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Fundada en 1965 por Ruth Benzacar tiene un fuerte compromiso con el arte contemporáneo, difundiendo el trabajo de los artistas de nuestro país.

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Fernanda Laguna y Belleza y Felicidad Fiorito

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Fernanda Laguna y Belleza y Felicidad Fiorito

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Conocé nuestra historia, los talleres y las actividades. Ponete en contacto con nosotros y seguinos en redes. Belleza y Felicidad Fiorito.

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Derecho a participación - Osías Yanov en el Premio Braque

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Derecho a participación - Osías Yanov en el Premio Braque

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Buenos Aires, 24 de mayo de 2016
El período que abarca las dos primeras décadas de este siglo ha sido crucial para el arte de Latinoamérica y, por supuesto, para ti y el rumbo de tu galería, ¿cierto?
Así es. Mi madre [Ruth Benzacar] murió en el año 2000, seis meses después que Marcantonio Vilaça. Casi no me parece casualidad que dos figuras cruciales para el arte contemporáneo en Latinoamérica dejaran este mundo con tan pocos meses de diferencia. Creo que hubo un cambio de paradigma en el mundo del mercado del arte justo en ese momento. Me parece que la consolidación, la explosión y la proliferación en el mundo ferial cambia la historia. Y eso va con la globalización y el internet: el mundo mediado por la pantalla. Ocurre casi todo en el mismo momento. Es raro. El mercado comienza a funcionar de otra manera: se va concentrando toda la energía en la feria y las galerías empiezan a tener menos protagonismo en su día a día. Contamos con una presencia real, pero estamos todos enfocados en la pantalla y en la feria como modo de operar. Por supuesto que hacemos nuestras muestras, pero realmente viene menos gente a la galería. El número de visitantes a la galería en la primera década del siglo cae de forma notable.
¿Y también los clientes?
El público sí, los clientes no. Es una moda. El arte de la década del 2000 se vuelve internacional. Queda bien socialmente coleccionar arte contemporáneo, tener una casa con arte. Salen números especiales en todas las revistas trendy. Antes no era así. El arte pertenecía a un mundo más selectivo y no era, como pasa ahora, un amplio fenómeno social. Nunca voy a olvidar cuando, en 2002, se hace la primera, y más adelante, la segunda Basel-Miami. Había mucho despliegue, mucho dinero en torno a la feria y a las buenas casas de Miami; sobre todo, las de las celebridades que se abrían para fiestas muy selectas. Varias fiestas al día. Me acuerdo de estar en la casa de Paulina Rubio, una cantante popular mexicana que estaba en un buen momento. Una chica muy joven. Su casa estaba hecha por un súper arquitecto, llena de arte contemporáneo de la mejor calidad. Yo me dije: acá está pasando algo nuevo. No era lo que yo venía viendo diez años antes.
Tuvo una coyuntura.
Ese fenómeno estuvo creciendo hasta 2008, cuando vino la crisis económica mundial con la caída de los Lehman. Basel-Miami ayudó un montón a que el arte contemporáneo llegara a ocupar un lugar protagónico por primera vez. También se da otro fenómeno medio global entre las décadas de 1990 y 2000: la proliferación de museos de arte contemporáneo, sobre todo en Europa y Estados Unidos. En España cada comuna tenía su museo y, llamativamente, pasa lo mismo en el interior de Estados Unidos y por toda Europa también. La gente se empieza a mover de otra manera, viaja mucho más. El mundo entero se desplaza, miles de turistas visitan museos... Todo eso hizo que el arte contemporáneo se pusiera de moda.
