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Aqui vocês devem inserir o título da sua pesquisa.

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Aqui vocês devem inserir o título da sua pesquisa.

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Nome do artista, ano e local de produção da obra.

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Explicar como as características do Renascimento são apresentadas na obra.

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Comentário explicativo sobre a obra, quem é o personagem(ns) representado(s) na obra

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Imagem da Escultura de Davi feita de Mármore de Carrera, na Galeria da Academia de Belas Artes de Florença.

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Criado por Michelangelo, em torno de 1501 a 1504, Florença na Itália.

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A estátua de Davi de Michelangelo, é caracterizada por ser um ícone do Renascimento, onde reflete o Antropocentrismo (A crença de que o homem é o centro do universo e o principal objeto de estudo e criação artística) e Valorização da cultura greco-romana (O resgate de ideias e valores da cultura greco-romana).

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A escultura representa Davi como um jovem forte e corajoso, onde mostra Davi momentos antes de enfrentar o gigante Golias após o mesmo insultar o Deus de Israel e o derrotar usando uma funda e uma pedra. obs: Michelangelo escolheu retratar Davi no momento de tensão e concentração antes de enfrentar Golias, em vez de após a vitória.

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O artista que produziu Pietá é Michelangelo. Michelangelo esculpiu a Pietá na Basílica de São Pedro, na Cidade do Vaticano, entre 1498 e 1499.

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Michelangelo empregou um realismo notável na representação dos corpos, com atenção especial à anatomia e à expressão facial. Também há antropocentrismo pois humanos estão no centro da obra

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A Pietá, no contexto da arte cristã, refere-se à representação da Virgem Maria com o corpo morto de Jesus nos braços após a crucificação.                                                                                                                                         curiosidades: é a única obra assinada de Michelangelo. Foi criticada pela representação da Virgem Maria. Ela já foi atacada e danificada. Ela é uma mistura de estilos esculturais. Michelangelo já fez uma gambiarra em Pietá por uma desproporção da cabeça em relação ao corpo.

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Artista: Michelangelo Buonarroti.

Localização: Teto da Capela Sistina, Vaticano.

Data: Aproximadamente 1511 (período de produção entre 1508 e 1512)

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O humanismo, com seu foco no ser humano e suas capacidades, é evidente na representação idealizada dos corpos de Deus e Adão, ambos exibindo beleza e proporção clássicas. O antropocentrismo, que coloca o homem como centro do universo, é reforçado pela interação entre as figuras, com Deus transmitindo a centelha que é pequena partícula de fogo, luz ou energia que se desprende de algo. da vida a Adão. A busca pelo realismo e a representação precisa da anatomia humana também são características notáveis, com Michelangelo estudando a anatomia para retratar os corpos.

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resumo: "A Criação de Adão" é um afresco que representa o momento em que Deus, um homem idoso envolto em um manto, dá vida a Adão, o primeiro homem, tocando-o com o dedo. A obra é conhecida por sua representação da anatomia humana, com Adão em uma posição de despertar, e por seu simbolismo religioso, mostrando a relação entre Deus e a humanidade.                                                                                                                     curiosidade: A distância entre os dedos de Deus e Adão, sem se tocarem, cria uma tensão e simboliza a iminência o que é iminência é tudo que indica algo que está iminente, ou seja, que está prestes a acontecer. da vida e a conexão entre o divino e o humano.                   

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Nome do artista:Sandro Botticelli.

Ano:1482

Local de produção da obra:Florença,Itália.

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Tema mitológico clássico, referências simbólicas, um estilo gracioso, uma composição cuidadosa e uma rica narrativa.

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É uma obra rica em simbolismo e detalhes que a tornam um ícone Renacimento italiano. A pintura, também conhecida como "Alegoria da Primavera", retrata um jardim exuberante com figuras mitológicas e elementos naturais, e sua interpretação envolve diversos aspectos da filosofia neoplatônica e dois ideais renascentistas.

