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터번을 쓴 여인 - 귀도 레니

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제가 이 그림을 올린 이유는 이 여자가 모나리자나 진주 귀걸이를 한 소녀와 비슷하기 때문입니다.

반쯤 풀린 눈, 목욕탕(?)에 온것 같은 옷 등이 우리의 상상력을 자극합니다. 이 그림에 약간 어두운 분위기나 명암이 많아서 약간 무섭습니다.

여러분의 생각은 어떤가요?

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사람들이 많고 많은 사람이 말하는 것 같아서 북적거리고 혼란스러운 느낌이 잘 느껴져서 고르게 되었다.

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© The Bridgeman Art Library - GNC media, Seoul

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해바라기-반 고흐

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전 환한 그림을 좋아합니다. 그리고 저는 꽃을 좋아합니다.

반고흐[해바라기]

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카스파르 다비드 프리드리히-북극해

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<북극해>는 '난파된 희망(The Wreck of Hope / Die gescheiterte Hoffnung)'라는 또 다른 제목으로도 불린다. 원래 프리드리히는 <북극해>와 <난파된 희망>이라는 서로 다른 두 작품을 그렸지만 <난파된 희망>은 유실되었다. <난파된 희망>은 1822년 드레스덴 아카데미(Dresden Academy)의 전시에서 처음으로 모습을 드러냈으며, <북극해>는 1824년 프라하 아카데미(Prague Academy)의 전시에서 선보였다. <북극해>가 프라하 아카데미에 전시되었을 때 달렸던 제목은 '수북이 쌓인 얼음 덩어리에 놓인 난파선과 이상화된 북극해의 장면(An Idealized Scene of an Arctic Sea, with a Wrecked Ship on the Heaped Masses of Ice)'이었다.

처음의 북극의 모습을 그린 <난파된 희망>은 수집가 크반트(Johann Gottlob von Quandt)의 주문에 의해 제작된 것이다. 크반트는 전혀 대조적인 북쪽과 남쪽 세계의 그림 한 쌍을 갖고 싶어 했다. '풍요롭고 식물이 우거진 장려한 남쪽 자연'을 로덴(Martin von Rohden)에게, 그리고 '무서울 정도로 아름다운 북쪽의 자연'을 프리드리히에게 의뢰했다. 그러나 1821년 슈코브스키(Vasily Shukowski)가 쓴 편지에 따르면 "프리드리히는 작품 제작에 착수했을 때, 그가 무엇을 그릴지 자기 자신조차도 알지 못했다. 그는 꿈 속에서 영감이 떠오르는 순간을 기다리고 있다"라고 그의 작품 제작 태도를 언급하고 있다. 이 시기의 신문에서는 북극에 탐험을 갔다는 보도가 자주 실렸고 이 중 몇몇은 책으로 출간되기도 했다. 아마도 프리드리히는 책과 신문을 통해 1819-20년에 대서양과 태평양을 잇는 북서항로를 찾으러 탐험에 떠났던 패리(William Edward Parry)의 이야기를 알고 있었을 것이다. 1820-21년 겨울 프리드리히는 드레스덴 인근의 엘베강(Elbe)의 유빙을 보고 대규모의 유화 스케치를 몇 장 그렸으며 아마도 이 스케치들을 이용하여 <북극해>를 그린 것으로 보인다.

이 작품은 배가 빙판과 충돌하여 산산이 부숴져 쌓인 빙판의 파편 한 가운데 조난된 배를 묘사하고 있다. 이 얼음 파편은 마치 한 덩어리의 무덤 같기도 하고 고인돌 같아 보이기도 한다. 난파된 배의 선미가 오른쪽에 조금 그 모습을 드러낸다.