¿Y qué pasó después de la crisis?
El primer mundo -el mundo del hemisferio norte- se recupera rápidamente, igual como el interés por el arte. No pasó en nuestro país. Todavía estamos esperando que eso ocurra. Creo que hay un efecto rebote. Cuando vamos a Miami hoy, hay 24 ferias, lo que significa que hay un publico para eso. Las ferias están llenas de gente que compra y vende, ¿no? El mercado anda.
¿Quiénes dominan ese mercado? ¿Quiénes son los responsables de una caída o una subida? ¿Cuáles son los factores cruciales y determinantes? ¿Cuáles son los motores?
No sé si se puede reconocer eso con mucha precisión. Dentro de todo este movimiento, vamos hacia un lugar que no conocemos. El mercado condiciona mucho, lo que no me parece bien. ¡Tener que trabajar de galerista en una bienal! ¡Que una bienal me enseñe algo nuevo a mí como galerista! Los galeristas estamos vendiendo en las bienales. Es así, lamentablemente. Este mundo del mercado del arte está organizándose desde galerías muy poderosas: monstruos cuyos directores se ocupan de los artistas y sus coleccionistas. Son grandes empresas. No sé si eso esta bien o mal, la verdad. Es lo que es. Galerías como la mía, como Luisa Strina, como Fortes conocen a sus artistas. Los monstruos, en cambio, hacen un master plan. Son maquinas calculadoras de precios, manejan todo un aparato diferente. Dentro de ese universo de grandes ferias, etc., se está produciendo un desbalance, un desfase real. Las ferias convienen a los poderosos precisamente porque nosotros estamos quedando por fuera. Yo no puedo pagar Basel-Suiza. Me admitieron, sí. Hasta ahí, todo bien. Pero no me iba económicamente bien en la feria. No me interesa combatirme con los poderosos: White Cube, Gagosian, Hauser + Wirth. No me gusta ese modelo de galería. Me gusta el trato cuerpo a cuerpo. No me interesa estar en una mesa de directorio y dirigir una orquesta. Ese es otro negocio. Observo todo y creo que estamos en una transición hacia algo nuevo. Radicalmente nuevo. No digo que no sea necesario -por un lado- el oleaje de la información, todo globalizado; acceder a todo, estar conectados, saberlo todo, estar todos en todos lados, entenderlo todo...
¿Sabes, Orly? Escuché exactamente lo mismo de galeristas alemanes.
Es como si tuvieras una gran marca de ropa -digamos, Prada, que es una megaempresa- y la comparas con un pequeño diseñador, como acá tenemos en Palermo. Aquí siempre va a existir la pequeña galería, emergente, experimental o autogestionada por artistas. Y eso esta bien. Los que se quedan en un lugar algo raro somos nosotros. Yo siempre digo que un día me van a echar de Basel-Miami. Llevo arte bueno a Miami y lo vendo casi todo, pero mirando mis gastos, no gano dinero con eso. Cada vez los costos son más altos. Quizás vayamos a tener en un futuro cercano un Basel-Miami Plus para las megagalerías, un Basel-Miami Medium y un Basel-Miami Small.
Hablando un poco de la clientela. Digamos que los primeros años de la década del 2000 eran casi una bonanza.
Así es.
Les iba bien a todos los involucrados. ¿Ves cambios en tu clientela nacional e internacional?