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Gioconda, Florença, Itália, Leonardo da Vinci ,1503 e 1506,

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O uso da técnica do sfumato, a representação realista do ser humano e da natureza, o equilíbrio e a harmonia da composição, o interesse pela individualidade e psicologia do sujeito retratado, e a valorização da cultura clássica greco-romana.

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Retrata uma mulher sentada, com um leve sorriso, em frente a uma paisagem. A técnica utilizada é o sfumato, que cria um efeito esfumaçado. A identidade da mulher retratada é motivo de debate, mas a teoria mais aceita é que seja Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo. 

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O criador desta obra se chama Ticiano. Ela foi criada em 1518. Ela foi produzida na igreja Santa Maria dei Frari, em Veneza, na Itália.

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A "Assunção da Virgem" de Ticiano foi um divisor de águas no Renascimento italiano, especialmente para a Escola Veneziana. Com ela, Ticiano aplicou um dinamismo e uma carga emocional sem precedentes na pintura, usando cores vibrantes e uma luz dramática que guiava o olhar para a Virgem Maria em ascensão. Essa abordagem inovadora na composição e no uso da cor não só rompeu com as convenções da época, mas também antecipou características do estilo Barroco, solidificando o legado de Ticiano como um mestre que transformou a arte de seu tempo.

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Essa pintura gigante do Ticiano, feita pro altar da Basílica dei Frari em Veneza, causou polêmica no começo porque os frades acharam as figuras grandes demais! Mas Ticiano mostrou quem mandava e ela virou um marco. As cores supervibrantes dele foram uma inovação, quebrando o padrão da época e definindo o jeito veneziano de pintar. Além disso, a obra tem um movimento e uma emoção que eram pura novidade, quase um spoiler do estilo Barroco que viria depois. Basicamente, essa pintura foi o lançamento do Ticiano ao estrelato, mostrando pra todo mundo a genialidade dele com cor, composição e emoção!

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O pintor é o Leonardo da Vinci, foi pintada em 1498. A Última Ceia, foi pintada na parede do refeitório do antigo convento de Santa Maria delle Grazie, em Milão, Itália.

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Realismo e humanismo. Expressões emocionais detalhadas e gestos naturais dos apóstolos, destacando a dimensão humana da cena.

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Em "A Última Ceia", Leonardo da Vinci retrata Jesus Cristo e seus doze apóstolos, momentos antes da crucificação. Os apóstolos, da esquerda para a direita, são: Bartolomeu, Tiago Menor, André, Judas Iscariotes, Pedro, João, Jesus, Tomé, Tiago Maior, Filipe, Mateus, Tadeu e Simão. Essa obra representa Jesus falando aos outros que existe uma pessoa traíra entre eles. Uma curiosidade é a ausência de auréolas nos personagens, inclusive em Jesus, o que reflete a visão de Da Vinci sobre a humanização dos personagens bíblicos e sua ligação com o movimento catarista.

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"LA Tempesta" ou "A Tempestade", è uma pintura renascentista de Giorgine, datada de cerca de 1506-1508 em Veneza,Italia, e é considerada uma de suas obras mais enigmaticas .Seu significado ainda é um mistério,com diversas interpretações propostas.

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'' La Tempesta'' é uma pintura Renascentista caracterizada pelo uso da cor atmosfera para criar uma sensação de mistério e beleza Natural. A obra também explora temas como a relação entre natureza e humanidade, a efemeridade e a vida.

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A obra "La Tempesta" representa uma paisagem com duas figuras e uma tempestade ao fundo,mas seu significado permanece em enigma.Curiosidades sobre:A obra "La Tempesta" influenciou muitos artistas,especialmente como lidar com a paisagem e a atmosfera em pinturas,a figura da mulher amamentando, foi frequentemente interpretada como uma alegoria da natureza,da maternidade ou da caridade,é um dos elementos centrais da obra,o raio que atravessa o céu pode simbolizar a ira de Deus ou a força da natureza,conectando a cena a temas religiosos e filosófico.