학자들은 이 작품에 대해 다양한 해석을 내놓았다. 1931년 바젤에서 열린 "독일 낭만주의" 전시에서 슈미트(Georg Schmidt, 1712-1775)는 이 작품이 나폴레옹과의 전쟁 이후 자유와 해방을 얻는 것이 더 이상 불가능한 것처럼 여겨졌을 때 화가의 마음 속에 자리 잡은 체념을 상징하는 것이라고 해석했다. 어떠한 생명체도 접근을 허용하지 않는 분위기와 위협적으로 솟아오른 날카로운 얼음의 파편, 그리고 지나치게 멀리 가고자 욕심을 내어 난파될 수밖에 없었던 배의 잔해가 얼음 속에 묻혀있는 모습을 보여줌으로써 '죽음'을 표현한 것이라고 해석하기도 한다. 긍정적으로 해석하는 경우에는 북극의 풍경의 아름다움과 청명함을 표현하고자 한 것으로 논의되기도 한다.

동시대 프랑스 조각가 당제(David d'Angers, 1788-1856)는 1834년 드레스덴을 방문했을 때 이 그림을 보고 강한 인상을 받았다고 말했다. 그는 "프리드리히는 우울한 영혼을 지녔다. 그는 풍경화를 통해 엄청난 자연의 재앙을 묘사할 수 있다는 사실을 잘 알고 있다"고 평가했다. 그러나 이 작품의 구성은 당시로써는 너무나도 급진적인 것이었기 때문에 1840년 그가 죽을 때까지 이것은 누구에게도 팔리지 못했다. 20세기에 이르러 이 그림은 해리스(Lawren Harris, 1885-1970)의 북극을 그린 풍경화에 영향을 주었고 내쉬(Paul Nash, 1889-1946)의 <사해(Dead Sea)>(1940-41)는 이것과 매우 유사하여 직접적인 영향관계를 추정할 수 있다. <북극해>는 포터(Russell Potter)에 의해 "북극의 숭고"을 표현한 핵심적인 작품으로 언급되었으며 19세기 후반 허드슨파의 처치(Frederic Edwin Church, 1826-1900)의 북극 풍경화에도 영향을 미쳤다.

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제목 <북극해>는 '난파된 희망(The Wreck of Hope / Die gescheiterte Hoffnung)'라는 또 다른 제목으로도 불린다. 원래 프리드리히는 <북극해>와 <난파된 희망>이라는 서로 다른 두 작품을 그렸지만 <난파된 희망>은 유실되었다. <난파된 희망>은 1822년 드레스덴 아카데미(Dresden Academy)의 전시에서 처음으로 모습을 드러냈으며, <북극해>는 1824년 프라하 아카데미(Prague Academy)의 전시에서 선보였다.

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Girl with a pearl Earring(진주 귀걸이를 한 소녀)

작가:요하네스 베르메르

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요약 네덜란드의 화가 요하네스 페르메이르의 작품으로 신비한 분위기에 싸인 소녀의 얼굴은 '북유럽의 모나리자' 혹은 '네덜란드의 모나리자'로 불린다.

'북유럽의 모나리자' 혹은 '네덜란드의 모나리자'로 불리는 《진주 귀걸이를 한 소녀》는 네덜란드의 화가 요하네스 페르메이르(1632~1675)의 작품 가운데 가장 매혹적이며 많은 사람들로부터 사랑을 받고 있는 작품이다. 그의 생애가 수수께끼로 남아있기 때문에 '델프트의 스핑크스'라는 별칭을 가지고 있는 화가의 삶 만큼이나 베일에 싸인 이 작품은 소녀와 진주 그리고 비밀스러움이 어우러져 그 신비감을 더하고 있다.

페르메이르는 칠흑 같은 검은 배경에 특유의 부드러운 빛과 명암으로 《진주 귀걸이를 한 소녀》를 그리고 있다. 살짝 머금은 듯한 미소와 고개를 돌려 관람자를 바라보는 눈길과 표정이 마치 무어라 속삭일 것만 같아 쉽게 시선을 거두기 힘들다. 단순하지만 조화로운 구성, 안료를 투과한 빛이 만들어낸 선명한 색채 그리고 소녀의 귀에서 반짝이는 진주 귀걸이는 그림 전체에 생명력을 불어넣으며 작품 속으로 빠져들게 한다.