Sí. Ahí entramos en un tema particular que tiene que ver con mi país. En los 25 a 26 años que he trabajado en la galería algo he aprendido, y estoy convencida de que en un país donde la economía no crece, el mercado de arte tampoco crece. Hablo a grandes rasgos. Claro que siempre habrá gente rica, siempre habrá el coleccionista fanático que va a comprar con o sin crisis. Lo que nos pasa a nosotros es que tenemos un país que no crece y por eso su mercado se ha quedado pequeñito también en precios. En las últimas ediciones de arteBA hice un estudio para ver cuál era la pieza más cara de la feria. Y es de ponerse a llorar. Da pena. No hay piezas de 500,000 dólares. Hay una que otra de 100,000 o 120,000, ¡y nadie las paga! Eso te marca la realidad en la que nos movemos. Y si salimos al mundo con nuestro cartelito de Buenos Aires, imagina... En el primer periodo después de la crisis, Argentina había tocado fondo y salió muy bien de ese terrible estado. Todo era muy esperanzador. Sin embargo, después de la crisis de 2008, el país no supo repuntar y dejamos de ser interesantes para el exterior. En Europa ni nos miran, y encima nos alineamos a Venezuela y a Cuba. Eso repercute en nuestro pequeño mercado. Fue entonces que deje ir a Art Basel en Suiza.
En Estados Unidos los coleccionistas solo compran en una galería gringa. El arte tiene que ser sancionado primero por un gringo.
Eso pasa en todo el mundo. En Basel-Suiza estaban mis amigos de Brasil, de México... Marcia, Alessandra, los Riestra... Nos conocemos todos, claro. Y les pregunté: "Perdón, ¿a quiénes les venden ustedes aquí? Los brasileños les venden a los brasileños, los mexicanos a los mexicanos... ¡Es así! La cosa ya cambia cuando el artista latinoamericano entra en las grandes ligas y su obra empieza a venderse en los grandes museos, entran en los contemporary sales y te agarra Marian Goodman, White Cube o algún otro de esos monstruos. Entonces, ya no es más un artista argentino o "sudaca". Ya es un artista internacional. Ahí sí te van a comprar los ingleses, los gringos, los alemanes... Pero eso no pasa en Argentina. Te doy el ejemplo más cruel: tenemos aquí a una estrellita internacional, que es Adrián Villar Rojas. Lo encontré en Rosario cuando tenía 20 años, tocando la guitarra y haciendo un poco de arte. Conmigo se embarcó en una carrera muy seria. Estoy orgullosa y feliz de lo que ha logrado. Pues, resulta que llevo una pieza importantísima de Adrián a Basel-Miami, a la sección principal. Y no la vendo. Marian Goodman y Kurimanzutto están a dos o tres booths de distancia ¡y tienen lista de espera para la venta de obras del mismo artista! En otras palabras, si entra un artista de este nivel en el ámbito internacional, yo desaparezco del imaginario, aunque tenga la obra. Y los precios son los mismos, ojo. Todos cuidamos bien los precios, esos sí. Pero yo vivo con esa realidad. Ya me ha pasado con varios artistas: con Leandro Erlich, con Jorge Macchi... Ojo, todos me dan obra, todos me quieren, están agradecidos. Eso está todo bien, excepto el mercado, que no está bien. ¿Ves?
Me pregunto cada vez más acerca del significado de lo local, de lo provinciano y de lo verdaderamente internacional. ¿Qué es esta clientela de compradores que no sabe, que no conoce? Parece que hoy en día, los coleccionistas no tienen ni criterio ni concepto, y se dejan guiar o desviar por las grandes marcas y nombres. Cuando empezaron las primeras ferias de arte en Alemania y en Suiza, los clientes eran industriales, médicos, abogados, etc., y también alguno que otro intelectual con dinero. Pero esta gente se vinculaba con los artistas de la época y se informaba muy bien.
Yo cada vez valoro más las colecciones formadas por el gusto que las que se arman guiadas por la moda. Cuando aparece un coleccionista que compra lo que le encanta, a mí me complace. Una colección curada tiene el alma del curador. Y las colecciones de moda tienen lo que hay que tener.
Coleccionan nombres, en vez de obras.
Claro.

