene medida, cualidad, y peso. Mientras el claroscuro solo tiene peso, y la línea solo tiene medida.

Esta teoría me pareció interesante, algo que no me quedó totalmente claro es su opinión sobre la relación contenido-forma. ¿está de acuerdo en separarlos? ¿considera que la forma es el contenido? En el texto hay varias pequeñas menciones del tema pero ninguna me deja la duda totalmente resuelta.

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Klee, en su texto, busca explicar la manera en la que el arte pictórico se da como una creación multidimensional. Empieza explicando que lo pictórico se compone de tres modos formales específicos en cuya combinación su puede empezar a pensar en una organización formal; éstos son: la línea, que es medida; el tono o claroscuro, que es peso; y el color, que es cualidad. De los tres modos formales, Klee especifica que el color es también medida y peso, el tono es también medida y la línea sólo puede ser medida. Como se mencionaba, la articulación de los modos formales genera una estructura o configuración formal más amplia la cual puede recibir el reconocimiento de un objeto o un nombre. En cuanto se juega con los modos formales se establecen también formas de expresión y estilos pero, en últimas, todo se conjuga para formar una Composición.
Puede verse que Klee supone una total distancia con el arte como imitación y prefiere al arte como creación, pero le preguntaría si es verdaderamente posible que ninguna composición quede realmente libre de la objetualidad dado que los individuos (como el mismo klee reconoce) tienden a buscar objetos y nombres en las formas.

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En sobre el arte moderno Klee se encarga de realizar una definición del arte moderno según su experiencia como artista. Inicia resaltando la importancia de un proceso de creación artística en el que el creador de la obra desarrolla un discurso acerca del medio en el que se desarrolla su obra y las bases de esta. Explica que, aunque no es posible explicar la multidimensionalidad de una obra en términos de lenguaje es importante describir su importancia individual sin exiliarlas de las demás. La especificidad de las dimensiones se entiende como elementos formales.

Línea: Delimitada, segmentos medibles que forman segmentos y ángulos.

Tonos de claroscuro: Peso, lo mas ligero es blanco mientras que lo más cargado es negro.

Colores: no poseen mensurabilidad en termino de peso o longitud, es una cualidad determinada.

Estas características formales, argumenta Klee, permiten al artista realizar un análisis más profundo de su psicología y, en última instancia, de su obra. Al comprender la interacción entre líneas, tonos de claroscuro y colores, el artista puede comunicar de manera más efectiva sus pensamientos, emociones y conceptos al espectador. Klee enfatiza que el arte moderno no solo se trata de la expresión personal del artista, sino también de la capacidad de conectarse con el espectador a través de diversas técnicas y dimensiones artísticas.

Mee costo un poco entender el texto, pero mi mayor duda hace referencia a cómo afectaría la definición individual de cada dimensión en la multiplicidad de las mismas.

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En el texto “Sobre el arte moderno” de Paul Klee, la dificultad de traducir ideas y motivaciones artísticas en palabras es una preocupación común entre los creadores, según él. Este dilema plantea un desafío típico para Klee y los artistas, quienes con frecuencia creen que su obra transmite un significado más profundo de lo que las palabras por sí solas pueden capturar. Esto plantea la cuestión fundamental de cómo el arte se conecta y se comunica con su audiencia.

Klee se dio cuenta de que su objetivo era proporcionar más contexto para que las personas comprendieran su obra en lugar de justificarla. Esto enfatiza la idea de que el arte se trata de cómo el espectador experimenta y se conecta con la obra, así como del mensaje que el artista desea transmitir. La interpretación es subjetiva y puede variar de una persona a otra.

La metáfora del árbol utilizada por Klee es muy potente. Enfatiza la idea de que los artistas sirven como puentes entre el mundo natural y humano al actuar como intermediarios que transmiten la belleza de la naturaleza a través de su arte. La belleza es transmitida e interpretada por el artista en lugar de ser "creada".

La dificultad de transmitir algo que tiene muchas dimensiones diferentes es un problema significativo. Esto refleja la complejidad del arte, que puede ser multidimensional y rico en significado. Dado que el lenguaje es lineal, puede resultar insuficiente para expresar la complejidad de una obra artística. Esto enfatiza la importancia de que la audiencia se sumerja en la experiencia artística y la interprete a través de su propia perspectiva.