과연 머리에 터번을 두른 진주 귀걸이의 이 소녀는 누구인가. 해답은 의외로 간단하다. 이 작품은 특정한 누군가를 모델로 삼은 초상화로 여겨지지만 실제로는 17세기 네덜란드에서 주로 그려진 '트로니 Tronie'이다. '트로니'란 고유의 의상을 입은 특별한 인물 유형을 대표하는 사람들을 그린 가슴 높이의 초상화를 이르는 말로 이 그림은 화가의 상상에 의해 만들어진 이국적인 인물 유형을 보여주고 있다.

그러나 금방이라도 그림 속에서 튀어나와 관람자의 손을 이끌 것 같은 진주 귀걸이의 앳딘 이 소녀는 여전히 작품에 대한 신비감을 증폭시키며 풀리지 않는 의문으로 존재하고 있다. 작품을 가만히 마주하고 있으면 소녀의 영혼과 교감하는 듯한 강한 느낌을 받게 된다. 생생하면서 활기에 찬 붓질과 내적인 온기마저 포착하고 있는 화가의 섬세함이 소녀의 영혼이 지닌 비밀까지 꿰뚫고 있는 듯하다.

페르메이르는 그가 선호하는 색채인 노랑과 파랑, 여기에 전에 없었던 맑고 투명한 진주 빛깔을 내는 빛의 효과를 사용하여 마치 빛의 알갱이가 표면을 진동하는 것과 같은 질감을 만들어냈다. 빛의 능숙한 사용으로 대표되는 그의 화법은 그 이전까지 어떤 화가에게서도 볼 수 없는 강렬함을 주고 있다. 어떤 비평가는 그의 그림 표면을 "진주 가루들이 녹아 엉킨 것 같다"고 묘사하기도 하였다.

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진주 귀걸이를 한 소녀

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네덜란드의 화가 요하네스 페르메이르의 작품으로 신비한 분위기에 싸인 소녀의 얼굴은 '북유럽의 모나리자' 혹은 '네덜란드의 모나리자'로 불린다. '북유럽의 모나리자' 혹은 '네덜란드의 모나리자'로 불리는 《진주 귀걸이를 한 소녀》는 네덜란드의 화가 요하네스 페르메이르(1632~1675)의 작품 가운데 가장 매혹적이며 많은 사람들로부터 사랑을 받고 있는 작품이다.

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살바도르 달리의 기억의 지속

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기억의 지속

카탈루냐 출신의 에스파냐 화가 살바도르 펠리페 하신토 달리 도메네크(1904-1989)는 20세기 가장 중요한 예술가 중 하나이다. 조각가이자 도안가, 디자이너로도 이름을 날린 그의 작품들은 예술계뿐 아니라, 패션, 광고, 연극, 영화에도 큰 영향을 미쳤다. 그러나 뭐니 뭐니 해도 그는 기이한 이미지의 초현실주의 작품들로 가장 유명한 화가일 것이다. 1922년 공부를 위해 마드리드의 레시덴시아 데 에스투디안테스(학생기숙대학)에 입학한 달리는 루이 브뉘엘, 페데리코 가르시아 로르카 등과 평생의 교분을 쌓으며 예술생활을 시작했다. 특히 브뉘엘과는 영화 <안달루시아의 개>(1922)를 공동 제작한 것으로도 유명하다. 달리는 고향 카탈루냐, 그리고 파리 및 뉴욕에서 두루 활약하면서 에스파냐의 별난 화가로 부와 명성을 쌓았으며, 영화 및 연극세트에 초현실주의적 감성을 불어넣기도 했다. 흐물흐물한 시계 혹은 녹아내리는 시계로 잘 알려진 <기억의 지속>은 달리의 가장 유명한 작품 중

죽기 전에 꼭 봐야 할 명화 1001점

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살바도르 달리는 이른바 '초현실주의' 작가 중 주요한 인물로 우리에게도 널리 알려져 있다. 그는 꿈을 꾸는 듯한, 현실에서는 시각으로 나타날 수 없는 기묘함을 캔버스에 그려낸 작가다. 초현실주의는 이성적 창작 과정보다 그것을 넘어선 무의식에서 감지되는 형상을 표현하는 미술 운동이었다. 이에 꿈이나 무의식적인 행위나 사고에서 비롯하는 비이성적 연상 작용 등에 대해 관심을 가졌다.