Un almuerzo con el equipo y artistas de la galería, 2019

Están acabando con el arte.
Por suerte no. Siempre hay artistas nuevos y jóvenes, apasionados... Creo que el arte trasciende todo eso. Unos artistas pierden consistencia o rumbo, pero aparecen otros. Siempre hay creadores buenos, sabes. Y siempre existirán las herramientas que permiten detectar estos talentos.
¿Cómo ves a la situación de los artistas hoy y ayer?
En general, son más profesionales en el buen sentido. Analizan más. Tienen unas producciones más controladas. Para los galeristas, eso es mejor. Son más ordenados, menos románticos. Tienen a veces asistentes y secretarios, quieren ver dónde va su obra. Sin embargo, a menudo pienso en mi mamá. En cómo sería todo esto para Ruth ahora. Tendría 84 años. Creo que no sería nada feliz. Pero a mí me parece fascinante este mundo. Me gusta el reto de acompañar al mundo del arte en este momento.
Muchos colegas quieren etiquetar todo el arte y tienen miedo de lo que les parece freaky o subversivo o lo que no encaja - eso que a fin de cuentas toca la producción artística verdadera.
Claro. Es que hay una necesidad de explicarlo todo.
Hasta la muerte. El mundo latinoamericano es tan heterogéneo. ¿Cómo diferencias las distintas regiones de Latinoamérica, Orly?
Mira a Mercosur. ¡Es el mejor ejemplo! No existe en la práctica: no hay flujo, no hay libre tránsito en realidad. Todo es insular. Brasil es el país más grande de Latinoamérica. Argentina se cree la Europa del continente. Uruguay es como una provincita que no se sabe bien que es. Chile que es una tirita después de la cordillera. Paraguay es una selva. Bolivia, otra selva... Argentina, Brasil y México son estos grandes monstruos que se comen al resto de Latinoamérica. En el mundo del arte, los que ahora se hacen sentir un poco más son Colombia y Perú.

Argentina es un país de inmigrantes. No quedaron pueblos originarios. Los que existían eran muy pobres. Tribus. No tenían una cultura rica: ni inca, ni maya, ni azteca. No tenemos el apoyo de una cultura ancestral aquí. En todo caso, lo mejor que nos pasó fue la inmigración y lo peor fue exterminar a nuestros pueblos originarios. Nos creemos europeos, pero yo siento que cada vez somos más latinoamericanos.

El mundo del hemisferio norte mira a Latinoamérica con una suerte de ignorancia. Piensa que somos medio indios, qué sé yo. Entonces, una ciudad como Buenos Aires los sorprende: esta ciudad tan europeizada en un lugar muy aislado. A pesar de todos sus problemas, yo siempre he valorado mucho Brasil. Han sabido mantener la Bienal de Sao Paulo. Todo el mundo del arte sabe qué es la Bienal de Sao Paulo. Y nosotros solo estamos a dos horas de allí. Pero Buenos Aires está como en otro plano. La gente no viene acá. Yo digo siempre que nosotros necesitamos más del hemisferio norte que al revés. Necesitamos ampliar nuestros mercados. Ellos se arreglan entre sí. Desde aquí, hay que hacer un esfuerzo enorme. Si ves la subasta latinoamericana y, al lado, la contemporánea, ¡allí están las propuestas! Pero una de las cosas que decidí en mi carrera fue que no me iba a internacionalizar. Claro que a veces invito a artistas de afuera, pero no los voy a representar. Así yo soy yo.
¿Qué es una muy buena obra de arte para ti? ¿En qué criterio te basas?
Quienes hemos visto mucho, intuitivamente percibimos cuál es la buena obra. Esa expertise viene de la experiencia. Tú sabes que mi formación es científica. No tengo formación en teoría del arte. Pero desde mi infancia vivía este mundo del arte; y desde adentro, porque la galería funcionaba en mi casa. Pienso que también hay parámetros objetivos para analizar una obra: la originalidad, el recorrido del artista, la técnica... Pero, ante todo, siempre es mejor mirar primero, sin saber a quién estás viendo. Está claro que no me he equivocado tanto en los artistas que he descubierto y dado apoyo. En ese sentido, creo que he sido honesta y coherente conmigo misma. No trabajo ni promociono nada que no me guste a mí. Le hago caso a esa intuición y a ese ojo que ya se ha vuelto crítico. No ando especulando sobre lo que se vendería mejor o con quién haría mejor negocio. Eso no me interesa.