El debate sobre tamaño, peso y calidad en relación con la línea, el color y el contraste demuestra cómo los artistas consideran cuidadosamente cada elemento formal de su obra. Esto destaca la importancia de la toma de decisiones en el proceso creativo, ya que el color, la forma y la composición pueden tener un impacto significativo en la interpretación de la obra. Las referencias a la fila cromática y las relaciones de color muestran cómo los artistas utilizan la teoría del color para lograr ciertos efectos en su obra. Esta comprensión de la teoría del color es esencial para crear una paleta de colores visualmente coherente y emocionalmente atractiva.

Finalmente, Klee enfatiza en el capitulo que el arte es un proceso complejo que implica la comunicación a través de múltiples dimensiones. Cada artista tiene su propio enfoque y estilo, pero todos enfrentan los mismos desafíos para expresar efectivamente su visión. El arte es un poderoso método de comunicación entre el artista y la audiencia, y se basa en la precisa interpretación y comunicación de la experiencia humana.

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El texto de Paul Klee comienza explicando la especificidad del artista: este evidencia un mundo multiforme en el que, como todos, pretende orientarse, pero a diferencia de los demás, posee la habilidad de hacerlo con sus propios medios. El artista puede crear una configuración que le permite ordenar la fuga de los fenómenos y las experiencias. Cuando se habla de que tiene “sus propios medios” lo interpreto como esa capacidad de transmitir; de absorber el estímulo de la naturaleza y transcribirlo, aunque no por esto sea siempre fácilmente comprehensible. La dificultad radica, según Klee, en que la nueva imagen atraviesa un proceso de deformación que es justamente la plasmación de lo visto según las dimensiones específicas de lo plástico. Además, hay una deficiencia temporal en el lenguaje pictórico que dificulta la vista simultánea de la creación espacial. Según comprendo, esto significa que las distintas dimensiones se identifican individualmente, de manera que, en la medida en que vamos constituyendo el conjunto, cada uno de los aspectos que vamos agregando modifican o actualizan aquellos que ya reconocíamos. Las dimensiones, en cuanto “transcurren temporalmente”, comportan una dificultad a la hora de acumularlas y resulta necesario hacer un recuento posterior.

Estas dimensiones formales son la medida, el peso y las cualidades, que hacen referencia respectivamente a la línea, el claroscuro y los colores. A partir de estos elementos se puede hacer “construcciones”; “configuraciones”, que resulten en objetos. Una vez admitida la legitimidad del concepto objetual en el cuadro estos pueden asimismo obrar en conjunto hacia nuevas configuraciones. La manera en que los objetos se ponen en movimiento y tienen entre ellos una peculiar correlación hace posible encontrar una estructura; una nueva dimensión.

Aun puede agregarse algo más: las relaciones que conforma el artista entre las anteriormente mencionadas dimensiones implican siempre formas de expresión definidas y específicas; cada estructura tiene su expresión constructiva particular. Klee llama esto un “gesto impulsivo” que culmina en lo que llamamos el estilo. El estilo es también una nueva dimensión dentro de la obra. Finalmente, esta acumulación de dimensiones hace una obra digna de ser llamada una composición.

Klee considera el artista un medio para la expresión de la naturaleza. Este recoge los estímulos que, con los medios plásticos adecuados  y con total libertad en su proceder, vincula entre sí para formar una composición. Esta composición, dado que Klee la considera una “génesis”, nos deja claro que el producto no es jamás una imitación de la naturaleza. Una vez deformada, aquello que obtenemos es siempre nuevo. La novedad consiste principalmente en la preferencia del artista por las fuerzas formadoras y no por las formas-fines. En cuento el foco esté en aquellas fuerzas, la obra no se limitará a reproducir las cosas tal como son, sino tal como podrían ser; la obra es potencialidad; siempre génesis, nunca imitación.

De este texto me llama la atención aquello que Klee llama el “enturbamiento” en contraposición con una “presentación elemental pura”, ¿por qué habla de una representación de un hombre con “la presentación pura del elemento lineal”? En ese caso, ¿podría haber asimismo una presentación pura de otros elementos, por ejemplo, del color? ¿o esta ya no sería pura porque el color implica el acoplamiento de la línea y el claroscuro? No creo haber entendido muy bien a qué se refiere hablando de una tal “pureza”. Además, ¿por qué una estructuración más realista de un hombre implicaría un enturbamiento? Klee dice que para esta estructuración se necesitaría una confusión lineal demasiado caótica y esto haría la obra ininteligible. ¿Qué es aquello que no podríamos aprehender? Creo que el texto en general tiene aportes formalistas muy valiosos, sin embargo, hay un punto en el que se insiste excesivamente en idealismos a través de conceptos como aquel de la pureza, lo primigenio, la “ley originaria”, etc. Oscureciendo así el rigor de su teoría formalista.