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아를의 별이 빛나는 밤 - 빈센트 반 고흐

별이 바다에 빛이는 모습이 특히 인상 적이다

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아를의 별이 빛나는 밤 이미지

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로이 릭텐스타인의 행복한 눈물

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앤디 워홀과 함께 미국의 팝아트를 대표하는 로이 릭텐스타인(Roy Lichtenstein, 1923-1997)은 우리나라에서는 워홀에 비해 상대적으로 덜 알려진 작가였다. 그러나 몇 년 전, 그의 [행복한 눈물]이 대기업의 비자금 사건과 연루되어 언론의 집중적인 주목을 받은 이후, 이제는 그의 이름을 모르는 이가 거의 없게 되었다. 물론 대부분의 사람들에게는 작품 자체가 인상적이었다기 보다는 그 가격이 충격적이었다. 오래된 만화책에서나 볼 법한 촌스러운 아가씨의 얼굴이 화면을 가득 채운 그림이 수십억 대를 호가한다니, 작가로서는 진정 ‘행복한 눈물’을 흘려 마땅하겠지만, 평범한 이들은 과연 이것이 그만한 가치가 있는가에 대해서 의문을 가졌다. ‘팝아트’는 글자 그대로 대중문화(popular culture)와 미술(fine art)이 결합하여 탄생한 새로운 미술의 흐름으로, 1960년대 미국문화의 산물이다. 텔레비전이 광범위하게 보급되고, 대량 생산과 대량 소비를 미덕으로 하는 본격적인 소비 문화가 형성되던 시기였다. 하루가 멀다 하고 쏟아져 나오는 새로운 상품들은 소비자의 지갑을 열기 위해 격렬한 경쟁을 시작했다. 눈을 현혹하는 포장과 로고, 새로운 것에 대한 욕망을 끝없이 자극하는 상품 광고가 티브이와 신문, 잡지, 거대한 광고판과 할리우드 영화를 뒤덮었다. 물건을 구입하고 재빨리 소모하는 방식은 문화의 영역에도 그대로 적용되어, 대중문화는 표피적인 오락을 지속적으로 제공했고, 소비자들은 일순간의 만족 이후에는 또 다시 새로운 자극을 원했다. 이처럼 생산 – 소비 – 폐기로 이어지는 짧은 순환이 끊이지 않고 계속되는 문화는 현재 우리의 삶과도 크게 다르지 않다. 다만 그 전달의 매체에 컴퓨터와 인터넷, 이동통신 등이 더해졌을 뿐이다. 우리는 아침에 일어나서 잠자리에 들 때까지 무언가를 구입한다. 우리를 둘러싼 모든 매체들은 커피일 수도 있고, 증시전망이거나, 올 여름의 히트곡일 수도 있는 다양한 유무형의 상품들을 끊임없이 광고하며 소비를 종용한다. 자본주의사회의 우리 모두는 사실 ‘국민’이거나 ‘사회인’이기 보다는 ‘소비자’의 삶을 더 충실하게 살고 있다. 1960년대 미국의 팝아트는 이처럼 ‘소비자’의 삶 속에 파고든 일상의 모든 것들을 소재로 차용했다. 상품과 광고, 텔레비전과 영화, 만화책과 연예인 등, ‘대중 문화’의 영역에 속해있던 모든 것들은 ‘미술’로 변모하여 엄숙하기 그지없었던 미술관에 당당하게 입성했던 것이다. 