* ORLY BENZACAR (Buenos Aires, 1956)

Formada como bióloga, se incorporó a Ruth Benzacar (galería fundada por su madre, en 1965) hacia fines de 1990. En el año 2000, debido al repentino fallecimiento de Ruth Benzacar, asumió la dirección de la galería. Desde entonces, potenció el fuerte compromiso con el arte contemporáneo argentino participando en ferias internacionales como ARCO, Art Basel Miami Beach, Art Basel Suiza, MACO México, ArtBo, y en el ámbito local, en arteBA. Durante 10 años realizó el concurso "Curriculum cero", naciendo de él muchos de los artistas de toda una nueva generación. Desde 2009, Mora Bacal, su hija, se incorporó a la galería, renovando y continuando esta fecunda historia de mujeres galeristas.

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Entrevista con Orly Benzacar* - El salón de Hans

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Buenos Aires, 24 de mayo de 2016 El período que abarca las dos primeras décadas de este siglo ha sido crucial para el arte de Latinoamérica y, por supuesto, para ti y el rumbo de tu galería, ¿cierto? Así es. Mi madre [Ruth Benzacar] murió en el año 2000, seis meses después que Marcantonio Vilaça.

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Tensiones entre posiciones estéticas, instituciones y mercado a través de la trayectoria de Roberto Jacoby_compressed

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Una galería europea que representa a artistas latinoamericanos. Así conciben Matías Ercole, Ramiro Quesada Pons y Laura Ojeda Bär, sentados en un parque del barrio de Belle de Mai, al sur de Francia a NVS, la galería que, en medio de la pandemia, instalaron en Lisboa. Y que ya tuvo su debut internacional en Art-o-rama, la feria de arte contemporáneo de Marsella, donde presentaron La imagen accidental, una instalación colectiva que propone habitar una realidad dentro de otra. Los tres jóvenes, inspirados en los fondos de chroma de los sets de filmación, armaron una "caja azul". Y allí dentro buscaron explorar el contraste y reflexionar acerca del cruce entre el arte y lo digital, o el valor de las imágenes en la actualidad.

Creada en 2007, Art-o-rama es la primera feria de arte internacional en esta zona de Francia. Cada año sus organizadores seleccionan unas pocas galerías, con énfasis en proyectos jóvenes y novedosos. En esta 15ª edición, participan más de 30 de los más activos proyectos de la vanguardia internacional, donde conviven propuestas de mayor trayectoria -como la galería Köning de Berlín, o Crèvecoeur de París-, con otras más nuevas como la de NVS, que se presenta en público por primera vez. "Si bien esta es una feria de arte y el objetivo es vender, para nosotros también es una forma de presentación en nuevos circuitos", dice Ojeda Bär. La feria, ubicada en una antigua fábrica de tabaco que en los 90 se convirtió en complejo cultural, s e inauguró el viernes 27 y se extenderá hasta el 12 de septiembre. Una de sus particularidades es que comienza en formato de feria pero luego continúa, por los 10 días restantes, como muestra de arte. El evento, además, cuenta con un "Salón inmaterial" que alberga obras intangibles, específicamente de audio y texto, y pueden contemplarse a través de la web.

"Empezamos a buscar nuevos horizontes más allá de Buenos Aires, que por momentos se siente un poco pequeña, y Europa nos pareció un buen primer paso para presentar la galería", añade Ojeda Bär. Pero el Estudio NVS comienza mucho antes, en 2013, como un proyecto ideado por amigos artistas provenientes de distintos puntos del país. La decisión de montar la galería fue, para ellos, una forma de materializar y potenciar esos vínculos de amistad e intercambio artístico que surgieron azarosamente, y se mantuvieron. Consideraron aplicar a la feria cuando su amigo y director artístico de la galería, Gabriel Chaile, les contó que había participado hacía algunos años y había tenido una gran experiencia. " Producir dentro de contextos desconocidos, donde hay que buscar un proveedor que no conocés, usar materiales que se parecen pero no tanto a los que estás acostumbrado y eso da una calidad diversa al trabajo, enfrentarse a un público que no te conoce, son incertidumbres que le devuelven una vitalidad particular a nuestro ser artista", expresa Ercole.