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A Última Ceia de Plautilla Nelli foi criado em 1568. A Última Ceia foi produzida no refeitório do convento de Santa Caterina di Cafaggio, em Florença.

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É uma obra notável por ser a primeira representação em grande escala do tema por uma mulher,pintada em Florença no século XVI. Retratando o momento bíblico em que Jesus Cristo revela aos seus apostolos que um deles o traira.

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Suor Plautilla Nelli_ Ultima cena, 1550 c_ _ Firenze, Museo di Santa Maria Novella

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A obra de Sandro Botticelli foi criada em 1484-1486 em florença (Italia)

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o quadro simboliza a humanidade. os detalhes da obra (o cabelo da vênus,o mar, o manto e a roupa da deusa da primavera) representam o renascimento. 

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 A concha simboliza a fertilidade e o prazer. O formato da concha remete ao sexo. a cena retratada é o nascimento da deusa romana Vênus (equivalente à grega Afrodite), emergindo do mar em uma concha. A deusa é levada para a costa pela brisa de Zéfiro e recebida por uma figura feminina que a cobre com um manto. A pintura é uma feminino e costuma ser considerada também o símbolo do batismo.A obra, um ícone do Renascimento, celebra a beleza, o amor e a harmonia, refletindo o idealismo da época e a redescoberta da cultura clássica.  Existem duas teorias sobre a origem da deusa. A primeira diz que ela foi gerada pelas espumas do mar dentro de uma espécie de concha, outra afirma que a deusa é filha de Júpiter e Dione.

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O autor foi William Shakespeare,o ano foi 1591 e 1595 e o local foi Verona na Itália.

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 Uso da linguagem poética, personagens complexos e pela exploração das emoções humanas de forma intensa e visceral, realismo, individualismo e uma nova visão do tempo

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"Romeu e Julieta", de William Shakespeare, é uma tragédia que explora o amor proibido entre dois jovens de famílias rivais, os Montecchio (Romeu) e os Capuleto (Julieta), em Verona, Itália. A peça é conhecida por seus temas universais como amor, ódio, conflito familiar e destino trágico. . O título original não era Romeu e JulietaQuando foi publicada, a obra tinha um título mais longo e descritivo: The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet.2. A inspiração no poema de Arthur BrookeWilliam Shakespeare baseou-se no poema de 1562, do poeta inglês Arthur Brooke, The Tragicall Historye of Romeus and Juliet, para criar os eternos namorados de Verona. Mais tarde, Shakespeare dramatizou a obra e aprofundou a narrativa, acrescentando outras personagens, como Mercúrio.  As cartas escritas a Julieta em VeronaEm Verona, há uma casa que chegou a pertencer à família Cappello – semelhante ao nome Italiano Capelletti – que é hoje utilizada como atração turística e transformada na alegada casa de Julieta. Os turistas que a visitam enchem as paredes da casa com declarações de amor, cadeados e mensagens românticas, e a organização chega a responder a mais de quatro mil cartas por ano, enviadas de todos os cantos do mundo, com apelos para que Julieta os ajude com os seus problemas amorosos. Poucas são as pessoas que desconhecem a trágica história de amor eternizada por William Shakespeare. Romeu e Julieta inspirou centenas de peças de teatro, filmes e até séries de televisão, imortalizando o trabalho do dramaturgo inglês até aos dias de hoje. 

Mas sabia que não foi Shakespeare o primeiro a escrever sobre os Montéquios e os Capuletos? Ou que a clássica cena à janela entre os dois amantes nunca aconteceu, de facto, numa varanda? Conheça estas e outras curiosidades sobre Romeu e Julieta.

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Michelangelo, em 1541, Na parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano

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Antropocentrismo, realismo, Uma nova visão do tempo.