말하자면 팝아트는 소위 고급 문화와 평범한 일상 사이의 경계선을 허물고자 했던 지난 세기의 전위적인 미술가들의 계보를 잇고 있는 셈이다. 그러나 그 이전의 미술이 물질만능주의와 자본주의의 폐해를 비난하고 공격하는데 몰두했다면 팝아트는 이를 그대로 포용했다는 차이가 있다. 어차피 이길 수 없다면, 즐기기라도 하자는 것이 팝아트의 기본적인 태도이다. 로이 릭텐스타인은 당대 대중문화의 총아, 만화책을 베껴 그렸다. 그는 인기 있는 만화책의 한 장면을 골라 세부를 수정하여 큰 캔버스에 유화로 옮기면서, 만화책의 전형적인 포맷은 그대로 유지했다. 단순하게 그려진 인물들은 검은 윤곽선과 몇 가지의 원색으로 채워졌고 정사각형 틀 안에 말풍선과 함께 등장한다. 색 면은 균일하게 칠한 것이 아니라, 무수히 많은 작은 점으로 채웠다. 요즘에도 값싼 신문이나 잡지책의 원색 도판을 잘 들여다보면 색 점이 망처럼 빽빽하게 찍혀 있는 것을 알 수 있다. 릭텐스타인은 이처럼 색을 점으로 분할하여 찍어내는 인쇄기법 벤데이닷(Ben-Day dot: 인쇄기술자였던 벤자민 데이의 이름에서 따왔다)을 모방하여 하나하나 손으로 점을 그렸다. 릭텐스타인의 작품을 실제로 가까이에서 보면 점의 모양이 일그러지거나 물감이 살짝 번져 있는 등 대단히 인간적인 손의 흔적을 볼 수 있다. 이전까지 카메라나 판화와 같은 기계적인 기법은 미술가의 손을 모방하기에 급급했다. 영화나 만화 역시 미술가의 독창적인 표현과 미적 감각으로부터 영감을 얻어왔다. 그러나 릭텐스타인은 만화를 모방하여 미술작품을 제작하면서, 기계적인 인쇄기법을 손으로 따라 그렸으니, 대중문화와 고급미술 사이에 엄연히 존재했던 위계질서를 완전히 뒤집은 셈이다. 그의 주제는 크게 두 가지이다. 로맨스이거나 전쟁이거나. 만화책이 결국은 소녀들이 보는 순정만화와 소년들이 보는 전쟁만화 둘 뿐이니 당연한 일이다. 만화책이란 오늘날의 연속극이나 마찬가지로, 로맨스든 전쟁 물이든 대개 뻔한 줄거리여서, 릭텐스타인의 작품에서처럼 앞 뒤 다 자르고 중간의 한 장면만 보더라도, 대략의 이야기가 머릿속에 그려지는 법이다. 파란 많은 연인을 말없이 믿어주던 착한 아가씨가 결국에는 감동적인 프러포즈라도 받은 듯한 [행복한 눈물]이 그렇고, 마음이 떠난 것이 뻔한 연인이 데이트 약속을 까맣게 잊었더라도 애써 급한 일이 있을 거라고 믿고 있는 [음 어쩌면]이 그렇다. [꽝!]은 용맹한 주인공이 결국은 적군을 물리치는 절정의 순간, 모든 소년들이 손에 땀을 쥐고 열광하는 감동의 장면일 것이다. 릭텐스타인의 작품이 물론 처음부터 대중들의 호응을 받고, 고가에 거래된 것은 아니다. 그가 본격적으로 미술계에 나선 것은 1962년, 뉴욕의 유수한 화랑이었던 시드니 재니스 갤러리(Sidney Janis Gallery)에서 열린 [신사실주의전]에서였다. 