Detalle del proyecto expositivo en la feria de arte de Marsella.

"En Argentina se ve muy lejano ir a otro lado, probar suerte en alguna feria de afuera. Nosotros queríamos darle visibilidad internacional a nuestro staff", sostiene Quesada Pons sobre la idea de poner la sede en Lisboa. Una elección que tuvo que ver con la cercanía, tanto geográfica como monetaria, que podía existir entre Latinoamérica y el continente europeo. " Lisboa es 'barata' en comparación a otras ciudades de Europa, nos pareció un lugar estratégico para estar cerca de ciertos lugares que nos interesaban por sus ferias y ambientes", agrega el escultor mendocino. La instalación que presentan en la feria surgió de un trabajo iniciado por él en Argentina que, para esta ocasión, cobró otra forma. Allí habitan, ahora, las diferentes propuestas individuales de cada uno de los tres. "Queremos romper con el estereotipo del arte latinoamericano", afirman.
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Un pequeño gran salto al circuito arty global

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Una galería europea que representa a artistas latinoamericanos. Así conciben Matías Ercole, Ramiro Quesada Pons y Laura Ojeda Bär, sentados en un parque del barrio de Belle de Mai, al sur de Francia a NVS, la galería que, en medio de la pandemia, instalaron en Lisboa.

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El gran año de Gabriel Chaile: “Me hablan de oscuridad pero yo estoy encandilado”

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De Nueva York a Londres y de Lisboa a la Bienal de Venecia: con una agenda plagada de muestras internacionales, el artista tucumano atraviesa la pandemia con hiperactividad y reconocimiento

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Avanza la "desmaterialización" de Roberto Jacoby: subastará parte de su colección de arte argentino

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El artista conceptual, que promovió la escena creativa contemporánea nacional y ahora interpreta sus propios temas musicales, rematará en Roldán sesenta de las 170 obras que compró o canjeó con colegas y amigos - LA NACION

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6862-D-2022 Ley Nacional Artes Visuales - INAV

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Tarifario - Proyecto de Ley Nacional de Artes Visuales

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Tarifario - Proyecto de Ley Nacional de Artes Visuales

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Honorable Cámara de Diputados de la Nación

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EVENTO COMPLETO: 19 de mayo de 2023 - PROYECTO DE LEY, CREACIÓN DEL INSTITUTO DE ARTES VISUALES

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Roberto jacoby con su obra durante una edición del Salón Nacional de Artes Visuales (Foto: Silvina Frydlewsky / Secretaría de Cultura de la Nación)

"Estoy en una etapa nueva de mi vida. Cada tanto me reconstruyo: empecé a cantar (NdR: junto con Nacho Marciano, conformó un magnífico dúo creativo), hice mis discos, publiqué seis libros de poesía. Cuando empecé a escribir, me dio mucha felicidad y tranquilidad. Es una especie de desmaterialización: llegar a las palabras, nada más", dice Roberto Jacoby en diálogo con Infobae Cultura. El sociólogo, artista conceptual, letrista de grandes hits de Virus y agitador cultural porteño habla así porque decidió desprenderse de 60 obras (de su colección integrada por 170 piezas), que se subastarán en la galería Roldán. Son piezas que compró, canjeó o le regalaron colegas y amigos, según cuenta.

Promotor clave de la escena artística creativa contemporánea nacional, Jacoby, ojo agudo, le puso su ADN a la desmaterialización del arte: menos átomos puros y duros, más lazos sociales como nervaduras, fuertes, imborrables. Ese es su lema. Hizo 37 letras para Virus y creó Ramona, la única revista de arte sin imágenes. Obtuvo la Beca Guggenheim por su proyecto Venus, una microsociedad dedicada a reunir y contactar gente entre sí, que incluso tenía su propia moneda que les permitía a sus asociados intercambiar bienes y servicios al margen de la economía nacional. En la subasta hay un lote (sale con una base de 1.500 dólares) de aquellos billetes que circularon y cuyo respaldo monetario fueron los fondos de aquella Beca Guggenheim que Jacoby donó.