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O "Juízo Final" é uma representação visual do dia do Juízo Final, um conceito central na fé cristã, onde Cristo volta à Terra para julgar todos os vivos e mortos. A obra de Michelangelo, com suas dimensões impressionantes (13,7 m x 12,2 m), ocupa a parede do altar da Capela Sistina. 
No centro da composição, encontra-se Cristo, com o braço direito erguido em um gesto de condenação e o esquerdo parecendo abençoar os escolhidos. Ao seu redor, estão os santos, incluindo São Bartolomeu com a pele esfolada (onde Michelangelo se auto-retratou) e os mártires, segurando os instrumentos de seus martírios. Anjos com trombetas anunciam o julgamento, enquanto outros carregam livros com os nomes dos salvos e condenados. 
Na parte inferior do afresco, a cena se divide: de um lado, almas ascendem ao céu, guiadas por anjos; do outro, almas são arrastadas para o inferno, representadas por demônios e por Caronte, o barqueiro mitológico do submundo. O afresco também inclui uma figura que parece estar paralisada de horror ao perceber sua condenação. 
A obra de Michelangelo se destaca pelo realismo anatômico e pela expressão intensa das emoções humanas, como medo, desespero e alegria, transmitidas através dos corpos e gestos das figuras. O "Juízo Final" é uma obra complexa que reflete tanto a fé cristã no julgamento final quanto a preocupação do artista com a condição humana e o destino da alma. 

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xistem várias representações artísticas famosas do tema "As Três Graças" em diferentes períodos. A obra de Peter Paul Rubens foi criada por volta de 1635. Outra escultura notável, As Três Graças de Canova, foi feita entre 1814-1817. A escultura de James Pradier data de 1831.

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As Três Graças, figuras mitológicas gregas associadas à beleza, elegância, harmonia, natureza e criatividade, continuam a ter um impacto significativo na cultura contemporânea, influenciando tendências na arte, moda e design, ao mesmo tempo que o Renascimento, com suas características como o humanismo, antropocentrismo, individualismo, racionalismo, cientificismo e valorização da Antiguidade Clássica, serve como um período de inspiração para a arte e a cultura atuais, com uma reinterpretação dessas ideias através de novas expressões artísticas e filosóficas. 

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são deusas da mitologia grega que representam a beleza, a natureza, a criatividade, a fertilidade, o encanto, a concórdia, a gratidão, a prosperidade e a alegria.

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A obra "Decameron" de Giovanni Boccaccio foi escrita em Florença, na Itália, durante o século XIV, especificamente entre os anos de 1348 e 1353

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A obra destaca o humanismo ao retratar a vida cotidiana com seus valores terrenos e não apenas os espirituais, como era comum na Idade Média. O livro também é um marco na transição para o realismo, ao apresentar uma visão mais objetiva e detalhada da realidade, com personagens complexos e situações verossímeis. Além disso, o Decamerón celebra a vida, o amor e a inteligência humana, em contraste com a visão mais pessimista e ascética da Idade Média. 

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A obra se passa durante a peste negra que assolou a Europa no século XIV. Para escapar da doença e do caos em Florença, um grupo de dez jovens se retira para uma região rural. Para passar o tempo e distrair-se da dura realidade, eles decidem contar histórias uns para os outros. Cada dia, um dos jovens é escolhido como rei ou rainha e define um tema para as histórias do dia. As histórias abordam temas variados, como amor, engano, esperteza, tragédia e fortuna, mostrando uma ampla gama de situações da vida humana. O livro é considerado um marco na literatura, pois rompe com a moralidade medieval e introduz elementos do realismo e humanismo, com foco nos valores terrenos e na natureza humana. A obra é conhecida por sua riqueza de detalhes sobre a vida na época, a variedade de temas abordados (amor, morte, esperteza, fortuna) e por ser um marco na literatura, influenciando muitos autores posteriores. 