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En “Sobre el Arte Moderno” Paul Klee plantea la relación entre el arte y el mundo fenoménico planteando que el arte es una imagen transformada de la naturaleza, es decir, no imita los objetos naturales, sino que los representa y los transforma, los comunica a través de atributos plásticos. Bajo esta idea resulta esencial la figura del artista pues este se encarga de transmitir, es el mediador entre la superficie y lo que viene de la profundidad. Para aclarar este planteamiento el autor propone una metáfora en la que el tronco de un árbol es el artista, la copa son las obras de arte y las raíces “lo que proviene de la profundidad”.

Klee cierra el texto con una conclusión que considero que recoge muy bien varias de las cosas abordadas anteriormente pues finaliza diciendo que representar algo “tal como es” se estaría haciendo una imagen del mundo, pero si por el contrario se representa algo “tal como podría ser” se estaría ejecutando la práctica artística en un estado puro.

Me pareció interesante darme cuenta de que, a partir de lo planteado en este texto, Klee compartiría varias ideas del arte con Maurice Denis pues ambos hablan del arte como fenómeno que promueve visiones subjetivas de la naturaleza, el arte como deformación de la naturaleza. Y ambos también se enfocan en el artista y su facultad comunicativa a través de elementos visuales creando símbolos o equivalencias plásticas que evoquen objetos del mundo fenoménico.

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En su texto ‘Sobre el arte moderno’, Paul Klee defiende la idea de que la belleza de la naturaleza no es obra del artista, pero solo pasa a través de él.  Esto se explica porque la naturaleza existe en diferentes dimensiones, entre más dimensiones tenga más difícil es de ponerlo al mismo tiempo, por esta razón el arte es un agente transformador. Ya que por medio de características formales el arte deforma la naturaleza en características de lo plástico. Estos elementos formales son la línea, las tonalidades y los colores. La línea es una característica mensurable, por lo que es medida y no contempla ninguna otra dimensión, las tonalidades son peso, ya que cuando una obra tiene más blanco tiene menos peso y más negro tiene mas peso, y por último el color, tiene un aspecto de cualidad ya que no se concibe ni midiendo ni pesando. Sin embargo, dentro del color hay multidimensionalidad, ya que el color tiene medida, al tener límites, tiene peso por el valor cromático o lumínico que tiene un color, y, por último, tiene cualidad, por esto multidimensional y por medio de este se llega lo más cercano a una representación plásticamente clara, ya que hay simultaneidad multidimensional.

La duda que me queda en referencia a la multidimensionalidad de elementos formales, es si hay una jerarquía dentro de estos elementos, y si hay unos elementos que tienen más importancia dentro de la obra de arte que otro.

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El texto de Paul Klee “Sobre el arte moderno” (1924), plantea la relación entre el arte y la realidad, y el papel del artista como creador y mediador. Klee afirma que el arte no es una mera imitación de la naturaleza, sino una expresión de la visión interior del artista, que busca revelar lo esencial y lo invisible de las cosas. El arte moderno, según el autor, se caracteriza por una mayor libertad y experimentación, que rompe con las formas tradicionales y busca nuevas posibilidades de expresión. El artista moderno no se conforma con lo dado, sino que busca lo nuevo, lo original, lo sorprendente. El arte moderno es un arte de la imaginación, de la fantasía, de la creatividad.

Me parece que el texto de Klee es muy interesante, porque propone una concepción del arte que va más allá de lo superficial y lo convencional, y que invita al artista a explorar su propio mundo interior y a comunicarlo a través de formas novedosas y originales. Me hace reflexionar sobre el sentido y el valor del arte en la sociedad actual, donde muchas veces se privilegia lo comercial y lo masivo, y se pierde la capacidad de asombro y de crítica. Creo que el arte moderno tiene mucho que aportar a la cultura y a la educación, porque nos abre a nuevas perspectivas y nos hace cuestionar nuestras propias certezas y prejuicios. El arte moderno es un arte que nos desafía y nos enriquece, que busca crear un lenguaje propio y original.