Obra de senigrafía de Jacoby (Gentileza Roldán Subastas)

"Tengo una casa, a una cuadra del Congreso, que no es excesivamente grande, y estaba cubierta de obras de mis amigos y en cierto momento eso me empezó a pesar: tener todos esos espíritus ahí flotando. Muchos no están más", cuenta Jacoby. Al pintar las paredes de su casa, descolgaron las piezas, que quedaron en un depósito: él prefirió las paredes blancas. "Si están en un depósito, no circulan, es como si no existieran", señala. Por eso, decidió hacer la subasta.
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Obra sin título, de Fernanda Laguna (Foto: Gentileza Roldán Subastas)

No le resultó fácil desprenderse de estas piezas, pero su objetivo es que tengan una nueva vida. "Hablé con cada uno de los artistas personalmente y les pedí permiso", cuenta Jacoby, que decidió aplicar el droit de suite, que se realiza por primera vez en una subasta en nuestro país: cada artista recibirá el 3% de lo obtenido por la venta de cada obra.

El remate incluye obras del propio Jacoby, Marina De Caro, Ariadna Pastorini, Sandro Pereira, Miguel Harte, Sergio Avello, Luciana Lamothe, Rosario Bléfari, Kiwi Sainz, Flavia Da Rin, Benito Laren, Matías Duville, Jorge Gumier Maier, Ricardo Carreira, Mariela Scafati, Nacho Marciano, Marcelo Pombo, Fermín Eguía, Margarita Paksa, y Fernanda Laguna, entre otros.

Estamos frente a una colección que tiene un plus: no la conformó un coleccionista, sino un artista: es posible encontrar en cada pieza lazos afectivos que perduran en el tiempo, recuerdos entrañables, palabras de quienes ya no están, secretas afinidades. "Esta colección es un conjunto de historias", sostiene su hacedor. Y añade: "No se trata de un coleccionista que le pide a un curador que lo asesore. Yo no soy un coleccionista y esto tampoco es una colección: en realidad es parte de mi vida".

Jacoby Gondolero, por Kiwi Sainz (Foto: Gentileza Roldán Subastas)

Visionario, heterodoxo, Jacoby, el ojo avezado, compró la primera obra que hizo Sergio Avello (base: 2.500 dólares) y la exhibición completa de Fernanda Laguna en el Centro Cultural Rojas, ya en 1998, y también un peluche con lámpara de 1995 (precio base: 5 mil dólares). Recientemente 25 dibujos de la artista de la serie Dibujos Moleskine integraron el patrimonio del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

"Es la primera colección que sale a la venta de un artista, que justamente por ser artista tiene una sensibilidad especial. Desde los años sesenta hasta hoy Jacoby participó de la escena: todo lo que él elige es sumamente selectivo y representativo del arte contemporáneo argentino", considera Sebastián Boccazzi, director de Roldán, quien cuenta que la recepción de la subasta es impactante: despertó gran ansiedad en los coleccionistas. Ya hay reservas pre remate.

No soy un clown es una serie de 6 fotografías pequeñas (base 3.500 dólares) tomadas por Kiwi Sainz cuando Jacoby integraba el grupo de improvisación teatral de obras de William Shakespeare en Cemento. Esta serie se expuso en 2022 en Roberto Jacoby. No soy un clown en el Museo de Bellas Artes Franklin Rawson, de San Juan, y se expondrán este año en el Museo Universitario del Chopo, en Ciudad de México.