이전까지 잭슨 폴락(Jackson Pollock)과 윌렘 드쿠닝(Willem DeKooning) 등 뉴욕의 미술계를 지배했던 추상표현주의를 후원하던 시드니 재니스 갤러리의 변신은 많은 이들에게 큰 충격을 주었다. 잭슨 폴락은 물감이 뚝뚝 흐르는 붓을 쥐고, 넓은 캔버스 위에서 춤을 추듯 온 몸을 움직여 대작을 만들어냈다. 그의 육체적인 궤적으로 뒤덮인 작품은 그 만이 갖고 있던 내면적인 갈등과 폭발적인 에너지의 산물이었다. 그러나 릭텐스타인은 추상표현주의를 상징하는 강렬한 붓자국마저도 인쇄된 만화의 한 장면처럼 장난스럽게 변형시켰다. 그의 작품에서는 더 이상 고립된 스튜디오에 홀로 앉아 붓을 쥐고 고뇌하는 미술가의 전설을 기대할 수 없게 되었다. 그러나 사전 지식과 고상한 취미, 높은 학식을 갖춘 ‘교양인’이 아니더라도, 최소한 무엇을 그린 것인지를 알아볼 수 있는 미술품의 등장은 새로운 계층의 미술 애호가를 만들어냈다. 팝아트의 상업적인 성공은 소비사회의 미덕, 즉 마케팅과 프로모션, 전략적 세일즈의 파워를 보여준 새로운 세대의 딜러와 컬렉터들의 공이 컸다. 시드니 재니스와 레오 카스텔리(Leo Catelli) 등은 미술가를 발굴하여 ‘물건’으로 키워내는 데 천재적이었고, 명망 있는 가문 출신의 전통적인 부호들이 아니라, 택시회사로 부를 일구었던 로버트 스컬(Robert Scull) 등의 신흥 부자들은 자신들의 경제적 능력에 걸맞은 사회적 지위를 확보하기 위한 수단으로 팝아트를 적극 후원했다. 많은 비평가들은 여전히 당대의 정치사회적인 문제에 무심했던 팝아트를 비난했지만, 대형 미술관과 갤러리, 수집가와 딜러들의 옹호 아래 팝아트는 성공가도를 달렸다. 릭텐스타인이 보여주는 로맨스와 전쟁 담은 식상하고 진부하며 통속적이다. 그러나 말끔한 원색으로 그려진 그의 커다란 캔버스는 ‘쿨’하고 ‘핫’하다. 바로 그렇기 때문에, 릭텐스타인의 작품을 단순하게 즐길 수가 없다. 사실 로맨스와 전쟁은 결코 진부하거나 통속적일 수 없고, 절대로 ‘쿨’하거나 ‘핫’하지 않다. 남녀관계는 대단히 근본적인 인간사의 갈등이며, 사랑과 욕망은 본질적인 감정이고, 전쟁은 극도의 폭력이자 최악의 공포 상황이다. 현실 속에 존재하는 결별은 몇 번을 겪어도 아프고 구차하며 끈적거린다. 전쟁터에서는 실제로 많은 사람이 대단히 고통스럽게 죽는다. 죽음은 누구에게라도 절대로 식상할 수 없고, 폭력은 영화에서처럼 영광적이거나 감동적이 않으며, 더욱이 ‘쿨’할 수도 없다. 그런데도 릭텐스타인의 [꽝!]은 천문학적인 가격의 미술품이자, 눈길을 끄는 엔터테인먼트가 되어, 눈부신 조명 아래 세련되게 단장된 미술관 벽에 걸려있다. 그 앞에서는 누구도 진지하게 전쟁을 논하지 않는다. 전쟁이 바로 이 순간, 그리 멀지 않은 곳에서 벌어지고 있다고 하더라도 말이다. 팝아트는 진보적인 미술이 표방했던 사회 비판적 기능을 포기했을지도 모른다. 그러나 그 스스로 대중매체와 소비사회의 실체를 극명하게 보여준다. 우리는 타인의 고통과 역사적 비극마저도 상품으로 만들어 생산하고 소비한 후 ‘오-쏘-쿨’하게 폐기한다.