"La Castidad", un video protagonizado por Nahuel Pérez Biscayart y Harry Havilio (Foto: Gentileza Roldán Subastas)

La Castidad (precio base: 3500 dólares), un video protagonizado por los actores Nahuel Pérez Biscayart y Harry Havilio, surgió de un "experimento de comunismo molecular" que Jacoby desarrolló junto con Syd Krochmalny, actual curador de la galería Barro en Nueva York. Se propusieron convivir compartiendo todos sus objetos y dinero, pero manteniendo la castidad. El resultado, se consigna en el catálogo de Roldán, es un video cuyo guion "trata en clave paródica la relación del maestro y el discípulo, amado y amante, joven y anciano, en la cultura ateniense". El video se vio, entre muchos otros sitios, en la Pinacoteca de San Pablo y en la muestra Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. "Todo terminó en una gran pelea", recuerda Jacoby de aquel experimento que inició el proyecto.

Kiwi y Roberto, fotografiados por Alejandro Kuropatwa, 1992 (Foto: Gentileza Roldán Subastas)

De Sergio de Loof hay una instalación compuesta por 15 piezas con escrituras con marcos antiguos (precio base: 7 mil dólares). Al ver la exhibición de De Loof en Belleza y Felicidad, Jacoby quedó tan deslumbrado que decidió comprarla entera. Se conocieron cuando De Loof abrió el mítico bar Bolivia. Surgió una amistad, se reunían para que Jacoby le contara sobre el contexto social de los años sesenta. Cuando el alma mater de la noche porteña de los noventa, quien definió sus diseños como "una moda hermosa para pobres y feos", se quedó sin casa, Jacoby le prestó la suya.

Está la fotografía Cóctel (precio base: 4 mil dólares), que Alejandro Kuropatwa le regaló a Jacoby por haber escrito el texto para el catálogo de su muestra en la galería Ruth Benzacar, en 1996. Pablo Suárez lo marcó de una vez y para siempre: "Decidí dedicarme al arte a partir de una muestra suya", recuerda el artista. Y suma: "A partir de ahí se convirtió en compinche, hermano, tuve por él un enorme cariño y admiración". De Suárez salen a remate, entre otras obras, Los cisnes de Palermo (precio base 6 mil dólares) y un dibujo sobre papel (precio base de 800 dólares).

Obra sin título, de León Ferrari (Foto: Gentileza Roldán Subastas)

De León Ferrari, hay un dibujo sobre papel (es la obra que sale a subasta con mayor base: 20 mil dólares) que le obsequió a Jacoby: una de sus primeras caligrafías vinculadas con la poesía visual. "Tuve una muy linda relación con León: tenía 20 años más que mi generación pero era muy joven, brillante, creativo, inteligente, lleno de humor. Una persona muy libre", recuerda de su amigo Jacoby, quien escribió sobre su obra en La opinión, Ramona y Crisis.
*Las obras se pueden ver este sábado y domingo, de 15 a 20; lunes y martes de 10 a 19; con entrada gratuita en Roldán (Juncal 743, CABA). La subasta será el miércoles 22 de marzo a las 19.30.
"En los noventa pasábamos los fines de semana en la quinta de unos amigos. León en aquella época no estaba muy considerado, a él lo empezaron a considerar en la década de 2000. Se convirtió en un boom de mercado, cosa que le divertía muchísimo. Decía: "Ahora soy millonario, y tengo mi propia Casa de la Moneda: dibujo algo y vale miles y miles de dólares. Él patrocinaba proyectos: iba un artista y le decía: Quiero sacar un libro así y así, y él le decía: Bueno, tomá. O proyectos sociales. Era una persona ultra generosa. Siempre lo fue, lo que pasa es que antes era generoso pero no tenía demasiada fortuna", recuerda el artista a partir de esta obra que condensa una historia de vida.

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Se subasta parte de la colección de Roberto Jacoby, con joyas del arte contemporáneo argentino

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Roberto jacoby con su obra durante una edición del Salón Nacional de Artes Visuales (Foto: Silvina Frydlewsky / Secretaría de Cultura de la Nación) "Estoy en una etapa nueva de mi vida. Cada tanto me reconstruyo: empecé a cantar (NdR: junto con Nacho Marciano, conformó un magnífico dúo creativo), hice mis discos, publiqué seis libros de poesía.