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빈센트 반고흐 아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다. 반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다. 동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. “푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. … 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어.” 이어서 그는 “기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야”라고 덧붙이기도 했다. 표현기법 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다. 나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

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으아아아악!!!!!!!!!

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김주원 | 레오나르도 다빈치 [ 모나리자 ]

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김주원 | 레오나르도 다빈치 [ 모나리자 ]

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다.

레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어 주문서와 같은 것도 전해지고 있지 않기 때문이다. 따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리(Giorgio Vasari, 1511- 1574)의 저작, 『미술가 열전 (Le Vite de Piu Eccelenti Pittori. Scultori et Architeili Italiani)』(1550)에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 '리자 부인'이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 '모나'는 '마돈나(Madonna)'의 준말로, '부인'을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

신원이 명확히 밝혀지지 않은 작품 속 여인의 신비로움은 그의 미소에 의해 더욱 고조된다. 여인의 미소를 묘사하기 위해 레오나르도는 '스푸마토(sfumato)'라는 기법을 사용했다. '스푸마토'란 이탈리아어로 '흐릿한' 또는 '자욱한'을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다. 레오나르도는 특히 여인의 입 가장자리와 눈 꼬리를 스푸마토 기법으로 묘사함으로써 여인의 미소를 모호하지만 부드럽게 보이도록 만들었다.

이러한 모호함과 신비로움은 여인의 미소뿐만 아니라 배경에서도 드러난다. 레오나르도는 인물 뒤 풍경을 묘사하면서 대기원근법(aerial perspective)을 사용하고 있는데, 대기원근법이란 사물들 간의 관계를 기하학적으로 계산해 배치하는 선원근법(linear perspective)과 달리, 색채의 조정을 통해 대기의 효과를 묘사함으로써 공간감을 표현하는 방식이다. 이 작품에서 레오나르도는 가까운 곳의 풍경은 붉은 색조를 사용해 비교적 명확하게 묘사한 반면, 먼 곳의 풍경은 청색조를 사용하고 윤곽선을 흐릿하게 묘사함으로써 작품 속에서 공간이 뒤로 물러나는 듯 보이게 하는 효과를 거두고 있다.

두 손을 앞으로 모으고 화면 밖을 주시하고 있는 여인의 상체는 화면에서 안정적인 삼각형 구도를 이루고 있다. 그러나 여인의 몸은 약간 오른쪽으로 틀어져 있어서 관람자가 보는 위치에 따라 조금씩 달라 보이는 듯한 느낌을 준다. 이러한 느낌은 배경에 묘사된 풍경에 의해 더욱 강화되는데, 이는 인물 좌우의 풍경 속 지평선이 서로 다른 것처럼 보이도록 그려졌기 때문이다. 레오나르도는 강이 흘러나가는 물길을 표현하면서 마치 인물 오른쪽의 지평선이 더 높은 것과 같은 착각을 불러 일으키도록 묘사함으로써 그림의 왼편에서 인물을 관찰할 때와 오른편에서 인물을 관찰할 때의 느낌이 다르도록 만들었다.

이러한 풍경은 이상화된 관념적인 자연의 모습이 아니라, 실제 자연에서 관찰되는 지리학적인 특징들을 충실히 반영한 것이다. 그러나 레오나르도는 풍경을 구성하는 요소들과 머리카락과 의복의 선과 같은 인물을 묘사하는 요소들을 서로 조화되도록 배치함으로써 배경과 인물을 통합하고 있다.

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 주제 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다.

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빈센트 반 고흐의 별이 빛나는 밤

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

글

황주영/서울대 환경계획연구소 연구원/서양 미술사
이화여대에서 불문학과 영문학을 공부하고, 동대학 대학원 미술사학과에서 서양미술사를 공부했다. 풍경화와 정원에 대한 공부를 더 하러 간 파리에서는 어학원보다는 거리와 미술관, 공원과 정원을 더 열심히 다녔다. 서울대학교 협동과정 조경학 과정을 수료하고 번역과 원고 기고, 강의 등으로 생계를 꾸리고 있다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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르네 마그리트의 골콩드

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중절모에 레인 코트 차림의 신사가 떼로 등장하는 <골콩드> 혹은 <겨울비>라는 제목의 이 그림은 재현된 이미지만 놓고 보면 영락없는 '인간비'를 그린 것이다. 중절모와 코트 차림의 사내는 르네 마그리트가 자신의 작품에 수없이 등장시킨 그의 대표 아이콘인데, 실제 마그리트 자신이 즐겨 착용한 패션이라고 한다. 화가의 분신(들)이 마치 빗줄기마냥 길쭉한 자태로 허공에 꽂혀있다. 그것은 나른한 휴일 오후 공중에 떠있는 풍선의 낭만 같기도 하고, 정반대로 코트 차림의 인체가 긴 검정 막대처럼 보이는 점에서는 마치 평온한 시가지로 투하되는 네이팜탄의 공포처럼 읽히기도 한다.

그렇다면 이 그림이 전쟁 공포를 환기시키는 그림이라도 된단 말인가? 설마 그것은 아닐 테고 네이팜탄 형상으로 표현된 신사들을 자세히 보기를 바란다. 똑같은 의상에 똑같은 포즈를 취한 이 무개성한 개인들의 열거를....... 현대 조직 사회가 박탈한 도시인의 개성은 아닐까? 그것이 네이팜탄처럼 위협적인 것은 아닐까? 중력에 지배당하는 비라면 지면을 향해 떨어지겠지만, 조직에 얽혀 사는 우리의 형편을 반영하듯, 인물들은 허공 위에 불안정하게 붙잡힌 군상으로 표현되었다. 그래서일까? 많은 관람자가 이 그림을 유독 선호한다. 쓸쓸한 현대적 삶에 대한 공감에서일까? 하지만 그런 복잡한 속내를 따지지 않고도 관객은 불가능을 가능하게 만든 이 그림의 상황 설정에 열광한다. 회화의 고전적인 책무는 눈앞의 대상을 있는 사실 그대로 옮기는 것이었다.

반면 이 그림은 그와 상반되는 역할을 수행한다. 회화의 재현은 기본적으로 기만을 전제로 한다. 따라서 이 그림도 회화의 존립 근거인 '재현의 기만성'에 대한 우회적인 자기 고백인 듯하다. 동료 초현실주의자들이 무의식에 천착했다면, 마그리트는 또렷한 의식이 만들 수 있는 허구의 유희에 충실했다. 그 때문에 마그리트의 아이디어는 후대 상업 광고에 꾸준히 아이디어를 제공했다. <골콩드> 역시 예외가 아니다. 마그리트의 <골콩드>는 한국에서도 공공 미술의 형식으로 인용된 바 있다. 2005-2007년 사이 신세계 백화점 본관 리노베이션 공사의 알루미늄 차양막 위로 <골콩드>가 크게 확대 인쇄되어 세간의 이목을 끌었다. 일 년 저작권 사용료가 1억 원이나 된다는 보도도 인구에 회자되었다. 또 2009-2010년 사이 서울역 맞은편 서울스퀘어(구 대우센터) 건물 전면에 LED를 설치한 미디어 작품 가운데에도 우산을 쓰고 낙하하는 '변형된' 골콩드 동영상이 선보였다.

글

반이정/미술 평론가
미술평론가. 등에 미술평론과 시평을 고정 연재한다. 의 미술 고정 패널 출연했다. 중앙미술대전 심사위원 동아미술제 심사위원 에르메스 재단 미술상 추천위원 등을 역임했고, 서울대 홍익대 중앙대 산업대 등에 출강한다. 자전거 마니아로도 널리 알려졌다. 많은 매스컴이 우수도서로 선정한 (월간미술 2006년)외에 여러 공저를 집필했다. 네이버 파워블로거에도 선정된 반이정의 거처는 dogstylist.com

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중절모에 레인 코트 차림의 신사가 떼로 등장하는 <골콩드> 혹은 <겨울비>라는 제목의 이 그림은 재현된 이미지만 놓고 보면 영락없는 '인간비'를 그린 것이다. 중절모와 코트 차림의 사내는 르네 마그리트가 자신의 작품에 수없이 등장시킨 그의 대표 아이콘인데, 실제 마그리트 자신이 즐겨 착용한 패션이라고 한다. 화가의 분신(들)이 마치 빗줄기마냥 길쭉한 자태로 허공에 꽂혀있다.

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표성연의 별거 없는 도시

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표성연의 별거 없는 도시

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도시인데 별거 없습니다

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오토 드로우를 쓰는 나의 생각들

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살려주세,,,요,,,,,,, ㅜㅠㅠ

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하진

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토마토